Si la analizamos detenidamente, la legendaria carrera de Howard Hawks (1896-1977) no es tan dilatada en títulos como en el caso de otros maestros contemporáneos suyos. Es decir, en comparación con la filmografía de cualquier director prolífico de la actualidad, sí fue fecunda, pero no si tenemos cuenta que en los años treinta y cuarenta los sistemas de producción de Hollywood permitían a un cineasta de renombre filmar dos o tres películas en un año. Durante los años treinta, aún sin estar bajo contrato de ningún estudio, o quizá precisamente por ello, filmó nada menos que trece largometrajes, más tres sin acreditar. En los años cuarenta, nueve largos, más dos dos sin acreditar. Y en los años cincuenta siete. Aún así no da la sensación de que su genio creativo se fuera apagando con el tiempo, sino que en una sola película contaba lo que antes en tres, y que depuraba su estilo con pasos de gigante. Hoy vamos a hablar de la primera de las cuatro que hizo en los sesenta, y probablemente la película mas libre y más eufórica de toda su impresionante trayectoria.

Film compendio, o film resumen, de toda una vida respirando por y para el cine, ‘Hatari!’ (‘¡Hatari!’, 1962) es perfecta para este Ciclo: Gran Cine de Aventuras, porque a su modo, en cuanto a aventura africana (y aún a pesar de los pocos peros que le pondré), signfica tanto como la aventura exótica y fantasiosa significó ‘King Kong’ (íd, Cooper/Schoedsack, 1933), en la marina ‘El hidalgo de los mares’ (‘Captain Horatio Hornblower R.N.’, Walsh, 1951) o en la oriental ‘El ladrón de Bagdad’ (‘The Thief of Bagdad’, Berger/Powell/Whelan/Korda/Korda/Cameron Menzies, 1940), sobre todo en la construcción de una excusa argumentativa para, desde el género más comprensivo y generoso de todos, el de la aventura, reflexionar sobre los límites y también las grandes potencias del hombre. Mucho más que en cualquiera comentada hasta ahora en este ciclo, esta película es una historia de hombres, cuya vida se ve alterada en todos los niveles por la presencia de una mujer arrolladora, tema que Hawks ya trató en su cine en numerosas ocasiones. Pero todos sus temas están aquí revisionados, a modo de gran homenaje a sí mismo.

Dicen que Hawks, ya bastante maduro, viendo los cambios que se avecinaban durante los sesenta en el mundo del cine, se fue de Hollywood a refugiarse en una de sus pasiones, la caza. Me parece reduccionista y simplista. Hawks simplemente, creo yo, se largó de una ciudad que en el fondo amaba para respirar quizá por última vez la vida salvaje en su estado más puro, en compañía de sus más íntimos amigos y, de paso, filmar una de sus películas más hermosas y libérrimas. La palabra libertad, en todas sus acepciones y variantes, puede y debe aplicarse numerosas veces respecto a esta película, en todas sus secuencias, y también otras como camaradería, lealtad, humor, humanidad, luminosidad. Rodeado de un equipo magnífico, como si de otro de sus maravillosos westerns se tratase, pero prescindiendo de su halo trágico, el director nos regala una joya aparentemente lúdica, pero profundamente nostálgica y hasta melancólica, con la sonrisa perenne y el adiós a punto de amanecer, con la celebración de la risa, de la aventura, del romance y de la amistad.

¡Peligro!

Eso es lo que significa Hatari en el idioma swahili, y realmente se siente su significado en las escenas impresionantes de caza. Filmada en preciosos parajes naturales de Tanganica, sus secuencias de acción se sostienen hoy en día gracias a la destreza narrativa de Hawks, a su gusto por la sensorialidad extrema, y al soberbio trabajo de fotografía y cámara de su gran amigo Russell Harlan, en su penúltimo trabajo para Hawks. Sin el menor trucaje, el dinamismo y la violencia de las escenas en las que el grupo de amigos atrapan a los animales salvajes para venderlos a zoológicos son válidas para cualquier espectador de hoy día. Eso sí, se aprecia una cierta visión ingenua y anticuada tanto de los habitantes milenarios como de los animales del África más profunda. Muchos echan en cara a la película todo esto. Pero no es una película sobre África, es una película sobre la relación entre una serie de personajes (a cual mejor dibujado, más estrambótico y lleno de vida), y sobre la irrupción de un componente femino que va a resquebrajar la jerarquía de mando, y cada idea preconcebida sobre la mujer erosionada.

Tan célebre es la música del sinpar Henry Mancini (se promocionó su música como algo realmente especial, y lo era) como cualquiera de los encontronazos, pura batalla de sexos, entre Sean Mercer (un John Wayne magnífico, increíblemente natural y ajeno a todo divismo) y la sensual Anna Maria ‘Dallas’ D’Allesandro (fantástica Elsa Martinelli, una actriz que podría haber dado bastante más de sí misma), o los muchos momentos cómicos protagonizados por cualquier miembro del inolvidable grupo de cazadores, hombres que son como niños ante una mujer, y luego salen a enfrentarse a rinocerontes que les destrozan los jeeps en cuanto se acercan. Sus dos horas y cuarenta minutos de duración, que se dice pronto, se pasan como un suspiro gracias al habilidoso guión de la guionista Leigh Brackett, la preferida de Hawks, que supo recoger en gran medida la dinámica de las relaciones verdaderas entre los actores y el ambiente de rodaje, para transmitirlo en la pantalla, vertebrando con sabiduría las escenas de caza y procurándole a Hawks un tono con el que el genio de Indiana pudo sentirse tan a gusto que parece que, más que filmar, simplemente observa.

Conclusión a una aventura redonda

Cuando se estrenó esta película, Hawks ya empezaba a gozar del prestigio que le dedicaban desde las páginas de Cahiers du cinéma, pero nunca dejó de sentirse un outsider, un tipo fuera de lugar. Para ser un director que contaba con obras maestras en la comedia, el cine negro, el western y el cine de aventuras en general, sin duda su soledad y su tormento interior, su enorme sensibilidad, le sirvieron para convertirse en el director venerado que es hoy día. Con ‘¡Hatari!’ consiguió hacer un western sin pistoleros, una comedia sin chistes, un cine negro de sentimientos encontrados. Sin duda, uno de los grandes, Hawks. En el próximo capítulo de este ciclo, precisamente un western, aunque muy distinto a los que él filmó en las cuatro últimas décadas de su filmografía.

Ciclo Gran Cine de Aventuras

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Iniciamos hoy el ciclo western con una película que en principio no debía ser comentada hasta mucho más adelante, pues pretendo seguir cierto orden. El estreno esta semana de un western producido nada más y nada menos que por Steven Spielberg, ‘Valor de ley (True Grit)’, me obliga en cierto modo a estrenar el ciclo con la película de la que los hermanos Coen dicen que no han hecho un remake, sino una nueva adaptación de la novela en la que se inspira. La obra de Charles Portis, un bestseller en los años 60, sirvió de base a la veterana Marguerite Roberts para servir en bandeja a John Wayne y Henry Hathaway la oportunidad de legarnos uno de sus films más recordados, y por el que el mítico actor ganó el único Oscar de su larga carrera. Intérprete y realizador ya habían trabajado juntos en varias ocasiones, siendo Hathaway uno de los directores con los que mejor se entendió Wayne, al lado de John Ford o Howard Hawks.

Estamos a finales de los años 60, el cine cambia a marchas forzadas, y en concreto el western que gira hacia un tono crepuscular, como preámbulo a su agonía, la cual sigue sufriendo a día de hoy. Sergio Leone y Sam Peckinpah formulaban el nuevo camino del género con dos de sus obras magnas: ‘Hasta que llegó su hora’ (‘C’era una volta il West’, 1968) y ‘Grupo salvaje’ (‘The Wild Bunch’, 1969), estrenada ésta última sólo una semana después del film de Hathaway. Pero ‘Valor de ley’ no tiene apenas que ver con los dos films mencionados, sino más bien recoge algo del Ford y Hawks otoñales, con los que comparte cierta esencia generacional, abriéndose camino hacia los horizontes de la modernidad, algo que Hathaway subrayaba en sus films de esa década. Su naturaleza empírica le llevó a realizar mezclas de géneros en sus últimos westerns, tal es el caso del film que no ocupa o de ‘Alaska, tierra de oro’ (‘North to Alaska’, 1960) o ‘El póker de la muerte’ (‘5 Car Stud’, 1968).

La historia de ‘Valor de ley’ es un relato de venganza principalmente. La que desea cumplir Mattie Ross (Kim Darby) hacia Tom Chaney (Jeff Corey), el hombre que asesinó a sangre fría al padre de Mattie. Para ello buscará la ayuda del marshall “Rooster” Cogburn (John Wayne), un agente de la ley con serios problemas con el alcohol y de gatillo fácil, a quien ofrece 100 dólares por captura a Chaney para que sea ahorcado públicamente ante la justicia. Cogburn aceptará el dinero y se aliará con un cazarrecompensas, La Boeuf (Glenn Campbell), que busca Chaney por otro delito. Mattie pondrá todo su empeño en acompañar a los dos hombres, a pesar de que el viaje estará lleno de peligros. De caracteres totalmente distintos, formarán un singular equipo, condenados a entenderse entre ellos, y sobre todo a necesitarse llegado el momento de la verdad.

Una de las cosas que más llaman la atención es la sequedad con la que Hathaway filma su película, y al mismo tiempo la llena de detalles. El inicio va directo al grano. Tras una muy breve presentación de la familia de Mattie, en la que su padre se marcha a la ciudad, el director corta a una partida de póker en la que Tom Chaney, borracho, se altera porque cree que le han engañado. El padre de Mattie le aleja de allí para evitar que se meta en líos, pero Chaney, un hombre cobarde por naturaleza dispara a bocajarro contra el que se suponía su amigo. Apenas cinco minutos y el conflicto ha sido creado. Breve e intenso de la misma forma en la que Hathaway cierra su obra: tras una también corta despedida, en la que no sobra ni falta una sola línea de diálogo, Cogburn se despide de Mattie y salta con su caballo una valla. Los títulos de crédito finales suben sobre una imagen congelada de Wayne al galope. Un tributo a la propia imagen del actor y su relación con el western.

Y es que ‘Valor de ley’, además de una muy fiel adaptación de la novela, tanto que durante su primera hora es punto por punto la misma, es también una especie de homenaje a la idiosincrasia ya no sólo del western —con una gran capacidad de abstracción—, sino con la del propio John Wayne. El Oscar recibido por el actor puede parecer en cierto modo un premio a su carrera más que a su interpretación. Wayne sólo fue nominado dos veces en su vida a tan ansiado galardón, por la presente y veinte años antes por ‘Arenas sangrientas’ (‘Sands of Iwo Jima’, Allan Dwan, 1949), lo cual demuestra que en la Academia de Hollywood nunca han hecho bien las cosas, pero ése es otro tema. Estoy de acuerdo en que el premio parece de consolación, y sin embargo también es merecido, pues Wayne hace gala de una contención pocas veces exhibida en su filmografía. Atención al instante nocturno —espléndidamente fotografiado por Lucien Ballard, que ese año se luciría con las fotografías de la presente y el mencionado film de Peckinpah— en el que Cogburn se sincera con Mattie y le habla de la familia que tuvo.

La compenetración de Wayne con Kim Darby, quien sortea con habilidad el histrionismo, es perfecta. Más allá de la relación paterno filial, que nunca cae en lo evidente o el subrayado, se intuye de lejos una imposible historia de amor. Cogburn es un hombre demasiado mayor ya para amar, y Mattie una chiquilla, pero ambos pertenecen a otro tiempo, que se desvanece a pasos agigantados: al de los viejos pistoleros y los hombres rudos, en el que también había sitio para mujeres decididas y fuertes, todo lo que es Mattie. Personajes en cierto modo desencajados del mundo y que Hathaway trata con naturalidad y entereza, muy por encima del resto de personajes secundarios, que deja en manos de un excelente plantel de intérpretes, desde Strother Martin, que protagoniza un divertido episodio con Mattie, en el que queda claro que discutir con la muchacha es tiempo perdido, hasta Robert Duvall, que da vida a uno de los villanos de la función, muy bien caracterizado, y Dennis Hopper, al que vemos en un pequeño papel en un instante lleno de una violencia terrible, pasando por Glenn Campbell, cantante de country, en una operación similar a la realizada por Howard Hawks en ‘Río bravo’ con la presencia de Ricky Nelson.

Mezclando lo viejo y lo nuevo, tal y como demuestran muchas de las grandes obras de Henry Hathaway —director no siempre valorado en su justa medida, aún a pesar de haber firmado una obra de arte inmortal como ‘Sueño de amor eterno’ (‘Peter Ibbetson’, 1935)—, ‘Valor de ley’ no ha perdido ni un sólo ápice de su frescura. Probablemente su extraña fuerza reside en mirar de frente al pasado y al futuro, sin ningún tipo de rubor, atreviéndose además a matizar algunos detalles de forma asombrosa. Sólo me hace falta citar dos: la ejecución en la plaza del pueblo de unos delincuentes en la horca, que Hathaway filma introduciendo en el mismo plano a los condenados y a niños jugando en primer plano; y toda la entereza de Mattie que se viene abajo, cuando en la habitación de un lleno hotel llora con un reloj de pulsera que era de su padre, en silencio, sin que nadie la vea, y al son de una bella melodía de Elmer Bernstein. Si eso no es gran cine y no merece la pena hablar de ello, que se pare el mundo, que me bajo.

“Es un buen, tranquilo, pacífico hombre, que ha vuelto a casa a olvidar sus problemas. Por supuesto, es un millonario, como todos los yankees. ¡Pero es excéntrico! ¡Oooh, muy excéntrico! Esperad, os enseñaré...su bolsa para dormir. Un saco para dormir, lo llama. Esperad, os enseñaré cómo funciona”.

-Michaleen Flynn

Opino, sinceramente, que el cine de John Ford es una de las expresiones artísticas más abiertamente vivificadoras y rejuvenecedoras que existen, porque Ford, un pesimista incurable, era también un nostálgico arrebatado, y sólo los nostálgicos saben recordar dónde se encuentra el paraíso perdido. El paraíso para Ford, claro, es Irlanda, la Isla Esmeralda, de dónde provenían sus padres (pues él nació en Cabo Elizabeth, Maine, el 1 de Febrero de 1894), a donde regresa después de muchos años para este rodaje, tal como regresa su protagonista, el inolvidable, terco, nostálgico y honrado Sean Thornton.

Y regresó a Irlanda para filmar una de sus más bellas, libres, divertidas y excepcionales películas, quizá la más personal y la más humana de todas las suyas, y eso, en la dilatada y fascinante carrera del realizador, es mucho decir. La historia de un hombre pacífico, o tranquilo, que quiere olvidar su terrible y doloroso pasado, un pasado que no deja de atormentarle, volviendo a las raíces, al lugar que le vio nacer (no en vano la casa se llama Blanca Mañana), tal vez para morir allí. La belleza, la serenidad y la ironía, corren inseparables en este relato de redención.

Un cierto carácter irlandés

El comienzo es muy expresivo. A un pequeño pueblo irlandés llega un tren, tren en el que viaja Sean Thornton (impecable John Wayne), quien pregunta por la forma de llegar a Innisfree, aunque los lugareños iniciarán una discusión que nada tendrá que ver. No se sabe cómo, una indicación geográfica deriva en un debate sobre dónde se pesca mejor. Este momento hilarante es al mismo tiempo ilustrativo de un cierto carácter alejado del imperante en Estados Unidos (entonces y ahora), y ya establece el choque inevitable entre dos mundos: el de Sean y el de su propia niñez. Toda la película será un viaje para regresar a la infancia.

La aparición de esa creación extraordinaria de Michaleen Flynn (perfecto Barry Fitzgerald) sacará del apuro a Sean. Esta es una de esas creaciones de puesta en escena inalcanzables para los mortales: Flynn no conoce a Sean, pero le ayuda y le ofrece un carruaje. Este es un hecho aparentemente incoherente, y que se rebela contra cualquier intento de coherencia narrativa. Pero lo aceptamos de manera inconsciente, y precisamente porque poco después Flynn se enterará de quién es. Es decir, como un recuerdo olvidado y de pronto cristalizado. Es bellísimo. Como bellísimo es cuando Sean observa su casa natal desde un puente de piedra, que se alza sobre un arroyo de ensueño, y se oye la voz de su madre, un recuerdo preciado, enmarcado por la lírica música de Victor Young.

No tardaremos en conocer al reverendo Peter Lonergan (Ward Bond, tan chabacano y entrañable como siempre, amigo personal de Ford, como Wayne, con quienes se corría unas juergas de escándalo) y, claro, a Mary Kate Danaher (preciosa e irascible Maureen O’Hara) que es algo así como una aparición, guiando a sus ovejas entre un bosque que es como un sueño hecho realidad (y cómo recuerda a este momento la aparición de Pocahontas en la hermosa ‘El nuevo mundo’), una relación que va a recordar mucho a ‘La fierecilla domada’ (la filmografía de Ford contiene numerosas alusiones a la literatura de William Shakespeare).

Desde que ambos se conocen, actuarán como si nunca hubieran sido desconocidos el uno para el otro (al igual que le ocurrió a Michaleen) tal como si la vida de Sean, antes de volver, hubiera sido falsa. Eso no significa que se lleven bien, claro. Ford establece una serie de significados poéticos a los cuatro elementos de la naturaleza, en la relación que mantienen ambos. Así, el agua se relacionará con el sexo. Cuando Sean se la encuentra de nuevo en la Iglesia, cogerá agua bendita con la mano para que ella se persigne desde allí. Una imagen al mismo tiempo tierna y de moral ambigua. Mary Kate no cometería semejante acto si Sean no la atrajera sexualmente. Es una imagen muy poderosa.

El hermano de Mary Kate, Will (interpretado por un actor tan fordiano como Victor McLaglen, que se llevó el Oscar por ‘El delator’ y estuvo nominado como secundario en esta) será la némesis, siempre divertida, de Sean. Una especie de reflejo grotesco de sí mismo, que apunta en su lista negra los nombres de los que no le caen bien. Su aparición es fulminante, acompañado de esa sirvienta anciana que es un toque de humor tan grato a Ford. Un hombre vulgar y altivo que, sin embargo, terminará revelándose, como el mejor de los folletines, un buen amigo para Sean. Porque al final no es más que un niño, y la rivalidad entre los dos es un juego de niños regido por normas sociales invisibles aunque implacables.

Normas sociales que Sean tendrá que aprender si quiere vivir en armonía con su pasado, es decir, con el pueblo. Las normas sociales como llave para alcanzar la serenidad interior. Comienza por invitar a todos los presentes del Cohan, y después ignorando las provocaciones de Will Danaher, algo que provocará la curiosidad del respetable, aunque ambos se darán un apretón de manos bastante…ortodoxo. Será el comienzo de una historia de violencia no consumada, en parte por su tortuoso pasado, simbolizado por el fuego, aunque también por el viento, que le impide casi avanzar hacia su reencuentro con Blanca Mañana. Un viento también presente en ese beso tan recordado (homenajeado en ‘E.T.’), y de nuevo presente en el segundo beso, cuando se abre la puerta y lo deja entrar. Esta es una película de puertas. Las puertas del corazón.

El peso de la tradición

Y de todas las llaves sociales que tendrá que aprender Sean, la del noviazgo previo al casamiento será el más importante, aunque no el último. El casamentero Michaleen (que funciona también como duende casi mágico y bufón) propondrá el acuerdo de futuro matrimonio, y así conoceremos la importancia que la dote (una especie de regalo que hacían las familias con hijas a los que las desposaran) tiene para Mary Kate, aunque Sean no está de acuerdo con recibir esa dote. Es un tema muy complejo y muy bien tratado. Mary Kate y su dote son inseparables, son uno. Significan los recuerdos familiares, y la perpetuación de una tradición. A él no le importaría que acudiese desnuda a su casa (literal, y una imagen muy sensual, como toda la película), porque todavía no comprende el tema de la dote, es decir, no comprende a Mary Kate.

Por supuesto Will Danaher se opone a la boda, pero le engañarán con una maniobra arriesgada que propiciará finalmente el noviazgo (alterado por una huída a través de un río, y culminado por un beso en la lluvia, de nuevo el agua como símbolo sexual), aunque la divertida boda terminará de forma violenta por el descubrimiento por parte de Will del engaño, y la retirada de la dote. Desde entonces faltará algo en ese matrimonio, que exigirá de la violencia, origen de la tragedia de Thornton, para recuperarla.

Buena prueba de ello es la imagen en que ella enciende el cigarro de él. Viene a ser entregar el fuego de una violencia que él rechaza, pero que es parte indisoluble de la sociedad. El uso de esa violencia será el catalizador de la superación de la antigua violencia, basada en la avaricia y la ambición. No toda la violencia es igual, o es mala. Sólo nosotros somos malvados o bondadosos. La violencia que emplea para recuperar la dote y a Mary Kate (después de abrir, literalmente, numerosas puertas…) es la aceptación de las reglas del juego y el inicio de la amistad con Danaher. Una larga pelea, violenta pero cómica, casi un renacer.

Majestuosamente fotografiada por Winton C. Hoch, y con guión del habitual fordiano Frank S. Nugent, ‘El hombre tranquilo’ es una compleja historia de constumbrismo y redención, quizá la obra maestra entre las obras maestras de John Ford.

‘Resacón en Las Vegas’

Sinopsis: ‘Resacón en Las Vegas’ (The Hangover) es la historia de una desmadrada despedida de soltero en la que el futuro novio y sus tres amigos, dos días antes de la boda, se montan la juerga padre en Las Vegas. Doug (Justin Bartha) viaja a la ciudad del juego con sus mejores amigos Phil (Bradley Cooper) y Stu (Ed Helms), así como su futuro cuñado Alan (Zach Galifianakis). La juerga es de campeonato y, como era de esperar, a la mañana siguiente tienen una resaca monumental. El problema es que, siendo incapaces de recordar nada de lo ocurrido durante la noche anterior, se encuentran con que el prometido ha desaparecido, topándose en su lugar con otras dos sorpresas en la suite del hotel: un tigre y un bebé.

Una de las comedias más taquilleras (signo de calidad según algunos castores) y mejor valoradas de los últimos años, aunque a mí no me pareció gran cosa; ‘Old School’ (‘Aquellas juergas universitarias’), del mismo director, es bastante mejor. El DVD incluye tomas falsas y un par de reportajes. Una compra recomendable para los que creen que el cine más divertido es el que se hace ahora.

Críticas de la película en Blogdecine:

‘Resacón en Las Vegas’, rebelándose contra la madurez
‘Resacón en Las Vegas’, rejuveneciendo la comedia

‘Agallas’

Sinopsis: Sebastián, un delincuente de poca monta recién salido de prisión, decide buscar empleo en una pequeña empresa de Galicia. Pero no por vocación desde luego, sino porque algo le dice que el dueño de la empresa, Regueira, no se ha pagado el Jaguar con cangrejos. Mediante una astucia, se hace amigo de un encargado, Raúl, y consigue que le contraten. Regueira se lo cree sólo a medias, pero comprueba muy rápidamente que aquel joven de dientes mellados tiene agallas y decide convertirlo en su ayudante. Poco a poco, Sebas cambia de aspecto, se gana ropa nueva, nuevos dientes y sobre todo la confianza de su jefe. Parecerá haber llegado a la cumbre… o casi. Pero, Sebastián, tan listo y despiadado, ignora que forma parte de un juego que le supera.

Una comedia negra que se vendió como un thriller gangsteril para lucimiento del ídolo de las adolescentes Hugo Silva. En realidad, el que sale mejor parado es un excelente Carmelo Gómez, que consigue que a ratos la película resulte entretenida. Bastante ingenua, con demasiados momentos ridículos, se queda en bastante menos de lo que pudo haber sido. El DVD incluye un “cómo se hizo” y un videoclip con Silva cantando el tema central del film, con karaoke para que sus fans mojen la ropa.

Crítica de la película en Blogdecine:

‘Agallas’, mafiosos de pacotilla

‘Crank: Alto Voltaje’

Sinopsis: En esta segunda parte, Jason Statham se enfrenta a un mafioso chino que ha robado su corazón y lo ha sustituido por un artefacto con batería que requiere frecuentes descargas de electricidad para continuar funcionando.

Semejante sinopsis sólo sorprenderá a los que hayan tenido la suerte de no sufrir la demencial ‘Crank’ (2006), la primera vez que los directores Mark Neveldine y Brian Taylor atentaron al séptimo arte (‘Gamer’, estrenada el pasado 2009, es otro de sus productos). Una “película” sólo apta para los que disfrutaron con la anterior. El DVD incluye comentarios de los terroristas y un cómo se hizo.

‘La Jungla de Asfalto’

Sinopsis: Doc Erwin Riedenschneider (Sam Jaffe), un cerebro del crimen recién salido de la cárcel, trama el robo de una joyería para hacerse con un botín de un millón de dólares. Buscando apoyo financiero, propone la idea al abogado corrupto Alonzo D. Emmerich (Louis Calhern) a través del corredor de apuestas Cobb (Marc Lawrence). Para poner el plan en marcha cuentan con la ayuda del experto en cajas fuertes Louis Ciavelli (Anthony Caruso), el chofer Gus Minissi (James Whitmore) y el matón Dix Handley (Sterling Hayden). El éxito del atraco se verá truncado por Emmerich quien, arruinado, intentará apoderarse de las joyas robadas y huir con su joven amante Angela Phinlay (Marilyn Monroe).

Dirigida por el gran John Huston (‘El halcón maltés’, ‘El tesoro de Sierra Madre’), es una de las grandes joyas del cine negro norteamericano. De bella factura y con un guión fantástico, es una compra obligada para todo cinéfilo. Siempre y cuando no la tuviera ya, porque esta edición viene a sustituir otra anterior, de 2006, que al menos traía un libreto con información sobre el film. La nueva no trae nada, ni unas disculpas.

‘Jornada Desesperada’

Sinopsis: Errol Flynn y Ronald Reagan en un conmovedor drama cargado de acción de la Segunda Guerra Mundial. Un equipo de bombarderos de R.A.F., obligados a aterrizar en Alemania después de una exitosa incursión realizada por el comando, luchan para poder regresar a Inglaterra atravesando el corazón de Berlín. Mientras tanto, la Gestapo monta la mayor caza nunca antes vista por los campos de prisioneros, trenes hospitalarios y fábricas de municiones, los cinco fugitivos dejan un rastro de muerte y destrucción durante sus viajes desesperados hacia la frontera holandesa y sus libertades.

Una de las películas en las que Raoul Walsh dirigió a Errol Flynn (también juntos en ‘Murieron con las Botas Puestas’ o ‘Río de plata’, en venta desde la semana pasada). El gélido Reagan echa para atrás, pero sólo por Walsh ya tiene la etiqueta de imprescindible. Lástima que la edición, como la de tantos clásicos, sea tan seca.

‘No Eran Imprescindibles’

Sinopsis: Durante la campaña del Pacífico, una heroica compañía americana lucha contra el avance de las fuerzas japonesas en Filipinas, perdiendo cada vez más terreno. Dos oficiales de lanchas torpederas, en contra de la opinión de sus superiores, intentarán frenar el avance utilizando las viejas embarcaciones contra los barcos nipones.

Una de tantas en las que John Wayne fue dirigido por John Ford, uno de los nombres fundamentales en la Historia del cine (‘Las uvas de la ira’, ‘Centauros del desierto’). El film se sitúa en la época de la II Guerra Mundial, pero en lugar de contar una gran victoria, homenajea a los soldados que lucharon durante los primeros meses, en misiones menos populares. Compra obligada. También podéis regalársela a los fans de Stallone, diciéndoles que ‘The Expendables’ es un remake de ésta; puede ser divertido.

‘La Muchacha del Trapecio Rojo’

Sinopsis: Biopic de Evelyn Nesbit, una joven corista que, en el Nueva York de principios del siglo XX, realiza un número bastante comentado sobre un trapecio. Al paso de los años, la encontramos casada con un celoso millonario que no puede soportar los romances que tuvo su esposa en esa etapa disoluta de su vida.

Ray Milland, Farley Granger y Joan Collins al frente del reparto, y Richard Fleischer (‘Impulso criminal’, ‘El estrangulador de Boston’) tras las cámaras, en un dramático relato basado en hechos reales. Otra que hay que apuntarse. El DVD incluye la típica galería fotográfica (mira que son ratas hasta con esto, un puñado de fotos y ala, ¿para qué más?) y las habituales fichas informativas. Lo de siempre.

‘A Través de la Noche’

Sinopsis: Gloves Donahue está demasiado ocupado mirando la línea inicial de las carreras de caballos de Saratoga o buscando la forma de hacerse con una gran cantidad de dinero. Pero cuando alguien elimina al panadero viejecito que prepara la tarta de queso preferida de Gloves, ¡se desata la guerra! Humphrey Bogart disfrutó de este cambio de personaje que le supuso Gloves, y la diversión es contagiosa en esta parodia que le enfrentará a espías nazis.

Película inédita en España, así que su salida en DVD es una gran oportunidad para todo cinéfilo, especialmente para los seguidores del mítico Bogart (entre los que me incluyo), que parece que aquí realiza una interpretación muy peculiar. A destacar también la presencia de Conrad Veidt y Peter Lorre, en roles secundarios. La edición del DVD, como el anterior.

‘Pasaje a Marsella’

Sinopsis: Un francés que lucha en las fuerzas aéreas con base en Gran Bretaña confiesa, después de ser presionado, que ha escapado de la Isla del Diablo y en realidad quiere volver a Francia. Por otro lado, un periodista que está indagando sobre la guerra en el bando de los aliados descubre oscuros intereses militares.

Otra película protagonizada por Humphrey Bogart que sale a la venta en nuestro país, y otra que acabará en mi estantería próximamente (voy a tener que empezar a jugar a la lotería, ¿alguien ha probado con los números de Lost?). Tras las cámaras, Michael Curtiz (‘El Capitán Blood’, ‘Casablanca’). Sin extras relevantes, olor a plástico.

‘Pinky’

Sinopsis: Patricia Johnson, más conocida como Pinky (Jeanne Crain), retorna después de años de estudio en la ciudad norteña de Boston en donde se graduó como enfermera, a la barriada de un pequeño pueblo del sur en donde todos sus habitantes son de raza negra. Ella, de raza blanca, pero con ascendencia negra, se encuentra con su abuela Dysey (Ethel Waters), la cual ha sufragado con mucho esfuerzo sus estudios. Poco después y tras un largo tiempo en el que ha pasado por blanca en la Universidad, conocerá el malsabor de volver a sentirse desplazada por la comunidad blanca, mayoritaria en la localidad.

Con Elia Kazan tras las cámaras (sustituyendo a John Ford, inicialmente previsto), podemos estar muy tranquilos. Se trata de un melodrama antiracial que adapta una novela de Cid Ricketts Summer, tan bien que sus tres actrices principales fueron nominadas al Oscar. El DVD viene pelado de contenidos extras.

Vía | ZonaDVD

Prosigue la cuesta de enero con un notorio desafío a estos tiempos de crisis en los que vivimos: la edición de ‘Hellboy II. El ejército dorado’ en todos los formatos imaginables (y no precisamente baratos). Si de ‘Gran Hermano’ aprendimos que la gente prefiere dejar de comer antes que gastar menos en cigarrillos, está claro que muchos militantes pagarán lo que Universal Pictures les exija por la última película de Guillermo del Toro. A su lado, los demás estrenos son bastante modestos.

‘Hellboy II: el ejército dorado’

Sin duda alguna, la estrella de los estrenos de esta semana es la publicación de la segunda parte de ‘Hellboy’, tanto en la edición de un disco, como en la edición especial de dos, como en la edición de coleccionista. Por supuesto, un pack titulado ‘Hellboy: la colección’ estaba llamado a existir, y Universal Pictures se ha puesto a ello, empaquetando la primera y la segunda parte de la saga dirigida por Guillermo del Toro con estética de libro antiguo y letras doradas.

La edición especial de coleccionista es, sin duda, la más atractiva, ya que además de los consabidos y generosos extras (making of de dos horas, el cuaderno del director, taller de producción, cámara de preproducción, campaña de marketing, escenas eliminadas con comentario opcional del director, recorrido por el mercado trolls con Guillermo del Toro, cómic animado del epílogo de Zinco y escenas inéditas) contiene una réplica del soldado de oro creado por Gentle Giant, un póster del mítico Drew Struzan, y el diario de producción de Guillermo del Toro.

La película nos narra la rebelión de las criaturas del mundo fantástico contra los habitantes de la tierra y de cómo Hellboy y su equipo tienen que salvar el mundo de este ataque. El guión no era el fuerte de un dibujante superdotado como Mike Mignola y, por supuesto, tampoco es lo más destacado de este díptico de Del Toro. El problema es que la traducción a imágenes está a siglos luz de los logros plásticos de Mignola, un señor que, nunca lo olvidemos, fue capaz de hacer una adaptación del ‘Drácula’ de Coppola todavía más sugerente y elegante que la cinematográfica.

De todas formas, la iconografía del cómic y de la película resultarán más que suficientes para satisfacer a muchos aficionados del fantástico, que es de lo que se trata.

Críticas de ‘Hellboy’ en Blogdecine:

• ‘Hellboy. El ejército dorado’, Guillermo del Toro se desmelena.

• Hellboy: El ejército dorado y un sinfín de criaturas innecesarias.

• ‘Hellboy 2. El ejército dorado’, mano libre para Del Toro.

• ‘Hellboy’, el hombre bajo la piel del demonio.

‘Bienvenido a Farewell Guttman’

El departamento de Recursos Humanos de la farmacéutica Farewell-Gutmann ha perdido a Ruiz, su abnegado director, pero Lázaro, Adela y Fernando no lo echarán en falta. Todavía caliente el cuerpo del difunto, sus subordinados inician la carrera por la sucesión. La llegada de un excéntrico ejecutivo procedente de la central cambiará para siempre las relaciones entre ellos.

Desde que la vi en el Festival de Málaga, supe que su paso por salas iba a ser fugaz: su apuesta visual descarnada, el minimalismo de la magnífica música de Mikel Salas, las interpretaciones magníficas con trabajados diálogos como de otra época… No son la fórmula ideal para la taquilla, pero sí se merece una segunda oportunidad en dvd, aunque lo más suculento de los extras sólo sea un making of. En mi crítica se puede conocer más sobre mi opinión.

‘Aprendiz de caballero’ (‘Virgin Territory’)

Hayden Christensen protagoniza esta película de duelos de espada, ricas herederas prometidas a condes rusos y todos los tópicos de aventuras imaginables en una película cuya principal razón de ser es entretener. Preferentemente, entretener un sábado por la tarde siendo vista en un dvd cuyos extras no vayan más allá de las consabidas entrevistas promocionales y el making of que vengan en un dossier de prensa al uso. Pero también es cierto que un sábado por la tarde no es el momento para curiosear entre secuencias eliminadas. Sólo Luisfer se atrevió a verla y ésta es su conclusión.

‘Crimen y castigo’

La adaptación fílmica de la obra literaria rusa más prestigiosa de todos los tiempos se acabó encarnando en un proyecto de serie B y exiguo presupuesto dirigido por el mítico esteta Josef Von Stenberg en el principio de su decadencia. La película es imperfecta, pero siempre despierta la curiosidad ver a Peter Lorre en un trabajo de gran calado psicológico (sin llegar a la maestría de ‘M, el vampiro de dusseldorf claro) y a Josef Von Stenberg recordándonos que aún no se había olvidado de todo el poderío visual que desplegó en sus películas con Marlene Dietrich.

Pack John Wayne

Ver una película como ‘Boinas verdes’ nos demuestra que John Wayne, antes que un excelente actor, era un hombre de carismático físico que tuvo la suerte de que directores superdotados supiesen sacar de él todo lo que había, y otro poco más. Y lo que él no tuviera, ya se lo aportarían encuadres majestuosos, una fotografía sublime y, en muchos casos, un dominio de la narración pasmoso. Por ese motivo, amalgamar películas bajo el epígrafe “John Wayne” siempre me ha parecido arbitrario. Pero si eso sirve para que exista un pack que incluya grandes films como ‘El hombre que mató a Liberty Balance’ o ‘El Dorado’, los 39,95 euros que cuesta el pack ya están más que justificados.

Los otros títulos que conforman esta edición de ocho discos son: ‘Hondo’, ‘El Gran MacLintock’, ‘Valor de Ley’, ‘Rio Lobo’, ‘El Gran Jack’, y ‘Los 4 Hijos de Katie Elder’.

Otros títulos publicados esta semana serían ‘Los Cautivos’, un western de Budd Boetticher con Randolph Scott, ‘La leyenda de Vandorf’ de Terence Fisher con Peter Cushing y Christopher Lee o la comedia ‘Préstame a tu marido’, protagonizada por Jack Lemmon y Romi Schneider.

Fuente: Zona DVD

En los meses de Mayo y Junio, la mejor revista de Cine publicada en español, Dirigido Por, hace uno de sus excelentes estudios a los que tan bien nos tienen acostumbrados. Esta vez le toca el turno a John Ford, aclamado por muchos como el mejor director de todos los tiempos. Con críticos tan expertos en el tema, como el excelente Quim Casas, autor del estupendo libro John Ford: el arte y la leyenda, hacen un viaje por toda la filmografía del director, separando, lógicamente su etapa muda de la sonora, y a su vez dividiéndolo por temas.

Así pues, llega hora de una de esas listas ya conocidas por todos vosotros, en las que he procurado resumir en diez películas lo grande que era Ford, uno de esos directores a los que recurrir cuando uno empieza a perder la fe en el cine debido a los pésimos estrenos que nos llegan (salvo excepciones, por supuesto). Aclarar que sólo me he centrado en las películas de su etapa sonora, ya que en la muda muchas de ellas no las he visto por ser difíciles de encontrar, aunque me gustaría citar films como ‘Tres Hombres Malos’ o ‘El Caballo de Hierro’ (de reciente edición en dvd en nuestro país), obras maestras de un director que curiosamente en su etapa muda no tuvo tanta repercusión como otros directores de la talla de Fritz Lang o King Vidor.

Las películas están en orden cronológico. Y cuidado, hay SPOILERS.

• ‘La Diligencia’

La película que lanzó a la fama a John Wayne, y también empezó a cimentar la condición de maestro de John Ford. Obra cumbre del western y un film casi claustrofóbico, algo impensable para la época, por poner a todos los personajes metidos en una diligencia. En todos ellos está representado el ser humano con sus distintos matices. Casi podríamos decir que es un film coral, de esos que tanto gustan ahora, pero en un espacio reducido. Curiosamente en el film hay saltos de eje, en la persecución de los indios a la diligencia. Ford se defendió de ello diciendo que quería enfrentarlos. En cualquier caso es uno de los trabajos más representativos de su autor, con unas interpretaciones prodigiosas, y aún hoy desprende una gran fascinación.

• ‘Las Uvas de la Ira’

La obra de John Steinbeck dio lugar a un buen puñado de grandes películas, y ésta es sin lugar a dudas una de ellas. El propio Steinbeck se declaró fan de la película, diciendo que la portentosa interpretación de Henry Fonda le hacía creerse sus propias palabras. Esta historia de unos campesinos que cultivan uvas y que buscan un lugar donde establecerse durante la represión de los años treinta, está narrada impecablemente, gracias a la total falta de maniqueísmo, con su típico gusto por el detalle y el lirismo. Por supuesto que la mencionada interpretación de Fonda, y la maravillosa fotografía de Gregg Toland hicieron mucho. Segundo Oscar como director para Ford (el primero fue por ‘El Delator’).

• ‘La Ruta del Tabaco’

Una de las primeras películas que un servidor vio de Ford,y con la que se quedó completamente embobado, aunque a lo mejor, la salvaje belleza que Gene Tierney desprende en el film, tuviese mucho que ver. Durante mucho tiempo sufrió el ser comparada con la anteriormente citada película, pues guarda mucho puntos en común con ella. Sin embargo, hoy día es bien visible que no tiene nada que envidiarle al film protagonizado por Henry Fonda. Ford acentúa su extrema sensibilidad para narrar, con esos toques nostálgicos tan típicos de él. Además, añadió un humor que hace que el film también sea muy divertido, cuando la historia que cuenta es de lo más triste. Imperdonable que aún no la tengamos editada en dvd.

• ‘¡Qué Verde era mi Valle!’

Ford ganó su tercer Oscar por esta impresionante película costumbrista que refleja la vida minera en el Gales del siglo XIX. Dotada de una extrema sensibilidad, jamás cae en la sensiblería. Roddy McDowall en el papel más recordado de su niñez, excelentemente dirigido por Ford, sirve como nexo de unión a las distintas historias que se cuentan, protagonizadas por los distintos miembros de una familia. Un prodigio en todos los aspectos, tiene ese sello inconfundible que tiene muy pocas películas: cuando la vez por segunda vez, o tercera, o cuarta, o vigésimo sexta, es como si fuera la primera vez.

• ‘Pasión de los Fuertes’

Uno de los mejores westerns jamás hechos, relata el famoso duelo del O.K. Corral, en la que probablemente sea la mejor versión del mismo, pues Ford se basó en mucha documentación de la época, además de conocer en su juventud al famoso Wyatt Earp, quien le narró los hechos, y el director procuró ser fiel, añadiendo leves cambios. Una vez más, la fuerza lírica del relato es evidente, y Ford fue capaz de arrancar una interpretación sobresaliente de Victor Mature, actor muy mediocre. Eso sí, nunca volvió a trabajar con él. La desconocida Cathy Downs, preciosa como la Clementine de su título original, y Fonda como siempre, inmenso.

• ‘El Hombre Tranquilo’

Cuarto y último Oscar para Ford por uno de sus títulos más famosos entre el público de todas las generaciones. Mil veces imitado y homenajeado (el homenaje más famoso, el de Spielberg en ‘E.T.’). Un boxeador que mata a un rival en un combate se retira del deporte y se marcha a su Irlanda natal para intentar rehacer su vida. Una vez más, costumbrismo, serenidad, historia de amor, humor socarrón (genial Barry Fitzgerald) y todo mezclado de una forma que sólo Ford sabía hacer, dando la sensación de que hacer una película era algo fácil (aunque él siempre decía que sí). La química entre John Wayne y Maureen O´Hara pocas veces ha sido igualada.

• ‘Cuna de Héroes’

Muchos la tratan como una obra menor, y sin embargo en ella se encuentran todas las virtudes de su director, aunque tratadas de forma un poco más grandilocuente, lo cual no le resta calidad. Inspirada en hechos reales, sobre la vida de un hombre que fue toda una leyenda en la Academia de West Point, el film es también un tributo a la vida militar, tan del agrado de Ford. El muchas veces endeble Tyrone Power realizó una de las interpretaciones de su vida, aguantando muy bien las más de doras de metraje. Acaba de salir editada en dvd en nuestro país, así que es una buena ocasión para redescubrir este film, injustamente denostado en la filmografía del maestro.

• ‘Centauros del Desierto’

Para muchos, la mejor película de su director. Son varios los elementos que la engrandecen. Primero, el hecho de que Wayne realice un papel algo atípico en su carrera, con un desarrollo psicológico sobre el mismo de los que hacen escuela, y eso que el director no le quería para el personaje por considerarlo un poco mayor. Luego, Ford en su puesta en escena se aparta un poco de su estilo, componiendo un film, rico en matices pictóricos, y con un uso del color extraordinario. Una road movie con múltiples lecturas, y uno de los mejores finales de la historia.

• ‘El Sargento Negro’

Muy atacada por cierto sector de la crítica, debido entre otras cosas al uso de flashbacks que pueden dar lugar a confusiones en el argumento, hay que observarla detenidamente, para darse cuenta que dentro de su falsa sencillez se encuentra un film extraordinario, con una historia que engancha, la del falso culpable que las tiene todas contra él. Ford dirige a los actores impecablemente, y hasta Jeffrey Hunter está a la altura. Los escenas de exterior, rodadas en escenarios naturales, se emparejan con el provecho que Ford le saca a las escenas de interior, la mayor parte de ellas en una sala de justicia. Hace poco se editó en dvd en nuestro país.

• ‘El Hombre que Mató a Liberty Valance’

Para mí la obra cumbre de Ford, la obra maestra entre sus obras maestras. La filmación pura y dura, sin lugar para las concesiones, del equilibrio entre realidad y leyenda, más toda una declaración a una época que se estaba acabando, en claro tono crepuscular. John Wayne y James Stewart, que con más de 50 años daba vida a un joven licenciado en derecho, se disputan a Vera Miles, y de paso representan el pasado y el futuro, la verdad que permanecerá oculta y la mentira que será mucho más bonita. Los tres encabezaban un enorme reparto, lleno de secundarios míticos, pertenecientes muchos de ellos al universo del director, y gloriosa fotografía de William H. Clothier. Indispensable.

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Aún recuerdo como en las Navidades de 1983, TVE tuvo la brillante idea de emitir una película en 3-D en un horario de máxima audiencia. Allá fuimos todos como borregos, víctimas de nuestra ignorancia, a comprar las dichosas gafas para ver lo que prometían sería un espectáculo de primer orden. Hoy, 25 años después, aún me dura la risa. En los años 50 se intentó revolucionar el séptimo arte, rodando alguna películas en este formato, por llamarlo de alguna manera. Todas pertenecían al género de aventuras, o western, como es el caso de ‘Hondo’, film al servicio de su principal protagonista: John Wayne, quien en aquella época ya llevaba un buen tiempo siendo una de las estrellas más famosas del celuloide, y una apuesta segura de cara a la taquilla.

‘Hondo’ narra la historia de Hondo Lane, un solitario pistolero, que un día descubre un rancho en el que viven una mujer con su hijo pequeño. En medio de una guerra con los apaches, la mujer corre serio peligro. Ella no quiere abandonar su hogar, pero pronto tendrá que tomar una decisión. Mientras tanto, entre ambos irá naciendo algo más que una amistad.

‘Hondo’ fue dirigida por John Farrow, director todoterreno que lo mismo te filmaba un western como éste, como una película de guerra, como un drama, como un film de suspense (hace poco os hablé de ‘El Reloj Asesino’). A Farrow también se le atribuye el haber sido director no acreditado en la oscarizada ‘La Vuelta al Mundo en 80 Días’. A él se deben los máximos aciertos de ‘Hondo’ (uno de sus films más conocidos). Su impersonal, pero efectiva, puesta en escena, y su dominio del ritmo la hacen una película lo suficientemente agradable para todos. De todos modos, estamos ante un simple entretenimiento sin más. Una película con una historia de lo más sencilla (recuerda un poco a ‘Raíces Profundas’) al completo servicio de John Wayne, quien da vida al personaje central con su ya consabida eficacia. No estamos ante una de sus mejores interpretaciones, pero tampoco de las peores. A su lado, una novata Geraldine Page, aún muy lejos de los papeles a los que luego nos acostumbraría esta grandiosa actriz (recordemos ‘El Seductor’ y echémonos a temblar). Tanto ella como Wayne dan vida a dos personajes muy, muy típicos, sin demasiada profundidad.

Haciendo un papel secundario el mítico Ward Bond, que tantas veces acompañó a Wayne. Aquí realiza una de sus entrañables composiciones, con un personaje que serviría de inspiración años más tarde a John Carpenter (gran conocedor del cine clásico americano, y en concreto del western), “robándole” una frase para ponerla en boca de Kurt Russell, curiosamente en una de sus peores películas, ‘Golpe en la Pequeña China’: “yo nací preparado”

Y es que el guión es uno de los mayores problemas de ‘Hondo’. Aunque fue escrito por James Edwart Grant, el guionista favorito de Wayne, éste adolece de demasiados puntos flacos. Entre ellos podríamos citar una presentación de personajes demasiado extensa, sin que la trama avance hacia algún lado. Más tarde, le da por introducir caras nuevas en el relato, algunas de relativa importancia, como el jefe de los apaches, para solucionar de un hachazo, nunca mejor dicho, la suerte de los mismos. Para ser una película que no llega a la hora y media, algunas cosas son tratadas en demasiado tiempo, y en otras las prisas hacen acto de presencia. Cierto que el film no aburre en ningún momento, pero se le pedía un poco más de garra.

Respecto al tema de la 3-D, decir que únicamente hay un par de secuencias en las que se utiliza dicha técnica, concretamente en dos escenas de acción en las que da la sensación de que se ataca al espectador. Por supuesto, vistas hoy día, esas escenas parecen dos pegotes que no casan con el resto del film.

Una película pasable y amena con la que pasar un rato entretenido y nada más. Uno de esos innumerables westerns que se hacían como rosquillas en una época en la que abundaban grandes títulos, pero éste no es uno de ellos. ‘Hondo’ está editada en dvd en nuestro país, en una excelente copia de imagen y sonido. Para fans del western y de John Wayne.

La historia de ‘Piratas del Mar Caribe’ nos lleva a Key West, donde hay un negocio basado en recuperar la mercancía de los barcos naufragados, quedándose el rescatador con el 50% de la misma. El primero en llegar siempre a los naufragios es un hombre llamado King Cutler, de quien la protagonsita de nuestro relato sospecha que hace trampa y está metido en asuntos turbios como por ejemplo, provocar naufragios. Mientras tanto, dos hombres, antagonsitas en el amor por la misma mujer, se enfrentarán y también aliarán en todo tipo de situaciones.

Si hay alguien que conocía muy bien el significado de la palabra espectáculo ése era Cecil B. DeMille, quien viste su película de una fuerza visual increíble desde su comienzo hasta sus últimas escenas. Pero no sólo eso, que ya le llegaba para hacer un film entretenido. DeMille, que siempre decía que nunca se debía aburrir al espectador y que un film debía empezar con un terremoto y de ahí para arriba, se apoya en una historia llena de emoción en la cual cobran vital importancia unos personajes absolutamente maravillosos, interpretados por unos excelentes actores. Quizá el punto más flojo de la película sea el personaje que interpreta John Wayne, que curiosamente da vida a un personaje muy ambiguo, un rara avis en su filmografía, un poco alejado de lo que este actor nos acostumbraba a ofrecer. Sus motivaciones y decisiones no están bien explicadas en la película, la cual en cierto momento depende de lo que este personaje decida.

A Wayne le acompañan una increíblemente maravillosa Paulette Goddard, sin lugar a dudas una de las belllezas más grandes que se hayan puesto jamás delante de una cámara, con un sexappeal extraordinario que traspasa la pantalla. La actriz está simplemente fantástica como esa mujer, un tanto pilla, que se debate entre el amor de dos hombres. Ray Milland es el tercero en discordia, en un papel bastante simpático y divertido, y más protagonista que el de Wayne. En papeles secundarios tenemos al gran Raymond Massey, como el villano de la función, algo que siempre le salía muy bien. El más limitado Robert Preston, como el hermano del personaje de Massey, y secretamente enamorado del personaje que interpreta una joven Susan Hayward, y cuya presencia es vital en cierta parte de la trama.

El film lo tiene absolutamente todo, aventuras, drama, acción, romance, comedia (atención a esa boda interrumpida mil veces a bordo de un barco, y que es delirante sólo por las intervenciones del capitán que la está realizando), e incluso cine de juicios. DeMille mezcla todos esos elementos con sabiduría, dotando al film de un ritmo perfecto, en el que además está muy cuidado el aspecto visual de la película, algo que siempre preocupaba mucho a su director. La fotografía, obra de Victor Milner y William V. Skall, es simplemente deslumbrante y grandiosa. Los efectos visuales, ganadores del Oscar, son también muy buenos, aunque cierto calamar gigante, visto hoy, más de 60 años después, pueda cantar un poco. De todos modos la situación en sí es de lo más creíble y emocionante.

La película no es ninguna obra maestra, pero tampoco lo necesita, el rato que uno se pasa viéndola es sencillamente de los más entretenidos que se puedan pasar, algo en lo que DeMille era un completo experto. Llena de vida y color, por así decirlo, aguanta muy bien el paso del tiempo, y si queréis disfrutar de ella la tenéis editada por Universal en dvd, a un precio realmente ridículo, y en una extraordinaria edición en cuanto a imagen y sonido.