Paramount Pictures no ha querido esperar más y ha lanzado ya en Internet el spot publicitario de ‘G.I. Joe: La venganza’ (‘G.I. Joe: Retaliation’) que podrá verse durante la Super Bowl, la final de la liga de fútbol americano, uno de los eventos televisivos más importantes del año en Estados Unidos. El vídeo lo tenéis arriba, dura unos 30 segundos y es justo lo que cabe esperar. Mucho ruido y caras conocidas para enganchar de inmediato a los fans del cine de acción actual. ‘Fast and Furious’ y todo eso. Lo que me ha sorprendido, aparte de esa moto que se descompone en misiles, es que solo aparecen caras nuevas, como si fuera un producto independiente de ‘G.I. Joe’ (2009). Ya veremos si el público responde, desde luego conviene olvidar la mediocre película de Stephen Sommers…

Recordemos que ‘G.I. Joe: La venganza’ ha sido dirigida por Jon M. Chu (‘Step Up 3D’, ‘Justin Bieber: Never Say Never’) y está protagonizada por Dwayne Johnson, Channing Tatum, D.J. Cotrona, Byung-hun Lee, Ray Park, Adrianne Palicki, Ray Stevenson, RZA, Joseph Mazzello, Jonathan Pryce y Bruce Willis, entre otros. Rhett Reese y Paul Wernick han escrito el guion de esta segunda parte, en la que los “Joes” no solo tienen que luchar contra su mortal enemigo, el comandante Cobra, sino que también deben enfrentarse a amenazas dentro del gobierno que pondrán en peligro su existencia. Se estrena el 29 de junio en Estados Unidos y el 31 de agosto en España.

A continuación os dejo también el tráiler de la película que se está proyectando desde hace tiempo en nuestros cines, doblado al castellano, ya que no lo habíamos publicado antes en Blogdecine. ¿Qué os parece, vais a verla?

PD: ¿No parece que Duke, el personaje de Tatum, muere al principio de la película?

Ayer recordaba una de mis aficiones juveniles con la crítica a la carta y hoy voy a hablar de mis gustos de por aquel entonces. Uno de los actores que forraban las paredes de mi habitación era River Phoenix, con su cara de niño, pero su sonrisa de saber mucho más. Ignoro si, de haber continuado con vida, lo seguiría encontrando atractivo con los 41 años que acarrearía ahora, pues los rostros tan aniñados rara vez maduran bien. De lo que no cabe duda es de que con él se cumplió la famosa cita de «Vive rápido, muere joven y deja un bonito cadáver», casi más aún que con su ínclito autor. Así como de que las drogas se llevaron, una vez más, a un actor de gran carácter, que podría haber tenido una interesante carrera con papeles nada convencionales.

Dieciocho años después de su muerte por un ataque al corazón a la salida del Viper Room de Hollywood, se da a conocer la noticia de que el director holandés George Sluizer ha decidido finalizar el drama que rodaba el joven actor en 1993, ‘Dark Blood’. Tras el fallecimiento, Sluizer escondió el material que había filmado por miedo a que fuese destruido y ahora confiesa que lo ha remontado y que considera que, con algunos ajustes, podría presentar un montaje definitivo para que fuese estrenado el año próximo.

Uno de los ajustes podría consistir en añadir una voz en off, para cuyo trabajo Sluizer ha pensado en el hermano de River, Joaquin Phoenix, ya que el director, que se ha mantenido en contacto con la familia desde el fatídico suceso, asegura que “las voces de los dos hermanos se parecen muchísimo”. Supongo que, de llegar a hacerse, este añadido le aportaría a la película un halo de malditismo y de mito que le darían el empuje en taquilla que probablemente no habría adquirido de otra forma.

Sluizer es conocido principalmente por su aclamado largometraje ‘Desaparecida’ (‘Spoorloos’, 1988), del que él mismo dirigió el remake, titulado ‘Secuestrada’ (‘The Vanishing’, 1993), con Jeff Bridges, Kiefer Sutherland y Sandra Bullock. En 2002, rodó la adaptación de la novela de Saramago, ‘La balsa de piedra’ y, desde entonces, no hay créditos suyos como director en el IMDb.

Con guion de Jim Barton, ‘Dark Blood’ nos presentaba a Phoenix como Boy, un viudo ermitaño, que espera el fin del mundo en una desértica planta de pruebas nucleares, mientras confecciona muñecos a los que otorga poderes mágicos en su imaginación. Una pareja de la jet-set hollywoodiense, interpretada por Judy Davis y Jonathan Pryce, llega en busca de refugio y el joven los socorre cuando su coche se avería en su viaje por el desierto. Más adelante, el protagonista los convertirá en sus prisioneros con la idea de comenzar un mundo mejor con la mujer. Rhonda Aldrich, T. Dan Hopkins y Karen Black contaban, asimismo, con papeles.

La muerte de Phoenix sobrevino, como una broma macabra, el día de Halloween, 31 de octubre, de 1993, a once días de la finalización del rodaje. Los productores interpusieron una demanda ante la madre de River, ya que, al no haber declarado sus problemas con las drogas, les había dejado incompleta la producción. Pero el pleito no prosperó.

Ahora, la productora holandesa Eyeworks ayudará a Sluizer a terminar la película y a lidiar con las cuestiones legales que rodeen el estreno. Uno de los resultados de estos asuntos sobre el derecho de explotación puede hacer necesario el cambio del título. Sluizer, que siempre ha poseído los derechos sobre el material, llegó a plantearse montar un documental sobre los últimos días del célebre intérprete. Con esa idea, extrajo unos cuantos fragmentos, que se pueden ver, con muy poca calidad, en YouTube o en la página del director. Aquí incluyo uno de ellos.

Vía | The Hollywood Reporter, Wikipedia, IMDb y YouTube.

Toca hablar de una película de mi admirado Terry Gilliam, un director con el que pude hablar en el Festival de San Sebastián y que cuando quiere es un cineasta de gran vuelo poético y surrealista (aunque también cuando quiere, no me convence con su búsqueda de un feísmo sobrecargado), en esta sección de Críticas a la Carta, y los lectores habéis elegido una de las más famosas que ha dirigido, la extraña y célebre ‘Brazil’ (íd, 1985), que en las conversaciones entre cinéfilos siempre surge como una de las películas británicas más recordadas de los ochenta y una muestra de género deslumbrante con no pocas influencias (en realidad, muchísimas) y que a su vez ha influenciado bastante en muchas otras. Pero en mi opinión, y ahora daré mis razones, ‘Brazil’, aunque posee evidentes virtudes, no es una muestra del genio de Gilliam como sí lo había sido ‘Los héroes del tiempo’ (‘Time Bandits’, 1981) y lo sería ‘Doce monos’ (‘Twelve Monkeys’, 1995). Es decir, que está lejos de ser mi Gilliam favorito, como sí parece serlo de muchos.

Pese a ello, sin duda ‘Brazil’ es un proyecto único y una de las medallas que Gilliam puede colgarse en su afán (consciente o no) por convertirse en un director maldito, en el que es habitual las producciones suicidas. ‘Brazil’, en parte, se alimenta de esa tendencia de los años ochenta que consistió en una mixtura desvergonzada de géneros, y en un pastiche que es un crisol de fuentes literarias, pictóricas, cinematográficas y arquitectónicas. Con el triunfo, para mí incontestable, de la sensacional ‘Los héroes del tiempo’, Gilliam parecía dispuesto a demostrar a todo el mundo hasta donde podía llegar en su desbordante imaginería. Y aunque eso lo logra con creces en la película, porque encontramos en ella algunas imágenes, algunas soluciones escenográficas e incluso algunas secuencias antológicas, hay muchos otros aspectos de su ficción y de su narrativa (porque el cine, por suerte o por desgracia es más, mucho más, que una escenografía o una imaginación desbordante) que no se sostienen y que incluso terminan convirtiendo su potencia evocadora en vacía retórica.

Pocos se han atrevido a mezclar, ya fuera en un mismo mundo personal, o bien confrontando dos mundos muy dispares entre sí, las leyes de la sci-fi con las de la fantasía. Esta película sin duda es del segundo tipo: su trama está enmarcada en un futuro distópico de clara raigambre retrofuturista, con multitud de detalles que nos proponen una sociedad en teoría más avanzada que la nuestra, pero que sirve a modo de espejo, de parábola, del mundo actual, y de las trabas y servidumbres de la burocracia salvaje, del control mental, y de una sociedad infeliz y decadente. A este mundo orwelliano Gilliam opone el mundo personal del protagonista Sam Lowry, que se fuga en cuanto puede de tanta miseria y prisión sin barrotes hacia zonas de su imaginación a las que nadie más puede acceder, y que son las únicas que le permiten respirar un poco las esencias del fantasma de la libertad. Cuando la vida de Sam de un vuelco al conocer, literalmente, a la mujer de sus sueños, poco a poco sueño y realidad, sci-fi y fantasía, empezarán a confundirse y a entremezclarse cada vez más, hasta que ya no sea posible diferenciar ambos, y nos veamos atrapados en una pesadilla de la que será imposible salir, con la imagen del mundo real (sea cual sea) diluida completamente.

Collage barroco

El principal problema que le encuentro a esta película, cuyo punto de partida realmente es estupendo, es que pretende abarcar demasiado. Algo que, por otra parte, le sucede a Gilliam en sus trabajos menos redondos. Siempre es mejor que sobren las ideas, aunque esto provoque una Torre de Babel a punto de derrumbarse, a que falten las ideas. Pero uno se pregunta a menudo dónde está Gilliam, simplemente, ante la avalancha de referencias intertextuales con la que nos arrolla. Se encuentra a Kafka, desde luego, y a su ‘El proceso’. También se encuentra al ya mencionado Orwell, a Huxley… y a Welles, a Eisenstein, a Fellini…y a media docena de ilustradores míticos de sci-fi y fantasía. Y no solamente eso, hay cruce genérico entre la comedia romántica, la comedia negra, el surrealismo, el cine negro, de aventuras, de sci-fi con mensaje social, de sci-fi con imaginería gótica, de suspense, de parodia… Sencillamente, es demasiado. Y con todo eso, y pese a que la narración va dando unos bandazos que ora son impredecibles ora son incoherentes, y a su falta de unidad estética y de concisión, ocurre el milagro de que ‘Brazil’ se sostiene. Precariamente, pero lo hace, lo que debe ser mérito del realizador, armado de no se sabe qué alquimia. Pero no es suficiente para considerar a ‘Brazil’ una gran película, sino una suma de ideas que pueden pasar de lo brillante a lo pedestre y hasta grotesco en cinco segundos.

Pero lo que más me molesta de este batiburrillo es su búsqueda de un feísmo vulgar con el que repugnar visualmente al espectador, y que le sitúa como un avanzado discípulo del Fellini más superficial. Todo esto redunda en una confusión en la trama y en un aburrimiento final que, estoy seguro, no eran el objetivo final de Gilliam. La interpretación del siempre estupendo Jonathan Pryce es esforzada, pero no conseguimos empatizar con su búsqueda, ni sentir excesiva compasión cuando todo se vuelve una pesadilla insoportable para él. Gilliam andaba más preocupado por crear unos decorados y un vestuario grandilocuente y excesivo (esa es la palabra que mejor define esta película, “exceso”...) que en preocuparse por su personaje y su actor protagonistas, bastantes perdidos en un magma que termina por resultar recalcitrante y hasta pesado. Vamos, que no veo la genialidad por ninguna parte, por mucho que esté dispuesto a admitir la desbordante imaginación de algunos elementos. En una película tan infravalorada como ’12 monos’, Gilliam se enamoraba de sus personajes hasta el punto que el destino del más episódico de todos ellos le importaba y nos importaba.

Para finalizar decir que se ha quedado bastante vieja, tanto en su diseño de producción (obra de Norman Garwood, quien por lo demás tampoco creo que haya llevado a cabo una carrera particularmente brillante) como en la técnica de dirección de fotografía del operador Roger Pratt, un artesano más que digno, pero que en algunos títulos de los ochenta se entregó, como en el caso que nos ocupa, a un tratamiento postmoderno de la imagen que nunca me ha convencido, consistente en el abuso de filtros, humos y caprichos de toda índole, que más que ayudar a creer en toda esa imaginería que Gilliam pretende levantar, lo que consigue es que sea aún más difícil creer en ella, entrar en su misterio. Queda opaco, impenetrable. Y quizá inexistente. Este cineasta, que en algunos aspectos es un realizador superdotado, necesita de una historia y unos pesonajes sólidos a partir de los cuales ramificar su excitante imaginación. En caso contrario asistimos a un espectáculo de fuegos de artificio bello o impactante en sí mismo, pero que se agota a los cinco minutos de verse.

Como ya sabrá el lector, a partir de este momento puede empezar a hacer sus peticiones para esta sección de Críticas a la Carta, con las que conseguir que hablemos de su película favorita, o de algún título que todavía no hayamos comentado ni esté pendiente en algún especial.

Hace prácticamente un año nos enteramos que se estaba preparando una película sobre la invención del vibrador titulada ‘Hysteria’, y hoy ya podemos echar un vistazo al tráiler (os lo he traído en versión original con subtítulos en castellano). Un avance que revela una comedia ligera e inofensiva, con situaciones exageradas para provocar la risa del mayor público posible, en lugar de ser una aproximación seria y realista del tema, un enfoque que no tendría por qué resultar aburrido o carente de humor. En fin, no diré que no voy a ver la película, porque me gustan los actores, pero esperaba algo más interesante. Y oye, distribuidor español, si necesitas un título que no sea ‘Histeria’, que puede despistar al público que llena las salas, aquí te dejo dos sugerencias: ‘El discurso del ginecólogo’ o ‘Vibrador: el origen’. De nada.

Escrita por Stephen y Jonah Lisa Dyer a partir de hechos reales, ‘Hysteria’ nos traslada a la Inglaterra de finales del siglo XIX para narrarnos la historia de cómo el doctor Joseph Mortimer Granville inventó el primer consolador eléctrico para tratar lo que se conocía como histeria femenina, cuyos síntomas incluían insomnio, retención de fluidos, pesadez abdominal, espasmos musculares, irritabilidad o pérdida de apetito. La película ha sido dirigida por Tanya Wexler y está protagonizada por Hugh Dancy, Maggie Gyllenhaal, Felicity Jones, Rupert Everett, Anna Chancellor, Gemma Jones y Jonathan Pryce, entre otros. Se verá por primera vez en la próxima edición del festival de Toronto, este mes de septiembre; por el momento no hay fecha para su llegada a nuestras carteleras.

PD: Que haya publicado esto después del post sobre la última de ‘Crepúsculo’ ha sido pura casualidad. Bueno, no.

La imagen que encabeza este texto pertenece a una de las secuencias más recordadas de ‘Ronin’ (id, John Frankenheimer, 1998), film que a finales de los 90 sorprendió por enfrentarse al moderno cine de acción desde una óptica más clásica, y que, en cierto modo, se adelantó a lo que más tarde veríamos en la saga Bourne, cuyas influencias del cine de los thrillers de los 70 es más que evidente. Pero antes de que Paul Greengrass de luciese con la espléndida tercera entrega de la saga, un artesano como John Frankenheimer nos dejó con la boca abierta con ‘Ronin’, que lejos de ser una gran película, sí es muy disfrutable —uno de los principales objetivos del séptimo arte creo que es hacer disfrutar al espectador—, y sirve de lección a otros directores con más millones en el banco, pero que de filmar acción no saben absolutamente nada.

John Frankenheimer jamás formará parte de la lista de grandes directores de la historia, llena de nombres repetidos hasta la saciedad. Pero sí forma parte de la lista de grandes artesanos, que lejos de dejar una huella imborrable en el cine, dejaron el suficiente número de películas, algunas de ellas imprescindibles, con las que honraron una profesión que con el paso de los años, y salvo excepciones, ha ido encaminándose hacia el abismo de la falta de personalidad, convirtiéndose en muchos casos en robots que firman productos prefabricados destinados única y exclusivamente a amasar grandes cantidades de dinero. No tengo nada en contra de ganar dinero, y menos en estos tiempos, pero aquí cuando hablamos de una película es lo que menos nos interesa. Lo que nos interesa es el buen cine, y en ‘Ronin’ lo encontramos. Tanto, que trece años después de su estreno, la película no ha envejecido ni un ápice. Si acaso lo contrario.

En la filmografía de Frankenheimer encontramos películas tan destacables como ‘El hombre de Alcatraz’ (‘Birdman of Alcatraz’, 1962), ‘Plan diabólico’ (‘Seconds’) —impresionante trabajo injustamente olvidado—, ‘El tren’ (‘The Train’, 1964), de la que hablaremos en mi próximo post, o ‘Los jóvenes salvajes’ (‘The Young Savages’, 1961), por citar algunos ejemplos nada más. Films que pertenecen a la mejor época de su director, los años 60, y que estaban cargados de cierta denuncia políticay/o social. Bien es cierto que a partir de finales de los 80 su cine degeneró un poco y se volvió, si se prefiere decir así, más ligero en sus realizaciones. Films de género, muchos de encargo, faltos ya de cierta profundidad, y en algunos casos llegando a niveles soporíferos como en ‘La isla del Dr. Moreau’ (‘The Island of Dr. Moreau’, 1996) no mostraban la mano de un Frenkaneheimer que en el pasado nos había hecho vibrar. Salvo quizá el caso que hoy nos ocupa.

Si algo tendríamos que echar en cara a ‘Ronin’ es su excesiva simplicidad argumental, por cuanto su historia no se reduce a nada más que un grupo de mercenarios enfrentándose por una maleta y su valioso contenido. El gran Mcguffin del relato, la maleta, algo de lo que Hitchcock estaría orgulloso, permanece como uno de los aciertos de un guión escrito a cuatro manos por J.D. Zeik y Richard Weisz, que no es otro que David Mamet utilizando un seudónimo. Sin embargo, no hay demasiada inspiración cuando se trata de dosificar cierto suspense en relación a algunos de los personajes y sus motivaciones, las cuales no quedan demasiado claras, haciendo que por momentos la historia sea algo incomprensible a pesar de su simpleza. Menos mal que el retrato de cierta forma de vida y el buen hacer de Frankenheimer detrás de la cámara logran que obviemos esas deficiencias de guión. O mejor dicho, no impiden el disfrute de un excelente producto de acción.

El título proviene de la leyenda —que de leyenda no tiene nada— de los 47 ronin. Samurais sin dueño que fueron traicionados y tras vengarse eligieron el camino del honor, suicidándose antes de ser mercenarios sin dueño. Así son más o menos, los mercenarios de ‘Ronin’. Hombres que no realizan preguntas, ni obtienen respuestas, son los mejores en su trabajo y el anonimato es su vida, al mismo tiempo que su maldición. Esa aureola de misterio y misticismo alrededor de una profesión tan vieja como la vida misma le queda muy bien a la película, apoyado además por una muy adecuada banda sonora de Elia Cmiral, cargada de melancolía, sobre todo por la utilización del instrumento de origen armenio, el duduk. Instantes íntimos que sobresalen en una cinta en continuo movimiento gracias a un ritmo que Frankenheimer maneja con envidiable pericia, sobre todo en sus estupendas escenas de acción.

Persecuciones en coche —probablemente las últimas grandes persecuciones realizadas en cine, reales, sin efectitos de ordenador—, tiroteos, persecuciones a pie, y demás, pueblan este puro entretenimiento que logra llegar más allá que muchas cintas de género. Y lo más importante: siempre sabemos qué ocurre en pantalla —aprende Michael Bay, que esta película es del 98 y tú a día de hoy sigues mareando al personal—, algo que debemos agradecer a la muy personal puesta en escena de su director, siempre consciente de donde coloca la cámara. Baste fijarse en instantes tan inspirados como aquel en el que el personaje de Robert De Niro, en uno de sus últimos grandes papeles antes de perderse en muecas de todo tipo, pide ayuda a un viejo conocido para que averigüe el paradero de otra persona mediante la señal de su teléfono móvil. Y cómo no, las dos persecuciones automovilísticas, a cada cual más emocionante.

Robert De Niro, Jean Reno —los dos actores con más feeling en el film, absolutamente necesario además—, Natasha McElhone —una preciosidad que no ha obtenido la fama que merece—, Sean Bean —probablemente el personaje peor tratado de toda la trama—, Stellan Skarsgård, Michael Londsdale, y Jonathan Pryce forman un elenco perfecto para una película que adaptándose a los nuevos tiempos no renuncia a cierto clasicismo, demostrando que las viejas historias, aquellas en las que los malos no son tan malos, ni los buenos tan buenos, en las que la traición y el amor perdido están a la orden del día, siguen siendo las mejores. Sin conservantes ni colorantes. Espectáculo bien entendido, sin pomposidad ni mil planos por segundo. Genuino.

De las cosas que se entera uno ampliando información para una noticia. ¿Sabías que los primeros vibradores mecánicos se empezaron a usar en 1870? ¿Y que se empleaba por prescripción médica para curar la “histeria femenina”, que se diagnosticaba cuando la mujer estaba muy enfadada e irritable? Bueno, pues sobre este apasionante tema va a tratar ‘Hysteria’, una comedia romántica ambientada en la era Victoriana, cuyos papeles principales van a interpretar Maggie Gyllenhaal y Hugh Dancy. La actriz encarnará a la hija de un veterano médico mientras que el actor dará vida al joven aprendiz de éste. El guión lo firman Stephen y Jonah Lisa Dyer, a partir de una historia de Howard Gensler, que seguro que se lo ha pasado estupendamente durante el proceso de investigación.

Cabe destacar que también forman parte del reparto Jonathan Pryce, Rupert Everett, Ashley Jensen y Sheridan Smith; el primero ocupará el rol del padre de Gyllenhaal, el segundo será un amigo de Dancy que empieza a probar el vibrador en sus pacientes, y de los dos últimos no se ha dicho nada. El rodaje comenzará en octubre y tendrá lugar en Londres y Luxemburgo, quedando la dirección a cargo de la realizadora Tanya Wexler, responsable de dos películas que no han llegado a nuestro país (‘Finding North’ de 1998 y ‘Ball in the House’ de 2001). Esperemos que con la tercera haya más suerte, esto promete.

PD: Extraído de la Wikipedia: “Las pacientes diagnosticadas con histeria femenina debían recibir un tratamiento conocido como “masaje pélvico”: estimulación manual de los genitales de la mujer por el doctor hasta llegar al orgasmo, que en el contexto de la época se denominaba “paroxismo histérico” al considerar el deseo sexual reprimido de las mujeres una enfermedad. [...] El único problema era que los médicos no disfrutaban con la tediosa tarea del masaje. La técnica era difícil de dominar para un médico y podía tomar horas llegar al “paroxismo histérico”. Derivarlas a las comadronas era una práctica habitual…“

Vía | Worstpreviews

Hace unos días le tocó a una familia llamada “los salvajes”, y hoy es el turno de unos futbolistas que, en muchas ocasiones, se comportan como auténticos salvajes. A continuación me dispongo a comentar otro de esos estrenos recientes que tuve la ocasión de ver, pero que por circunstancias que no vienen al caso, no tuve tiempo de reseñar aquí. Bueno, ya sólo me quedan 96…

‘Ella es el Partido’ (‘Leatherheads’, 2008) se estrenó el pasado 6 de junio en España pero su historia nos sitúa en 1925. En esta película, George Clooney interpreta a Dodge Connolly, un veterano jugador de fútbol (americano), el capitán de un equipo tan ganador como tramposo. Cuando pierden a su patrocinador, todo se acaba, y los jugadores deben separarse para buscar trabajo donde sea. Sin embargo, Dodge encuentra una idea: convencer a Carter Rutherford, una estrella del fútbol universitario, también un héroe de guerra, para que se una a su equipo y atraer así no sólo al máximo público posible, sino también a los patrocinadores. Pero los tiempos están a punto de cambiar… Por otro lado, un periódico pretende hundir la reputación de la joven estrella, por lo que enviará a su mejor reportera, Lexie Littleton.

No sé si os pasó lo mismo, pero cada vez que le preguntaba a alguien por esta película, qué le había parecido, me decían básicamente lo mismo. Que si parece una comedia de las de antes, y que George Clooney imita a (o se parece mucho o pretende ser) Cary Grant. Bueno, pensaba yo, tiene que ser una magnífica película si logra eso. Pero nadie me habló con entusiasmo, más bien como si al decir “de las de antes” estuviesen queriendo decir “anticuada”. Pero no es de extrañar. Como nos dice la misma película, los tiempos cambian, y el público también.

Las comedias de Ernst Lubitsch, Charles Chaplin, George Cukor, Frank Capra, Howard Hawks, Preston Sturges, etc., ya no tienen cabida en el tiempo presente. No se hacen así, ahora prima el chiste instantáneo, las situaciones escatológicas y las frases llenas de tacos. Bueno, tampoco debo pasarme, a fin de cuentas yo mismo me parto de risa con ‘Zoolander’, ‘El Reportero’ o ‘Supersalidos’... aunque no le lleguen ni por asomo a las suelas de los zapatos de ‘Ser o no Ser’, ‘La Costilla de Adán’ o ‘La Fiera de mi Niña’, por mencionar sólo tres, tres que tengo muy vivas en el recuerdo desde que era pequeñico.

¿Cualquier tiempo pasado fue mejor? No creo. ¡Qué visión tan negativa, pesimista y cerrada! Digamos lo otro que queda mejor, ya no se hacen películas así, el séptimo arte, como los otros, ha ido dejando atrás unas formas y unos discursos para adoptar o experimentar con otros. Lo clásico sigue ahí, para admirarlo, pero ya no se hace. Para bien y para mal. Bueno, en Pixar mantienen lo contrario y se están forrando y sus películas son consideradas obras maestras incluso antes de estrenarse, pero ésa es otra historia…

George Clooney no sólo es uno de los hombres más deseados del planeta y una de las estrellas más carismáticas de Hollywood, también es condenadamente listo. Y chulo. Es consciente de que el cine que a él le gusta, el que quiere hacer, ya no triunfa, pero le da igual. Para eso es George Clooney. Para eso ha tenido que hacer todo tipo de papeles en todo tipo de producciones, para tomar todo lo ganado (en dinero y en especie) y ponerlo en los proyectos que realmente le apasionan. No hay más que echar un ojo a las tres películas que tiene por el momento como director para comprobar qué cine lleva este señor en el corazón. Sin embargo, ya digo, Clooney es muy inteligente. Sabe que no puede presentar ‘Ella es el Partido’ al público actual sin ofrecerle un producto que, técnicamente, no parezca moderno.

Así, como ya pasara con sus películas dos anteriores, el director cuida al máximo la ambientación de la historia, rivalizando en este sentido con épicas superproducciones. Al público le encanta sentarse y que le planteen una historia en otra época, con todo lujo de detalles, es como viajar en el tiempo. También hace que piensen que la cosa que están viendo ha costado mucho dinero y eso siempre es un aspecto a tener muy en cuenta para la tranquilidad del espectador, que ha pagado un montoncito de euros por la entrada, las palomitas y el refresco (espero que algún día se haga algo contra los precios que alcanzan las bolsas de maíz y los vasos de cocacola aguado).

Del mismo modo, sabe que los nombres, el reparto protagonista, es importante de cara al respetable. Si en las dos anteriores se reservó un papel secundario por eso mismo, porque su cara en el cartel llama la atención, aquí, enamorado del personaje central, decide protagonizar una historia que requería a tres actores en estado de gracia para alcanzar el cielo (al que no llega). Clooney está a la altura, encarnando a un personaje encantador que le viene como anillo al dedo. Dicho esto, no acabo de entender porqué ahora hay tanto empeño en compararlo con Grant. Sí, recuerda a él al principio de la película, pero luego Clooney despega a su modo, dejando atrás el molde de referencia. Siguiendo con esto, en ‘Crueldad Intolerable’ considero que se parecía más a Grant que aquí, ¿nadie vio/recuerda esta divertida película? En cuanto a sus dos acompañantes, inesperadamente (al menos para mí), John Krasinski también brilla, pero Reneé Zellweger no.

El personaje de Zellweger es uno de los mayores problemas de la película. La actriz no encaja en el papel, y no sé bien si es porque no se preparó adecuadamente el trabajo, porque Clooney no ha sabido dirigirla del todo bien, o porque, sencillamente, se necesitaba a otra actriz. Personalmente, esta actriz me gusta, pero también me parece un poco irregular, capaz de ofrecer interpretaciones excelentes (‘Chicago’, ‘Cold Mountain’), eficaces (‘Abajo el Amor’, ‘Miss Potter’) o desastrosas (‘Cinderella Man’, ‘Bridget Jones: Sobreviviré’). Aquí no llega a sus peores registros, pero definitivamente no está a la altura de las circunstancias, intenta ser graciosa y no lo logra, intenta dar la réplica a Clooney y no puede, intenta despertar el cariño del público y no lo arranca. Una lástima, su gris trabajo no permite que la película sea mucho mejor.

Todo lo contrario que Krasinski, la sorpresa positiva de la película. El joven actor, conocido tal vez por su participación en la serie ‘The Office’ (serie cuyo éxito no entiendo, Steve Carell está insoportable), borda su personaje. Un personaje que en principio debería despertar nuestro favoritismo hacia el de Clooney, pero sólo sobre el papel; realmente, consigue que en más de un momento (la confesión me encantó) le entendamos y sintamos una gran empatía por él, deseando que triunfe y que todo le salga a la perfección. Interpreta con humanidad y frescura a un muchacho habilidoso y fuerte, que lo tiene todo (se lo han dado todo, ojo, es importante este matiz), salvo justo lo que más desea, a la reportera que interpreta Zellweger, que sólo está jugando con él. Krasinski y Clooney protagonizan las mejores escenas de la película, incluyendo un alocado y divertido duelo final, un partido más propio de dibujos animados.

‘Ella es el Partido’ tiene una duración de casi dos horas pero en ningún momento da la impresión de ello, quizá, es posible, se noten algunos pequeños bajones de interés, que hagan pensar, durante unos instantes, cómo se va a hacer para mantener el tren sobre las vías del entretenimiento. Bueno, a mi parecer, creo que esto se debe a que desde el principio sabemos cómo acabará todo, a que hay varios tramos de la película que resultan algo tópicos y donde su resolución está tan gastada que nuestro cerebro pone el piloto automático.

De hecho, le falta a la resolución de la historia un toque más emocionante, que te haga dudar un poco si las ideas que tienes en tu cabeza van a plasmarse (adecuada o inadecuadamente) en la pantalla. También podríamos criticar el toque tradicional que tiene la película en ciertos momentos, pero, claro, si pedimos fidelidad a la época en la que transcurre… Definitivamente, no estamos ante un producto perfecto, ni mucho menos, como tampoco lo era su película más conocida hasta ahora, ‘Buenas Noches y Buena Suerte’; interesante, sí, mucho, por el precioso reflejo de unos hechos reales, pero de ninguna manera una obra maestra. De hecho, si me preguntaran con cuál de las tres películas del Clooney director me quedo, no sabría cuál decir (‘Confesiones de una mente peligrosa’, ejem).

‘Ella es el Partido’ es un producto que el protagonista de ‘Michael Clayton’ ha preparado para pasárselo bien y, de paso, para hacérnoslo pasar bien a nosotros, los espectadores, a menudo maltratados por directores que prefieren que otros hagan su trabajo. A fin de cuentas, siempre van a parecer más inteligentes si un muchas personas, supuestamente inteligentes, ponen en sus productos todo lo que se les ocurre. Pero, como lo de Pixar, esto es otra historia…

En definitiva, si aún la proyectan en algún cine de tu localidad, o tienes la suerte de que ha llegado al islote paradisíaco donde estás pasando las vacaciones, y quieres pasar un rato agradable viendo una película divertida, ‘Ella es el Partido’ es una elección más que recomendable.

Posdata: Otra sencilla demostración de algo “sin importancia” de la que nos encanta discutir aquí. Comparad los dos vídeos (no es necesario verlos enteros para captar la idea):

• Otras críticas de la película en Blogdecine:

‘Ella es el partido’, sudor, barro y entretenimiento
‘Ella es el Partido’, George Clooney es Cary Grant

Si en las películas anteriores de George Clooney se intuía el amor que este hombre siente por los tiempos pasados, cinematográficamente hablando, en ‘Ella es el Partido’ no sólo queda ya completamente claro, sino que además semeja ser un film realizado en los años 30 ó 40, una de aquellas comedias de Howard Hawks o Preston Sturges, y con un Clooney realmente pletórico como actor dando vida a un personaje que le hubiera quedado de maravilla a Cary Grant. Es más, viendo la tercera película como director del carismático actor no hay un sólo plano en el que no nos venga a la mente el actor de títulos tan inolvidables como ‘La Fiera de mi Niña’ o ‘La Novia era Él’, ambas de Hawks.

Aunque si hay un título que hay que nombrar cuando hablamos del argumento de ‘Ella es el Partido’, ése es ‘Salve el Héroe Victorioso’, una desternillante comedia de Sturges, que guarda no pocos puntos de contacto con el film de Clooney en todo lo que se refiere a un personaje secundario alabado por su valentía en el campo de batalla durante la I Guerra Mundial, siendo todo una patraña de carácter propagandístico y político. Clooney no evita la denuncia, pero ante todo busca diversión, y lo consigue a pesar de cierto desastroso elemento.

‘Ella es el Partido’ está ambientada a finales de los años 20, justo antes de la Gran Depresión. Dodge es el capitán de un equipo de fútbol americano en la liga profesional en la que no se fija nadie. Éste es un deporte que tiene su apogeo en las liga universitaria. En ella un joven prometedor es seducido por Dodge para que forme parte del su equipo y de esta forma lograr que un montón de gente empiece a considerar este deporte como algo serio. La joven promesa es además un héroe de Guerra querido por todos, algo que una periodista sagaz y atrevida está dispuesta a demostrar que es mentira.

Clooney declara una vez más la que debe ser una de sus máximas: cualquier tiempo pasado fue mejor. Y lo enmarca en una comedia amable, simpática y muy entretenida, que por supuesto va a contracorriente, totalmente alejada d la moda imperante en el cine actual. De ahí que muy probablemente haya sido un fracaso, y es que el espectador de hoy día parece interesado únicamente en cine de rápido consumo, de disfrute inmediato, pero que no queda en la memoria (culpa de impresentables como Jerry Bruckheimer y compañía). Sin embargo Clooney nos ofrece el mismo tipo de cine, pero realizado a la manera de hace décadas, cine hecho para disfrutar pero con algo de miga. El actor director habla de un tiempo en el que el deporte era mejor por precisamente no haber reglas en él. La aparición de las mismas coincide con la irrupción de la corrupción en un deporte que, como todos, fue convirtiéndose poco a poco más en un negocio que otra cosa. Una ironía que Clooney estampa en nuestras narices, permaneciendo como un discurso de rabiosa actualidad. Por supuesto, la película también posee esa inocencia típica de los films de los años 30 ó 40, una inocencia hoy perdida porque a estas alturas ya nada nos asusta ni sorprende.

‘Ella es el Partido’ goza de una dirección artística ejemplar que nos traslada a los años 20 con todo lujo de detalles, por la que Clooney se mueve a sus anchas realizando un esmerado trabajo, aunque fracasa en parte en su dirección de actores, sobre todo Reneé Zellweger, y que supone el elemento desastroso antes mencionado. El amago éste de actriz se pasea por toda la película con una cara de asco que supera la de Stallone en sus peores interpretaciones, torciendo aún más la boca que él. El personaje para colmo es el menos interesante de todos. Aquí no tenemos uno de esos roles femeninos típicos de los films de antaño, bien escritos y sobre todo bien interpretados. La Zellweger parece de otra dimensión, y no tiene ni la más mínima química con el señor Clooney, quien se los come prácticamente a todos. John Krasinski, rescatado de la a ratos graciosa serie ‘The Office’ (el remake, claro) no tiene la malicia que su personaje requiere por momentos. Jonathan Pryce, que es algo así como su mentor, se lo come con patatas fritas, componiendo uno de esos personajes egoístas a los que sólo les interesa el dinero.

‘Ella es el Partido’, aparte de ser un horroroso título en español (el original es ‘Leatherheads’), no alcanza la magnificencia de ‘Buenas Noches, y Buena Suerte’, y se coloca a la altura de la ópera prima de Clooney, actor director que aún a pesar de no obtener el respaldo del público en ejercicios nostálgico como éste, hace lo que le viene en gana sin importarle demasiado lo que el espectador actual piense. Una buena película, no demasiado apasionante, pero en estos tiempos es casi un milagro.

En Blogdecine | ‘Ella es el partido’, sudor, barro y entretenimiento

Gracias a Comingsoon, que lo tienen en exclusiva, podemos disfrutar del póster de la nueva película como director de George Clooney (¿este tío no descansa nunca?), ‘Leatherheads’, que tras la interesante ‘Confesiones de una Mente Peligrosa’ y la magnífica ‘Buenas Noches, y Buena Suerte’, promete regalarnos otra demostración de su buen hacer tras las cámaras, o eso esperamos.

Clooney detrás y delante de la cámara, acompañado de la ahora repelente Renée Zellweger, John Krasinski y Jonathan Pryce, entre otros, tratarán de devolvernos el aroma de las películas clásicas americanas en las que se unían dos elementos tan comunes como el deporte y la comedia, más unas gotitas de amor. ¿Os acordáis de alguno de esos títulos? Se podría ir revisando alguno de ellos mientras esperamos al estreno de ‘Leatherheads’, que en nuestro país será el 6 de Junio.