Era de esperar que el enorme éxito de ‘La saga Crepúsculo’ iba a tener muchas consecuencias en el mundo del cine. El primero, obviamente, el empeoramiento del nivel medio de lo que se estrena, pero también el hecho de que iban a aparecer multitud de clones queriendo replicar el éxito de la serie de películas protagonizada por Kristen Stewart, Robert Pattinson y Taylor Lautner. Hace ya un par de meses, mi compañero Juan Luis os trajo la primera imagen de esta película, o, como muy bien mismo él la definía, la versión zombie de ‘Crepúsculo’, y ahora nos llegan nuevas imágenes de ‘Warm bodies’ en las que poder calibrar mejor la naturaleza de su protagonista.

El argumento de la película ya deja bien claro lo que podemos esperar: R es un muerto viviente que, como los de su especie, se dedica a comer los cerebros de los humanos que se cruzan en su camino, pero un buen día salva la vida de una joven, dándose la particularidad de que justo acababa de zamparse el cerebro de su novio. Ella, movida por vete tú a saber qué, decide empezar una relación amorosa con él, algo que puede trastocar gravemente el orden natural de las cosas. Los protagonistas de ‘Warm bodies’ son Nicholas Hoult (‘Un niño grande’, ‘X-Men: Primera generación’) como la versión zombie de Edward (sólo con ver la imagen con la que encabezo el post creo que eso ya queda claro) y Teresa Palmer (‘Soy el número cuatro’) como la nueva Bella. Sé que no es la primera vez que menciono que una película puede ser la nueva ‘Crepúsculo’, pero en esta ocasión creo que ni siquiera queda lugar para la duda.

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Como todo el mundo necesita comer a final de mes, comprendo la inclusión de John Malkovich en el reparto, el cual está también acompañado por Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco y Cory Hardrict. Algo similar al caso de Malkovich me sucede con el hecho de encontrar a Jonathan Levine en la dirección (y también escribe el guión), el cual había ganado cierta reputación en los últimos meses gracias a ’50/50’, una de las muchas olvidadas en las recientes nominaciones a los Oscar. Además, la película toma como base una novela de Isaac Marion que seguramente tenga poco que envidiar a las escritas por Stephenie Meyer, con lo cual todo allana el camino para que el 10 de agosto de 2012, que es cuando se estrena le película en USA, nos encontremos con la película que intentará suceder a ‘Crepúsculo’ en el corazón de muchas adolescentes. Aún se desconoce la fecha de estreno en España.

Vía | GM Tristan

Primero lo intentaron con alienígenas (‘Soy el número cuatro’) y ahora van a probar suerte con los zombies. Aquí os dejo el teaser o primera imagen de promoción que ha lanzado Summit Entertainment de ‘Warm Bodies’, un nuevo intento por construir una franquicia que atraiga a la legión de fans de la saga ‘Crepúsculo’. Hay mucho dinero en juego, así que no debe extrañarnos.

Jonathan Levine (‘Seducción mortal’, ’50/50’) firma el guion y dirige la película, que está protagonizada por los dos jóvenes actores que tenéis en la foto, Nicholas Hoult (‘Un hombre soltero’, ‘X-Men: Primera generación’) y Teresa Palmer (‘El aprendiz de brujo’, ‘Soy el número cuatro’). La historia, basada en la novela homónima de Isaac Marion, gira en torno a un muerto viviente que salva la vida a una chica después de haberse comido el cerebro de su novio; el muerto y la viva comienzan un peculiar romance cuyas consecuencias podrían transformar el caótico mundo en el que viven. John Malkovich (!!), Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco y Cory Hardrict completan el reparto. La fecha del estreno de ‘Warm Bodies’ (‘Cuerpos calientes’) es el 10 de agosto de 2012.

PD: ‘La saga Crepúsculo: Amanecer. Parte 1’ se estrena en un par de semanas.

Vía | ComingSoon

El prestigioso director, teórico del cine y profesor chileno Raúl Ruiz ha fallecido esta mañana apenas un mes después de haber cumplido los setenta años de edad por causa de una infección pulmonar, según ha informado su productor, François Margolin. A finales de 2009, le fue diagnosticado un cáncer hepático, y en marzo de 2010 fue trasplantado de hígado. Ha pasado a mejor vida en París, donde vivía exiliado desde hace casi cuarenta años.

Ruiz, considerado por algunos el director de cine chileno más importante de la historia, comenzó su andadura como cineasta dentro de una corriente políticamente comprometida, donde se podía encontrar a los también chilenos Miguel Littín y Helvio Soto. Posteriormente, se fue decantando hacia películas cada vez más creativas, surrealistas, irónicas y experimentales y se le catalogó como un autor distinto y muy personal.

Un repaso a su filmografía incluiría las películas ‘La vocación suspendida’ (1977), ‘La hipótesis del cuadro robado’ (1978), ‘El territorio’ (1981), ‘Las tres coronas del marinero’ (1983), ‘La isla del tesoro’ (1985), ‘La soledades’ (1992), ‘El tiempo recobrado’ (1998), ‘Días de campo’ (2004), ‘Klimt’ (2005 ), ‘La recta provincia’ (2007) o ‘Litoral, cuentos del mar’ (2008).

El gobierno de Salvador Allende apoyó alguna de sus películas y, con el golpe de Estado de Pinochet en 1973, hubo de refugiarse primeramente en Argentina y más adelante en Francia, donde desarrolló el resto de su carrera como cineasta.

Ganador de reconocidos galardones como la Concha de plata al Mejor Director, en el San Sebastián, el Oso de Plata en el Festival de Berlín o el Premio Nacional de Artes de la Representación y Audiovisual chileno, entre muchos otros; ha dirigido a estrellas de la talla de John Malkovich, Marcello Mastroianni, Catherine Deneuve o John Hurt y ha utilizado textos de muy diversos autores, así Kafka o Klossowski.

Su último film, ‘Misterios de Lisboa’, se estrenó en España hace escasos meses y, pese a su larga duración, obtuvo una reacción crítica sumamente positiva. A su muerte, Ruiz estaba en proceso de montaje de una película más, rodada en su Chile natal durante el mes de abril, y de título ‘La noche de enfrente’, que esperamos que llegue a ver la luz.

Vía | El País.

No había visto ‘Eragon’ cuando se estrenó en cines ni cuando apareció en DVD, así que, este fin de semana, me quedé a verla al comprobar que la emitían por televisión. El motivo de haber pasado de ella en su estreno cinematográfico y su lanzamiento doméstico, era, lógicamente, que había leído y escuchado que no tenía demasiada calidad. Aun así, esperaba que funcionase algo mejor en varios aspectos: que fuese algo más entretenida y que se decantase más hacia un tono oscuro de fantasía, reservada únicamente a lo seguidores acérrimos del género, en lugar de ser accesible para cualquiera, especialmente para la gente menuda.

Estoy segura de que, tras este titular, no hace falta decir más para que se sepa con qué película estoy comparando ‘Eragon’. Por mucho que desee escribir una crítica que hable exclusivamente del título que nos ocupa, me resulta imposible evitar equipararla a ‘El señor de los anillos’ para comentar cada uno de los aspectos de su desarrollo narrativo y de su realización. Y es que la mejor forma de demostrar lo que no está bien hecho aquí es señalar el lugar donde sí se ha conseguido, especialmente cuando se parte de materiales tan similares.

Siempre me ha gustado decir que el guion es lo importante en una película y que la forma en la que se dirige es secundaria. Se demuestra que erraba con esta comparación –así como en tantas otras ocasiones–, cuando la forma en la que Peter Jackson rueda las arengas, las huidas, las peleas, los encuentros… hace que cobre una dimensión épica que, en manos de otros cineastas, está completamente ausente. Podría parecer que lo necesario está incluido en el guion de ‘Eragon‘, pues se plantean incluso los preliminares de la batalla y se menciona su importancia con insistencia, para aumentar el impacto del clímax de esa lucha. A pesar de eso, lo que Jackson inundaba de emoción sobrecogedora aquí se queda en nada. No hay mejor prueba del excelente trabajo del neozelandés detrás de las tres entregas de la adaptación de Tolkien que ver otros films de fantasía teóricamente semejantes, en los que no se produce ni el 1% de la palpitación e implicación que suscitan las tres partes de ‘ESDLA’.

La facilidad con la que se derrota a los enemigos, la simplicidad con la que son abatidos los héroes, la comodidad con la que se rescata a las damas, la rapidez con la que se ganan las batallas, la inmediatez con la que se alcanza el lugar buscado, la tranquilidad con la que se afrontan las dicotomías… todo es tan fácil en ‘Eragon’, que no hay enganche para saber si se resolverán estos obstáculos. Que la dragona hable tiene como menor problema su posible efecto de ridículo, pues lo peor de esta opción es que lo hace todo todavía más sencillo: no quedan incógnitas ni preguntas que nos impulsen a ver más allá, todo está dicho y resuelto desde muy temprano.

No existe, por otra parte, dilema moral o lucha interna que convierta esta aventura en algo mucho más complicado que un simple viaje tortuoso. En este aspecto no se trata de una diferencia en la forma de rodar y montar la película, sino del contenido. El libro de Christopher Paolini no es que esté dirigido a niños, lo cual es muy respetable, es que es infantil en un sentido nada positivo del término. Los conflictos de Tolkien no sólo eran más difíciles de acometer, sino también más profundos y cósmicos.

Le ocurre a ‘Eragon’, asimismo, lo que ya he comentado muchas veces sobre las películas pensadas para inaugurar franquicias. La presentación de personajes, elementos y reglas particulares de ese mundo de ficción se hace muy extensa, con la intención de que eso tenga un valor a largo plazo, es decir, en sucesivas entregas. Sin embargo, la cinta por sí misma queda descompensada, cargada en exceso de diálogos, de explicaciones, de consejos y otros momentos aburridos para los que no hay recompensa suficiente con la escasa acción del final. Si, además, le añadimos la desgraciada circunstancia de que el éxito de taquilla no fue suficiente como para motivar las continuaciones, el film resulta todavía más amorfo.

La labor de Stefen Fangmeier nos haría pensar en una factura barata y de un acercamiento cutre con bajas pretensiones. Sin embargo, encontramos efectos especiales más que solventes –al menos, vistos en televisión– en la eclosión del huevo de la dragona y todo su movimiento y vuelo posteriores y nombres de categoría en el reparto: Jeremy Irons, Robert Carlyle o John Malkovich –este último con un personaje que no hace nada, pues puede que rodase su papel en una jornada, y que se deja claramente para la segunda parte–. Así que habrá que concluir que la falta de dinero no fue la culpable (se hablaba de un presupuesto de 100 millones de dólares).

Edward Sleepers, en el papel que da título al film, no aporta a la película la épica que le falta, en todo caso, restaría emoción y credibilidad, si las hubiese de partida. El papel que se asigna a Sienna Guillory, quien sí podría haber servido de refuerzo a la película, consiste en permanecer tumbada y enferma casi toda la duración, con lo que decir que es un cero a la izquierda es quedase corta. Pero es que ni esos actores tan buenos y reputados que se mencionan antes –entre los que hay que incluir a Djimon Hounsou– elevan la temperatura en ninguna ocasión. Como han demostrado las películas de Uwe Boll, cualquier actor se puede dirigir mal o puede estar en el rodaje absolutamente ignorante de su personaje o de la trama, figurando para llevarse posteriormente el cheque. Y, claro, ya que mento al diablo y hago la comparación con Boll, diré que sus prefiero sus películas a cosas como esta, pues, aunque sean todavía peores y, en el caso de ‘En el nombre del rey’, igual de plagiarias; al menos permiten una diversión basada en la risa y el despropósito. ‘Eragon’ es sosa hasta para disfrutarla como cine malo.

En definitiva, ‘Eragon’ es una película demasiado simple y que parece que solo pueda contentar a un público infantil. Sabiendo incluso que se trataba de un pastiche de plagios, esperaba algo más de ella. El material literario del que parte probablemente no sea excelente, pero la puesta en imágenes que se ha hecho del libro no ha favorecido nada la narración que se sitúa detrás. Carece de la emoción, de la épica y de la implicación que serían necesarias para entrar en este tipo de fantasía. Y estos mundos, contemplados de forma ajena y distante, solo pueden resultar risibles.

Mi puntuación:

La fotografía de arriba pertenece a uno de las mejores secuencias jamás filmadas por Steven Spielberg, en una época en la que muchos se resistían aún a aceptar la genialidad de un director que durante mucho tiempo ha dado de comer a medio Hollywood. ‘El imperio del sol’ (‘Empire of the Sun’, 1987) fue nominada por la Academia de Hollywood a seis Oscars de carácter técnico, repitiéndose el desprecio que el Rey Midas había sufrido dos años antes cuando ‘El color púrpura’ (‘The Color Purple’, 1985) batió un curioso récord al ser nominada a once Oscars, entre los cuales no se encontraba el de mejor dirección. Spielberg venía de realizar maravillas como ‘Tiburón’ (‘Jaws’, 1975) o ‘En busca del arca perdida’ (‘Raiders of the Lost Ark’, 1981), un tipo de películas que incomprensiblemente no pueden gozar de premios importantes, aunque en el fondo cualquier tipo de premio en Cine es totalmente secundario, al menos para mí, que lo único que me importa es la calidad del film en sí.

En cualquier caso, era el tiempo en el que a Spielberg se le rechazaba prácticamente de antemano cuando se ponía a dirigir películas más serias, por así decirlo. Pero hablamos de alguien que muchas veces ha convertido todo lo que tocaba en oro, y su ambición le llevó a comprar los derechos de la novela autobiográfica de J.G Ballard de idéntico título. La intención del director era simplemente la de producir el film, ofreciéndole el trabajo de dirección a nada más y nada menos que David Lean, uno de los realizadores preferidos de Spielberg, pero el mítico realizador rechazó la oferta, así que Spielberg decidió dirigir el film él mismo, no olvidándose por supuesto de homenajear en el camino al director de ‘Lawrence de Arabia’ (‘Lawrence de Arabia’, 1962), desde luego un director muy apropiado para semejante proyecto. Al igual que el propio Spielberg, quien firmó uno de sus mejores trabajos.

La historia real acaecida en el Shangai de la Segunda Guerra Mundial sirve a Spielberg para realizar otro de sus relatos sobre la niñez, y lo duro que a veces puede resultar ser un niño. La odisea de Jim Graham al separarse de sus padres durante la ocupación japonesa en la ciudad le llevará a pasar el resto de la contienda en un campo de concentración en el que madurará a marchas forzadas, encontrándose con todo tipo de personas mientras espera reunirse con sus padres algún día. Jim siente una gran fascinación por los aviones de combate, y dicha pasión le llevará a experimentar lo mejor y lo peor de los seres humanos en tiempos difíciles. Con esta película Spielberg descubrió al hoy mundialmente famoso Christian Bale, que a punto estuvo de retirarse del cine después de tener que promocionar la película por todo el mundo, trabajo que le cansó profundamente, por decirlo suavemente.

‘El imperio del sol’ da comienzo de forma muy descriptiva, mostrando el modo de vida de la familia Graham en Shangai, unos ricachones que viven a sus anchas en una de las múltiples mansiones que ocupan la ciudad en la parte rica de la misma. La sombra de Lean planea sobre esa parte, en la que la contención y el manejo de masas —es una de las películas en las que se emplearon un mayor número de extras, y los resultados son impresionantes aún a día de hoy, que estamos acostumbrados a ver masas de gente reproducidas digitalmente— pueblan la mayor parte del relato. Más tarde, durante la estancia en el campo de concentración, aparece el Spielberg genuino, aunque el recuerdo de ‘El puente sobre el rio Kwai’ (‘The River on the River Kwai’, David Lean, 1957) pueda pesar lo suyo. En cualquier caso, y aunque con el contexto de la guerra, Lean y Spielberg hablan de cosas distintas en sus películas.

Spielberg nos habla sobre la infancia rota en tiempo difíciles. Para ello nos presenta a un Jim que enseguida cae mal al espectador. Se trata de un niño caprichoso, con buena educación pero demasiado acostumbrado a nadar en la abundancia y conseguir todo aquello que quiera. Poco a poco, y mientras descubre lo dura que puede ser la vida, irá cambiando, construyendo un universo particular, único e intransferible. El destello de la bomba atómica —un hecho real que no experimentó el propio Ballard, pero sí amigos suyos— será tomado como un alma que sube al cielo, una interpretación lógica en un niño, que a pasos agigantados irá desvinculándose del mundo real, olvidando lo que era su vida. Sólo un muy inteligente detalle de guión —obra del prestigioso Tom Stoppard— mantiene conectado a Jim con la realidad pasada, con sus orígenes, el chocolate. Será ese dulce, tan del gusto de todos, el que aparezca en la narración como un extraña herramienta que lleva a Jim un paso más en su madurez.

Christian Bale y John Malkovich son los reyes de la función, interpretativamente hablando, uno por juguetear todo el tiempo con el exceso, algo que siguió haciendo en años posteriores en algunas de sus más celebradas interpretaciones; el otro por precisamente lo contrario, controlar en todo momento un trabajo de contención notable, y más aún viniendo de un actor en el que la palabra histrionismo es la constante. La relación de ambos personajes será vital para uno de ellos, Jim, que comprenderá que cuando peor están las cosas, lo mejor de la gente sale a flote, pero también lo peor. “Me enseñaste a que la gente es capaz de todo por una patata” es la frase de diálogo que funciona como punto de inflexión en cierto momento del relato, cuando desaparece toda la aureola que rodea al personaje de Malkovich y le descubre como lo que es.

Una vez más, Spielberg se desvela como un perfecto narrador en imágenes, algo mucho más difícil de lo que parece a simple vista. También como un gran director de actores infantiles, abundantes en su extensa filmografía. Bale está fantástico como Jim, un niño que, al igual que otros personajes en películas de Spielberg, encontrará los verdaderos valores de la vida, pero no gracias a un extraterrestre venido del espacio, o acompañando al mejor arqueólogo en la más grande las aventuras, sino valiéndose por sí mismo en un contexto demasiado aterrador y nada fantasioso. La escena que cito al inicio de este texto es clave para entender todo el film, aquella que da sentido a todo lo visto anteriormente, porque una buena escena no lo es por sí sola. Durante la aventura realista de goonie que vive Jim, somos testigos del arduo trabajo del mismo para sobrevivir a la segura muerte. ¿El precio? Olvidar el rostro de sus padres, y cuando éstos finalmente le encuentran acabada la guerra, Jim al fin puede cerrar sus ojos. Unos ojos en los que se ve reflejado el cansancio extremo, la pérdida de la inocencia, todo el dolor acumulado.

No es un final feliz. Esos ojos son como un grito silencioso —el del corazón— en el que la parte más importante del crecimiento de un ser humano ha quedado despojada, arrebatada de su ciclo vital —esa maleta llena de pertenencias flotando en el mar no puede ser más descriptiva—. Un dolor que acompañará a Jim el resto de sus días.

Otra crítica en Blogdecine:

• Steven Spielberg: ‘El imperio del sol’, el niño que crecía demasiado deprisa

Esta semana se edita en DVD ‘Jonah Hex’ (id, Jimmy Hayward, 2010), película que no ha conocido en nuestro país un estreno comercial en las salas de cine, y eso que hablamos de una película con un reparto muy conocido, y con altas dosis de acción. En los Estados Unidos fue un fracaso muy comprensible, y aquí llegó a exhibirse en la pasada edición del Festival de Sitges, donde la vio mi compañero Juan Luis, y muy amablemente nos advirtió sobre la calidad de la misma. La directa explotación en mercado casero podría ser debido en cierto modo a la mala recepción general de la cinta, adaptación de un cómic de la DC, obra de John Albano y Tony Dezuniga, los cuales no han participado en la elaboración del guión, y no me extrañaría que ambos aún estén alucinados con el resultado del film.

En el mencionado festival, la película se vendió como “futura obra de culto”, y lo cierto es que los elementos de los que parte tenían el suficiente interés como para llegar a serlo. Un cazarrecompensas con el rostro desfigurado que posee el poder de comunicarse con los muertos, mientras busca venganza por el asesinato de su mujer e hijo, es una premisa muy jugosa como para desperdiciarla. Pues eso es precisamente lo que ha hecho su director, Jimmy Hayward, que curiosamente fue animador en Pixar, y es firmante del film animado ‘Horton’ (‘Horton Hears a Who!’, 2008) que codirigió junto a Steve Martino. Y no sólo la ha desperdiciado, sino que parece imposible hacerlo peor. En mi caso me fastidia enormemente por estar centrada en el género cinematográfico por excelencia: el western.

Si hay algo del universo del western a lo que recuerda el personaje de Jonah Hex es sin duda alguna a los personajes que Clint Eastwood interpretó para Sergio Leone en su famosa trilogía del Dólar, y también al Josey Wales de ‘El fuera de la ley’ (‘The Outlaw Josey Wales’, Clint Eastwood, 1976), de la cual hereda el punto de partida: durante la Guerra Civil Americana un hombre verá como asesinan a su familia y se convertirá en una especie de justiciero por encima del bien y del mal. En el caso de ‘Jonah Hex’ la cosa adquiere tintes sobrenaturales al dotar a su personaje de poderes que le permiten la comunicación con los muertos, que vigilan el mundo desde el otro lado como jueces silenciosos. Un supuesto punto de frescura, que siendo lo mejor de la cinta, termina ahogado por el resto, lleno de malas interpretaciones, y situaciones absurdas sacadas de un guión deplorable y una puesta en escena carente de todo sentido.

La culpa del guión hay que echársela a esos dos terroristas —nota mental: post sobre directores que debieron dedicarse a otra cosa— del cine llamados Mark Neveldine y Brian Taylor. En el currículum de estos dos seres figuran las dos entregas de ‘Crank’ y ‘Gamer’, tres cintas que no son otra cosa que anti-cine, y en estos momentos filman la continuación de ‘Ghost Rider’ (id, Mark Steven Johnson, 2007), supongo que con la intención de que ellos lo pueden hacer peor. La manos de ambos escritores se nota bastante en ‘Jonah Hex’ pues su argumento ha sido planteado como un videojuego, en el que el personaje central deberá superar varias pruebas, valiéndose más que de su ingenio, de armas lo más potentes posibles, adquiridas a lo James Bond de un Q muy particular interpretado por Lance Reddick, el inolvidable Cedric Daniels de esa obra maestra titulada ‘The Wire’. Curiosamente el actor no está a la misma altura de lo que hizo en dicha serie, como de hecho el resto del reparto tampoco convence como otras veces. Salvo una excepción: Megan Fox.

La actriz que conoció la fama de la mano de Michael Bay en dos cintas que es mejor olvidar, y por ser una bocazas su nombre ya no suena como antes, da lo que se espera de ella, una penosa interpretación con el personaje menos creíble de todos. Su prostituta enamorada del héroe de la función insulta directamente a todos los personajes clásicos femeninos del western, fueran prostitutas o mujeres de armas tomar, desde Claire Trevor, hasta Ellen Barkin, pasando por Joan Crawford —sí, no tengo piedad con las comparaciones—, y en el caso que nos ocupa no sólo se dedica a ganarse la vida vendiendo su cuerpo mientras sueña con el hombre de rostro desfigurado, sino que llegada la hora de la verdad será también una perfecta luchadora y tiradora. A su lado, actores tan solventes como Josh Brolin —una especie de nuevo Nick Nolte—, John Malkovich —efectuando su sempiterno personaje de malvado, aunque esta vez supongo que lo que más le interesaba era el cheque— y Michael Fassbender —pasadísimo de rosca— parecen los mejores actores de la historia, y eso que ninguno está como para aplaudirle. Las presencias de Wes Bentley y Michael Shannon son meramente anecdóticas e incrementan el asombro que produce el reparto.

A las necedades de una historia llena de chorradas a cada cual más inverosímil y estúpida, Jimmy Hayward cae hacia el lado oscuro y pone en práctica uno de los males más extendidos del cine de hoy día, su apabullante y aparatosa puesta en escena, llena de secuencias filmadas con un gusto muy dudoso. Hayward parece no saber dónde ha de colocarse una cámara, restando impacto al film y estropeando los supuestos momentos álgidos del mismo, además de anular por completo un clímax previsible y falto de emoción. Por no hablar de que su estilo se asemeja al de sus guionistas cuando les da por dirigir: planos cortos, montaje caótico y movimientos de cámara grandilocuentes. Baste referirse al enfrentamiento onírico entre Hex y su archienemigo, una perfecta muestra de nulidad cinematográfica.

Tras el enorme éxito de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992), Clint Eastwood empezó con el principal rumor que aún a día de hoy sigue manteniéndose: que nunca más se volvería a poner a ambos lados de la cámara. No habría que esperar ni un año para comprobar cómo el actor/director rompía su promesa, si bien la primera de las dos películas que ocuparon su tiempo en 1993 sorprendía por el hecho de ser la segunda película protagonizada por el actor no producida por la compañía Malpaso desde que Eastwood la fundase en los años 60. La primera había sido la simpática ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heores, Brian G. Hutton, 1970). Fue la Castle Rock en asociación con Columbia, la que puso en bandeja al actor una historia que se adaptaba completamente a su faceta de intérprete.

Con todo Clint Eastwood se llevó a parte de su equipo para funciones de producción, caso de David Valdes, o para coordinación en las escenas de especialistas, caso de Buddy Van Horn. También tuvo la libertad de elegir al director, oferta que recayó en el director alemán afincado en Hollywood, Wolfgang Petersen. El éxito internacional que habían tenido ‘El submarino’ (‘Das Boot’, 1981) —indudablemente la mejor película de Petersen— y ‘La historia interminable’ (‘Die unendliche Geschichte’, 1984) permitieron al realizador entrar en suelo estadounidense con una película hoy de culto, ‘Enemigo mío’ (‘Enemy Mine’, 1985). A Eastwood le gustó concretamente la labor del director en ‘La noche de los cristales rotos’ (‘Shattered’, 1991), una de las razones por las que le ofreció dirigir ‘En la línea de fuego’ (‘In the Line of Fire’).

Jeff Maguire, que había sido uno de los autores de la historia de una de las peores películas de John Huston —‘Evasión o victoria’ (‘Victory’, 1981)—, estuvo dando vueltas por los despachos de Hollywood intentando que alguien lo filmase. Antes de que la película acabase en las manos de Eastwood, el papel principal —el agente Frank Horrigan— le fue ofrecido a actores de la talla de Robert Redford y Sean Connery, perfectos por la edades que tenían, y eso que Eastwood pensó que era demasiado mayor para dar vida a Horrigan. El personaje que interpretó John Malkovich fue ofrecido antes a Robert De Niro —estaba ocupado con el rodaje de su primera película como director, ‘Una historia del Bronx’ (‘A Bronx Tale’, 1993)—, Jack Nicholson y Robert Duvall. Mientras que el realizado por René Russo intentó tener antes los rostros de Glenn Close y Sharon Stone que lo rechazó porque alguien de su categoría no podía aparecer al lado de Clint Eastwood, una estrella demasiado mayor para ella.

A pesar de que muchas veces es divertido imaginarse lo que una película pudo ser con otros actores, e incluso con otro director, creo que muchos estaremos de acuerdo en afirmar que el trío protagonista es absolutamente perfecto, consiguiendo una compenetración casi única. Lo cierto es que Clint Eastwood demuestra estar como pez en el agua con un personaje que en cierto modo parece una estela de Harry Callahan —el esquema narrativo del film no difiere en demasía de los de la saga del mítico Inspector—, un agente del servicio secreto con un pasado tormentoso, que pide ser asignado a la escolta del residente de los Estados Unidos para protegerle de un psicópata que está dispuesto a matarlo. No obstante, aquí hay una humanización del personaje —hasta le vemos llorar—, obsesionado por no haber podido salvar a Kennedy, recuerdo que le atormenta, encontrando su apoyo en Lily, una compañera de trabajo.

Petersen parece inspirarse en la propia filmografía de Eastwood como director, concretamente en el trabajo de fotografía de Bruce Surtees o Jack N. Green, expertos en tenebrismo, y por momentos, curiosamente lo más íntimos, filma a Eastwood rodeado de penumbra. Eso en cuanto a lo formal. Tematicamente ‘En la línea de fuego’ está en cierto modo emparentada con ‘Harry el sucio’ (‘Dirty Harry’, Don Siegel, 1971), pues Horrigan mantiene un juego de gato y ratón con el villano de la función, Mitch Leary, que al igual que Scorpio en el citado film, marea a las fuerzas del orden hasta límites inimaginables. Por otro lado, Horrigan tiene ciertos puntos en común con el William Munny de ‘Sin perdón’. Ambos son personajes crepusculares, cuyo tiempo parece haber pasado, aunque en ‘En la línea de fuego’ está un poco más suavizado dicho apunte. Horrigan es un personaje físicamente cansado, incluso pilla una gripe tras una tormenta, al igual que Munny.

Pero la película es mucho más que una especie de repaso por la iconografía de Clint Eastwood como actor. Petersen filma un thriller ejemplar que se basa sobre todo en el enfrentamiento entre Horrigan y Leary, casi dos caras de la misma moneda. Mientras el primero sigue sirviendo a su país, aunque no simpatice con el actual presidente al que tiene que proteger, Leary es un producto de la CIA entrenado para matar, que esta vez ha cambiado de objetivo. Si uno fracasa el otro gana, y viceversa. Si Leary mata al presidente, Horrigan habrá fracasado por segunda vez y su vida será un infierno, pero si Leary fracasa, no sólo se salvará la vida del presidente, sino que Horrigan disfrutará de una segunda oportunidad. ‘En la línea de fuego’ no es sólo un thriller sobre proteger al presidente, es la lucha a muerte de dos personajes que no encajan en el sistema, un enfrentamiento servido con un increíble sentido el ritmo y la emoción. Varias secuencias así lo atestiguan.

En la excelente persecución de los tejados, Horrigan queda colgando de una de las cornisas siendo cogido por Leary estableciéndose una curiosa situación. Horrigan apunta con su arma a Leary, consiente de que si le dispara firma también su sentencia de muerte. En ese instante en el que el tiempo parece dilatarse hasta límites enfermizos, Leary se mete el cañón de la pistola de Horrigan en la boca, creando así una mayor tensión. La idea fue del propio John Malkovich, que la improvisó en el rodaje, quedando Petersen maravillado con ella, y el público también. La misma tensión volverá a apoderase del relato en el tramo final del film, cuando Horrigan descubre el plan de Leary, y en el último momento salva la vida al presidente. Anne V. Coates, veterana montadora ganadora de un Oscar por ‘Lawrence de Arabia’ (Lawrence of Arabia, David Lean, 1962), realiza uno de sus mejores trabajos, lleno de precisión. Se puede ver la película las veces que sean, que el efecto no disminuye lo más mínimo.

John Malkovich tuvo una merecida nominación al Oscar por su composición de Mitch Leary, al lado del montaje y el guión. El actor está espléndido en su rol, poniéndose varios disfraces y teniendo un control absoluto, pues Leary es uno de esos personajes caramelo que fácilmente podrían haber caído en el histrionismo. Sin embargo, Malkovich logra una milagrosa contención en muchas de sus escenas, y en las que su personaje explota —una de las conversaciones por teléfono y el clímax final—, Malkovich no cae en ningún tipo de artificio actoral por así decirlo. La química con Eastwood es sobresaliente, lo cual refuerza su antagonismo. La tercera en discordia es René Russo, que en contra de lo esperado, también consigue una buena química con su pareja, logrando que su historia de amor sea muy creíble. No se puede decir lo mismo de Dylan McDermott, de lejos lo peor de la película, mero comparsa de Eastwood, puesto en la narración única y exclusivamente para llegar a la escena de la persecución en los tejados.

‘En la línea de fuego’ es, de lejos, el mejor trabajo estadounidense de Wolfgang Petersen, director que casi siempre se ha dejado llevar por los excesos, tal y como lo demuestran el alucine de ‘Air Force One’ (id, 1997) o la ñoñería de ‘La tormenta perfecta’ (‘The Perfect Storm’, 2000), repletas de personajes estúpidos —si hay algo que odio en una película es que un personaje haga idioteces sin sentido— y bandas sonoras machaconas. Hablando de música, decir que el film de Petersen contiene una bello score, no demasiado protagonista —algo que no es capaz de entender James Horner—, de Ennio Morricone, en lo que parece otro ejercicio de homenaje a Clint Eastwood, rememorando así sus inicios al lado de Sergio Leone. Gran éxito de público y crítica, demostró que Eastwood estaba en plena forma y aún seguía siendo un reclamo taquillero, lo cual le ayudaría a embarcarse inmediatamente después en el rodaje de una de las mejores películas de la década de los 90. Pero de eso hablaremos en otro post, después de hacer un buen salto en el tiempo en este especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

Más cine basado en cómics. Esta vez le ha tocado el turno a ‘Red’, de DC Comics, con guión de Warren Ellis (uno de mis favoritos, aunque a veces se repite bastante) y dibujos de Cully Hamner. Lo sorprendente de esta producción, y lo que hace que lleve ya (al menos para mí) la etiqueta de imprescindible, es que está protagonizada por Bruce Willis, Helen Mirren, Morgan Freeman, John Malkovich, Mary-Louise Parker, Karl Urban, Brian Cox, Richard Dreyfuss, Julian McMahon y Ernest Borgnine (94 años, una leyenda viva). ¿Puede salir un mal producto con este elenco? Bueno, todos conocemos casos de películas mediocres con fantásticos repartos (ese ladrillo de ‘Love Actually’), pero podéis echar un vistazo al tráiler, que ha sacado hoy mismo la productora Summit Entertainment. Ya me diréis, a mí me parece que va a ser algo divertido.

Escrita por Erich y Jon Hoeber, y dirigida por Robert Schwentke (responsable de la estupenda ‘The Time Traveler´s Wife’), ‘Red’ es la historia de Frank Moses (Willis), un agente secreto de la CIA retirado, que lleva una vida tranquila y aburrida, hasta que un día alguien decide asesinarlo; con su identidad al descubierto y la vida de la mujer que ama en peligro, Frank reunirá a su viejo equipo para volver a la acción. La fecha del estreno es el próximo 15 de octubre, al menos en EE.UU.

PD: ¿Soy el único que se ha acordado de ‘Quemar después de leer’ viendo el avance?

A menos de dos meses del estreno, la Warner lanza por fin el primer tráiler de ‘Jonah Hex’, la adaptación cinematográfica del personaje de DC cómics, poco después de sacar un nuevo cartel, que desde ya lo vamos a preseleccionar para la lista de los diez peores del año. El tráiler no es mucho mejor. A excepción de un par de actores que parece que se lo han pasado bomba rodando esto, todo lo demás huele muy mal. Ojito a las frases, las escenas de acción y las explosiones gratuitas. Imagino que a nadie le sorprenderá saber que el guión es obra de Mark Neveldine y Brian Taylor, responsables de aberraciones como ‘Crank’ y ‘Gamer’.

Recordemos que la película está protagonizada por Josh Brolin, en la piel de Jonah Hex, un pistolero de pasado trágico que tiene medio rostro desfigurado (en el tráiler nos muestran DOS veces cómo ocurre eso) y cuyo máximo deseo es vengarse del malvado Quentin Turnbull (John Malkovich); en su camino se cruzará una bella prostituta de físico moderno (Megan Fox, haciendo honor a su apellido) que le echará un cable cuando lo necesite. Cabe destacar la participación de Michael Fassbender, Julia Jones, Michael Shannon, Aidan Quinn y Will Arnett (el patético y genial Gob de ‘Arrested Development’) ocupándose de papeles secundarios. Ha dirigido Jimmy Hayward (‘Horton’) y la fecha del estreno es el 18 de junio, al menos en Estados Unidos.

PD: Al parecer, el estudio quedó descontento con el trabajo de Hayward, así que contrataron a Francis Lawrence (‘Soy Leyenda’) para rodar nuevas escenas que no estaban en el guión. Será un milagro si ha salido una buena película.

Vía | Impawards

Hay películas que están destinadas a ser carne de videoclub. Su paso por los cines ha sido meteórico o no ha respondido a las expectativas creadas. Algunas se hacen simplemente para ser explotadas en el mercado casero y otras las pasan directamente por televisión. Ya ocurría en los tiempos del VHS y ahora con el DVD mucho más, y tal como decía Arthur Penn en una conferencia que vino a dar a Coruña, en Estados Unidos en este momento sólo se piensa en la explotación en el DVD —y BluRay, por supuesto— para sacar un gran rendimiento de los productos explotados.

En el caso de España, muchas películas no se estrenan o llegan con un gran retraso; tenemos que esperar —más bien soñar— a que se editen en DVD, y cuando lo hacen, se anuncia lo justito o simplemente no se anuncia y tardamos mucho en enterarnos. ¿Nunca habéis paseado por el videoclub —uno de esos paseos que duran horas, entre estanterías y estanterías— y os habéis topado con una película que pensabais se iba a estrenar en cines? Podría ser el caso de dos películas como ‘Crank: Alto voltaje’ (‘Crank: High Voltage’, Mark Neveldine y Brian Taylor, 2009) y ‘Crónicas mutantes’ (‘Mutant Chronicles’, Simon Hunter, 2008), films que han ido a acabar en las mencionadas estanterías y que vista su calidad, no me extraña en absoluto.

El anti-cine

Dicen que en el cine vale todo, y si no, que se lo pregunten a gente tan dispar como Jean-Luc Godard —uno de los directores más pretenciosos, pedantes e insoportables que haya dado el cine en toda su existencia— y la soporífera Nouvelle Vague, o a los hermanos Wachowski, que con su trilogía de Matrix se pasan por el forro cualquier mandamiento que el cine pueda tener. Esto no responde a unos patrones preestablecidos o se tienen que seguir determinadas normas, cada artista, independientemente de su valía, es libre de utilizar las herramientas que crea convenientes para llevar a buen puerto sus obras. Pero si hubiera que describir el lado tenebroso del cine, esto es, el anti-cine, creo que ‘Crank: Alto voltaje’ sería el perfecto ejemplo de ello.

La película continúa desde el punto en el que terminaba la infumable primera entrega con la que debutaban en el cine Mark Neveldine y Brian Taylor. Estos dos tipos se lo pasan pipa moviendo la cámara, y tratándose de un film de acción no hay nada de malo en ello, ahí están John McTiernan o el Tony Scott de los buenos tiempos para demostrarlo. Pero una cosa es mover la cámara y otra bien distinta contratar a alguien que como mínimo debe tener parkinson. Neveldine y Taylor desconocen el significado de la palabra ritmo y convierten a Michael Bay en el cineasta más tranquilo del planeta Tierra. La aventura de Chev Chelios —un exagerado Jason Statham— buscando su corazón está narrada con una celeridad insoportable y su esqueleto narrativo semeja ser un videojuego.

‘Crank: Alto voltaje’ no se aparta absolutamente nada de su anterior entrega, por momentos parece un calco de aquélla, y es que si algo les ha funcionado anteriormente, ¿por qué no repetirlo? Al fin y al cabo, ésta no es una película para ser disfrutada por cinéfilos o gente con sentido común. Este despropósito, en el que se incluyen persecuciones imposibles, malos de pacotilla, polvazos con numerosa audiencia —una vez más, las mujeres retratadas como meros objetos sexuales—, montaje caótico y emoción cero, es para ser disfrutado por aquellos ilusos que piensan que Cine y videojuegos son compatibles. A veces creo que los culpables de este tipo de bodrios no son los cineastas, sino determinado tipo de público que los demanda. Como si el arte pudiese mezclarse con cualquier cosa.

Mutantes de pacotilla

‘Crónicas mutantes’ iba para superestreno y al final en los USA se emitió directamente en televisión, sólo en algunos países como Rusia conoció estreno en salas cinematográficas. Concretamente en el nuestro fue directa al mercado del DVD estando disponible en ese formato desde principios de febrero de este año. En su reparto podemos encontrarnos con gente tan dispar como Thomas Jane —acostumbrado a pestiños de todo tipo—, Ron Perlman —acostumbrado a films de corte fantástico— y John Malkovich, acostumbrado a cualquier cosa porque al fin y al cabo hay que llegar a fin de mes como sea. En una época indeterminada las cinco grandes corporaciones, que controlan absolutamente todo, están en continua guerra. Pero hay un enemigo mayor al que deben hacer frente unidas: una misteriosa máquina proveniente del espacio exterior y enterrada en las entrañas de la tierra convierte a los seres humanos en peligrosos mutantes que poco a poco irán atacando a los humanos para convertirlos a todos.

Esta desfachatez, que bebe de los juegos de rol, ha sido escrita por Philip Eisner, el mismo responsable del libreto de uno de los bodrios a los que nos tiene acostumbrados el inefable Paul W.S. Anderson, ‘Horizonte final’ (‘Even Horizon’), película que ya data de 1997. A Eisner le deben dejar salir de casa cada diez años para asustar a la gente con un guión; algún insensato llega a la conclusión de que puede hacerse una película a partir de un montón de palabras amontonadas y luego al sufrido espectador le toca aguantarlo. Simon Hunter, que también llevaba unos 9 años sin dirigir una película —por algo será—, dirige sin alma ni pasión una historia que en algunos momentos recuerda a la trilogía de ‘El señor de los anillos’ de Peter Jackson, pero ambientada en el futuro.

Un grupo de voluntarios de todas las naciones formarán un grupo que será la última esperanza del ser humano para sobrevivir ante el inminente ataque mutante. Con una estética que recuerda a la de ‘Sky Captain y el mundo del mañana’ (‘Sky Captain and the World of Tomorrow’, Kerry Conran, 2004), la película nos muestra la odisea de este pequeño grupo de aguerridos guerreros en los que no falta el hispano, el negro y la oriental para que juguemos a adivinar quién será el siguiente en morir. Escenas de acción de dudoso gusto, falseo del tiempo y del espacio escénico —los efectos visuales parecen hechos por alumnos de diseño gráfico utilizando mal el photoshop— y un argumento en el que no faltan connotaciones religiosas —por no hablar de clamorosas incongruencias con lo que respecta a la máquina mutante del espacio exterior— son las principales virtudes de una película que terminará olvidada en una de esas estanterías de videoclub.