El 23 de diciembre se estrenará ‘El cascanueces 3D’ (‘The Nutcracker in 3D’, 2010), adaptación a nuestros tiempos del clásico cuento infantil navideño, que ha llevado a cabo el director ruso de Andrei Konchalovsky, sobre un guion que ha escrito junto con Chris Solimine. John Turturro, Nathan Lane, Elle Fanning y Richard E. Grant protagonizan la cinta anglo-húngara, que se podrá ver tanto en 2D como en tres dimensiones.

Corren los años 20 en Viena. María, una niña a de 9 años vive en una casa repleta de objetos encantadores y soledad. Molestada por su irritante hermano Max y desatendida por sus bien intencionados pero distraídos padres, añora la compañía y la aventura. La víspera de Navidad su querido tío Albert llega con el regalo de un muñeco de madera cascanueces. Más tarde esa noche, la imaginación de Mary vuelve el muñeco a la vida. Presentándose como NC, lleva a Mary a un viaje maravilloso a través de una increíble dimensión donde los juguetes asumen forma humana y donde todo es diez veces más grande.

Inspiradas en el ballet de ‘El cascanueces’, de Chaikovski, la película contiene ocho canciones de Sir Tim Rice, el letrista y libretista ganador de un Oscar, que ha compuesto partituras para ‘El rey león’, (‘The Lion King’), ‘Evita’ y ‘Jesucristo Superstar’ (‘Jesus Christ Superstar’), entre otras.

Konchalovsky, que ha firmado películas como ‘El círculo del poder’, ‘Tango y Cash’, ‘El tren del infierno’, ‘Siberiade’... hace un cambio considerable en su tono al pasarse a algo tan infantil. Muchas veces, las películas para niños pueden verse con cualquier edad porque tienen algo que nos divierte a todos o porque apelan a la nostalgia y nos atrapan. Sin embargo, lo que este tráiler vende aparenta ser –presupongo, no prejuzgo, pues habrá que esperar al estreno para ser categórica– algo que gustará principal o exclusivamente a los más pequeños.

Vía | YouTube.

Este mes de julio da comienzo el rodaje de ‘Gods Behaving Badly’ (los dioses se portan mal), adaptación de la novela de Marie Phillips, que cuenta que una joven pareja ve cómo su relación se pone en peligro por causa de una familia disfuncional de deidades venidas a menos que sobrevive como puede en un tiempo en el que sus poderes no son los que eran. La pareja se los encuentra en una casa, lidiando con problemas cotidianos. Apolo aparece en la tele como vidente y su tía, Afrodita, se gana la vida con un negocio de sexo telefónico, mientras que Artemisa pasea perros. A pesar de que sus poderes ya les sirven para poco, no han perdido las ganas de hacerse faenas los unos a los otros y de enredarse en líos familiares, amorosos y de otras índoles.

Marc Turteltaub dirige un reparto tan divino como los personajes a los que encarnan: Christopher Walken tendrá el importante papel de Zeus, Edie Falco será Artemisa, John Turturro hará de Hades, Oliver Platt encarnará a ¿Apolo?, Sharon Stone dará vida a Afrodita, mientras que Rosie Pérez se quedará con Perséfone. Por último, en el personaje de Eros estará Gideon Glick, en el de Hermes, Henry Zebrowski, en el de Deméter encontramos a Phylicia Rashad y en el de Dionisos podremos ver a Nelsan Ellis. Alicia Silverstone y Ebon Moss-Bachrach encarnarán a la pareja de mortales.

El rodaje tendrá lugar en Nueva York, a pesar de que la novela está situada en Londres. La producción corre a cargo de Big Beach Films, responsable de ‘Little Miss Sunshine’ y ‘Our Idiot Brother’. Josh Goldfaden y el propio director se han encargado de escribir el guion.

Aunque el concepto en sí suena gracioso y me recuerda a algunas propuestas muy interesantes que sitúan no a dioses, pero sí a superhéroes, en vicisitudes cotidianas –la serie ‘No Heroics’ sería un buen ejemplo—; los enredos en los que parece que van a mezclarse me suenan a humor facilón. Pero es pronto para juzgar y, si este reparto se ha unido al proyecto será porque el guion promete mucho más de lo que se extrae por las sinopsis de la novela. Así que daremos un voto de confianza a esta ‘Gods Behaving Badly’.

Vía | Indiwire.

Ayer vimos el tráiler y hoy podemos echar un vistazo al nuevo cartel de ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’, la tercera entrega de la saga basada en los juguetes de Hasbro, producida por Steven Spielberg, dirigida por Michael Bay y protagonizada por Shia LaBeouf. El avance era bastante espectacular, pero esto… ¿soy el único que opina que es un póster lamentable? Los dos actores (bueno, el actor y la modelo, Rosie Huntington-Whiteley) no están correctamente integrados y el fondo me parece un desastre. Un diseño impropio de una superproducción que ha tenido que costar más de 200 millones de dólares.

Cabe señalar que el guion de ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’) lo ha escrito Ehren Kruger en solitario, sin la participación de Roberto Orci y Alex Kurtzman, involucrados en la escritura de las dos anteriores entregas. La trama se centra en el descubrimiento de una nave Cybertronian escondida en la Luna, cuyos secretos podrían inclinar la balanza en una batalla final entre los Autobots y los Decepticons. LaBeouf y Huntington-Whiteley encabezan un elenco en el que también figuran Josh Duhamel, Tyrese Gibson, Kevin Dunn, Julie White, Frances McDormand, John Malkovich, Ken Jeong, Patrick Dempsey, Alan Tudyk, John Turturro, Hugo Weaving y Leonard Nimoy. La película estará en los cines el próximo 1 de julio, y podrá verse en 2D y 3D.

PD: Al parecer, antes de contratar a la debutante Huntington-Whiteley, se barajaron los nombres de Gemma Arterton, Ashley Greene, Brooklyn Decker, Miranda Kerr, Bar Refaeli, Amber Heard, Camilla Belle, Katie Cassidy, Heidi Montag y Anna Kendrick.

Vía | Impawards

“Puedo contarte…la vida de la mente. No hay mapa de carreteras en ese territorio…y explorarlo puede ser muy doloroso.”

- Barton (John Turturro)

A pocos días de estrenarse la película número quince de los hermanos Coen, la esperada ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010), que ojalá nos devuelva la mejor versión (la más fresca, la más emocionante) de estos cineastas, merece la pena revisar un poco su mejor etapa, que para mí sin duda fue la primera, hasta finales de los años noventa. Después de esa década los Coen iniciaron un declive en mi opinión incontestable. Un declive que nada tiene que ver con su pericia técnica, pues poco tienen que aprender ya estos directores, o con su capacidad de trabajo, pues han mantenido una fluidez de títulos envidiable para otros realizadores. Tampoco tiene que ver con su libertad creativa, pues siempre han hecho las películas que les han venido en gana. Pero la originalidad, la insolencia, la belleza de sus primeros filmes parece haberse extinguido, en favor de una puesta en escena brillante pero mecánica, ingeniosa pero hueca, sin alma.

Durante la redacción del guión de ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller’s Crossing’, 1990) los Coen sufrieron lo que se conoce como “bloqueo del escritor”. Durante ese bloqueo, abandonaron ese guión, y comenzaron con otra historia, precisamente la de un escritor incapaz de escribir. Una historia que finalizaron rápidamente y que les ayudó a superar su propio bloqueo. Terminada aquella película, se pusieron manos a la obra con el nuevo proyecto, sin imaginar, quizá, que se convertiría en una de sus películas más crípticas y más notables, y que les consagraría definitivamente en Cannes. Se trata de una obra mayor, de madurez total. Una propuesta radical, sin la menor concesión al espectador, que profundiza en cuestiones tales como la creación artística y los sinuosos tormentos de la mente, y lo hace con singular lucidez, a través de algunas de las imágenes más hipnóticas y fascinantes de toda la carrera de los famosos hermanos.

La peripecia profundamente psicológica y anímica de Barton, un dramaturgo que acaba de conocer el éxito de público y crítica con su última pieza teatral, roza en muchos momentos lo absurdo e incluso lo surrealista. Cuando se estrenó en Estados Unidos, además de recibir terribles críticas, fue acusada de antisemita, algo totalmente absurdo si consideramos la ascendencia cultural de los Coen, y de “venganza” personal de los Coen contra Hollywood, algo todavía más absurdo porque los Coen jamás habían trabajado en Hollywood, ni habían levantado proyectos caros, ni habían tenido el más mínimo problema en ese sentido. Este era un relato sobre el proceso creativo de escritura, y más al fondo, sobre la relación del artista y su público, con ramificaciones apasionantes acerca de la fragilidad de la mente cuando se enfrenta a una serie de deseos y fantasías no consumadas. Ver en esto una venganza o un antisemitismo es bastante sorprendente. La extraña comedia negra que es a veces ‘Barton Fink’, no disimula, ni quiere, su condición de espeluznante radiografía de la mente humana, y hasta de la condición monstruosa del hombre.

Vomitar literatura

Poco importa que hablemos de un guionista en Hollywood, o de un dramaturgo. En el largo e irregular proceso de escritura de un guión de encargo sentiremos, como pocas veces en una pantalla de cine, que un escritor lo de todo en un texto, vomitando su alma en cada palabra. No deja de tener una coña salvaje que el productor de cine, un sosias cruel y grotesco de Louis B. Mayer, encargue el guión de una película de lucha libre de Wallace Beery a un escritor que ha triunfado con una obra sobre el proletariado. Pero la película está trufada de una ironía y de un sentido del humor feroces, que sólo dan un poco de respiro a los dos personajes protagonistas: Barton Fink y su vecino de hotel, el inconcebible Charlie Meadows, que es algo así como su opuesto vital, pero con el que sentirá una turbada conexión, con ecos de homosexualidad reprimida, de relación paternal y hasta de artista ególatra con su público ignorante. Y en esa dinámica entre los dos grandes actores que siempre han sido John Turturro y John Goodman está lo más hermoso y lo más turbador de la película.

Tiene todo el sentido que ‘Barton Fink’ ganase la Palma de Oro en 1991 en Cannes (así como el premio a la puesta en escena y al mejor actor, siendo la primera película en la historia que se alza con los tres), pues el presidente del jurado era Roman Polanski, y le agradaría sobremanera una historia que tiene mucho de polanskiana, sobre todo en el concepto del hotel como puerta a la locura y al infierno, y que está moteada de detalles casi robados a David Lynch, entre los que el peinado afro de Fink tan parecido al protagonista de ‘Cabeza borradora’ (‘Eraserhead’, 1976) no es más que un guiño referencial. Y si el hotel es un personaje e incluso un estado anímico, también lo es la propia California y más concretamente Hollywood. Una especie de pesadilla a la luz del día, de un calor agobiante y una atmósfera enrarecida, en la que el sensible y retraído Fink no consigue encontrarse a gusto. No es de extrañar tampoco que fuera nominada al Oscar a mejor dirección artística, además del vestuario y del actor secundario Michael Lerner, que borda al histérico productor Jack (Louis B. Mayer) Lipnick.

En ese ambiente (decía Tarkovski que un creador nunca crea en un ambiente ideal) Fink se encontrará de bruces con el pánico a la hoja en blanco, un bloqueo del que sólo saldrá tras un acontecimiento espeluznante que no desvelaremos, y que le hará tocar fondo de una maldita vez. Ahí, en el pozo anímico más absoluto, Fink por fin se pondrá a escribir como un loco, sin parar, durante muchos días, recuperando la fe y haciendo crecer un ego que, según él, no debería figurar en la personalidad de ningún escritor. Antes, claro, ha conocido a W. P. Mayhew (el gran John Mahoney), que es otro sosias cruel de otra figura real, en este caso el legendario novelista William Faulkner, al que los Coen, con una mala leche desconocida en sus películas más recientes, dejan de borracho y de farsante para arriba, en una de las mejores secuencias de la película. De la envidia inicial de Fink hacia Mayhew/Faulkner, de su atracción hacia su ayudante (una estupenda Judy Davis), de su culpabilidad homosexual, de su frustración como escritor, de su posterior desprecio hacia Mayhew, los Coen deducen una aventura psicológica de gran calado poético.

Conclusión y escena preferida

Rara y extrema película, también valiente e impredecible. Unos Coen que poco o nada tienen que ver con los de ahora, mucho más mecánicos y que parecen haber dejado el piloto automático puesto. Barroca y violentísima, ‘Barton Fink’ posee una escena que a mí siempre me ha hipnotizado y que, de alguna manera, atrapa la retina del espectador y le explica muchas cosas del mundo interior de Fink. Más que una secuencia, es una serie de imágenes, con la chica de la playa, la enorme roca contra la que golpean las olas, la caja de misterioso contenido (cada cual pondrá dentro lo que le apetezca), la figura encogida y torturada del escritor, que por unos momentos puede saborear cierta paz, en el caso de que sea una imagen real. Porque algo nos hace sospechar que es producto de su imaginación.

Estaba claro que después de dos entregas a cada cual más aburrida y soporífera, sobre todo la segunda, reventando taquillas en todas partes del mundo, íbamos a tener una tercera entrega de los robots más famosos del cine reciente. ‘Transformers: Dark of the Moon’ es su título y aquí tenéis su teaser tráiler, que sorprende por la tranquilidad que desprenden sus imágenes. No tengo la más mínima duda de que los movimientos epilépticos del señor Michael Bay cuando mueve una cámara seguirán siendo la principal marca de la casa, apadrinada de nuevo por Steven Spielberg. Nada me dice este avance, así que el interés en esta nueva entrega es el mismo que ayer, cero.

El reparto está encabezado por Shia LaBeouf, al que acompañan Josh Duhamel, John Malkovich, Patrick Dempsey, Frances McDormand, John Turturro y Megan… perdón, Rosie Huntington-Whiteley, supermodelo y novia de Jason Statham, que debuta en el cine con esta película. Su misión: hacernos olvidar a la señorita Fox, que muy pronto se arrepentirá de haber hecho enfadar al señor Bay.

‘Transformers: Dark of the Moon’ se estrena en los USA el 1 de julio del 2011. Su argumento gira en torno a… lo de siempre, robots gigantes dándose de leches.

Vía | Trailer Addict

‘Asalto al tren Pelham 123’ es el título con el que se ha estrenado en nuestro país ‘The Taking of Pelham 123’, un remake dirigido por Tony Scott y protagonizado por Denzel Washington y John Travolta, que ha funcionado bastante bien en taquilla; en España logró incluso desbancar a ‘Harry Potter y el misterio del príncipe’. ¿Y qué nos ofrece esta colaboración entre Scott y Washington? En pocas palabras, un thriller actual, en el peor sentido de la expresión.

El divertido Rafa Martín, uno de los responsables de Las Horas Perdidas, se ha referido a la calidad de ‘Asalto al tren Pelham 123’ con la siguiente frase: “Bien, no da ganas de vomitar“. Es un buen resumen. También podría decirse esto: “Bueno, las he visto peores“. Realmente hemos llegado a este punto, a uno en el que lo habitual son reacciones como éstas, en el que da pena mirar la cartelera, y ya nos conformamos con ver algo que no nos provoque un salvaje tumor cerebral instantáneo. No sé qué pensaréis vosotros, pero a mí me parece muy preocupante la situación actual; ahora, mi única ilusión al ir al cine es tragar palomitas dulces.

Más de treinta años después de la película original, se nos vuelve a plantear el particular secuestro de los pasajeros de un vagón del metro de Nueva York, lo que unirá los destinos de dos hombres, el cabecilla de los delincuentes y el encargado de vigilar el correcto funcionamiento de las líneas del metro. En la primera versión, teníamos un duelo entre Walter Matthau y Robert Shaw, cargado de tensión y suspense, en la nueva versión nos han puesto a Washington y Travolta, en un enfrentamiento caracterizado por conversaciones vacías y diálogos vulgares, llenos de tacos (es rara la frase en la que no incluyen un “joder” o un “puto”).

No es lo único que se ha modificado. La historia del Pelham ha sufrido un proceso de actualización en todos sus aspectos, perdiendo por el camino todo lo bueno que había en la entretenidísima película dirigida por Joseph Sargent en los setenta. Los secuestradores ya no son misteriosos, ni tienen normas, ni nombres de colores (‘Reservoir Dogs’ no fue la primera en hacer eso, no); los malos de la versión actual son simples criminales, vulgares y malhablados, gorilas armados que se ríen a carcajadas por tonterías y no tienen reparo en matar a quien sea.

A estas alturas, todos sabemos ya de qué pie cojea el señor Tony Scott, curiosamente, responsable de títulos muy populares y exitosos en taquilla, a pesar de que no es un realizador talentoso, ni mucho menos; suyos son títulos tan conocidos como ‘Top Gun’, ‘Amor a quemarropa’ (su mejor película) o ‘Enemigo público’. ‘Asalto al tren Pelham 123’ es la cuarta vez que el realizador cuenta con Denzel Washington para el papel protagonista, y parece que por ahora puede ser la última, porque la que tenían en el horizonte, ‘Unstoppable’, sobre un tren que hay que detener como sea para evitar que se estrelle y provoque una catástrofe (la originalidad es apabullante), tiene problemas de financiación y es posible que se cancele.

‘Asalto al tren Pelham 123’ es otra muestra de lo que puede hacer este realizador. O sea, muy poca cosa, casi nada. No hay más que ver el prólogo, una pieza mareante y desesperante, para echarse las manos a la cabeza y empezar a levantarse de la butaca, con la intención de huir lo más rápidamente que se pueda (teniendo cuidado de no tropezar, con la vista afectada por tantas chorradas visuales en tan poco tiempo, más propias de un niño que necesita probar todos los botones que tiene delante). Afortunadamente, la cosa se queda más o menos ahí, en los interminables minutos que duran los créditos y que Scott aprovecha, además de para intentar destruir nuestro sentido común, para presentar la entrada de los secuestradores en el Pelham.

A partir de ahí, Scott se calma un poco y sus delirios audiovisuales se suceden con menos frecuencia, lo que permite el tranquilo visionado de la película, mucho más hueca, aburrida y ruidosa que la original. Con la excusa de “reinterpretar” la novela de John Godey, se inventan más tiros y más accidentes, y entre otras cosas, tienen la “genial” idea de cambiar el estupendo final de la primera versión para crear uno téoricamente más trepidante, más típico y más propio del cine de acción; el resultado es tremendamente peor, y el supuesto plan perfecto queda de lo más incoherente. A todo esto, la película no es tan rematadamente mala como puede parecer, o al menos, como dije antes, las he visto peores.

Podemos salvar de la quema a Washington, que a veces lo intenta (otras veces se le nota que no se cree nada de lo que hace o dice su personaje), a Travolta, que se lo pasa pipa y llega a caer más simpático que el bueno de Garber (cuando no aburre contando batallitas o haciendo preguntas inútiles, claro), y a James Gandolfini y John Turturro, aunque deben ocuparse de unos papeles realmente bobos. En resumidas cuentas, otro remake innecesario, una película que no aporta absolutamente nada y que no merece el dinero que cuesta la entrada.

Hace poco os traje el primer póster de ‘The Taking of Pelham 123’, como sabéis, la nueva película del director Tony Scott, un remake del film homónimo realizado por Joseph Sargent en 1974. Hoy os dejo el trailer y dos nuevos carteles, centrados cada uno en los dos protagonistas de la película, Denzel Washington y John Travolta, el bueno y el malo de la historia. James Gandolfini, John Turturro, Luis Guzmán, Victor Gojcaj y Gbenga Akinnagbe acompañan a los principales en el reparto.

‘Asalto al tren Pelham 123’, que es como se titula (de forma absurda) en nuestro país, se centra en Walter Garber, operador del metro de Nueva York, cuyo día ordinario da un giro al tener que negociar con una banda de criminales que han secuestrado a los viajeros de un vagón. Una trama sencilla que en su momento dio origen a un estupendo thriller que, a tenor del trailer, ha sido transformado por completo para que Scott esté a sus anchas, empezando por la banda liderada por Travolta, que no tiene nada que ver con la que organizaba Robert Shaw.

La fecha de estreno en Estados Unidos es el 12 de junio. En España, 28 de agosto.

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Pd: El trailer en español:

Vía | Impawards

El próximo 10 de octubre llegará a los cines españoles ‘Quemar después de leer’ (‘Burn after Reading, 2008), la nueva película de los Coen, motivo por el cual me ha parecido una buena idea repasar su filmografía y elegir las que, en mi opinión, son sus mejores obras.

Nacidos en 1951 y 1954 respectivamente, Joel y Ethan Coen parecen trabajar como una sola persona, a tenor de las declaraciones de los actores que han trabajado con ellos. Sin embargo, por las reglas de la Directors Guild of America no pudieron aparecer juntos como directores de sus películas, quedándose sólo Joel en los créditos. Los hermanos debutaron en 1985 con ‘Sangre Fácil’ (‘Blood Simple’), consiguiendo pronto el éxito de la crítica, que mantienen hasta el día hoy; el público se fue sumando poco a poco, aunque su cine no va destinado ni interesa a las masas. Con ‘No es país para viejos’ (‘No Country for Old Men’, 2007) obtuvieron su mayor éxito, logrando el Oscar al mejor guión, director(es) y película.

Elaborados guiones, personajes extravagantes, humor negro, violencia, cuidada puesta en escena y gusto por lo clásico. Éstos podrían ser los principales ingredientes de la obra de estos hermanos tan particulares. A lo que hay que sumar los nombres de sus colaboradores habituales, desde el compositor Carter Burwell a los actores Steve Buscemi, Frances McDormand (casada con Joel Coen), John Goodman o John Turturro, de quienes los Coen consiguen sacar siempre lo mejor.

Sin más, a continuación os dejo con una corta lista de lo mejor que han hecho, por el momento, los hermanos Coen:

• ‘Muerte entre las flores’ (‘Miller´s Crossing’, 1990)

Cine negro clásico según los Coen. Una maravilla de principio a fin, con unos diálogos extraordinarios (como prueba, por ejemplo, el inicio del film, sobre la ética). De bellísima factura, la película cuenta la típica historia de un hombre en medio de una guerra de bandas, y, al más puro estilo Dashiell Hammett, se ve envuelto en una complicada trama llena de sorpresas y de alianzas engañosas, debiendo hacer uso de todo su ingenio para poder seguir con vida, recopilando información y anticipándose a los movimientos de cada uno. Todo el reparto está en su sitio, realizando una labor impecable, pero hay que destacar por encima de todos a Gabriel Byrne, genial en un personaje que podría haber encarnado Humphrey Bogart, y John Turturro, en el papel de una cobarde, tramposa y astuta lagartija. Mención especial para J.E. Freeman por ese Danés tan implacable como el famoso Anton Chigurh de Javier Bardem. Momento memorable: Albert Finney se basta para responder a un intento de asesinato; brutal.

• ‘Barton Fink’ (1991)

La que más discusión puede provocar de esta lista. A pesar de lograr la (casi siempre) polémica palma de oro en Cannes, es una de las películas menos recordadas de los Coen. Encuentro en ella tanta extraña belleza y me identifico tanto con lo que piensa el protagonista que no puedo evitar ponerla entre lo mejor que han hecho los hermanos. Realmente particular, con un John Turturro sensacional, la película nos habla de las dificultades de un ambicioso (pero inseguro) escritor por seguir progresando y lograr su sueño. Un sueño que pronto se volverá incómodo y dará lugar a pesadillas. Escrito a partir de la experiencia propia de los Coen, el film contiene numerosos homenajes y una ácida crítica a la industria del cine. Momento memorable: Aunque es muy sorprendente lo que ocurre con el personaje de John Goodman, me quedo con la escena de presentación del productor de Hollywood encarnado por Michael Lerner (nominado al Oscar por su estupendo trabajo).

• ‘Fargo’ (1995)

La película que situó a los Coen en el mapa. Nominada al Oscar en siete categorías, resultó ganadora en dos, mejor actriz (Frances McDormand) y mejor guión. De una contundencia y una elegancia aplastantes, esta obra reúne todos los elementos típicos de los Coen, resultando la más adecuada para adentrarse en su cine y posiblemente la más completa. Para mí, la mejor junto con ‘Miller’s Crossing’. Una historia aparentemente sencilla que se va complicando por momentos, cuando los personajes, atípicos, comienzan a interactuar entre ellos en busca de algo grande que los saque de la normalidad, violencia, tragedia, reflexión y mucho humor negro. A destacar el gran nivel de las interpretaciones, brillando intensamente William H. Macy, Steve Buscemi y McDormand, y la banda sonora de Carter Burwell, of course. Momento memorable: Buscemi y Peter Stormare, terribles delincuentes, cometen un secuestro 100% Coen.

• ‘El gran Lebowski’ (‘The Big Lebowski’, 1998)

Confirmó a los Coen como cineastas de culto. Aunque para culto el creado en torno al personaje interpretado (de forma genial) por Jeff Bridges, “The Dude” (“El Nota” en español), convertido en todo un icono popular e incluso en el origen de una religión. De hecho, éste es el título que tienes que defender, por encima de todos los demás de los Coen, si quieres ir de “friki” pero sin dejar de ser “cool”, ya me entiendes. Especialmente destacable, a mi modo de ver, por ser la comedia más redonda, más completa que han realizado, incluyendo de nuevo los elementos típicos de su cine, desde la trama a los personajes. De nuevo, estupenda banda sonora (con la famosa versión del Hotel California por los Gipsy Kings) y aún más estupendas interpretaciones (con hueco para dos gigantes como Julianne Moore o Philip Seymour Hoffman). Momento memorable: John Turturro entra en escena y se encara con Bridges, John Goodman y Steve Buscemi.

Adam Sandler vuelve con lo mismo. Este cómico estadounidense repite la fórmula con la que más éxito de taquilla (que no de crítica) obtiene. Y ahora, de nuevo de la mano de Dennis Dugan (tras la espantosa ‘Yo os declaro marido y marido’), protagoniza un film que se encuentra libre de toda pretensión, y que de ninguna manera se dirige a espectadores que busquen en ella más que un rato de evasión, humor vulgar y en definitiva, entretenimiento.

Zohan (Sandler) es un superagente israelí, una suerte de macho-alfa cuyo mayor reto es capturar al Fantasma (John Turturro), un terrorista mediático. Cuando es dado por muerto tras una lucha con éste, aprovecha la ocasión para materializar lo que siempre ha sido su sueño: viajar a EEUU y convertirse en estilista. Tras varias desavenencias, consigue empezar a trabajar en el salón de belleza de Dalia (Emmanuelle Chriqui), una atractiva palestina.

La principal novedad respecto a otras chorradas que ha protagonizado Sandler, es que viene con una propuesta menos vacua (es un decir), y ciertamente estar acompañado en el reparto por el gran Turturro y Chriqui, es infinitamente mejor que, por ejemplo, con Kevin James y Jessica Biel. ‘Zohan: Licencia para peinar’ (como siempre, en nuestro país se lucen con el dichoso título) es un canto al humor zafio, a aquel de “caca-culo-pedo-pis” que siempre, por desgracia, funciona. A pesar de esto, su tono carente de complejos la hace sorprendentemente disfrutable, en cuanto a que lo que muchas veces (hablo de la filmografía de Sandler) ha sido gags antipáticos, aquí son más llevaderos, más comprensivos con la paciencia del espectador. Me atrevería a decir que el hecho de que Judd Apatow esté en los créditos como guionista, es un punto a favor considerablemente evidente.

En cuanto a Sandler, es un tipo que defiendo y seguiré defendiendo. A pesar de que aparece en un truño tras otro, siempre va a contar con una segunda oportunidad por mi parte. En ‘Embriagado de Amor’, la marciana comedia romántica de Paul Thomas Anderson, demuestra que con una buena dirección de actores, sus limitados recursos actorales pueden sentar bien en pantalla. Lo mismo digo si hablamos de ‘En algún lugar de la memoria’. En la película que nos ocupa, su registro cómico está bien aprovechado, porque aquí cuenta con un look no convencional, y ha de tener diálogos con un acento exótico (no sé cómo habrá quedado en la versión doblada; en V.O. queda gracioso).

Por supuesto, no podía faltar el colega Rob Schneider, en el papel más logrado que le he visto en comedietas de este calibre. Y es que Schneider hace un personaje cargadísimo de tópicos (taxista árabe, para qué queremos saber más), pero que asombrosamente divierte. De Emanuelle Chriqui no tengo mucho que decir. Me agrada que esté en pantalla, aunque como comprenderán, es más por mi condición de heterosexual que por la interpretación que ésta realiza.

Como ya saben, hay muchos chistes, que tienen como referencia, por lo general, en ‘Agárralo como puedas’, sobretodo porque Zohan es un agente secreto casi infalible, que en algunos aspectos se parece al personaje de Leslie Nielsen. De todas formas, la influencia principal es sin duda ‘Borat’, ese personaje de Kazajstán construido por el cómico británico Sacha Baron Cohen. Algunos gags son calcaditos, en cuanto a la adaptación de Zohan al “país de los sueños” que pretende ser EEUU. Los chistes pueden hacernos reír o no, pero desde luego hasta el más escéptico puede quedarse perplejo al darse cuenta de que la película no le está desagradando tanto como pensaba. Le dará vergüenza reconocerlo, pero así será: la hora y cuarenta minutos que dura el film no se le hará tan insoportablemente tediosa como suele ocurrir con las películas de Sandler. Y en la segunda mitad, cuando reaparece Turturro, la cosa mejora notablemente. Aparece Mariah Carey en un papel autoparódico, pero está ciertamente desaprovechado. Lo peor es la moralina del sueño americano que se intenta inculcar, donde parece que en EEUU todo el mundo ha de llevarse bien, por mucho que uno sea palestino y el otro israelí. Se agradece el intento, de todas maneras, porque por lo menos refleja una sana intención de relajar la tensa visión que se suele tener de este conflicto.

En otras palabras: ‘Zohan: Licencia para peinar’, con un argumento absurdo y un desarrollo surrealista, cansino y predecible, golpea a nuestros prejuicios, no chirría tanto, y se deja ver. Lo cual ya es mucho decir. Si encima entretiene, aunque sea con el himno a la vulgaridad que constituye, ya está por encima de bastantes pseudo-comedias que desde luego flaquean muchísimo en cuanto a calidad. El entregado protagonismo de Sandler es positivo.

En Blogdecine:

• ‘Zohan, licencia para peinar’, una comedia más destartalada que descerebrada

El día 22 de agosto se estrena ‘Zohan, licencia para peinar’, título que se ha dado a ‘You Don’t Mess With The Zohan’ (nadie se mete con Zohan). La película está protagonizada por Adam Sandler y John Turturro. El guión es de Adam Sandler, Robert Smigel y Judd Apatow y la dirección de Dennis Dugan.

Zohan es un agente contraterrorista israelí que guarda una enorme arma bajo su ajustado traje de baño, aunque no se trata de lo que todo el mundo piensa. Zohan está harto de combatir en una lucha que no tiene fin y decide emigrar a EE. UU. para ser estilista en el salón de belleza de su ídolo.

‘Zohan, licencia para peinar’ es una comedia a ratos absurda, a ratos zafia, a ratos tradicional, a ratos políticamente incorrecta, a ratos infantil, a ratos adulta… podría seguir. La densidad de bromas es tan constante que, por estadística, en alguna ocasión tienen que acertar y, de cada bloque de chistes, hay uno que te arranca una carcajada. Pero también encontramos muchos que son muy malos. Y la diferencia entre ellos no sólo está en que hagan gracia o no, también son de muy diferente tono unos de otros, quizá por tratarse de un guión escrito a seis manos.

Lo más divertido de ‘Zohan, licencia para peinar’ es el desenfado con el que se toma una cuestión que siempre se ha visto con una tremenda seriedad: el conflicto palestino-israelí. De todas las religiones y razas sobre las que se suele hacer mofa en el cine, la judía es la más intocable, probablemente porque en sus manos está casi todo Hollywood. Pero aquí no encuentran ningún problema con lanzar críticas a un bando, al otro y más aún, al hecho de que vivan en eterna liza ya que, como dicen en algún momento de la película, son muy parecidos. Las bromas políticamente incorrectas sobre los inmigrantes árabes y hebreos en Estados Unidos suponen los mejores momentos. También son cachondas las referencias a los peinados ochenteros y la actitud de Zohan con las clientas de la peluquería, pero estas situaciones se estiran demasiado y llega un momento en el que pierden gracia.

Adam Sandler ha escuchado el acento de Borat y ha visto el tremendo éxito del personaje y ha querido emular a Sacha Baron-Cohen en su manera de hablar, pero el resultado es mucho peor –no me refiero a la película, sino a lo gracioso que es escuchar hablar a uno y al otro—. Podría decirse que John Turturro, con apariciones mucho más esporádicas, tiene una mejor actuación en conjunto, pero quizá sólo porque se prodiga menos. Sandler está demasiado presente en todas las escenas y, aunque no se pueda negar que tiene gracia, no puede provocar risas en todo momento haciendo siempre lo mismo.

Es obvio que los guionistas no tenían la más mínima intención de contar una historia, sino simplemente de encontrar un marco y una excusa para dar rienda suelta a las situaciones teóricamente hilarantes. Pero incluso aunque el argumento sea lo de menos, no se puede omitir que está muy mal construido, con un inicio que se hace demasiado largo para hacia el final presentar dos conflictos –aquí también se aprecia que probablemente no sabían bien hacia dónde enfocar el guión— y resolverlos de cualquier forma. La trama romántica funciona más aún como un pegote que el resto de las historias y se ve venir sin por ello presentar ni un atisbo de tensión sexual o amorosa.

Habría que saber de qué guionista viene cada tipo de humor. Probablemente el más ácido y político sea Robert Smigel, curtido en el Saturday Night Live. Os hablé mucho de Judd Apatow, pero nunca dije que fuese infalible, sólo que era un nombre que hoy en día había que conocer. En este caso, es bastante probable que sus chistes sean los subidos de tono. Y los de Sandler serán aquellos que más lo explotan como intérprete. Quizá yendo sólo en una de estas tres direcciones, el resultado sería superior.

En general, parece que con ‘Zohan, licencia para peinar’ los autores han tratado de crear una nueva comedia disparatada y descerebrada, pero sobraban cerebros en lugar de faltar y el film se ha quedado simplemente en una comedia destartalada. Las intenciones están ahí, las posibilidades también, pero no termina de ser algo desternillante.

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