Nunca hemos visto antes a estos dos grandes actores juntos en la pantalla, y estamos emocionados por ver qué sale de la combinación.

(Avi Lerner, productor)

¿Qué tal un bodrio? La última vez que se celebró la esperadísima reunión cinematográfica de Robert de Niro con otro gran actor (y uno de verdad) el resultado fue ‘Asesinato justo’ (‘Righteous Kill’, 2008), la primera película en la que Al Pacino y él compartían escenas como protagonistas, después de coincidir brevemente en ‘Heat’ (1995). Y fue un absoluto desastre. Porque si el guion es malo y el director es un simple pelele de los productores, lo más probable es que los intérpretes realicen un trabajo mediocre, se llamen como se llamen.

No he tenido la oportunidad de leer el guion de ‘Killing Season’, pero fijaos en el nombre del realizador que se destaca en el teaser que han lanzado los distribuidores. Mark Steven Johnson, máximo responsable de ‘Daredevil’ (2003) y ‘El motorista fantasma’ (‘Ghost Rider’, 2007), entre otras. Lo asombroso es que esta producción haya arrancado ahora, con este tipo, en lugar de hacerlo este pasado verano, con John McTiernan al mando, cuando se titulaba ‘Shrapnel’. Terrible cambio.

Con todo, quizá la película se pueda ver. Puede que el libreto de Evan Daugherty sea impresionante y los actores estén inspirados. Ya veremos. La historia, os recuerdo, se centra en dos veteranos de guerra, encarnados por De Niro y John Travolta, enfrentados a muerte por viejas cuentas pendientes. Un exmilitar estadounidense vive retirado en una remota cabaña en los montes Apalaches, donde recibe la visita de un turista europeo con el que entabla una rápida amistad; sin embargo, el extranjero es un antiguo soldado serbio que busca venganza. Se estrenará el año que viene.

PD: Según IMDb, lo próximo de McTiernan será un film bélico ambientado en Irak titulado ‘The Camel Wars’. A ver si hay más suerte con ese proyecto…

Vía | ComingSoon

Llegamos al final del especial dedicado a John McTiernan, con las dos últimas películas que ha dirigido de momento. Lo cierto es que hablar del firmante de maravillas como ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988) o ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999), es un placer siempre y cuando sean esas las películas que toque analizar o debatir. Está claro que no todo el mundo lo hace todo bien, y director con el 100% de efectividad no existe —salvo Charles Laughton—, pero que los últimos títulos de un realizador como McTiernan alcancen unos niveles tan ínfimos como los de las películas que hoy nos ocupan, es algo que llena de pena a cualquiera. ‘Rollerbal’ (id, 2002) y ‘Basic’ (id, 2003) ponen en evidencia lo que en ‘El secreto de Thomas Crown’ (‘The Thomas Crown Affair, 1999) era simplemente sospecha, que McTiernan estaba perdiendo su mano, aquella que le coronó, al menos para el que esto firma, como el mejor director de cine de acción que ha habido.

Y precisamente la acción de sus dos últimas obras están filmadas con el nervio y la precisión de siempre, pero ahí se acaba todo. Los elementos típicos del cine de McTiernan no asoman por ningún lado, y se apoya en otro tipo de características, en otro tipo de cine. Después de su reinterpretación de un film de Norman Jewison, vuelve a la filmografía de éste, adaptando uno de sus film de culto, ‘Rollerball’ (id, 1975), convirtiéndola en un chiste. Parecido a lo que luego hizo con su juguete con John Travolta, un imposible film de suspense, con ecos de ‘Rashomon’ (id, Akira Kurosawa, 1950) y ‘Sospechosos habituales’ (‘The Usual Suspects’, Bryan Singer, 1995). Para desgracia del espectador/cinéfilo, McTiernan hacía cine reciclado estropeando una filmografía casi ejemplar que había sentado las bases de mucho del cine moderno de evasión.

Denuncia a toda velocidad

En 1975, William Harrison, basándose en un relato corto propio, escribía el guión de ‘Rollerball’, entretenida película que especulaba con un futuro aterrador a través de un sangriento deporte de masas, y no negaba connotaciones políticas de envergadura. James Caan era su protagonista y el resultado, sin ser ninguna obra maestra, aún resulta apreciable a día de hoy. La decisión de McTiernan de hacerse cargo de un remake vendido a las inquietudes del espectador moderno, al que no le gusta pensar y va al cine a hacer de todo menos centrarse en lo que tiene delante, la película, sorprende hasta al más crédulo. Con la intención de convertir el film original en una especie de Fast & Furious futurista destinado a los más jóvenes, ‘Rollerbal’ se convierte en un corto relato de acción que no aprovecha si quiera su condición de broma. En unos tiempos en los que las audiencias televisivas parecen más importantes de lo que realmente son, las posibilidades de denuncia del film pasan tan rápido como sus protagonistas jugando al peligroso deporte que practican.

De esta forma, ‘Rollerbal’ no ofrece nada más que lo que les interesaba a sus productores, acción, acción, acción y alguna teta. El esquemático argumento nos lleva a un país europeo en el que para olvidar las desgracias económicas el pueblo se divierte asistiendo a un deporte en el que soltar toda su rabia e inconformismo social. Cuando en uno de los partidos se produce un desgraciado accidente, los productores del evento comprueban que la audiencia se dispara. Es entonces cuando en los partidos empezarán a ocurrir incidentes cada vez más sangrientos. Todo por cuotas más altas, y evidentemente los héroes de la función no lo van a permitir, aunque estén representados en Chris Klein, de sospechoso parecido con Keanu Reeves, actor al que se le ofreció el papel central. En cualquier caso todo un error de casting, y es que no todo el mundo tiene piel de héroe y menos en un film de McTiernan.

El pulso de antaño del director hace acto de presencia pocas veces. El espectacular inicio, una persecución en patín por las calles de San Francisco, es una de ellas; y la huida nocturna a moto otra. Pero son secuencias aisladas que nada aportan al film, al contrario. En ellas se puede vislumbrar de lo que McTiernan es capaz con una cámara, pero su efectividad se termina enseguida. Si a eso le añadimos que un actor como Jean Reno, con la responsabilidad de hacer de villano, está muy pasado de rosca y su personaje parece una caricatura, el desastre está servido. Cuenta la leyenda que McTiernan tenía un montaje previo mucho más sangriento y espectacular, y que cuando enseñó su película en un pase privado a Harry Knowles, conocido crítico, éste la destrozó en su página. Los productores se preocuparon y remontaron el film una y otra vez, retrasando su estreno bastantes meses. Segunda vez, pues, que McTiernan ve cómo alteran su obra hasta reducirla a un amasijo de imágenes que provocan el rechazo. Evidentemente fue un fracaso merecido.

Vamos a contar mentiras

La última película por el momento de John McTiernan ya data del 2003. Se trata de la puesta en imágenes de un libreto firmado por el interesante, y también desconcertante, James Vanderbilt. En el currículum de este escritor tenemos los guiones de films tan serios como ‘Zodiac’, la obra maestra de David Fincher, o films más desvergonzados como ‘El tesoro del Amazonas’ (‘The Rundown’, Peter Berg, 2003) o ‘Los perdedores’ (‘The Losers’, 2010), dos películas muy poco valoradas en mi opinión. Que el germen de la idea se encuentre, intencionadamente o no, en películas como ‘Rashomon’ de Kurosawa o ‘Sospechosos habituales’ de Singer resulta de lo más atractiva teniendo detrás de la cámara a alguien tan bueno como McTiernan. Los deseos de ver una buena película firmada por McTiernan después del desastre de ‘Rollerbal’ parecían verse cumplidos en este proyecto. Pero nada más lejos de la realidad. Siendo superior a su trabajo previo, ‘Basic’ es un juego inofensivo, una especie de rompecabezas que, una vez descubierta la solución, pierde toda su gracia y evidencia sus descaradas trampas.

La historia versa sobre un agente de la DEA (John Travolta), antiguo militar, encargado del interrogatorio de un soldado que sobrevivió a un misterioso entrenamiento en la selva de Panamá y del que fue el único que regresó con vida al lado de un compañero mal herido. Poco a poco, y pregunta a pregunta, irá saliendo a la luz la verdad, que es mucho menos impactante de lo que cabría esperar. La versión de lo sucedido va cambiando ofreciendo nuevas pistas para la solución, nuevos enfoques y cómo no, mentiras por doquier. Así sucedía también en las citadas obras de Kurosawa y Singer, odas a la mentira donde las haya, juegos en clara complicidad con el espectador sabedor de que todo lo que se ve en una pantalla es ficción. El problema del film de McTiernan no es que éste u otro personaje mienta, y veamos esa mentira en pantalla, como despiste provocado a conciencia, sino el querer rizar el rizo con la solución final en la que descubrimos la verdad de todo. Si el interrogador y el interrogado forman parte de un equipo destinado a desenmascarar un turbio asunto de drogas, ¿a qué vienen los numeritos de psicología barata? El juego con el espectador se pasa de rosca. El descubrimiento de la identidades está mal explicado por cuanto es casualidad, y sinceramente, que el culpable de todo llame al único hombre que puede descubrir la verdad suena a tomadura de pelo.

John Travolta, con sus habituales tics, no está a la altura de sus compañeros de reparto, una siempre atractiva Connie Nielsen, que hace lo que puede con su esquemático personaje, y un chillón, como es de costumbre en él, Samuel L. Jackson, una de las claves de la investigación. Todos ellos entregados a un juego en el que como siempre, lo más destacable es el uso de la cámara por parte de su director. Una vuelta a la jungla, como en su primer éxito ‘Depredador’ (‘Predator’, 1987), donde demuestra filmar con habilidad, y lluvia, mucha lluvia, que crea una atmósfera de confusión hasta cierto punto muy adecuada. No llega ni de lejos para paliar la sensación final de vacío, y sin llegar a los bajos niveles de ‘Rollerball’, supone otro traspiés de McTiernan, del que parece no haberse recuperado, algo en lo que sus problemas con la justicia probablemente han tenido que ver.

Acaba aquí el especial sobre un director que revolucionó el cine de acción con su mirada. No sabemos si veremos alguna nueva prueba de su talento, pero al menos nos quedan sus grandes películas. Haciendo un repaso, creo que las tres mejores de su filmografía son, por orden: ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), ‘El guerrero nº 13’ (‘The 13th Warrior’, 1999) y ‘Los últimos días del edén’ (‘Medicine Man’, 1992)

Especial John McTiernan en Blogdecine:

• ‘Nómadas’
• ‘Depredador’
• ‘Jungla de cristal’
• ‘La caza del octubre rojo’
• ‘Los últimos días del edén’
• ‘El último gran héroe’
• ‘Jungla de cristal. La venganza’
• ‘El guerrero nº 13’

• ‘El secreto de Thomas Crown’

Hace casi un año que Alberto nos informó sobre el nuevo proyecto que John McTiernan tenía entre manos, un thriller titulado ‘Shrapnel’. Todavía inmerso en un proceso legal que lo puede mandar un año a la cárcel (por un caso de escuchas ilegales), el cineasta sigue trabajando para sacar adelante ‘Shrapnel’ y hoy es noticia que ya tiene quien le financie. El empresario y director belga Paul Breuls, a través del fondo Corsan, se ha comprometido a producir la película de McTiernan, quien ya se encuentra buscando localizaciones en Canadá, dispuesto a rodar antes de que lo manden a prisión.

‘Shrapnel’ es un guion de Evan Daugherty cuya trama gira en torno a dos veteranos de guerra, uno norteamericano y otro bosnio, enfrentados a muerte por viejas cuentas pendientes. Se suponía que Nicolas Cage y John Travolta iban a encabezar el reparto, recuperando el duelo que protagonizaron en ‘Cara a cara’ (‘Face/Off’, 1997), pero los representantes del primero han informado que su cliente ya no está vinculado al proyecto. No creo que nadie lo lamente, excepto Cage, que ahora tendrá un hueco en su agenda para poder encadenar tres o cuatro rodajes seguidos. Por el momento no hay más información, ni fechas, pero ahora que hay financiación supongo que las cosas irán más deprisa, a ver si McTiernan puede comenzar a filmar su duodécimo largometraje este año. Y con un poco de suerte, le sale mejor que los dos últimos, cuyos títulos ya he olvidado.

PD: No estaría mal que Bruce Willis o Arnold Schwarzenegger se ofrecieran a echar un cable al director.

Vía | TheWrap

La reciente muerte de Jeff Conaway (a los sesenta y un años) es la razón que me impulsa a escribir, a modo de homenaje personal, acerca de una de las películas musicales más famosas de las últimas décadas, la proverbial ‘Grease’ (id, 1978). Conaway dio vida a uno de los personajes secundarios más importantes, el fantasmón de Kenickie, y probablemente este fue el papel más importante de su truncada carrera. Otros magníficos integrantes del reparto han conocido trayectorias más dispares todavía, y sólo uno, Travolta, ha llegado a disfrutar de más oportunidades para hundir y para reflotar su carrera. Como con tantas películas icónicas (más aún en aquellos tiempos), ‘Grease’ se mantiene en la memoria gracias a una mezcla de esa nostalgia cinéfila que todo lo maquilla, y al cariño que muchos podemos llegar a sentir por ese tipo de películas que, sin ser realmente importantes, ni gozar de demasiadas virtudes, son lo suficientemente sólidas a un nivel narrativo (pese a lo básico de su puesta en escena) y nunca se toman en serio a sí mismas.

Porque aún a riesgo de que se me echen encima las hordas de nostálgicos fanáticos (lo digo de buen rollo), ‘Grease’ es una bobada de película, pero pese a esto, o quizá precisamente por ello, se erige en un divertimento tan disfrutable, en un placer culpable similar a pasártelo en grande con ‘Tango y Cash’ (‘Tango & Cash’, Andrey Konchalovskiy/Albert Magnoli, 1989). Al igual que con aquella joya de ‘Golpe en la pequeña China’ (‘Big Trouble in Little China’, John Carpenter, 1986), se trata de cine mal hecho a propósito, o de una broma bien ejecutada, o de ambas cosas a la vez. Adaptación del musical de 1971 creado por Warren Casey y Jim Jacobs, de gran éxito en el momento de su estreno en cines, se trata de una de las películas que más veces hemos visto por televisión, gracias a sus infinitas reposiciones, de modo que por fuerza nos sabemos todas sus canciones, nos reímos al unísono de las mismas patochadas y la aceptamos como lo que es: un demencial sueño kitsch que comienza en la playa y termina en el cielo.

El director Randal Kleiser debutaría con esta película, después de muchos trabajos televisivos (y el carácter televisivo se nota en la puesta en escena de ‘Grease’), y luego su carrera no sería especialmente destacable, aunque sí que hizo esa entrañable adaptación de ‘Colmillo blanco’ (‘White Fang’, 1991). Aquí se limita a hacer fluido y dinámico un guión que adolece de muchas arritmias, por depender en exceso de las numerosas canciones (algunas de ellas muy buenas, otras simplemente olvidables) y porque los personajes quedan reducidos a un mero apunte, desterrada toda crítica social o descripción de una época para quedarse en lo más vistoso y superficial de los cincuenta, y en un revival más o menos potable de arquetipos y géneros musicales. Pasada ya la época de los grandes musicales, inmersos en un postmodernismo cada vez más en alza, a punto de llegar la en muchos aspectos terrible (para el cine industrial…) década de los ochenta, al menos obtenemos aquí una cierta artesania. Televisiva, pero artesanía.

La pija y el gamberro

La cosa no puede ser más simple: chico conoce a chica, se termina el verano, chico y chica se separan, pero al empezar el instituto vuelven a encontrarse y descubren que pertenecen a mundos bastante diferentes. Este es el arranque y lo cierto es que no hay mucho más. Pese a la oposición general de sus amigos fanfarrones (todos con la misma chaqueta…) Danny Zuko sigue interesado en Sandy Olsen, y pese a que las chicas más rebeldes del instituto rechazan a Sandy, no tardan mucho en aceptarla. Es decir, que la tensión construida al principio de la historia pronto desaparece, y da lugar a riñas de adolescentes (adolescentes de casi treinta años, ejem…), a muchachos que no quieren crecer pero terminarán haciéndolo, a reprimidas que no quieren sexo antes del matrimonio pero que perderán sus prejuicios, y a ese tipo de cosas tan apasionantes, por lo que el drama pasa a ser secundario (muy secundario…) y nos quedamos con los números musicales, con algunos buenos chistes y con una energía juvenil desvergonzada y muy de agradecer.

Es decir, que es menos interesante hablar de la historia, y mucho más del diseño de producción, por ejemplo, obra del malogrado Philip M. Jefferies, con decorados de James L. Berkey, que crean ese aspecto exageradamente naif y colorista de los cincuenta, con decorados tan impresionantes como el de la canción “Greased Lightnin’”, en la que los amigos fantasean del cochazo que van a diseñar para ganar todas las carreras, o el de esa cafetería tan típica de aquellos años, luego convertida en la peluquería de los sueños de Frenchy (en un número musical de Frankie Avalon que rompe completamente el ritmo, o eso me parece a mí), entre otros decorados realmente conseguidos. Entre el grupo de actores, además de un casi paródico John Travolta, decir que Olivia Newton-John tiene planos en los que sale francamente horrible y otros en los que no está mal, aunque con esos carrillos poco podían hacer por mejorarla frente a la cámara. Eso sí, ambos gozan de una química excelente.

Personalmente, creo que la gran Stockard Channing es una presencia mucho más imponente que la de Newton-John y que la de cualquier otra supuesta adolescente que salga en pantalla, y su relación con Kenickie (un gran Jeff Conaway, en verdad) tan interesante como la de Danny y Sandy. Pero a fin de cuentas se trata de un divertimento exageradamente ligero, del que te olvidas una vez lo has visto. En pocas palabras: que te roba dos horas de tu vida cuando no tienes otra cosa mejor que hacer. Habiéndola visto unas cuantas veces ya, me sucede siempre lo mismo. Dejo de verla antes de que Sandy y Danny suban al cielo en su brillante coche y pongo ‘West Side Story’ (id, Robert Wise/Jerome Robbins, 1961) como si se tratara de un bálsamo, o de un antojo irreprimible. Pero hay que reconocer que ‘Grease’ ha envejecido bastante mejor de lo que muchos auguraban cuando vio la luz.

Lo mejor: El tono guasón de Travolta, la estimulante Stockard Channing, algunas canciones y algunos diseños, Jeff Conaway

Lo peor: Los carrillos de Olivia Newton-John, Frankie Avalon, el regusto conservador de la historia, su imagen excesivamente televisiva.

Ya os habíamos anunciado, hace algo más de un año, que Oliver Stone preparaba la adaptación de la novela de Don Winslow, ‘Savages’, que nos introduce en el mundo de la droga para contar la historia de dos traficantes que persiguen a la misma mujer.

Taylor Kitsch y Aaron Johnson (‘Kick-ass’) interpretan a dos socios, cultivadores de marihuana, que comparten novia, interpretada por Blake Lively. El primero responde al nombre de Chon y es un ex miembro de los Navy SEALS. El segundo, de nombre Ben, no es más que un porrero recalcitrante. Estos dos socios creen tenerlo muy fácil, ya que cultivan la mejor maría de Laguna. Pero un cartel mexicano que opera por la zona no permitirá que estos camellos de tres al cuarto se queden con su negocio y hará lo posible para que los dos jóvenes trabajen para ellos. Cuando Ben y Chon se niegan, el cartel, liderado por una mujer a quien da vida Salma Hayek, envía a su matón, encarnado por Benicio del Toro, a secuestrar a O, la novia de los traficantes, a los que les exigen un costoso rescate. Ellos idearán un plan para vengarse al mismo tiempo que rescatan a su amada.

Uma Thurman interpretará a Paqu, la madre de O, y John Travolta a Dennis, un agente antidrogas (de la DEA) muy quemado. Emile Hirsch también estará en el reparto, aunque aún se desconoce qué papel interpretará. Quedan más personajes por repartir, así que os iremos informando según se comuniquen.

El guion lo están escribiendo Winslow, el autor de la novela, y Shane Salerno. El rodaje comenzará a finales de junio o principios de julio de este año. Como decía, la trama suena más a comedia, pero habrá que ver lo que Stone hace con ella.

Vía | Deadline.

Nick Cassavetes, segunda generación de directores, dirigirá ‘Gotti: Three Generations’, una película sobre una familia de mafiosos, que podría estar protagonizada por John Travolta y James Franco.

Travolta daría vida al mafioso John Gotti, líder del clan de los Gambino en Nueva York, desde el asesinato de Paul Castellano. Gotti fue acusado de trece asesinatos en 1992, además de una conspiración para cometer asesinato, chantaje sistematizado, obstrucción a la justicia, apuestas ilegales, extorsión y evasión de impuestos. Fue sentenciado a cadena perpetua sin posibilidad de libertad bajo palabra, por lo que pasó varios años en prisión hasta que murió de cáncer en 2002.

La cinta se centrará en la relación de John Gotti con su hijo, John Junior Gotti, a quien apodan «Teflon Don» por la facilidad que tiene para evadir la justicia: varias veces lo han acusado, pero casi siempre sale impune. Para este papel han echado el ojo a James Franco, pero aún no se ha concretado su participación.

Travolta cenó el miércoles con John Junior Gotti en un restaurante italiano, como no podía ser de otra manera. Durante esta reunión, Gotti dijo que Travolta era un «actor tremendo» y que tenía «plena confianza» en que clavaría la interpretación de su padre, uno de los jefes mafiosos más temidos de Nueva York. Aún no se ha firmado el contrato, que no sé si será en papel o con sangre, pero Travolta ya está en negociaciones para encargarse del personaje.

La historia del mafioso John Gotti ya ha sido llevada a la ficción en varias ocasiones en formato televisivo. El más conocido es el telefilm de la HBO que dirigió Robert Harmon en 1996, con Armand Assante y Anthony Quinn en el reparto.

Vía | New York Post, donde pueden verse las fotos y el vídeo de la cena entre Travolta, Cassavetes y Gotti.

Aquí os traigo los resultados de la encuesta de la semana pasada, relacionada con los extraterrestres en el cine, aprovechando como excusa el estreno en nuestro país de ‘Skyline’. Como podréis comprobar, hay dos claros vencedores, una de las películas más sorprendentes de los últimos años y un monstruo que nació en 1979 para quedarse para siempre entre nosotros.

• La mejor película centrada en el encuentro con una raza extraterrestre es ‘District 9’ (2009). Ha sido la gran vencedora en este apartado con más de mil votos; cerca de seiscientos ha obtenido la siguiente, ‘Encuentros en la 3ª Fase’ (1977).

• La película que mejor ha retratado la visita a otro planeta es ‘Aliens, el regreso’ (1986). Y el claro ganador en esta categoría es James Cameron, ‘Aliens’ fue la más votada y, muy cerca, ‘Avatar’ la segunda (entre ambas, más de dos mil votos).

• La peor película relacionada con la temática extraterrestre es ‘Campo de batalla: La Tierra’ (2000). Con casi novecientos votos, la película con John Travolta y Forest Whitaker supera a todas sus competidoras; las dos siguientes, para cuatrocientos lectores, son ‘Alien Vs. Predator’ (2004) y ‘Doom’ (2005).

• Por último, el extraterrestre mejor diseñado es la criatura de ‘Alien’ (1979). Un trabajo por el que tenemos que aplaudir a Hans Ruedi Giger y Carlo Rambaldi, así como también al director Ridley Scott y el fotógrafo Derek Vanlint, por mostrar y aprovechar el monstruo de manera tan ejemplar.

¿Qué opináis de estos resultados, se acercan a lo que votasteis? Personalmente, los veo muy acertados, aunque no voté por ‘District 9’ ofrece una situación bastante interesante que pocos habían planteado antes. A lo que hay que unir unos efectos visuales impresionantes, algo con lo que no pudieron contar las películas hechas hace décadas, pero les bastaba la inteligencia y el ingenio para crear imágenes memorables. Recomiendo a los aficionados al cine más jóvenes que busquéis (ahora es más fácil que nunca) y veáis algunos clásicos de ciencia-ficción, como ‘Ultimátum a la Tierra’, ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ o ‘El pueblo de los malditos’, os llevaréis una grata sorpresa.

Mañana habrá en portada una nueva encuesta, espero que os resulte tan atractiva y que siga aumentando el número de lectores participantes.

PD: Tengo que ponerlo, una parodia de ‘Aliens’ que siempre me hace reír:

Como ya adelantamos, su periplo para dar a luz ‘Reservoir Dogs’ no fue breve. Algo que repetiría con esta nueva película que lo encumbraría en el olimpo de los más grandes. Y no son palabras grandilocuentes de un entusiasta tarantinista, sino un resumen de los muchos elogios que recibió Tarantino tras triunfar en 1994 con ‘Pulp Fiction’.

Tarantino aislado en Amsterdam para escribir el guión

Tras su paso por Europa con ‘Reservoir Dogs’ y el éxito creciente de su debut, Quentin Tarantino se fue encontrando muy a gusto alejado del ambiente de Hollywood, al que, a pesar de todo, no pertenecía. Recordemos que era un joven que tan sólo había estrenado una cinta violenta y había logrado un buen éxito de taquilla y un puñado de críticas positivas pero todos estaban expectantes a su siguiente paso. Necesitaba demostrar que su carrera irrumpiría y no se quedaba en un amago de inspiración.

Para llevar a cabo su siguiente obra completamente personal y una vez ‘Asesinos natos’ estaba en manos de Oliver Stone y ‘Amor a quemarropa’ reportándole cierto prestigio como guionista, decidió establecerse una temporada en Europa. Gracias a un contrato de novecientos mil dólares con TriStar para escribir el guión de su nuevo trabajo, Tarantino se marchó a Amsterdam, donde se recluyó durante varias largas semanas con la finalidad de volcar todos sus esfuerzos en el guión de ‘Pulp Fiction’. Escribiendo en un mugriento apartamento con su vieja máquina de escribir, encontró su inspiración para desesperación de su manager, Cathryn Jaymes en Hollywood.

Al menos, supo justificar su pasotismo e individualismo con un guión que estaba llamado a convertirse una película transgresora, original (dentro del estilo referencial propio de Tarantino) y que marcaría un hito. Aunque si bien es cierto, que el primer borrador de su historia tenía 500 páginas y tras un primer vistazo de los ejecutivos de TriStar, el guión fue rechazado porque “no parecía una película de su estilo”. Curiosamente los distribuidores de ‘Reservoir Dogs’, los hermanos Weinstein, no dudaron que ‘Pulp Fiction’ sería un éxito. Y Miramax se hizo cargo de la producción definitiva.

‘Pulp Fiction’: La culminación de un estilo

Tarantino supo exprimir su peculiar universo cultural, sus experiencias y su enorme talento para el diálogo en un guión que quería romper con los moldes. Tanto en la narrativa, en la que mostraba una nueva forma de mostrar una historia violenta y de gángsters (pero con apenas cinco minutos de violencia explícita en todo el metraje), como a la hora de aglutinar referencias, dotarlas de su personal visión y mostrarlas de un modo del todo fascinante, brillante y con un dominio de la narración inesperado. Aunque mucho de ‘Pulp Fiction’ se apunta ya en ‘Reservoir Dogs’, aquí Tarantino prescinde de la atmósfera claustrofóbica para presentarnos una historia fragmentada, pero hilada con unos diálogos sobresalientes, que hacen avanzar la historia a un ritmo trepidante.

Gran dominador del tiempo, de la acción, de los diálogos, de la construcción de personajes, Tarantino extrae con suma inspiración un puñado de escenas inolvidables (el baile, el monólogo de Walken, la adrenalina inyectada…). Muchas de ellas quedan impregnadas en la memoria del espectador sin un afán moralizador, sin querer impregnar un mensaje en su cine. Tan sólo entretener, divertir y ofrecer un espectáculo de fuegos artificiales sublime a base de un guión sólido.

También podemos mencionar la enorme astucia que muestra en la creación de sus personajes. Nada originales, de los que ya hemos conocido en múltiples ocasiones, pero llevándolos un paso más allá, extrayendo el máximo de los estereotipos de gángster, de boxeador tramposo, o de la novia del jefe, una tentación en forma y fondo. Tarantino dota a sus personajes de alma, de personalidad y lo consigue no sólo dibujándolos con suficiente tino en el papel, sino también trasladando su esencia con un puñado de actores a los que sabe sacarles lo mejor de sí mismos.

Ni que decir tiene, que la recuperación de un John Travolta denostado y olvidado para el cine, es obra de Tarantino. De su apuesta personal y de darle un personaje inolvidable. Pero en general, la película posee un reparto coral muy inspirado, sobresaliente. Desde un Bruce Willis memorable a una fascinante Uma Thurman o un locuaz evangélico y despiadado Samuel L. Jackson.

‘Pulp Fiction’: Buceando en los bajos fondos

Como película violenta y criminales, Tarantino no renuncia a mostrar escenas repletas de sangre, de acción o de mostrar con gran detalle las drogas y su consumo. Consigue virtuosidad en su puesta en escena de forma provocativa, pero también midiendo con especial cuidado. Es más violento lo que sugiere que lo que muestra (como ya hiciera en la famosa cercenación de oreja en ‘Reservoir Dogs’), y eso que ahora intentaba homenajear a su añorada revista Black Mask, donde el asesinato, la sangre y los bajos fondos eran los ingredientes principales.

Tarantino se muestra tan extrovertido como provocador y violento, pero llenando todo el film de un humor negro que logra envolver el resultado matizándolo y mostrando una película no sólo digerible, sino especialmente entretenida. Nos arrastra en una historia de criminales, vestidos con elegancia y mostrados con una enorme normalidad y humanidad. Desde las citas bíblicas a las conversaciones sobre las diferentes denominaciones de una hamburguesa ya sea en Europa o en Estados Unidos. Temas aparentemente intranscendentes pero que definen a los personajes, los aproximan al espectador y lograr ganarse una empatía a base de humor negrísimo. Del mismo modo que se acoge los estereotipos de personajes rudos, de féminas atractivas para desenmascarlos, para mostrarlos sin prejuicios, incluso deconstruyendo el arquetipo made in Hollywood porque no pretende sino desprenderlos de su habitual comportamiento, para presentarlo más próximos, menos acartonados.

‘Pulp Fiction’ presenta su particular universo “hardboiled”, repleto de referencias cinéfilas, a la cultura pop, de recursos narrativos como la estructura circular (y episódica) o de una banda sonora (escuchar playlist en Spotify) impregnada de aire setentero, que consigue lograr un homenaje al cine de serie B, a la vez que aporta un cierto postmodernismo que tiene más de refrito que de originalidad, pero que en absoluto se le puede restar mérito (como por ejemplo la famosa escena del baile está claramente inspirada en ‘Banda aparte’ de Godard).

Es más un homenaje como Tarantino entiende el homenaje: mostrar sus gustos con enorme pasión y respeto. Además, en esta ocasión, lo consigue con inspiración, con diálogos magistrales, con personajes inolvidables y un estilo que marcará tendencias durante los siguientes años. Tarantino logra con ‘Pulp Fiction’ la culminación de su estilo.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

• Quentin Tarantino: sus inicios
• Quentin Tarantino: ...y llegó ‘Reservoir Dogs’

• ‘Reservoir Dogs’: el nacimiento de un estilo

Esta semana, la cantidad de películas que salen a la venta, ya sea en DVD o en Blu-ray, es enorme. Comenzaré por comentar los lanzamientos de films recientes, para los que la aparición en formato doméstico supone un estreno. A continuación, pasaré a títulos anteriores, que ya han visto ediciones de consumo particular, pero que vuelven a estar disponibles para su adquisición.

‘Paranormal Activity’ (2009)

A pesar de que hubo quien la defendía e insistía en comentarios en que le diese una oportunidad, no quise ver ‘Paranormal Activity’ , de Oren Peli, en cines y no creo que me vaya a animar más a verla en casa, ahora que aparece a la venta en DVD y Blu-ray. Como ya comenté en su momento, no me convencieron con ‘El proyecto de la bruja de Blair’, así que ahora, con la lección ya aprendida, no caigo en este nuevo intento de venta de una película gracias a elementos ajenos a ella. Que puede ser que me esté perdiendo algo que podría disfrutar, por supuesto, pero correré el riesgo.

Críticas en Blogdecine:

• Sitges 09 | Desesperante ‘Paranormal Activity’.

• ‘Paranormal Activity’, el miedo cotidiano.

Características técnicas del DVD en la edición especial: Contenido: 2 Discos. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1 Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2: Reacciones de audiencia. Final alternativo.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Tráiler. Reacciones de la audiencia.

‘Ejecutiva en Apuros’ (‘New In Town’, 2009)

Antes de ver la película, me temía que, hiciese o no demasiada gracia, sería una de estas cintas que defienden la vida tranquila de las pequeñas aldeas y zonas rurales y sostienen que las ciudades engendran malas personas. Por lo tanto, me sorprendió, como ya comenté en mi crítica, que la moraleja no fues tanto por ese lado, sino más bien por la defensa de la producción en cooperativa y la lucha contra las grandes empresas, lo que en esta época de crisis, supone una alternativa bastante interesante. El film tiene un final que en otra época más paranoica, los estadounidenses podrían haber tachado de comunista. Todo lo demás importa poco: la historia de amor es precedible y está mejor contada en ‘Baby, tú vales mucho’, los actores –Renée Zellweger, Harry Connick Jr. y J.K. Simmons— cumplen, pero no sorprenden y los retratos de personajes exageran los tópicos para poder sacarle punta a todo. No sé si vale la pena comprar una copia de esta película, pero al menos sí que merece que se le eche un ojo.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Ejecutiva en apuros’, una pija en el pueblo.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán.Contenido Extra:Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías.

Características de de la edición especial de 2 discos en DVD: Contenido: 2 Discos.Imagen: 1.85:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra: Disco 1Tráiler. Ficha artística. Ficha técnica. Ficha de doblaje. Filmografías. Disco 2Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Castellano. Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano, Catalán. Subtítulos: Castellano, Catalán. Contenido Extra:Entrevistas. Making of. Imágenes de rodaje. Spot.

‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ (‘Arthur et la vengeance de Maltazard’, 2009)

Aparece tanto en DVD como en Bluray el timo del siglo ‘Arthur y la Venganza de Maltazard’ algo que no supone más que el planteamiento de una película y que se detiene antes de que llegue a comenzar el argumento, como ya denuncié en esta crítica. Recomiendo que no se compre este film protagonizado por Freddie Highmore, Mia Farrow, Ronald Crawford y Robert Stanton, y dirigido por Luc Besson, en el que el niño amigo de los seres diminutos debe infiltrarse de nuevo en el mundo subterráneo donde viven éstos para detener al malvado Matazard.

Características del DVD: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 16/9 anamórfica. Audio: Dolby Digital 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 17,95 €.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.35:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD 5.1 Castellano, Catalán, Francés. Subtítulos: Castellano, Catalán, Francés. PVP Recomendado: 25,95 €.

‘Bridget Jones: Sobreviviré’ (‘Bridget Jones: The Edge of Reason’, 2004)

A partir de esta semana se podría adquirir en Blu-ray ‘Bridget Jones: Sobreviviré‘, la segunda parte de ‘El diario de Bridget Jones‘, que también se basa en la novela homónima de Helen Fielding. Las adaptaciones de los libros no suelen estar a la altura del original y las segundas partes no suelen ser tan buenas como las primeras. Si, en este caso, partimos de que el libro ya de por sí no tenía una enorme calidad, concluiríamos que poco se puede hacer con esta película. Sin embargo, confieso que he leído ambas obras y las he disfrutado por una cuestión que puede sonar a menudencia o que puede considerarse casi incomprensible, pero que para mí fue decisiva en su momento: me refiero a que la protagonista femenina es la que hace gracia. Normalmente se acepta que los hombres sean graciosos, patosos y metepatas, pero las mujeres tienen que ser perfectos objetos a los que da gusto contemplar. Aquí, las tornas se cambian y eso se me antoja refrescante, a pesar de que no sea el personaje perfecto para mí ni tampoco su capacidad cómica sea exagerada –hablo de la descripción del personaje en el libro, no de la película—. Por otro lado, si bien los films no mejoraban las novelas, sí tenían el aliciente de incluir a Hugh Grant y a Colin Firth –que sale mencionado en la primera novela-. Y lo que no se puede negar es que, te guste o no el personaje, Renée Zellweger lo borda.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés. Contenido Extra:La escapada a Austria. Escenas inéditas. Guía fácil de la exótica Tailandia. La gran pelea. Mark y Bridget: ¿para siempre? Bridget Jones entrevista a Colin Firth. El solitario Londres. Bridget Jones: ¿un icono cultural? La gran noche de Bridget. Gira mundial de los estrenos. Como se hizo Bridget Jones: Sobreviviré. Comentario de fondo con la directora Beeban Kidron.

‘Austin Powers en Miembro de Oro’ (‘Austin Powers in Goldmember’, 2002)

Sale, también en Blu-ray, ‘Austin Powers en Miembro de Oro’, la tercera parte de la saga del detective británico que parodia a James Bond, dirigida por Jay Roach. Es una película que, aunque decae con respecto a las primeras, vuelve a tener algunos puntos graciosos, entre los que destacaría los subtítulos que no se leen por completo, debido a los elementos blancos de la escena, y la concatenación de voces por megafonía que van componiendo palabras soeces. Pero lo que no puedo soportar es la visión de Gordo Cabrón, pues el maquillaje está demasiado conseguido. Mike Myers es protagonista interpretando varios papeles y colabora en el guión. Junto a él, completan el reparto Beyoncé Knowles, Michael Caine, Michael York, Robert Wagner, Seth Green, Verne Troyer y Masi Oka, entre otros. A su vez, cuenta con los cameos de Tom Cruise, Danny DeVito, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, Steven Spielberg, Quincy Jones, John Travolta y muchos otros.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 2.40:1 1080p (Alta Definición). Audio: Dolby Digital 5.1 Inglés, Castellano. Subtítulos: Inglés, Castellano. Precio recomendado: 21,95 €.Contenido Extra:Más allá de la película. Comentarios de Jay Roach y Mike Myers. Escenas eliminadas con comentarios. Efectos visuales. El mundo de Austin Powers: Jay Roach y Mike Myers: Encuentro creativo Los personajes Las primeras escenas con especialistas Los coches de Austin Powers Análisis de tres escenas Vídeos musicales: Beyoncé “Work it Out” Britney Spears “Boys” Ming Tea “Daddy wasn’t There”.

‘Serpico’ (1973)

Sidney Lumet dirige a Al Pacino en una controvertida cinta que se basaba en el libro de Peter Maas, el cual, a su vez, partía de hechos reales. En ella, el agente de policía que da título al film destapaba una trama de corrupción dentro de su departamento, lo que le suponía enfrentarse a sus propios compañeros y jefes. Aunque hoy en día ya tenemos muy visto el tema de los policías corruptos, en su momento, fue una buena manera de darle un giro al hallazgo del culpable. Fue muy aclamada la interpretación de Pacino en el papel de un hombre que no agradaba a sus colegas por cumplir las reglas a raja tabla, y por asociarse a la contracultura izquierdista de los años ’60.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 2.0 Inglés, Castellano, Alemán, Francés. Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés. Contenido Extra:Sidney Lumet, cineasta neoyorkino. Buscando a Al Pacino.

‘Memorias de África’ (‘Out of Africa’, 1985)

Basado en el libro homónimo autobiográfico de la escritora danesa Isak Dinesen y dirigido por Sydney Pollack, este drama romántico multioscarizado, nos presenta a Robert Redford y Meryl Streep viviendo una aventura desaforada y tortuosa sobre el paisaje que forma una plantación en Kenia. Sin entrar a calificarla de buena o mala, lo que sí puedo asegurar es que no es, ni mucho menos, el estilo de películas que me gustan ni el tipo de historias amorosas que me emocionan. Sin embargo, quien la considere una gran obra, tiene ahora la oportunidad de contemplar la fotografía de David Watkin en todo su esplendor gracias a esta edición en Blu-ray.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Japonés, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Inglés, Castellano, Alemán, Francés, Italiano,Holandés, Japonés, Cantonés, Danés, Finlandés, Griego, Coreano, Noruego,Portugués, Sueco, Mandarín Tradicional.Contenido Extra:Escenas inéditas. Canción de África. Tráiler de cine. Comentarios de la película con el director, Sydney Pollack.

‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988)

Salen a la venta tres títulos de Arnold Schwarzenegger: ‘Danko: calor rojo’, ‘El guerrero rojo’ y ‘Ejecutor‘, todos en Blu-ray. ‘Danko: calor rojo’ (‘Red Heat’, 1988), dirigida por Walter Hill, es una cinta de acción de lo más entretenida y espectacular (al menos, así la recuerdo) en la que Schwarzenegger interpreta a un detective ruso cuyas ideas probablemente no era muy acordes con las del actor. Jim Belushi le da la réplica en una de esas buddy movies de amor-odio, donde los contrastes tienen que ser tan fuertes como el cambio de temperatura que sufre el culturista en la pelea de la escena de inicio.

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Ruso.Subtítulos: Castellano, Francés, Alemán, Italiano, Danés,Holandés, Finlandés, Noruego, Ruso, Sueco, Turco, Español. Contenido Extra:Arnold Schwarzenegger, el hombre que conquistó Hollywood. El contexto político de Danko: Calor Rojo. Tráiler.

‘El corazón del ángel’ (‘Angel Heart’, 1987)

Aparece a la venta en Blu-ray ‘El corazón del ángel’, de Alan Parker, una película que fue sonada en mi preadolescencia por la violencia de algunas de sus escenas y la teórica irreverencia de su contenido, lo cual le rindió una repercusión probablemente algo mayor que la que se merecía. La cinta, protagonizada por Robert de Niro, Mickey Rourke y Lisa Bonet, nos presenta a un detective privado de Nueva Orleans, que es contratado por un misterioso cliente en Harlem para que encuentre a un hombre desaparecido. Conforme avanza la investigación se suceden extrañas muertes, al parecer relacionadas con la magia negra y el vudú, y que implican a Harry de una manera cada vez más personal…

Características del Blu-ray: Contenido: 1 Disco. Imagen: 1.85:1 1080p (Alta Definición). Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés. DTS 5.1 Castellano, Alemán, Francés, Italiano.Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés, Italiano, Holandés, Turco.Contenido Extra:Tráiler. La verdad sobre el vudú. Imágenes del rodaje.

Otros lanzamientos

Se pueden comprar en Blu-ray varios títulos protagonizados por Clint Eastwood. Dos de ellos están dirigidos por Brian G. Hutton: ‘El desafío de las águilas’ (‘Where Eagles Dare’, 1968) y ‘Los violentos de Kelly’ (‘Kelly´s Heroes, 1970), mientras las demás son del propio Eastwood: ‘El sargento de hierro’ (‘Heartbreak Ridge’, 1986), ‘El principiante’ (‘The Rookie’, 1990) y ‘Poder absoluto’, (‘Absolute Power’, 1997).

También serían recomendables las películas: ‘Chuka’ (1967), de Gordon Douglas; ‘El Mercader de las Cuatro Estaciones’ (‘Händler der vier Jahreszeiten’, 1971), de Reiner Werner Fassbinder; ‘El Último Disparo’ (‘Railroaded!’, 1947) y ‘Las furias’ (‘The Furies’, 1950), ambas de Anthony Mann; ‘La Extraña Mujer’ (’ The Strange Woman’, 1949), de Edgar G. Ullmer, y ‘Intervista’ y ‘ El Jeque Blanco’ (‘Lo sceicco bianco’, 1952), las dos de Federico Fellini.

Por último, quedarían por mencionar títulos como ‘Combinación Ganadora’ (‘Lucky Numbers’, 2000), con John Travolta y Lisa Kudrow; ‘Bullying’, ‘Nico, El reno que quería volar’, ‘Eloïse’, ‘Freddy contra Jason’ (Blu-ray), ‘Recuento’ (‘Recount’, 2008)

Vía | Zona DVD.

Luc Besson podría ser perfectamente el equivalente europeo a Jerry Bruckheimer en el cine de evasión estadounidense. Como productor ha sabido competir directamente con los productos de acción yanquis, demostrando que en Francia se pueden hacer películas del mismo estilo que las provenientes del nuevo continente; bañadas con todo el atractivo de las ciudades europeas, sobre todo París, son productos en los que el argumento importa más bien poco, sólo se trata de ofrecer un carrusel de tiros, persecuciones y explosiones, para divertimento del personal. Como director en un principio iba para autor, con cosas de dudoso gusto como ‘Subway’ (id, 1985) para más tarde acabar sacando de quicio con memeces del tamaño de ‘El quinto elemento’ (‘The Fifth Element’, 1996) o ‘Juana de Arco’ (‘The Messenger: The Story of Joan of Arc’, 1999). Eso sí, brilla en su deplorable filmografía una pequeña joya titulada ‘El profesional’ (‘Leon’, 1994), que visto lo demás, da la sensación de que se la hizo alguien.

Ahora que Besson está más obsesionado que Robert Zemeckis con la animación se dedica a delegar sus historias de acción en otros directores, siendo uno de ellos Pierre Morel, que hace un par de años obtuvo un inesperado éxito con ‘Venganza’ (‘Taken’). ‘Desde París con amor’ (‘From Paris With Love’, 2009) semeja un intento de repetir el éxito de la mencionada cinta protagonizada por Liam Neeson. Esta vez han ido un poco más allá en plan “cuanto más mejor”, pero el resultado es bastante insatisfactorio, es más, ‘Venganza’ —película que me resulta bastante anodina— parece una obra maestra a su lado.

El argumento de ‘Desde París con amor’ no engaña a nadie. James Reece (Johnathan Rhys Meyers) es un empleado del embajador americano en Francia que tendrá que formar equipo con Charlie Wax (John Travolta), un agente secreto de la CIA, para impedir un atentado en la capital francesa. El fuerte carácter de Wax meterá a Reece en situaciones de lo más peligrosas, poniendo en peligro la vida de ambos. Evidentemente estamos ante un film de acción superespectacular —a la europea, recordemos— donde el verismo se va a tomar viento fresco y nuestros héroes saldrán airosos de cualquier peligro que se les presente.

La historia de Besson es tratada por Adi Hasak, quien no escribía un guión desde 1997, concretamente para el temible George Pan Cosmatos en ‘Conspiración en la sombra’ (‘Shadow Conspiracy’) en la que unos imposible Charlie Sheen y Linda Hamilton descubrían una conspiración a nivel mundial que quitaba el hipo. Curiosamente esa película, de la que no se acuerdan ni sus responsables, contiene algunos elementos que la emparejan con la presente, llamando la atención que después de doce años Hasak no haya mejorado ni un ápice como guionista. Al igual que en aquélla ‘Desde París con amor’ está llena de situaciones absurdas, previsibles y aburridas.

Pierre Morel pone en escena, con menos dinamismo que en su anterior trabajo, una historia llena de referencias al cine de acción, sobre todo a ese subgénero de las buddy movies, de las que ‘Arma letal’ (‘Lethal Weapon’, Richard Donner, 1987) sea probablemente su máximo exponente. Dos personajes de personalidades muy distintas que terminan profesándose un profundo respeto debido a un interés común de terminar con los malos de la función. John Travolta —uno de los pocos actores de toda la historia que ha echado a perder su fama dos veces— y Jonathan Rhys Meyers componen sin demasiada gracia dos personajes prácticamente increíbles.

El título es un homenaje a la novela de Ian Fleming dedicada al popular James Bond y por consiguiente a su adaptación cinematográfica, ‘Desde Rusia con amor’ (‘From Russia With Love’, Terence Young, 1963). Evidentemente, cualquier parecido entre ambas películas no sería coincidencia, sino pura fantasía. Pero este tipo de detalles totalmente anecdóticos nada tienen que ver con la calidad de una película que lejos de tomarse en serio a sí misma, desaprovecha algunas ideas —y que casi me atrevería a asegurar que las mismas se encuentran en el trabajo original de Besson— en las secuencias de acción. Anótese aquella en la que Reece sube por unas escaleras por cuyo hueco van cayendo los cadáveres que más arriba va dejando su nuevo compañero.

Al final sobresale el tedio, chistes ridículos, un personaje femenino que huele a trampa desde su primera aparición, y hasta un pobre discurso sobre el terrorismo árabe. Una mala película que pone en evidencia la decadencia de un actor como John Travolta, si es que se le puede llamar actor. Que le llame otra vez Tarantino, a ver si lo resucita de nuevo.