Con el estreno de ‘El topo’ podemos decir que la temporada de películas oscarizables en España ha dado comienzo. Hace un par de días os dejé la lista de las 265 producciones que podrían estar entre las diez nominadas al premio de mejor película, pero está claro que apenas 20 de ellas tienen posibilidades reales de lograrlo. Una de las que suena con más fuerza es ‘El topo’, una adaptación de una novela de espionaje escrita por John le Carré que ha sido recibida con entusiasmo allí donde se ha estrenado hasta la fecha. Sin embargo, no sé si está empezando a ser una tradición, pero ya el año pasado fue ‘El discurso del rey’ la que se estrenó en plena campaña navideña y luego se llevó el gato agua. Habrá que ver si sucede lo mismo con ‘El topo’.

Sobre el papel, ‘El topo’ es la película que debía confirmar si Tomas Alfredson es un director que realmente merezca la pena tener en cuenta u otro ejemplo de la larga lista de directores que llaman sobremanera la atención con una película (normalmente la ópera prima, pero no es algo imprescindible, sobre todo en realizadores foráneos) para luego ir diluyéndose y acabar siendo otro impersonal realizador de blockbusters hollywoodienses. Y es que ‘Déjame entrar’ fue una carta de presentación maravillosa con ese atípico relato de vampiros, en la que Alfredson dotaba al relato de una acertada combinación entre frialdad y algo similar a la nostalgia que elevaba el nivel de la película. El problema es que ‘El topo’ es una cinta muy diferente sobre el papel y estaba por ver su capacidad de adaptación a una producción más exigente y con un grupo de actores de mucho calibre. ¿Lo ha conseguido?

Lo primero que queda claro viendo ‘El topo’ es que es una historia que pega perfectamente con el tono de desapego emocional (con una excepción que comentaré más adelante) que ya transmitía ‘Déjame entrar’, pese a que allí había una trama romántica que vertebraba la historia. Lo que le interesa a Alfredson de ‘El topo’ no es la posibilidad de contar una historia de espías más o menos al uso, ni tampoco la elegancia que buscan cintas como las aventuras de James Bond, sino la opción de retrotraer una lucha de poder al sentimiento humano básico de la lealtad. Son varios los personajes que luchan contra esa dicotomía en difrentes fases de la película. Quizá el caso más representativo es el momento en el que el personaje interpretado por Benedict Cumberbatch (el protagonista de la notable serie de películas televisivas que es ‘Sherlock’, donde hace uso de cierta gama de tics que aquí desaparecen por completo) tiene que robar unos documentos. La sensación de estar traicionando a unos amigos para ayudar a otro es algo que se transmite perfectamente, en especial, en la explosión posterior del personaje,

No voy a decir que Alfredson realice un trabajo clónico al que hizo en ‘Déjame entrar’ porque estaría faltando a la verdad, pero sí que es muy de agradecer que siga potenciando la relación entre los personajes por encima de una historia con una gran cantidad de posibilidades. Y es que es cierto, la trama de espionaje de ‘El topo’ funciona casi en exclusiva por las reacciones humanas de los personajes y no por la existencia de asombrosos giros de guión (no es difícil acertar con mucha antelación quién es el traidor), ya que quien busque un relato vibrante por lo que pasa va a salir muy defraudado del cine. Aquí lo que importa son los personajes, algo que siempre debería pasar, pero que está muy en desuso en el cine contemporáneo. Alfredson consigue que el espectador se implique en la historia a través de los mecanismos que rigen las relaciones interpersonales. El misterio, aunque interesante, es algo secundario, una excusa para conocer a unos personajes tan estimulantes que uno echa en falta que no tengan mayor presencia en el relato al mismo tiempo que somos conscientes de que aparecen justo lo que hacen falta.

El asombroso reparto de ‘El topo’

Es obvio que uno de los aspectos que más llama la atención de la película es un reparto poblado de actores de talento ya muy contrastado. Sin embargo, el peso de la película recae sobre el personaje de Smiley, al cual da vida un Gary Oldman que últimamente no nos había ofrecido ningún trabajo de gran mérito salvo que consideremos como tal sus apariciones en los Batman de Christopher Nolan. En ‘El Topo’, Oldman nos sorprende con una actuación en la que ha de ser muy expresivo a través de una inexpresividad casi total. Sé que esos dos conceptos no podían ser más anatagónicos, pero es que la faceta esencial de Smiley es conseguir ocultar sus emociones al resto de personajes, pero también transmitir al espectador todo lo que pasa por su cabeza a través de gestos tan cotidianos que si los hiciésemos nosotros no querrían decir nada. Y es ahí donde reside la grandeza de la actuación de un Oldman que siempre ha tendido un poco hacia la sobreactuación, algo que aquí deja completamente de lado.

No hay nada malo que sea pueda decir del resto del reparto, ya que todos cumplen a la perfección su papel como las piezas de una partida de ajedrez que son. Sí que quizá uno esperaba algo más de presencia en pantalla del personaje que le toca interpretar a Colin Firth, pero más por su (merecida) gran popularidad de los últimos tiempos que porque su papel realmente lo requiera. Es también curioso que lleguen el mismo día a nuestros cines dos películas que cuentan con la presencia de John Hurt, ya que en ‘Immortals’ muestra su faceta ‘Dadme ya el cheque por contar con mi presencia’, pero aquí mantiene la rocosa brillantez del resto del equipo. Personalmente, disfruté sobremanera de la parte de la historia que tiene a Tom Hardy (en un papel inicialmente previsto para Michael Fassbender) como protagonista, ya que inyecta un elemento sentimental a la historia que evita que la película llegue a hacerse pesada con una investigación que para algunos podría transmitir sensación de mediocridad, ya que no hay ningún gran momento altisonante propio de otras cintas de espías.

En definitiva, ‘El topo’ es una película estupenda que sabe aprovechar todo el talento de sus actores, en especial de un Gary Oldman que llevaba muchos años sin darnos una actuación de un nivel similar a ésta. Además, la parte de espionaje permite crear momentos de gran tensión a través de situaciones aparentemente cotidianas y el guión deja espacio para la creación de varias mini-historias más centradas en lo dramático que funcionan a la perfección. Es cierto que, al menos para mí, la identidad del traidor fue algo un tanto previsible, pero el resto de la película raya a un nivel tan alto que es algo que podemos pasar por alto. Si os acercáis al cine estos días y ya habéis visto todo lo que os interesaba que ya se hubiese estrenado ante sde hoy, por favor, que sea para ver ‘El topo’.

El prestigioso director, teórico del cine y profesor chileno Raúl Ruiz ha fallecido esta mañana apenas un mes después de haber cumplido los setenta años de edad por causa de una infección pulmonar, según ha informado su productor, François Margolin. A finales de 2009, le fue diagnosticado un cáncer hepático, y en marzo de 2010 fue trasplantado de hígado. Ha pasado a mejor vida en París, donde vivía exiliado desde hace casi cuarenta años.

Ruiz, considerado por algunos el director de cine chileno más importante de la historia, comenzó su andadura como cineasta dentro de una corriente políticamente comprometida, donde se podía encontrar a los también chilenos Miguel Littín y Helvio Soto. Posteriormente, se fue decantando hacia películas cada vez más creativas, surrealistas, irónicas y experimentales y se le catalogó como un autor distinto y muy personal.

Un repaso a su filmografía incluiría las películas ‘La vocación suspendida’ (1977), ‘La hipótesis del cuadro robado’ (1978), ‘El territorio’ (1981), ‘Las tres coronas del marinero’ (1983), ‘La isla del tesoro’ (1985), ‘La soledades’ (1992), ‘El tiempo recobrado’ (1998), ‘Días de campo’ (2004), ‘Klimt’ (2005 ), ‘La recta provincia’ (2007) o ‘Litoral, cuentos del mar’ (2008).

El gobierno de Salvador Allende apoyó alguna de sus películas y, con el golpe de Estado de Pinochet en 1973, hubo de refugiarse primeramente en Argentina y más adelante en Francia, donde desarrolló el resto de su carrera como cineasta.

Ganador de reconocidos galardones como la Concha de plata al Mejor Director, en el San Sebastián, el Oso de Plata en el Festival de Berlín o el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisual chileno, entre muchos otros; ha dirigido a estrellas de la talla de John Malkovich, Marcello Mastroianni, Catherine Deneuve o John Hurt y ha utilizado textos de muy diversos autores, así Kafka o Klossowski.

Su último film, ‘Misterios de Lisboa’, se estrenó en España hace escasos meses y, pese a su larga duración, obtuvo una reacción crítica sumamente positiva. A su muerte, Ruiz estaba en proceso de montaje de una película más, rodada en su Chile natal durante el mes de abril, y de título ‘La noche de enfrente’, que esperamos que llegue a ver la luz.

Vía | El País.

Preparados o no, aquí vuelve el danés. Zentropa Entertainments nos deja ya el tráiler de ‘Melancholia’, lo nuevo del polémico Lars Von Trier. Si no estabais al tanto de su nuevo proyecto, el avance os va a sorprender. Se trata de un drama con toque de ciencia-ficción, centrado en la relación entre dos hermanas, mientras la órbita de un misterioso planeta lo dirige inevitablemente a chocar con el nuestro, provocando todo tipo de reacciones y cambios en las personas. No me gustó ‘Anticristo’, aun reconociendo que tenía grandes momentos, pero no me pienso perder ‘Melancholia’. Ninguna película que lleve la firma de Von Trier, en realidad, mientras siga haciendo cine con agallas, nervio, pasión y libertad, le salga como le salga.

Kirsten Dunst (en sustitución de Penélope Cruz, que prefirió irse al Caribe) y Charlotte Gainsbourg encarnan a las dos hermanas protagonistas, y a tenor del tráiler parece que hacen un trabajo fantástico, muy entregado. Desde luego el reparto es de lo más llamativo, cabe destacar también la presencia de Charlotte Rampling, Stellan Skarsgard, John Hurt, Kiefer Sutherland, Jesper Christensen, Brady Corbet, Cameron Spurr, Udo Kier y Alexander Skarsgard, entre otros. Lamentablemente, por el momento no hay fecha para el estreno de ‘Melancholia’ en España; en Dinamarca la verán el próximo 26 de mayo, poco después de una posible presentación por todo lo alto en el festival de Cannes, todavía por confirmar.

PD: Gracias a Javi_90 por el link.

El ‘Adagio para cuerdas’ del compositor estadounidense Samuel Barber, considerada por muchos melómanos como una de las expresiones más perfectas del dolor y la tragedia, y que está incluida sobre estas mismas líneas y en la música del segundo largometraje de David Lynch, acompaña los últimos momentos de la película y de la vida de John Merrick (el tristemente célebre hombre elefante, de verdadero nombre Joseph Merrick), y es imposible imaginar mayor humildad y belleza en esos momentos.

Humildad y belleza porque, a pesar de que incluyendo este tema desolador podría pensarse que el relato cae en los pantanosos terrenos del melodrama, jugando por tanto a hacer un espectáculo del dolor, en realidad se erige como homenaje a la dignidad y la lucha de un hombre asombroso, cuya enfermedad es una de las mayores tragedias íntimas de que hay noticia, pero mayor tragedia fue el desprecio, el maltrato, la humillación de la mayoría de personas que se cruzaron en su vida, que son los auténticos monstruos de esta historia devastadora.

“¡No! ¡No soy un elefante! ¡No soy un animal! ¡Soy un ser humano! ¡Soy una persona!”

- John Merrick

La penosa vida de Joseph Merrick se extendió desde 1862 hasta 1890, en plena época victoriana, con lo que significó este reinado de revolución industrial y tecnológica. De este modo, la elección del blanco y negro para contar esta historia es completamente natural, y no tiene nada que ver con pretenciosidad. No se puede concebir ‘El hombre elefante’ en color, tanto dolor sólo puede contarse en una paleta cromática limitada. Por otro lado, los entornos industriales, la frialdad del acero y el metal, que tanto recuerdan a ‘Cabeza borradora’, vuelve a sumergirnos en un mundo despiadado y feísta. Pero los rayos de luz son más luminosos en plena oscuridad.

Echando mano del grandioso talento y experiencia de un príncipe de su oficio como Freddie Francis (ganador de dos Oscar, y cuya carrera finalizó, precisamente, con otra obra maestra de David Lynch), la fotografía de la película se aleja mucho de cualquier pretensión preciosista o impactante, y se dedica, con una sencillez abrumadora, a retratar una época y unos espacios anímicos sin llamar la atención sobre sí misma, y siendo igualmente una fotografía en blanco y negro de referencia. Aunque es justo decir que el magnífico diseño de producción de Stuart Craig, en su segunda película como responsable de esta disciplina, colabora sustancialmente en ese sentido, e inició la carrera imparable de uno de los más famosos diseñadores de producción británicos.

Del infierno a las estrellas

No cabe comienzo más magistral para la película. Primero con una secuencia onírica que nos recuerda poderosamente a la apertura de ‘Cabeza borradora’, en la que somos testigos de la versión de Merrick de la razón de su desgracia. Segundo, con el compasivo doctor Frederick Treves (interpretado de manera soberbia por el siempre impredecible Anthony Hopkins) siguiendo a un policía que, en un circo ambulante, termina cerrando un grotesco espectáculo llamado El Hombre Elefante. No puede ver el doctor al famoso monstruo, pero no parará hasta examinarle, quedando estupefacto por las severas deformaciones de su cuerpo. De nuevo, la influencia de Tod Browning es evidente e indisimulada. Pero hay algo más: la mirada compasiva de Treves es también la de Lynch.

Ni el menor rastro de exageración o parodia, a pesar de que el productor era Mel Brooks, el famoso director de ‘El jovencito Frankenstein’, estrenada seis años antes. De hecho, Brooks decidió retirar cualquier tipo de mención a su persona durante la promoción de la película de Lynch, para que nadie se llevara a engaño. Pero hay muchos más detalles que son indicios claros de la entrega total del director a contar la historia de la forma más cruda y veraz imaginable.

Y no sólo eso, sino que Lynch elabora un discurso absolutamente personal, que entronca a la perfección con el viaje tenebroso de Henry Spencer en su primer largometraje, del cual se podría decir que es la negación de la felicidad en la materia y la confirmación de la libertad en la mente, en la narración acerca de la vida de Merrick, es la confirmación de esa idea y algo más: un viaje desde el infierno que es este mundo a la luz de las estrellas, la luz que es la muerte para tantos desgraciados como hay en el mundo. Lynch niega de plano cualquier tipo de sentido al dolor humano, cualquier clase de justificación o aprendizaje. Muy al contrario, el triunfo de Merrick es que, más que extraer una sabiduría de su situación (como vemos en tantos lamentables melodramas), se opone a ella con su inocencia y su dulzura conmocionadoras.

En ese sentido hay varias secuencias asombrosas en este filme, filmadas por Lynch con la cámara a la altura de la mirada de los actores, es decir, con sencillez expositiva absoluta, sin alardes de ningún tipo. La conmovedora escena en la que Treves presenta a Merrick a su esposa, en su casa, sólo puede filmarse de esta forma tan despojada por contadísimos artistas cinematográficos. ¿Dónde está ese director morboso que tantos cinéfilos desprecian? ¿Dónde quedaron sus argumentos? ¿No nos encontramos aquí con un cineasta excepcional, de una humanidad arrolladora y un respeto absoluto por la tragedia de un hombre? ¿No contiene este bellísimo momento, con Merrick llorando por ser tratado con dignidad, o con la mujer de Treves llorando a su vez por la indescriptible inocencia y bondad de un ser tan trágico, todo el dolor de la historia del hombre?

Todo el dolor de la historia…contenido en una secuencia, sencillamente. Dicen que un poema puede hacerte recordar lo que sientes cuando estás enamorado, aunque no lo estés en el momento de leerlo. O que una composición musical puede transformar tu estado anímico como el escalpelo de un cirujano extirpar un tumor maligno. Y si el cine es verdaderamente el arte definitivo (y yo no sé si lo es), lo demuestra en ocasiones como esta, en la que es al mismo tiempo representación y alegoría, metáfora del dolor y parábola de la existencia. Lynch, director superdotado, artista eminente, escribe una elegía sobre la inmortalidad de la inocencia y del coraje.

Conclusión

Excepcional obra maestra que es una conquista mayor por parte de Lynch, en la que queda patente su inmensa humanidad y la luminosidad de una mirada sólo comparable a colosos como Terrence Malick, con el que guarda más de un paralelismo estilístico y temático, por sorprendente que pudiera parecer. Ambos directores, que además han trabajado numerosas veces con el legendario diseñador de producción Jack Fisk, son certeros indagadores de la verdad anímica, de las más oscuras y profundas verdades del ser humano.

Lástima que a una película tan importante le siga otra tan olvidable.

Especial David Lynch

• David Lynch, criatura humana

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‘Tron: Legacy’ es el título de una de las películas del año. Esto es, una de las más caras, de las más esperadas (tanto este avance como el anterior han dejado con la boca abierta a los fans del cine fantástico) y que probablemente sea de las más taquilleras, ya no de este año, sino de todos los tiempos. ¿Exagero? No lo creo. La Disney detrás, el famoso 3D que tanto está gustando al público, el reciente ganador del Oscar al mejor actor, Jeff Bridges, al frente del reparto… Y este nuevo tráiler. Ojo al vídeo. Esto en un cine puede ser una experiencia increíble.

Puede ser. Porque también puede ocurrir que el director Joseph Kosinski se haya quedado tan alucinado con los efectos visuales y el 3D que se haya olvidad de contar algo interesante, y lo más importante, de contarlo bien, sin cámara mareante ni montaje alocado. Ya veremos, yo en principio le voy a dar mi voto de confianza. ‘Tron: Legacy’, la secuela de la película de culto ‘Tron’, se centra en el joven Sam y la búsqueda de su desaparecido padre, Kevin Flynn (Bridges). Garrett Hedlund, Olivia Wilde, John Hurt y Michael Sheen completan el reparto protagonista. La fecha del estreno es el próximo 17 de diciembre, tanto en Estados Unidos como en España, ¡como tiene que ser!

Actualización: Aquí os dejo también el tráiler doblado al español, cortesía de la propia Disney:

PD: Gracias a todos los que nos habéis avisado. ¿Qué haríamos sin vosotros?

Comenzamos con Sergi López, actor español y casi más europeo, si atendemos a su internacional filmografía. Un tipo extrovertido, simpático y charlatán que habló maravillas (como no podía ser de otra manera) de la película ‘Partir’ que llegará pronto a las carteleras españolas, pero antes participará en este Festival, además en la Sección Oficial.

Sergi elogió el generoso y brillante trabajo de su compañera de reparto, la británica Kristin Scott Thomas. Una actriz espléndida y que lo da todo a la hora de ponerse frente a las cámaras. La película cuenta la pasional historia de amor entre una mujer que llega a los 40 años con una vida plácida y cómoda, pero se cruza con un currante que trabaja en casa en unas reformas y con el que mantiene un tórrido romance y decide romper con todo y “tirarse a la piscina”, como el propio Sergi comentaba.

Pronto la veremos y juzgaremos si esta historia rodada por la realizadora Catherine Corsini logra convencer.

Por otra parte, y antes del despliegue glamouroso de la gala de inauguración, el reparto principal de ‘Triage’, se dejó fotografiar y atendió a los medios. Allí estaban Colin Farrell (un tipo simpático y con el que seguro uno se puede compenetrar en la barra de un bar), la estrella local, la sevillana Paz Vega, que hacía las veces de anfitriona, y el veterano Christopher Lee (de una vitalidad y sentido del humor tan grande como su presencia y estatura).

Paz manifestó lo magnífico que fue el rodaje de la película (entre España e Irlanda), con un gran ambiente y acompañada de grandes de la interpretación como han sido Farrell y Lee, de los que ha aprendido mucho. Por su parte, el irlandés Colin Farrell no quiso quedarse sin elogiar la belleza de Paz y marcarse algunas palabras en español. Y Christopher Lee que ahondó en que era una de las mejores películas sobre la guerra que ha visto, y reconocía haber visto unas cuantas. Ante la pregunta sobre qué opinaba sobre la actual moda de vampiros, Lee fue tajante:

No veo ninguna desde 1972. Me han dicho que ahora los vampiros son jóvenes apuestos (muchas risas)

Continuando con otro gran veterano, el británico John Hurt pasó esta misma mañana por su turno en rueda de prensa. El actor venía a acompañar a su última película ‘44 inch chest’, una cinta del debutante Malcolm Venville (aunque un fotógrafo y publicista muy prestigioso). Largometraje que ha alabado por su teatralidad, pero con un sentido del humor que subrayaba los temas universales que trataba. Hurt manifestaba, que tras tantos años haciendo grandes y pequeñas producciones, prefería (por sentirse más cómodo trabajando) interpretar papeles para películas independientes, donde la falta de recursos obliga a hacerlo bien en la primera toma. Un actor camaleónico, siempre sorprendente y con una agenda de próximas producciones que demuestra que aún le queda mucha mecha, a pesar su dilatada vida profesional en la interpretación. Gran tipo.

Hace poco tuve la oportunidad de revisar ‘Alien’, la segunda película de Ridley Scott, director tan admirado como odiado, que entre otras nos ha dejado impresas las muestras de su indudable talento, en la presente, en la posterior —esa obra maestra de título ‘Blade Runner’, que tantas discusiones plantea—, o la anterior —esa joya titulada ‘Los duelistas’ (‘The Duelists’, 1977)—. No voy a hablar de su posterior carrera ensalzando algunas de sus películas, las cuales han sido denostadas por la crítica de forma bastante cruel. Además, siempre he sostenido que este trío de films componían lo mejor del director, encerrando los elementos más característicos de su cine, apoyado sobre todo en excelentes guiones. Elementos que más tarde ha sabido aprovechar con buen tino —‘La sombra del testigo’ (‘Someone to Watch Over Me’, 1987)—, o simplemente cayendo en la más profunda de las vacuidades —‘Tormenta blanca’ (‘White Squall’, 1996) y cierta basura con Demi Moore—, pero eso daría para otros posts.

Y mi revisión de este clásico imperecedero fue a partir del conocimiento de que algunos de mis colegas, amigos de vez en cuando, no la habían visto. Sí, debería cambiar de amigos, pero en vez de eso, me ofrecí a arreglar el imperdonable error de vivir su existencia sin haber disfrutado una película que precisamente puede presumir de tal característica. ‘Alien’ es una gozada que entre todas sus cualidades, eleva las del puro disfrute por encima de las demás, quedando resumida a un film que prácticamente se vive en cada uno de sus fotogramas.

La historia de ‘Alien’ es harto conocida: una nave espacial de comercio, llamada ‘Nostromo’ —en lo que es un homenaje de Scott a la famosa obra de Joseph Conrad— varía su rumbo de vuelta a la Tierra para acudir a lo que parece una llamada de socorro que proviene de un planeta. Allí darán con una sorpresa que hará que varias de las secuencias posteriores al encuentro hayan quedado grabadas en la memoria colectiva, convirtiéndose por derecho propio en algunos de los momentos más impactantes de la historia del Cine, dentro del género de terror. Porque ‘Alien’ es, sobre todo, una película que se sumerge en la misma esencia del miedo; a través de una historia vestida de Sci-Fi, se alimenta el sentimiento general del temor a lo desconocido.

‘Alien’ es el resultado de varios genios reunidos, o dicho de toro modo, es la reunión de varios artistas en un momento de sus vidas, en las que sus cualidades artísticas estaban al máximo de rendimiento. Dan O´Bannon escribió el guión a partir de una historia creada por él mismo y Ronald Shusett —en ella se encuentran referencias literarias, y cómo no, cinematográficas a películas como ‘It! The Terror from Beyond Space’ (Edward L. Cahn, 1958), de la que muchos ven un plagio—, y lo hizo en cierto modo para resarcirse de su desencanto con la película de John Carpenter ‘Dark Star’ (1974), en la que un alienígena tenía el aspecto de calabaza gigante. Por cierto, simpática ópera prima de Carpenter.

Ridely Scott nunca estuvo tan inspirado en la utilización de los espacios y la atmósfera, logrando plasmar un ambiente de opresión único, que estrangula poco a poco, primero a los personajes y con ellos al espectador —la hazaña la repetiría en ‘Blade Runner’ aunque con fines totalmente diferentes—; Scott sacaba el máximo partido a su obsesión por la estética, convirtiendo una nave espacial llena de silenciosos y metálicos pasillos en un laberíntico paisaje de horror. Por supuesto nada habría sido lo mismo si Scott no hubiese contado con la inestimable colaboración en el campo de diseño del film, de gente como Moebius, y sobre todo H.R. Giger, quien se encargó de crear al alienígena más famoso de la historia —al lado de Supermán y E.T., evidentemente—, convirtiéndolo en algo más que eso, en la representación de nuestros miedos a lo desconocido, una criatura ausente de sentimientos, que se adapta a cualquier ambiente con el único interés de sobrevivir, una forma de vida perfecta.

La historia desarrollada en ‘Alien’ funciona con la precisión de un reloj suizo. El crescendo dramático funciona a la perfección, empezando con la descripción de una nave espacial, definiéndola en cada uno de sus rincones y a cada uno de sus siete tripulantes, seguida de dos puntos de inflexión muy importantes: la aparición de una nave extraterrestre, seguida de la del inesperado visitante. A partir de ahí, el film acentúa sus sombras, los tranquilos pasillos de la nave se convierten en la morada del alien, aparece el horror en su pura esencia, culminando en dos clímax inolvidables. Uno sería el propiamente dicho, el de la explosión de la Nostromo, y el segundo —que casi parece un anticlímax—, lo sucedido posteriormente en el vehículo auxiliar, en la que Scott consigue lo que el espectador pensaba evitaría: el enfrentamiento real al miedo en sí mismo. Ripley se desnuda tanto física como psicológicamente, y queda prácticamente indefensa ante el alien, una terrorífica secuencia de connotaciones sexuales, que lleva al espectador al límite. Y todo ello con las notas de Jerry Goldsmith, que estampan el horror en nuestros oídos.

Los actores logran sacar de sus aparentemente planos personajes, matices que los visten y logran que nos importen, a pesar de que Scott mantiene cierta distancia sobre ellos, una frialdad tal vez influenciada por Kubrick y su ‘2001’: una odisea en el espacio’ (‘2001: A Space Odissey’, 1968), film que según palabras del propio Scott, tuvo muy presente a la hora de realizar ‘Alien’ —las otras dos fueron ‘La guerra de las galaxias’ (‘Star Wars’, George Lucas’, 1977) y ‘La matanza de Texas’ (‘The Texas Chain Saw Massacre’, Tobe Hooper, 1974)—. Tom Skerritt, como Dallas, que protagoniza una de las escenas de mayor tensión del film, la de los conductos de ventilación; John Hurt, como Kane, el padre del alien; Veronica Cartwright, como Lambert, actriz que demuestra una vez más que llora como nadie en pantalla —lo lleva haciendo desde que hizo su debut en ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, Alfred Hitchcock, 1963)—; Harry Dean Stanton, como Brett, y Yaphet Kotto, como Parker, representan el aspecto social del film, en el futuro los problemas de contratación, las diferencias entre trabajadores y la empresa, siguen vigentes. Ian Holm, como Ash, fascinante personaje que desvela su verdadera cara en un momento que parece gore puro. Y cómo no, una excelente Sigourney Weaver, en su primer papel importante en una película, como Ripley, personaje en principio pensado para un hombre —incluso se pensó en Paul Newman para interpretarlo—. Y un precioso y observador gato, detalle en el que no debieron fijarse los encargados de titular la película en nuestro país, ya que por el minino el film tendría que haberse titulado ‘Alien, el 9º pasajero’.

En el 2003, Ridley Scott cayó en una nueva tentación de retocar una de sus películas, recuperando parte de metraje desestimado en 1979, mostrando algunas cosas que en el momento de su estreno se consideraron demasiado explícitas, como por ejemplo, el descubrimiento por parte de Ripley, de Dallas y Brett, en el tramo final del film, instante tan impactante —James Cameron lo aprovecharía en la secuela, ‘Aliens’ (1986)—, como innecesario. Dicho descubrimiento tapa la sensación de suspense de cara a un espectador que siempre se preguntó cuál fue el destino de Dallas. Ahora, tanta obviedad esconde parte de las intenciones del film: transmitir el miedo por lo desconocido. Dos o tres secuencias más, un par de planos aquí y allá, uno de ellos imperdonable al mostrar al alien en todo su esplendor. Si hay un acierto en el tratamiento de la criatura por parte de Scott, ése es precisamente no mostrarla más de lo debido, consiguiendo un efecto que se estropea un poco en el mencionado montaje.

Aún así es imposible empañar la calidad de ‘Alien’, film cumbre en el género de terror y la Sci-Fi. El miedo trasladado al espacio, ese lugar tan alejado, y al mismo tiempo atrayente y desconocido. Scott no volvería a adentrarse en el terror como aquí, y sólo una vez más en la Sci-Fi, con resultados igualmente satisfactorios. Ahora que su nombre ya está confirmado para dirigir la precuela de esta mítica cinta, veremos nuestros deseos cumplidos de volver a ver a Scott metido en el terreno que le dio la condición de grande; aunque el nivel dejado en esta obra maestra es muy difícil de superar hasta para el propio Scott.

En Blogdecine:

• ‘Alien’/‘Blade Runner’, dinamismo y atmósferas

• James Cameron (V): El legado de Ridley Scott

Mientras escribo estas líneas, desfilan por la pantalla de mi televisor las imágenes de ‘Hellboy 2: el ejército dorado’ en su estreno en Canal + (no, no me pagan nada por darles publicidad, pero son los únicos que no cortan las películas para poner anuncios, se merecen un algo de respeto). De modo que me he decidido a sentarme delante del ordenador para repasar un poco el trabajo que ha hecho del Toro con el cómic de Mike Mignola.

Una cosa está clara: hay directores que se ganan una fama desmedida que nada tiene que ver con la importancia real de sus películas, sino más bien con el forofismo de un sector del público, siempre entregado a fantasías blandas y facilonas, y a cierto sector cinéfilo siempre dispuesto a adorar a ídolos de barro. Del Toro, en mi opinión, es uno de ellos. Un director que desde la magnífica ‘Cronos’ ha ido en caída libre con la sola excepción de la más que digna ‘El laberinto del fauno’.

De modo que lo que tendría que haber sido una carrera prometedora para un gran conocedor del cine y la literatura fantástica como es del Toro, se ha quedado en agua de borrajas, algunos intentos fallidos de ‘blockbuster’ y un par de aciertos fortuitos que no justifican una personalidad artística poco autoexigente. Vamos, que en lugar de crecer, este hombre da un paso atrás en cada película. Pero centrémonos en su díptico sobre el demoníaco personaje.

Nada que ver con el genial cómic

Todo lo que en el cómic era contención y elegancia visuales, en las películas de del Toro es regusto por lo recargado, barroquismo de segunda fila. Los claroscuros, la estilizada formalización de Mignola, se convierte en manos de mexicano en un colorido recargante, que ya en la segunda película roza lo insoportable. La atmósfera cuidada y sabia de Mignola, con esea inclinación maravillosa por lo grotesco y lo sobrenatural, se infantiliza de manera en manos de un director al que no comprendo como tantos cinéfilos pueden venerar.

Pero más allá de las odiosas comparaciones con un material que nunca debió ser trasladado a un fallido intento de ‘mainstream’, ya que su verdadera naturaleza era ‘underground’ (un concepto que hoy parece olvidado, menos mal que nos queda Tarantino), del Toro presenta un material anodino, sin la menor fuerza narrativa, más basado en escenografías y luces y látex que en verdadero cine, eso que a algunos es lo que en verdad nos importa.

Para no enrollarnos: los dos grandes defectos de del Toro son aquellos que le impedirán ser un buen director alguna vez en su vida, el tono y el ritmo. Resulta exasperante comprobar que un director con una trayectoria ya de siete largometrajes, no mejore en ambas características. Eso sí, parece empeñado en demostrarnos, cada vez con menos acierto, su en teoría fastuosa imaginación gráfica, que le lleva a diseñar criaturas a veces fascinantes, muchas otras anodinas, en un conjunto que termina recargando visualmente la película.

Pero seguramente yo sea el tipo más chiflado del país, y del Toro sea un nuevo Burton, o un nuevo Jackson, y nos regale otra obra maestra gráfica con su anhelada versión de ‘El hobbit‘, a la que dotará de un tono y un ritmo perfectos. Aunque todo parece indicar que no será así.

El diablillo no tiene chispa

Pero más allá de tecnicismos, no hay duda de que ambos Hellboy adolecen de un guión muy pobre, que además repite esquemas de la manera más obvia y zafia, y que es incapaz de armar una trama con convicción. No es que sean malas películas, porque no lo son. Seguramente lo serían si del Toro arriesgase un poco más y procurara ser menos mecánico, menos conservador. Pero todo queda en una sosería aplastante. Un personaje que debería ser ingenioso, impredecible y carismático se vuelve, en su versión cinematográfica, totalmente trivial.

Y no creo que sea culpa de Ron Perlman, que siempre fue un actor potente, sino de una dirección de actores muy poco trabajada, y de un diseño de personajes ramplón. Para colmo, los diálogos no tienen la menor gracia y a menudo son fácilmente mejorables. Me pregunto muy seriamente sobre las probabilidades reales de que estos guiones hubieran sido aprobados por una productora si no se tratara de un director conocido y de un personaje de cómic de prestigio.

Y el lector dirá: ¡Massanet, déjate de zarandajas, ésto no va de diálogos, va de acción y fantasía! Ok, vale, de acuerdo. Pero si esto le parece al lector una acción y un sentido de la maravilla ejemplares, pues no andamos en la misma onda. Lo que del Toro entiende por acción en estas dos películas es un batiburrillo atestado de lugares comunes, destrozos y ruido, pero poca intensidad. Y en cuanto a su sentido de la maravilla, en la primera todavía era defendible, pero en la secuela recuerda más a ‘Dentro del laberinto’ (Jim Henson, 1986) que a ‘Cronos’.

Al menos ‘El laberinto del fauno’ le quedó bastante bien (sin ser la obra maestra que tantos proclamaban, de nuevo con problemas de tono y ritmo). Ya veremos si en el futuro este director hace que me trague mis palabras.

En Blogdecine

• ‘Hellboy’, el hombre bajo la piel del demonio

• ‘Hellboy’, los diablillos Guillermo y Ron

• ‘Hellboy II: El ejército dorado’, la humanidad del demonio incomprendido

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‘Outlander’ es un producto que se estrenó en noviembre del año pasado en nuestras salas. Pasó con más pena que gloria por las carteleras, y desde hace apenas un mes está disponible en DVD, por si algún alma caritativa decide llevarse esta película a casa a que adorne una de sus estanterías. Para mucho más no vale, y eso que hablamos de una película divertida. Pero no quiero ser malinterpretado, por divertida no me refiero a que sea una buena comedia, o un film de aventuras y Sci-Fi con toques cómicos, no.

‘Outlander’ es divertida porque es mala, rematadamente mala. Está tan llena de incongruencias, escenas mal filmadas, diálogos absurdos, situaciones imposibles, que yo al menos me he divertido de lo lindo riéndome de todo ello. Unas buenas palomitas (o cualquier bocadillo de lo que sea), una cerveza bien fría, una compañía adecuada (femenina o masculina, me da igual) y el sentido del humor aunado con la mirada crítica bien afinada, son los ingredientes perfectos para soportar el visionado de ‘Outlander’.

‘Outlander’ narra la llegada de una nave espacial a nuestro planeta, en la que viaja un guerrero llamado Kainan, llevando consigo una criatura infernal bautizada como Morween, la cual se escapa ocultándose en el bosque. Kainan se da cuenta de que ha aterrizado en la Tierra en plena época vikinga. Tras un curso intensivo de lengua vikinga (y que debe ser más doloroso que un cólico nefrítico), Kainan enseguida toma contacto con los lugareños, entre los que evidentemente no podrá faltar ni el típico rey sabio, ni el típico bruto, ni la típica mujer aguerrida y valerosa, que por supuesto acabará rendida ante los encantos de tan apuesto visitante.

La película está dirigida por Howard McCain, que también es uno de los autores del guión, sustituyendo al inicialmente previsto, Renny Harlin, quien curiosamente es director de otra de estas películas “divertidas”, ‘Cazadores de mentes’, con la cual ‘Outlander’ puede competir en despropósitos y disparates, proporcionando las mismas risas. McCain nos ofrece una batiburrillo lleno de elementos de películas conocidas y algún que otro libro. Para empezar, casi se podría decir que esto es un plagio fílmico de ‘Un yanqui en la corte del Rey Arturo’ de Mark Twain, haciendo los oportunos cambios de personajes y lugares (el protagonista además no es del futuro, es del espacio, que para el caso es lo mismo). El tufillo a ‘Depredador’ también existe, unas pizcas de ‘Alien’ y hasta de ‘The Host’, y sobre todo de ‘El guerrero nº 13’ (la infravalorada película de John McTiernan), añadiendo cosas de infinidad de films de “espada y brujería”.

Todo ello no tendría demasiada importancia si McCain hubiera mezclado todas sus influencias en un cóctel con algo de esencia, creando algo nuevo, o al menos con un mínimo de calidad. ‘Outlander’ es ridícula por muchas razones que curiosamente nada tienen que ver con los elementos más fantasiosos del guión. Llega una nave del espacio, creíble; hay un monstruo, también creíble, aunque éste parezca un muñeco de feria fluorescente; no, lo verdaderamente preocupante es encontrar personajes planos hasta la saciedad, que éstos reciten diálogos que parecen improvisados o simplemente para que la película parezca sonora, a lo que hay que sumar situaciones que dejan a uno con la boca abierta (el ejemplo más escandaloso, el de la carrera sobre los escudos, que tal y como está narrada es más increíble que toda la parte de Sci-Fi del film).

En el reparto duele ver a dos actores como James Caviezel y John Hurt. El primero, que ha demostrado más de una vez que puede ser excelente, también ha intervenido en una cantidad de películas sin sentido que no aportan nada a su carrera, sino más bien todo lo contrario. Aquí nos pone una de sus típicas caras de sufrimiento, y con eso parece que le llega. Hurt, que por su parte también ha aparecido en muchos productos de menor categoría, tiene un currículum mucho más aprovechable que el de Caviezel, con menos resbalones. Aunque hay que decir que el John Hurt de ‘Outlander’ es irreconocible, regalándonos una de sus peores interpretaciones. Y así podría seguir con el resto del reparto, todos con personajes inexistentes con los que es imposible empatizar.

La película termina, de las cervezas y la comida poco queda, y las risas al menos me han hecho pasar el rato. No sé porqué pensaba que ‘Outlander’ podría ser un decente (lo justo, tampoco tenía las expectativas muy altas) film de Sci-Fi y aventuras. No ha sido así, y el precio he tenido que pagar. Ahora, me retiraré a mis aposentos a escribir sobre cierto Inspector de policía que es un completo desastre.

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Curiosamente, en la cartelera española se han reunido dos películas con un punto de partida algo similar: un objeto extraterrestre llega a la Tierra y de su interior saldrán dos seres (uno “humano”, el otro no). Aunque en Estados Unidos aún no se ha estrenado (parece que lo hará en enero), ‘Outlander’ llegó a nuestros cines el pasado 28 de noviembre. Y aquí tenéis a alguien que esperaba esa ocasión para ver algo diferente, a pesar de todo. Para los que no sepan de qué va este film, os diré que se centra en la accidentada llegada de una nave alienígena a nuestro planeta, en el siglo VIII, en territorio vikingo.

Del interior de la nave salen dos seres, uno con forma humana, inteligente, y otro con forma de, digamos, monstruo, sin inteligencia, devorador de todo lo que se mueva. El individuo con forma humana, tras adquirir (¿habéis visto ‘Matrix’?) los conocimientos necesarios para sobrevivir en el planeta y comunicarse con los vikingos, se lanza a la caza y captura del bicharraco que ha traído con él, antes de que sea demasiado tarde.

Aliens y vikingos. Es imposible tomarse en serio esta producción escrita y dirigida por Howard McCain. McCain, entusiasmado con la historia de Beowulf, cambia a un dragón por una criatura del espacio exterior y al valeroso guerrero por una persona que viene de una civilización muy avanzada (especialmente comparada con la que había en el siglo octavo). Sin embargo, lo menos increíble, a la postre, es esta parte de ciencia ficción.

Como si el hecho de incluir extraterrestres o monstruos ya hubiera roto de forma inevitable la verosimilitud del relato, McCain se saca de la manga unos vikingos totalmente imposibles, protagonistas de todo tipo de situaciones a cual más ridícula. Bueno, en realidad, creo que la palma se la lleva esa especie de baile/carrera sobre los escudos. Pensé que tendría pesadillas después de contemplar dicha secuencia.

Resulta ya de lo más normal, pero no por ello menos molesto, encontrar personajes, diálogos, comportamientos y pensamientos absolutamente anacrónicos. No hay en esta ‘Outlander’ ni un solo vikingo que resulte creíble. Especialmente grave resulta el caso de la chica, interpretada por Sophia Miles, el típico personaje femenino que la actriz definiría como fuerte y adelantada a su tiempo. Y tanto, mujer, pero por un guión torpe, no por otra cosa. Sólo le falta reclamar elecciones democráticas, anunciar su candidatura a la presidencia y exigir el derecho de las parejas del mismo sexo a contraer matrimonio y adoptar hijos. Destacar también la patética escena de lucha entre ella y su padre, encarnado por un John Hurt que debería seleccionar mejor sus papeles si no quiere acumular más manchas de la cuenta en su brillante currículum.

No ayuda tampoco en absoluto el desastroso personaje al que da vida el, por otro lado, estupendo actor Jim Caviezel. El suyo es uno de esos roles que parecen escritos sin ningún tipo de rigor, con comportamientos erráticos e incoherentes; por no hablar de que resulta imposible creerse que el tipo provenga de otro planeta (¿y a qué distancia de la Tierra?), por tanto, miembro de una civilización más avanzada que la nuestra actual (a pesar de esto no han inventado radares eficientes ni consideran que sea peligroso dejar sin protección un asentamiento civil). Por cierto, ojito a las tumbas alienígenas… y al estado de los cuerpos (¿regeneración celular?).

¿Sabéis ese tipo de películas que ves con alguien más y, una vez termina, podéis pasaros horas y horas recordando incoherencias y escenas malas? ‘Outlander’ es de esta clase. Perfecta para destriparla con los amigos. Una pérdida de tiempo para todo lo demás, sobre todo si vas al cine esperando algo realizado con un mínimo de calidad y seriedad. Howard McCain sólo quiere que un monstruo (un “gusiluz” sanguinario) se dedique a destrozar vikingos y que éstos, luego, salgan a buscarlo para partirlo en pedazos. Bicho digital muy bien hecho, mucha sangre, actores perdidos, puesta en escena televisiva, “homenajes” de todo tipo y un guión lamentable sin pies ni cabeza. 50 millones ha costado esta cosa. Menudo desperdicio.