A continuación encontraréis mi personal aportación de ranking de diez películas que, en mi opinión, han destacado este año. No hace falta decir –o no debería hacerla, pero es mejor tener cuidado– que no se trata de un intento de canon absoluto ni de premios concedidos desde el blog, ni de ganas de establecer un criterio sobre otros. Es mi opinión y aquí la incluyo únicamente con intención informativa, para haceros saber lo que me han parecido las películas de este año e invitando a que vosotros mismos establezcáis vuestras listas en los comentarios. Si no coincidimos, como probablemente ocurrirá, recordad todas esas frases que hay sobre el gusto, sobre que cada persona tiene uno y sobre que no hay nada escrito acerca de ellos.

El 2011 no ha sido, para mí, un año muy satisfactorio cinematográficamente. Aunque ha habido bastantes películas buenas y que me han hecho disfrutar del cine, ninguna, a lo largo de doce meses, que se dice pronto, ha resultado una excelente sorpresa o se ha colocado en la categoría de obra maestra o de film de referencia para volver a ver año tras año en mi mente, como sí ha ocurrido en otras ocasiones. Es una lista que me cuesta rellenar porque se queda flaca. Existen muchas candidatas para colarse entre estas diez, pero cuando veo a cada una de ellas ocupando un puesto del primero al décimo, me parece que se lo merecen con poca convicción. Pero bueno, a falta de mejores candidatas, aquí están de abajo arriba, las diez mejores películas de 2011 según Beatriz Maldivia:

10. ‘También la lluvia’

Icíar Bollaín cuenta para ‘También la lluvia’ con un guion del reconocido Paul Laverty, lo que le hace elevarse por encima de la calidad que tuvieron sus films justo anteriores. Aunque tiene defectos, quizá debidos a un montaje que trató de resumir el exceso de tramas de forma torpe, me parece un gran relato que sabe demostrar perfectamente un paralelismo entre dos tipos de explotación y de discriminación. La presencia de actores de gran talla, como Luis Tosar o Gael García Bernal, es un aliciente, aunque no es para mí lo que más me atrapó del conjunto. Comienza de manera lenta y tarda en hacer conjugar las dos narraciones, pero una vez entran las dos en consonancia, se mantiene durante un tiempo con interés. Mejor la parte central que el arranque y la resolución, pero bastante buena en general. La única española que incluyo en mi lista y lo que más elogio de ella no es lo español, sino la pluma de un inglés en la escritura de la historia. Y no es porque rechace nuestro cine, pues he visto todas las que había que ver y, en concreto con respecto a las comedias, con muchas ganas de disfrutarlas, pero me parece que ha sido un año especialmente bajo para la cinematografía patria.

En Blogdecine |

• ‘También la lluvia’, un gran relato en dos épocas, por Beatriz Maldivia.

• ‘También la lluvia’, otro torpe relato español, por Juan Luis Caviaro.

9. ‘Incendies’

Adaptada de la obra teatral homónima de Wajdi Mouawad, ‘Incendies’, la película de Denis Villeneuve que fue nominada al Oscar al mejor film de habla no inglesa, cuenta, a través de flashbacks, una historia dividida en dos momentos temporales. Está cargada de fuerza dramática y cuenta con algunas escenas escalofriantes y realizadas con exquisito gusto. Se le puede achacar un exceso de retorcimiento de la historia y de encaje de bolillos para que las coincidencias permitan que se desenlace como desean los autores. No obstante, es un film intenso y potente y con una fuerte crítica política y social.

En Blogdecine | ‘Incendies’, una tragedia griega en un mundo en constante conflicto.

8. ‘El ilusionista (L’Illusioniste)’

Soy una fan acérrima de Jacques Tati, así que todo lo que pueda relacionarse con este ácido observador de la sociedad es bienvenido por mi parte. ‘El ilusionista (L’Illusioniste)’ es un film de animación con un estilo muy elegante y de bellos colores, que recrea uno de los guiones escritos por el genio. Aunque no tiene el brío de sus auténticas creaciones, la película mantiene gran parte del encanto del mago. Lenta en su progresión y con momentos mejores que otros, la cinta es, en conjunto, una opción deliciosa y embaucadora, pero no la rompedora obra maestra que son casi todas las creaciones del fallecido Tati.

En Blogdecine | ‘El ilusionista (L’Illusionniste)’, Jacques Tati resucitado por el arte de la magia de la animación.

7. ‘Crazy, Stupid, Love’

Una comedia divertida y refrescante en la que todo lo que pasa es tópico, pero se cuenta y se interpreta de una manera tan sorprendente, que estimula. Grandes interpretaciones de Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Kevin Bacon y Marisa Tomei hacen posible esta diferencia conseguida por Glenn Ficarra y John Requa, los autores de ‘Phillip Morris, ¡te quiero!’ (2009) que en su día no me convenció tanto, probablemente porque esperaba mucho de ella.

En Blogdecine |

• ‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor, por Alberto Abuín.

• ‘Crazy, Stupid, Love’, lo de siempre como nunca, por B. Maldivia.

6. ‘Un dios salvaje’

Entre esta película y la siguiente, ‘The Artist’, dudo con el puesto. También podrían estar al revés y ser ésta la quinta y la siguiente la sexta. Ambas películas me parecen muy divertidas y disfrutables, pero las dos se quedan más o menos en eso. Roman Polanski realiza una adaptación de la obra de Jasmina Reza, ‘Un dios salvaje’, en la que lo que le importa es el humor. Los cuatro actores que la interpretan, Christoph Waltz, Jodie Foster, Kate Winslet y John C. Reilly, están de fábula. El que más humor desprende y que se come prácticamente la película es Waltz, su interpretación, por sí sola, ya vale el visionado. El polaco los dirige con una mano sabia y certera y las sesiones de ensayo y preparación dan su fruto. La puesta en escena es perfecta y el director extrae de un único escenario una variedad de planos que impiden el cansancio. Lo que no hace la película es penetrar socialmente, más allá de un retrato despiadado de gente muy deplorable y falsa, quizá porque a Polanski no era el aspecto de la obra que más le atraía.

En Blogdecine | ‘Un dios salvaje’, Polanski se decanta por el humor.

5. ‘The Artist’

Michel Hazanavicius escribe y dirige una película sorprendente. Utilizando el sonido solo para la música que parece tocada aparte por una orquesta durante la proyección, y algún efecto o voz, dirige una película muda no al estilo de las que se hacían en los años veinte, sino trasladándose hasta allí para tomar aspectos y hacer una película muy de ahora, metalingüística y referencial. Los intérpretes principales, Jean Dujardin y Bérénice Bejo, encarnan una historia de amor con tal encanto y sonrisas tan abiertas que es difícil no contagiarse de ese entusiasmo y disfrutar de la obra como algo delicioso y ameno. John Goodman, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller y James Cromwell, entre otros, terminan de componer un reparto muy atinado en esta interpretación del mudo. Técnicamente, la recreación es perfecta, pero no podemos, no obstante, obviar que la historia que se incluye de fondo es sumamente lineal y sencilla y que la parte previa al desenlace se estira sin demasiado interés. Este agradable capricho del autor se disfruta mucho mientras se ve, pero carece de fuerza o significación para ser algo más.

En Blogdecine |

• ‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood, por Juan Luis Caviaro.

• ‘The Artist’, una celebración del pasado y del presente, por Beatriz Maldivia.

4. ‘Margin Call’

Llegamos ya a las películas políticas y no voy a negar que pueden haber entrado en puestos importantes un par de títulos que, si bien cinematográficamente no serán tan perfectos como para estar ahí, por su significación o capacidad crítica y movilizadora sí me parece que merecen mucho reconocimiento. Pero es que en cine hay que valorarlo todo y las intenciones o la repercusión de las películas también. ‘Margin Call’ no es una obra maestra ni un peliculón. De hecho, se trata de una peliculita menor, independiente, rodada casi en escenario único y centrada en una noche de tal forma que casi parece una obra de teatro adaptada a medias. Sin embargo, lo que cuenta tiene tanta fuerza que resulta impactante, gracias a que sabe muy bien cómo narrarlo e ir desengranando la reacción en cadena que se produjo la noche antes del desplome de Wall Street. Un reparto espectacular, compuesto por Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Zachary Quinto, Stanley Tucci y Simon Baker, permite que todos estos seres deplorables o cobardes resulten creíbles, pero incluso que lleguemos a comprender sus acciones.

En Blogdecine |

• Berlinale 2011: ‘Margin Call’, la tragedia de los tiburones, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Margin Call’, reacción en cadena, por Beatriz Maldivia.

3. ‘Inside Job’

Es la otra cara de la película anterior, la versión documental, el complemento. Aunque la considero mejor cinematográficamente, no tendría muchas ganas de volver a verla, mientras que sí repetiría ‘Margin Call’. Gracias a una hábil estrategia de ir extrayendo de los entrevistados lo necesario y de dejarlos hablar sin que sean capaces de calcular las consecuencias de lo que dicen, los autores, Charles Ferguson y Audrey Marrs, ponen de manifiesto la falta de escrúpulos de las personas que nos han llevado hasta la crisis en la que todavía no vemos sumidos. De forma didáctica y comprensible, pero no condescendiente o manipulada, se van explicando los fenómenos de los que se podría saber algo, pero que viene bien conocer a fondo. Con el regalo del DVD por parte de un periódico del fin de semana pasado estoy segura de que habrá muchas personas que la acabarán de ver o la tendrán pendiente. Parece que voto estas dos películas solo por política, pero también estoy valorándolas como cine, ya que otras propuestas de intenciones similares, como ‘The Company Men’ o ‘La doctrina del Shock’, no me han parecido merecedoras de incluirse en esta lista.

En Blogdecine | ‘Inside Job’, nada aterra más que la realidad económica.

2. ‘Cisne negro’

Darren Aronofsky nos regaló al principio de año una película dura y difícil, de esas con las que lo más normal es ponerse totalmente en contra o totalmente a favor, pero con la que son raras las medias tintas o, mucho menos, la indiferencia. La interpretación de Natalie Portman como una bailarina torturada y reprimida me parece espléndida y el terror que forman a su alrededor otros personajes, interpretados por Barbara Hershey como su madre o Vincent Cassel, como su profesor, son tremendos. Completan el reparto, ambas en la categoría de rivales, Mila Kunis y Winona Ryder. Me parece que como retrato psicológico de mentes perturbadas consigue esa profundización que he echado de menos en otros films, como ‘Un método peligroso’. No creo que ‘El cisne negro’ sea perfecta, pero es una película que consiguió afectarme y crearme sensaciones en el cine, lo que ya es bastante decir.

En Blogdecine en orden cronológico |

• ‘Cisne negro’, nuestro peor enemigo, por Beatriz Maldivia.

• ‘Cisne negro’, réquiem por una bailarina, por Juan Luis Caviaro.

1. ‘Hanna’

Es mu probable que me quede sola o casi sola defendiendo ‘Hanna’ como mejor película de 2011 y no es porque sea incondicional de su director, Joe Wright. Si bien me encantó ‘Orgullo y prejuicio’, ‘Expiación’ la encontré irregular y ‘El solista’ detestable. La protagonizada por Eric Banna, Saoirse Ronan y Cate Blanchett es una cinta extraña, con unos saltos de tono extremos que pasan de la acción trepidante a ritmo de los Chemical Brothers a escenas contemplativas o personales muy pausadas. Estéticamente, se trata de cine de gran belleza y la manera en la que aproxima el relato de ciencia ficción es superficial o, si se quiere, sesgado, dando importancia a otras cuestiones, que son la sensibilidad personal de esta joven asesina. Está claro que no es una película idónea y no le puse en mi calificación más de un ocho. Pero sí me parece una propuesta sorprendente y de momentos muy potentes. Ya que no tenía ninguna idea sobre ella antes de verla, pude asombrarme con cada una de sus escenas. Encontré, además, que el autor profundizaba muy bien en la personalidad de la torturada protagonista.

En Blogdecine | ‘Hanna’, la sensibilidad de una fría asesina.

Otras películas

Se habrían quedado a continuación, entre otras, ‘Super 8’, ‘Another Year’, ‘Nader y Simin, una separación’, ‘El perfecto anfitrión’, ‘La boda de mi mejor amiga’, ‘Cuestión de principios’, ‘El hombre de al lado’, ‘La deuda’, ‘Bad Teacher’, ‘The Green Hornet’, etc… No es que me falten películas, pues no solo he visto aproximadamente cien títulos de los que se han estrenado en España en 2011, sino que en el último mes me he dedicado a retomar todas aquellas que había dejado pasar y que consideré que tenían opciones de entrar en esta lista por comentarios vuestros o críticas de mis compañeros de blog. Así que, si echáis de menos alguna que creéis que yo habría incluido, no creo que sea porque no la haya visto, sino, probablemente, porque no comparto esa opinión.

Por mi parte, no habrá post sobre el peor cine

No es que quiera ser buena y hablar solo de lo positivo, pero afortunadamente, he visto muy poco cine que merezca colocarse en una Bottom List del 2011: un par de películas a las que les he puesto sendos treses, un dos por ahí adjudicado más por la excesiva pretenciosidad que por la falta de calidad y un uno a una cinta que nadie en España conoce. Así que no merece la pena hacer la lista, especialmente, si tendría que acabar incluyendo en ella películas a las que he calificado con cuatros y que no están tan lejos de esos sietes que han acabado entrando en la lista de lo mejor del año por falta de nueves y dieces.

También en Blogdecine | Las diez mejores películas de 2011, según Míkel Zorrilla.

‘The Artist’, de Michel Hazanavicius, que se estrena esta tarde en cines españoles, nos habla del nacimiento del sonoro –“the talkies“– en el año 1928, etapa clave para la historia del cine, que ya han tocado películas como la maravillosa ‘Cantando bajo la lluvia’, en la que, al igual que aquí, se exploraban las dificultades de algunos intérpretes para incorporar una novedad que hoy damos tan por sentada: utilizar su propia voz. Asimismo, nos muestra la llegada de los musicales, clara consecuencia de la invención del sistema que incorporase el sonido al celuloide de proyección. Con ese marco de fondo, lo que nos cuenta esta delicia es una historia personal y amorosa sencilla, pero muy sentida.

Los años veinte no suponen el escenario temporal en el que ambientar el film sin más: éste, a su vez, se disfraza de una propuesta de ese momento. No existe un solo detalle que no esté imitado a la perfección. Proyectada en 4/3, la película comienza con los créditos en un tipo de letra de entonces, fotografía en blanco y negro y una música muy de la época. La banda sonora se remonta esos años no solo por el estilo de las canciones –algunas de films preexistentes–, sino por la forma en la que se emplean las composiciones, dejándolas sonar hasta el final y arrancando con la siguiente, décimas de segundo después. Las emociones de la película se marcan por subidas de intensidad en los acordes mucho más evidentes que los acompañamientos musicales que se suman hoy en día a las narraciones.

Hazanavicius no se queda en la clonación del un film de los años ’20, sino que se dedica a jugar y crear humor con la idea de esa vuelta atrás. El empleo del sonido o de los intertítulos consigue espléndidos guiños metalingüísticos y se extraen divertidos gags de esta consciencia del espectador de que está viendo un film de entonces, pero realizado ahora. El creador toma las metáforas evidentes, como las arenas movedizas y la foto pisoteada y empapada por la lluvia, no para que funcionen hoy en día, sino como otra referencia. ‘The Artist’ está plagada de hallazgos visuales y sonoros que se disfrutan con una blanca sonrisa. Uno de ellos sería la escena en la que los dos protagonistas, tras haberse conocido fortuitamente, tienen un primer encuentro: una pantalla en medio de los dos permite que se vean solo sus piernas y se embarcan en una competición juguetona de claqué.

Emotiva historia

La sorpresa y admiración que producen en los espectadores se estos experimentos, por ingeniosos que sean y bien ejecutados que estén, se agotarían al cabo de unos minutos. Por ese motivo, lo que engancha al film y lo convierte en bello son los personajes entrañables que viven una historia de amor y de éxito personal. Funciona como prueba fehaciente de que se pueden expresar los sentimientos y conflictos con imágenes, sin recurrir al diálogo. No obstante, también es cierto, en el único punto negativo que le reprocharía a ‘The Artist’, que se optado por una historia sumamente sencilla y lineal quizá por temor a que algo más elaborado no se comprendiese. Por ese motivo, hacia la mitad, durante la etapa de decadencia del protagonista, se agotan las cosas que contar y la progresión se hace ligeramente pesada hasta que se retoma para llegar a un final que vuelve a conmover.

La simpatía de los rostros de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, con esas contagiosas sonrisas, supone la baza que despierta la cercanía hacia esos personajes con una conexión bastante básica, pero efectiva sin duda. Además de que se vuelve a un protagonista más blanco y positivo de lo que ahora mismo se está creando, nos encontramos ante una película sin malos, sin antagonistas, en la que el personaje principal solo se tiene a sí mismo, a su orgullo, como enemigo para superar el escollo que le plantea su profesión y lograr sus objetivos. El resto de los intérpretes, en papeles sumamente breves pues, como decía, no existen las tramas secundarias, son asimismo grandes nombres que demuestran saber adaptarse a este tipo de interpretación que no llega a la gesticulación y sobreactuación de las mudas, pero que sí se diferencia de las actuales. John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell están todos sublimes y a ellos hay que añadir al perro, que, como en muchos films de entonces, constituye otro personaje que logra la misma o mayor empatía que los humanos.

El trasfondo

La negación a adaptarse a una transformación por parte de uno de los baluartes de la vieja escuela se podría extrapolar de forma directa y clara a todos los cambios que estamos viviendo en esta época en la que la tecnología avanza a pasos agigantados. Cambiamos el sonoro por Internet y seguiremos encontrando, no a unos cuantos incomprendidos, sino a industrias enteras tratando de frenar el progreso y de evitar que llegue un futuro que ya está ahí, sin otro motivo que el de no ser capaces de adaptarse a las nuevas formas de funcionar. La película, de esa manera, se convierte en una reflexión sumamente actual, sin que importe que lo que plantea como marco circunstancial tuviese lugar hace ochenta años.

Paradójicamente, al mismo tiempo que critica la no adaptación, se rebela contra el paso del tiempo y hace lo que le reprocha a su protagonista por intentarlo. A principios del siglo XXI, Hazanavicius nos entrega una película semimuda y en blanco y negro, pero no como opción minoritaria o experimental, sino como estreno exitoso y para todo tipo de público. Eso quiere decir que, si algo está bien hecho, no importa cómo sea y que todas esas consideraciones sobre que “tal cosa no vende” o “eso hoy en día no gusta” o “eso ahora nadie lo vería“… en realidad son fútiles. La fórmula del éxito no existe, como todos ya sabíamos, pero es posible que tampoco la del fracaso. El director se plantea un reto y sale adelante, más que a pesar de esas trabas, por causa de ellas.

‘The Artist’ es, en resumen, una cinta muy moderna. El retroceso a los modos de narrar de los años veinte no es puro, sino que se mezcla, a modo de juego, con las opciones de las que se dispone en la actualidad. El conflicto de base equivale a situaciones del presente. Los sentimientos de amor y orgullo son atemporales. Su valor, en definitiva, radica en haberse hecho en 2011, pues la misma película en 1927 sería una más y quizá no de las mejores. En un tiempo en el que protestamos porque el cine no nos sorprende o aporta, lo novedoso resulta que se encuentra en algo que retoma, recrea e imita. Sin embargo, no se trata de un ejercicio nostálgico, no solo porque las generaciones que disfrutaron aquel cine en el momento de su estreno ya no estarán para echarlo de menos, sino también porque no hay un tono de añoranza, sino intenciones de celebración y de homenaje, de decir que eso no se ha marchado, que sigue presente para todos nosotros y que en el siglo que vivimos tenemos los argumentos para disfrutarlo mejor. Es una película que se goza, independientemente del grado de cinefilia de cada uno, y que se vive con emoción y cercanía, una encantadora propuesta llena de momentos brillantes.

Otra crítica en Blogdecine | ‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Hay directores a los que parece que la buena estrella les acompaña siempre, y Stephen Daldry es quizá el mejor ejemplo de ello en el cine reciente. Hasta la fecha se han estrenado tres películas suyas y debe ser un caso único en el mundo, ya que recibió una nominación al Oscar como mejor director tanto por la discreta ‘Billy Elliot’ como por las irregulares ‘Las horas’ y ‘El lector’, algo que no hubiera sucedido en ninguno de los tres casos si de mí hubiese dependido. Ahora nos llega el segundo tráiler de ‘Tan fuerte, tan cerca’ (el primero podéis verlo aquí), su nuevo intento de hacerse con la preciada estatuilla, ya que vuelve a ser uno de los nombres que suenan como posible nominado al Oscar.

La historia de ‘Tan fuerte, tan cerca’ toma como base la novela de Jonathan Safran Foe y nos cuenta la historia de Oskar, un niño superdotado de nueves años que encuentra una llave que le dejó su madre padre, el cual murió en los atentados del 11 de septiembre. Oskar se lanza en una búsqueda frenética por todo Nueva York de la cerradura que abre dicha llave. Un argumento que si no es bien llevado puede acabar resultando lacrimógeno de forma gratuita y encima justo en el décimo aniversario de aquel terrible suceso. En el reparto encontramos al desconocido Thomas Horn como Oskar, Tom Hanks como su padre (Spoiler: Se muere) y Sandra Bullock como su madre, acompañados por un sugestivo plantel de secundarios donde encontramos, entre otros, a James Gandolfini, John Goodman, Max Von Sydow, Viola Davis y Jeffrey Wright.

‘Tan fuerte, tan cerca’ tiene previsto su estreno técnico en USA para el 25 de diciembre. ¿Por qué lo llamo estreno técnico? Pues porque no es más que un trámite para que la película sea nominable en los próximos Oscar, ya que no será hasta finales de enero cuando tenga un estreno en condiciones en todo el territorio americano. En España tendremos que esperar hasta el 17 de febrero para poder verla. ¿Sois fans de Daldry y os morís de ganas que verla o, como yo, no tenéis mucha simpatía por este director y estáis un tanto indecisos?

PD: Para haceros más llevadera la espera hasta el estreno de ‘Tan fuerte, tan cerca’ os dejo con ‘Eight’, el corto que rodó Daldry antes de debutar como director de largometrajes con ‘Billy Elliot’.

Vía | Worst Previews

Nunca he sido un gran admirador de Kevin Smith. Disfruto lo justo con películas como ‘Clerks’ (id, 1994), ‘Mallrats’ (id, 1995) y ‘Persiguiendo a Amy’ (‘Chasing Amy’, 1997), buenas cintas que comparadas con lo que vino después hasta parecen obras maestras. Y es que a partir de ‘Dogma’ (id, 1999), film que no me parece tan malo como muchos predican, algo le pasó a Smith, que perdió el norte, y con la excepción de la secuela del film que le dio a conocer, nos regaló lindezas de la más diversa índole, entre ellas ‘Una chica de Jersey’ (‘Jersey Girl’, 2004) o ‘Vaya par de polis’ (‘Cop Out’, 2010), auténticos despropósitos que parecían sentenciar la muerte artística de Smith. Los problemas que ha tenido para llevar a cabo ‘Red State’ (id, 2011) indicaban lo mismo, incluso su cambio de registro no llamaba demasiado la atención.

Y en Sitges se produjo la sorpresa. Contra todo pronóstico —muchos al menos no lo esperábamos— el film de Smith se hizo con el premio gordo del festival. Dejando a un lado que desde cierta perspectiva es de una lógica aplastante que en una ciudad como Sitges premien una película como ésta, lo cierto es que ‘Red State’ muestra a un Smith totalmente renovado y muy cómodo en el thriller. Sin renunciar a su estilo, el hombre que fue Bob el silencioso no deja títere con cabeza en su entretenida crítica hacia el fundamentalismo religioso por un lado, y las fuerzas del orden por otro. Puede que Smith haya querido tocar demasiado palos y no llegue a profundizar en ninguno de ellos, pero el film posee la contundencia justa como para provocar y reflexionar sobre el sinsentido del mundo que nos ha tocado vivir, todo ello en mitad de una ensalada de tiros y palabras.

‘Red State’ posee dos partes bien diferenciadas, algo que se da por primera vez en el cine de Smith. Ambas parten de dos puntos distintos, argumentalmente hablando, y terminan confluyendo con total naturalidad. El film da comienzo como si de una comedia adolescente se tratase, tres jóvenes tienen la oportunidad de tener sexo con una mujer madura —más experiencia—, y cuando la cosa va a ponerse interesante, sexualmente hablando, se produce el primer golpe de sorpresa. La mujer en realidad pertenece a un grupo fundamentalista católico que odia todo lo diferente, sobre todo a los gays, y tienen una forma muy peculiar de practicar su religión y transmitir su fe. Smith no se corta lo más mínimo a la hora de retratar la ceguera de los fundamentalistas, convirtiéndolos en todo lo contrario a lo que se declaran, verdaderos y decentes seres humanos.

Dicha parte ocurre su mayor parte en el interior de una capilla, en la que según avanzan los diálogos, que como es costumbre en el cine de Smith, parecen ráfagas de metralletas una tras otra, vemos como las verdaderas intenciones de los religiosos van tomando forma. Son instantes de locura, en los que los tres pobres jóvenes no dan crédito a lo que les está sucediendo. De la comedia del inicio se pasa pues, al terror, a la locura. Es muy difícil no estar en contra del grupo liderado por el padre Abin Coooper, excelente Michael Parks, que compone un inquietante personaje que logra meter miedo con sólo ponerse a rezar. Los acontecimientos se precipitan y uno no encuentra la esperanza por ningún lado, y esta vez Jesucristo parece estar del lado de los malos. Kevin Smith ya recibió lo suyo cuando estrenó ‘Dogma’, miles de voces chillonas e ignorantes arremetieron contra él acusándole casi de blasfemo. En ese aspecto, ‘Red State’ parece una venganza en toda regla.

Cuando la situación es inaguantable, Smith introduce un nuevo elemento en la historia —toda la parte que compete a John Goodman, magnífico como agente federal— en la que se da la vuelta a la tortilla. Los fundamentalistas son cercados por los agentes, y comienza una batalla campal, en las que las intenciones de los defensores de la ley, el orden y la justicia son aún más terribles que la de los católicos. Smith tampoco se corta esta vez y pone sobre la mesa cartas más hirientes que las mostradas hasta ese momento. El problema, el pequeño problema es que no llega a jugarlas, porque creo sinceramente que ganaría la partida, o tal vez por falta de valor. No obstante, con lo expuesto le llega y le sobra para remover conciencias —si es que cierto sector se da por enterado— a varios niveles. Puede que Smith sea abyecto en sus formas, y la mezcolanza de géneros afecte un poco al film, pero no podemos negar la rabiosa intensidad con la que narra todo.

‘Red State’ no ha contado con una gran distribución, se ha exhibido eso sí, en numerosos festivales, y sería de extrañar que consiguiese una exhibición masiva. Smith demuestra tenerlos bien puestos y su film sin duda enfadará a mucha gente. Ellos se lo pierden. Es un Smith renovado, con ganas de hacerse oír, y bastante harto del mundo. Nos regala además otra buena interpretación de ese pedazo de actriz que es Melissa Leo, y para nuestra sorpresa unas excelentes secuencias de acción en su segundo tramo, aquel donde las ráfagas de palabras dan paso a balas de verdad, algunas de ellas con destino totalmente inesperado. Smith ha cambiado la comedia inofensiva, y hacer reír a la gente, por la sátira sin complejos e incomodar al respetable.

Hasta el 16 de diciembre tendremos que esperar para ver en España ‘The Artist’ , película muda y en blanco y negro que recrea los mundos de los musicales clásicos de Hollywood y que está protagonizada por Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller y James Cromwell, entre otros. El guion y la dirección es de Michel Hazanavicius, director de ‘OSS 117: El Cairo, nido de espías’, película que hacía algo parecido a esta, pero con las aventuras de James Bond, 007..

Al igual que hacía, magistralmente, la divertida ‘Cantando bajo la lluvia’, ‘The Artist’ tomará el momento de cambio entre el mudo y el sonoro para situar su historia y este giro en la forma de hacer cine como conflicto para su protagonista. Hollywood, 1927: El afamado actor George Valentin se pregunta si la llegada del sonoro causará que su estrella se pierda en el olvido. Mientras tanto, Peppy Miller, una joven bailarina que necesita un golpe de suerte para adquirir fama, podría encontrar en ese cambio su momento.

Es difícil hacerse la idea de que encontraremos un gran film tras este trailer que no se despoja del aire irreal de una recreación actual de aquellas imágenes, sin embargo, ‘The Artist’ ha recibido numerosas aclamaciones, incluida la de mi compañero Juan Luis, que la pudo ver en Cannes. El cartel, muy clásico, se queda igual de escaso a la hora de dar pistas sobre la calidad del film que podremos encontrarnos, así que habrá que confiar en las opiniones ajenas.

Vía | IMDb.

Ya ha aparecido el tráiler y el cartel de una de las películas que suenan con más fuerza para la próxima edición de los Oscars. Y es que ‘Extremely Loud and Incredibly Close’ es el nuevo trabajo del director Stephen Daldry (‘Billy Elliot’, ‘Las horas’ y ‘El lector’), cuenta con un guion de Eric Roth (‘Forrest Gump’, ‘Munich’, El curioso caso de Benjamin Button’) y la participación de actores tan populares como Tom Hanks y Sandra Bullock. Ah, sí, y es un melodrama con el 11-S como telón de fondo. Me gusta que hayan intentado algo diferente con el póster, en lugar de recurrir a pegar los rostros de las estrellas, pero el tráiler me ha parecido muy convencional, parece que estamos ante una de esas películas que buscan la lagrimilla fácil. Espero equivocarme, porque no la voy a dejar pasar. ¿Y vosotros?

‘Extremely Loud and Incredibly Close’ está basada en la novela homónima de Jonathan Safran Foer, publicada en nuestro país con el título ‘Tan fuerte, tan cerca’, y se centra en un niño de nueve años que busca por toda la ciudad de Nueva York la cerradura que encaja con la misteriosa llave que le dejó su padre, muerto en los famosos atentados terroristas de hace diez años. El debutante Thomas Horn encarna al chico protagonista, Hanks al padre y Bullock a la madre (al revés sería un poco raro), encabezando un sólido reparto en el que también figuran Viola Davis, James Gandolfini, Jeffrey Wright, John Goodman y Max von Sydow, entre otros. El estreno oficial en Estados Unidos y Canadá se producirá el 25 de diciembre, pero el “verdadero” está fijado para finales de enero (lo otro es casi una formalidad para poder competir en los premios). Ya hay fechas para Alemania, Reino Unido o Suecia, pero aún no para España.

Actualización: La película se estrena en España con el mismo título que el libro: ‘Tan fuerte, tan cerca’.

PD: Mañana se estrena en nuestro país la nueva película escrita, dirigida y protagonizada por Hanks, ‘Larry Crowne, nunca es tarde’ (‘Larry Crowne’).

Vía | Impawards

En febrero, Ben Affleck comenzó a negociar la posibilidad de dirigir ‘Argo’, la adaptación de Chris Terrio de un artículo de Joshuah Bearman publicado en Wired con el título ‘How the CIA Used a Fake Sci-Fi Flick to Rescue Americans from Tehran’ («Cómo la CIA utilizó una falsa peli de ciencia ficción para rescatar a los americanos de Teherán»).

En 1979, la embajada estadounidense de Teherán estaba ocupada por los iraníes y la CIA y el gobierno canadiense se inventaron la excusa de que los sitiados formaban parte del rodaje de una película titulada ‘Argo’ y que por ello debían dejarlos salir. El mítico Jack Kirby diseñó vestuario y decorados para aumentar la credibilidad.

Lo que hace unos meses no era más que una posibilidad, ahora ya es una realidad y Affleck está reuniendo un reparto para este drama de rehenes titulado ‘Argo’.

John Goodman está en negociaciones para el papel de John Chambers, el maquillador de varias de las películas de ‘El planeta de los simios’ (‘Planet of the Apes’), ganador de un Óscar. El propio Affleck también aparecerá en la película, en el rol de Tony Méndez, el agente de la CIA que dirigió la operación. Bryan Cranston —‘Breaking Bad’— interpretará a Jack O’Donnell, exguardaespaldas del presidente Eisenhower, que ahora es el jefe de Méndez. Alan Arkin interpetará en ‘Argo’ a Lester Siegel, un productor de Hollywood que resulta ser un veterano de lo que dio origen a la CIA.

Warner Bros. financia, mientras que la productora de George Clooney y Grant Heslov, Smoke House Productions, se encarga de la producción. Affleck ha rechazado la oferta de Baz Luhrmann de interpretar a Tom Buchanan en ‘The Great Gatsby’, para dedicarse por entero a su proyecto. Por lo tanto, suponemos que comenzará pronto a rodar.

Vía | Empire.

‘El niño de la bicicleta’, el caperucito de los Dardenne

Uno de los títulos más esperados del Festival de Cannes 2011 era el drama ‘El niño de la bicicleta’ (‘Le gamin au vélo’), el nuevo trabajo de los belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, flamantes ganadores hasta el momento de dos Palmas de Oro (en 1999 por ‘Rosetta’ y en 2005 por ‘El niño’). La historia se centra en un chico de doce años llamado Cyril (Thomas Doret, elegido entre cientos de chavales) y la mujer que lo acoge en su casa, Samantha (Cécile De France). Aparte de que sería un auténtico cachondeo que los hermanos ganaran otra vez el premio gordo, creo que el tono de su nuevo largometraje, más optimista y digerible de lo que acostumbran, no les ayuda en ese sentido. Y bueno, a falta de ver lo que han hecho Terrence Malick (se proyecta mañana) o Lars von Trier entre otros, me parecería injusto destacar a como la mejor película de la sección oficial. Es un relato interesante y agradable, pero no deja huella, no tiene nada de especial.

‘El niño de la bicicleta’ arranca con Cyril intentando encontrar a su padre, Guy (Jérémie Renier, actor fetiche de los Dardenne). Furioso, incontrolable, Cyril consigue escapar del hogar para niños en el que ha sido internado y llegar al piso donde vivía con su padre, pero ha sido abandonado. Tanto la vivienda como el pequeño. La única pero inmensa alegría que anima a Cyril es que ha podido recuperar su querida bicicleta, gracias a la generosa Samantha, una peluquera a la que conoce durante su desesperada búsqueda. Con la ayuda de la mujer, el chico descubre que Guy vive con una joven a la que está ayudando a montar un restaurante. Cuando el padre lo rechaza, Cyril no encontrará alivio en la bondad de Samantha, y se meterá en problemas… Por aquí se dice que es la versión de los belgas de ‘Caperucita roja’.

Aseguran los hermanos Dardenne que emplearon prácticamente un año en terminar el guion de ‘El niño de la bicicleta’, que en un principio fue concebido como un cuento de hadas sobre una mujer que intenta llevar por el buen camino a un niño agresivo. Cuesta creer viendo la película que necesitaran tanto tiempo para escribirla, ya que a la falta de diálogos (que suenan poco elaborados, sin duda para buscar una apariencia de espontaneidad) hay que sumar la repetición de situaciones y el escaso, sencillo, desarrollo de la historia; dicho esto, me gusta que no subrayen los sentimientos o los expliquen, huyendo de lo convencional. Sí que se plasma mejor en la gran pantalla el estupendo trabajo de los Dardenne con el niño protagonista, lo que al parecer les obligó a realizar muchos más ensayos de lo que están acostumbrados antes de empezar a rodar. Me quedo con la puesta en escena de los realizadores, simple y efectiva, dejando respirar la acción y espacio para los personajes, y con la labor de los actores, impecables. Lo peor: la escena del robo, con ese bate mágico que provoca desmayos inmediatos.

‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood

Pero los mayores aplausos de lo que llevamos de festival no se los llevaron los Dardenne, sino el francés Michel Hazanavicius, cuyo nuevo largometraje (en competición a última hora, inicialmente iba destinada a la sección “Un Certain Regard”) nos devuelve a la industria estadounidense a finales de los años 20, con el nacimiento del cine sonoro. ‘The Artist’ es una asombrosa e imaginativa comedia dramática plena de encanto y romance, en blanco y negro, y prácticamente muda (solo hay un par de escenas con sonido, más el típico acompañamiento musical del cine mudo). Imaginad el impacto, en pleno auge del cine en 3D. Hay que tener agallas para hacer algo así. Pero la mejor noticia es, como digo, que la película se disfruta, que no es una simple repetición de clichés, personajes situaciones y esquemas habituales, con la imagen de otros tiempos, anclado en la nostalgia. Es cine inteligente, valiente, auténtico, intenso, vivo. Una gozada.

Escrita por Hazanavicius, ‘The Artist’ gira en torno al galán más popular de Hollywood, George Valentin (Jean Dujardin). Sus películas son rotundos éxitos, el público lo adora, pero los tiempos cambian. De pronto surgen las películas habladas y la gente las demanda con entusiasmo, provocando que el estudio de George cancele todas las producciones de cine mudo. El actor pasa de estrella a marginado en poco tiempo (a lo que contribuye la crisis económica del 29), empeñado en continuar con la manera tradicional de contar historias, sin hablar. Por su parte, la carrera de Peppy Miller (Bérénice Bejo) es meteórica. Tras aparecer en los periódicos por una divertida anécdota con George, que la ayuda a despegar cuando no era más que una “extra” desconocida (pues surge algo entre ellos), Peppy se convierte en la nueva gran estrella del negocio, el rostro y la voz que atrae a los espectadores en masa.

‘The Artist’ recuerda inevitablemente a ‘Cantando bajo la lluvia’ o ‘Ha nacido una estrella’, y el propio director reconoce que ha robado a Fritz Lang (”¿Qué me va a decir?“), pero la película tiene identidad propia y está realizada de manera brillante, con mucho estilo. Mención especial para los intérpretes (John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell...), sobre todo la pareja protagonista, Dujardin y Bejo están sensacionales, llegan a parecer dos estrellas sacadas del pasado, compartiendo una de esas inmortales, complicadas y chispeantes historias de amor del cine clásico. No parece favorita para la Palma de Oro de Cannes 2011 (nunca se sabe), pero nos ha alegrado el día y se quedará en nuestra memoria.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 15 de mayo de 2011.

PD: Acabo este texto sentado en el suelo de la tercera planta del Palais. Me marcho a cenar. Au revoir.

Impresionante el vídeo que os traigo en esta entrada. Es un montaje de apenas 5 minutos donde se rinde homenaje al trabajo del estudio Pixar, que el pasado mes de febrero cumplió 25 años. 25 años resumidos en unos gloriosos 5 minutos. Como aconsejaba nuestro compañero Miguel Michán, subid el volumen, poned el vídeo a pantalla completa y preparaos para un chute de emoción impagable.

Aprovechando que os traigo esto, os comento que hay más información sobre la anunciada secuela de ‘Monstruos, S.A.’ (‘Monsters, Inc.’). Es ya oficial que el título será ‘Monsters University’, pero lo esencial es que la historia no continuará la película de 2001 sino que transcurrirá antes, será una precuela. No obstante se sabe que la trama volverá a girar en torno a los personajes de Sully y Mike, volviendo a contar con las voces de John Goodman y Billy Crystal. El estreno está previsto para el 2 de noviembre de 2012 y al parecer Pete Docter repetirá como director.

Por último, también os traigo las primeras imágenes oficiales de ‘Brave’, otra de las próximas películas del estudio. No son fotos de la película sino diseños artísticos, o arte conceptual. Aun así, nos vale para ir abriendo boca, y es que la película llegará unos meses antes que la precuela de ‘Monstruos’, el 22 de junio de 2012. Ojo, porque el año que viene, concretamente el 9 de marzo, también se estrena ‘John Carter de Marte’, la primera película del estudio con actores de carne y hueso, dirigida por Andrew Stanton (‘Buscano a Nemo’, ‘WALL·E’). O sea, TRES producciones del sello Pixar en 2012. Oye, pues si es verdad que el apocalipsis está cerca, al menos nos marcharemos felices.

Volviendo a ‘Brave’, os comento que está dirigida por el debutante Mark Andrews, quien recientemente sustituyó a la que iba a ser la primera realizadora en la historia de Pixar, Brenda Chapman (algo que no creo que haya sentado bien a ciertos sectores defensores de lo políticamente correctos, suponiendo que se hayan enterado), y que la historia de la película nos trasladará a las Tierras Altas de Escocia, contándonos la aventura de una valiente princesa que no desea seguir con el camino que han trazado para ella. Os dejo con la sinopsis oficial:

Kelly Macdonald presta su voz a Merida, hija del Rey Fergus (Billy Connolly) y de la Reina Elinor (Emma Thompson). Merida está decidida a labrarse su propio camino en la vida y desafía una costumbre milenaria y sagrada de los ruidosos señores de la tierra: el enorme Lord MacGuffin (Kevin McKidd), el huraño Lord Macintosh (Craig Ferguson) y el cascarrabias Lord Dingwall (Robbie Coltrane). Sin quererlo ni beberlo, las decisiones de Merida desencadenan el caos y la furia en el reino. Y cuando acude a una excéntrica y sabia anciana (Julie Walters) en busca de ayuda, se le concede un desventurado deseo. El enorme peligro que corre obligará a Merida a descubrir el significado del auténtico valor: tendrá que deshacer una terrible maldición antes de que sea demasiado tarde.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: El próximo 18 de mayo saldrá a la venta en DVD el pack ‘Colección Pixar’, con todas las películas del estudio estrenadas hasta la fecha.

Vía | ZonaFandom

‘En el centro de la tormenta’ (‘In the Electric Mist’, 2009) tuvo un tardío estreno la semana pasada, después de preverse para una fecha meses anterior y de dudarse de la posibilidad misma de sacarla en cines. Una persona nos consultaba, a través del formulario de contacto, por qué ocurren este tipo de retrasos y ponía como ejemplo ‘Hanna’, de Joe Wright, que se ha trasladado al 10 de junio. Dejando aparte cuestiones técnicas, como que la copia no llegue a tiempo, que ocurrirán rara vez; la mayor parte de estas decisiones estarán motivadas por la desconfianza de la distribuidora en el film y por la dificultad para encontrar hueco en salas en la primera fecha prevista.

Así que, cuando nos encontremos con una película cuyo estreno ha ido pasando hacia adelante en el tiempo, podemos imaginarnos con bastante seguridad que no hay esperanzas de que sea un éxito de taquilla o que funcione siquiera medianamente bien como para amortizar el estreno en cines, que es, lógicamente, más caro que en DVD o TV. Para algunos puede ser una buena señal, pues quizá sea signo de que el no se tratará de un producto trillado, pero también puede ser un indicativo de que la película es fallida. Dependerá.

El film de Bertrand Tavernier, que se basa en la novela ‘In the Electric Mist with Confederate Dead’, de James Lee Burke, ha sido pasto de este tipo de maniobras y no solo en España, pues en EE. UU. se decidió enviarla directamente a un estreno doméstico. No diré que me parece justificado, ya que las chapuzas son chapuzas siempre. Sin embargo, en este caso puedo entender la falta de seguridad en su éxito.

En la versión extensa que se ha estrenado aquí, se combinan dos casos policiales, uno oficial y otro que interesa de manera más personal al protagonista. Paradójicamente, en lugar de que uno enriquezca al otro o lo haga resonar o que el conjunto se complique y crezca, la combinación de ambas tramas da como resultado la pérdida de interés acerca de cualquiera de ellas. Por ejemplo, mientras el detective David Robicheaux (Tommy Lee Jones) trata de esclarecer el asunto, a los espectadores se nos distrae con comportamientos absurdos de un actor estúpido con el que el investigador ha de ejercer de niñera y que ni siquiera interesan como retrato de una profesión en la que el ego puede provocar la pérdida de la cordura. La película está tan descentrada que es fácil desconectar y posteriormente nada te atrapa de nuevo.

El tono más europeo que podría tener el film —no olvidemos que es franco-estadounidense y que está dirigida por Tavernier— tendría que llevarnos a un retrato profundo de personajes, a una observación psicológica y una creación de atmósferas —esa bruma («mist») que desempeña un importante papel y que no entiendo por qué se ha traducido pro «tormenta»— que la elevasen por encima de cualquier otro film o capítulo televisivo en el que se resuelve un caso de asesinato. Sin embargo, nada de esto se logra en ‘En el centro de la tormenta’, a mi parecer.

La inclusión de las visiones de los confederados que tiene el protagonista y que parece estar ya en la novela en la que se basa la cinta, podría ser el elemento que le diese esa originalidad y esa diferenciación de las que carece. No obstante, estos momentos no se llegan a integrar con el tono general del film y no cumplen su función de completar el retrato del personaje o de aumentar la importancia a la cuestión del pasado que se está tratando. Encuentro que estos sueños pueden ser una buena idea sobre el papel, pero no creo que estén bien llevados a cabo.

Considero una opción loable que, de la novela que un autor desea adaptar, prefiera la atmósfera o el tipo de personajes que lo que sucede. Sin embargo, si se descuida o desdeña demasiado lo que se cuenta, se corre el riesgo de perder incluso aquello, más profundo, que sí interesaba.

En diciembre publicó Alberto Abuin una crítica positiva acerca de este film. Las cualidades que menciona las encuentro en la concepción de la película, en sus intenciones, en la teoría. Pero no veo que lleguen a plasmarse o que los mecanismos empleados para buscarlas funcionen. Entiendo que el percibirlas como logradas puede ser una cuestión más individual y que, por lo tanto, las dos opiniones tienen cabida como complementarias. ‘En el centro de la tormenta’, más que un film defectuoso —nada puede reprocharse a la intervención de Tommy Lee Jones o a las del resto del elenco—, es una cinta que no llega a ser todo lo que busca ser. Quizá se trata de un intento demasiado ambicioso que no ha alcanzado todo lo que se proponía, quizá es un enfoque confuso sobre un tema demasiado amplio.

Mi puntuación: