Para qué cambiar algo si funciona, parece que dijo el director bilbaíno Enrique Urbizu después del éxito que le supuso ese gran thriller titulado ‘La Caja 507’. Así, reunió al mismo protagonista (José Coronado) al mismo guionista (Michel Gaztambide), director de fotografía (Carles Gusi), responsable de la banda sonora (Mario de Benito). Esta película es, sin embargo, más cuidada y más sencilla. ‘La vida mancha’ es toda una consagración de un cineasta con talento que puede incluirse, sin duda, entre las mejores películas españolas de lo que llevamos de siglo.

La que cuenta este film es una historia que, de cualquier manera, podría haber constituido un dramón de los que abundan en el cine de sobremesa, por su simpleza y porque lo que narra podría parecer que no es nada del otro mundo. Sólo parecer, ojo. En manos de Urbizu, con una puesta en escena que presume de un estilo único y atractivo, ‘La vida mancha’ es, por lo contrario, una película llena de matices, de momentos memorables, y que deja que José Coronado, en un papel que da muchísimo juego, se luzca durante la hora y cuarenta minutos que dura.

Es el relato de una familia a punto de desintegrarse. Fito (Juan Sanz) es un transportista adicto al juego que siempre pierde, y que no sabe qué hacer para vencer su ludopatía y llevar dinero a casa. Está casado con Juana (Zay Nuba), una bella administrativa que se resigna a la monotonía de su existencia con una actitud apática e inexpresiva. Las deudas con el banco están al acecho, haciendo que se acerque la hora de tener que vender la casa, y no saber cómo cuidar económicamente de Jon, el hijo pequeño de ambos.

Esta espiral negativa parece aparcarse, o acentuarse, según en qué aspectos, cuando Fito recibe la noticia de que va a visitarle por unos días Pedro (José Coronado), su hermano mayor. Pedro es un tipo extremadamente lacónico, del que poco o nada ha sabido Fito en varios años. Juana averigua que ha estado en el Reino Unido, que entiende de diamantes y que tiene mucho dinero. Pedro es un personaje complejísimo, con el que Coronado puede hacer una interpretación comedida pero muy efectiva. Habla poco, pero dice mucho con muy pocas palabras. Esto revela una minuciosidad exquisita en los diálogos, y un uso de los silencios que no aburre nunca, y que deja reposar en la mente del espectador la densidad de lo que se le está mostrando.

Pedro viene como una especie de salvación, que despierta una gran admiración en Juana y que sirve de modelo indiscutible para la caótica vida de Fito. Como durante su visita, “no tiene nada que hacer”, hace la compra, plancha y limpia la casa, recoge a Jon del colegio, y da paseos con Juana para despejarse. Fito, mientras tanto, dice haberse ido a Francia para un encargo especial, cuando en realidad está intentando conseguir dinero mediante el juego, con nefastos resultados.

Lo increíble de ‘La vida mancha’ es que, a pesar de sus trivialidades, de escenas de ritmo muy calmado, siempre entretiene. No se libra de ciertos clichés y de situaciones un tanto forzadas o inverosímiles, pero su mayor acierto es que los últimos veinte minutos son impresionantes. Ya de por sí el estilo visual engancha mucho, unido a la emotividad del conjunto, pero es que el final es antológico. SPOILER La historia de amor encubierta entre Juana y Pedro se hace, por fin, evidente. Pedro deja atrás su reservado carácter, y tras la euforia de recuperar miles de euros en una gloriosa partida de póker, es consciente de su condición de ángel de la guarda, y se atreve a decirle la verdad a Juana. Finalmente, las lágrimas de Pedro tras el rechazo, se confunden con la lluvia desde la ventanilla del avión. Una sucesión excelente de escenas adorables. FIN SPOILER.

Si no fuera por Coronado, la maestría de esta película no sería tal. La convicción con la que toma su personaje y hace que toda la película se apoya en él, se complementa con lo rico de la personalidad de Pedro, con todas sus ambigüedades, los enigmas que le rodean. Evade las preguntas que se le hacen sobre su vida personal, y en cambio muestra un interés especial en la situación de la familia de su hermano. Es un tipo dispuesto a dar sin recibir, en su sentido más literal, aunque se le adivina un pasado oscurísimo. Por cierto, que las pocas escenas en las que aparece el agente comercial de Círculo de Lectores las roba completamente.

‘La vida mancha’ es una película que fue increíblemente olvidada por los Goya, que sobresale por su serenidad, resulta apabullante en todos los apartados técnicos, y que abandera sin problemas el cine español actual. José Coronado en su interpretación más esmerada (junto con ‘La vida de nadie’). Esta película se propone impactar con muy pocas bases argumentales, y lo consigue. El guión de Gaztambide está lejos de ser perfecto, pero hay que agradecerle el impulso emotivo que sabe darle a la historia. ‘La vida mancha’ está dotada de una sensibilidad extraordinaria, aunque le falta cierta intensidad que la habría hecho redonda. Una película repleta de ternura, que hace pensar, y que está entre las mejores del cine patrio de los últimos años.

El cine español es un tema que me preocupa enormemente. Buscar buenos títulos de nuestro país hasta debajo de las piedras para llevarse de vez en cuando alguna sorpresa positiva es uno de mis hábitos a la hora de ver cine. Por eso, cuando un buen amigo me recomendó ‘La Caja 507’, mi primera reacción fue el escepticismo. “Es un thriller, como los que hacen los americanos”, me dijo. No sabía qué pensar ante aquello. Últimamente “los americanos” sacan thrillers como churros, con el típico giro sorpresivo final y el pulso psicológico entre los dos actores principales.

‘La Caja 507’ está dirigida por Enrique Urbizu (que recibió buenísimas críticas con otra película que tengo pendiente, ‘La Vida Mancha’) y protagonizada por Antonio Resines y José Coronado, a los que conocía más por esa infumable serie llamada ‘Los Serrano’ o por anunciar yogures, respectivamente, que por aparecer en buenos títulos del panorama cinematográfico. Con todo, me dispuse a ver la película, y en los primeros quince minutos ya sabía que el visionado estaba mereciendo la pena.

En un pueblo de la Costa del Sol, la hija del director de sucursal de banco Modesto Pardo (Resines) muere al acampar junto a su novio en una finca privada que se incendia por accidente. Una elipsis nos indica que años después, Modesto va al banco como cualquier día de diario, y una llamada de teléfono le avisa de que el banco va a ser atracado y que el secuestro de su mujer, enferma del corazón, garantiza su colaboración. Cuando los atracadores se llevan todo el botín procedente de las cajas de seguridad del sótano, Modesto es encerrado en el mismo sótano, y casualmente, entre una de las cajas abiertas (la 507 del título), encuentra una documentación que implica que el incendio que provocó la muerte de su hija fue intencionado.

Esta simple premisa, que tiene mucho de cotidiano y poco de extraordinario, es el eje en el que se apoya una sucesión de tramas de mayor o menor importancia. El atraco salpica a una espiral de corrupción que resulta ser totalmente profética si tenemos en cuenta que la película salió antes de la oleada de detenciones de la llamada ‘operación Malaya’. Modesto Pardo, tras conseguir salir del banco, mueve todos los hilos que tiene a su alcance para que nadie salga impune de la situación. Por su parte, el ex-policía Rafael Mazas (José Coronado), propietario del contenido de la caja 507, teme que los papeles que le acusan directamente salgan a la luz, ya que la finca incendiada es ahora un ambicioso proyecto inmobiliario en el que todos los responsables sacaron tajada, incluyendo al alcalde y a algunos cargos del gobierno.

Así, tenemos dos series paralelas de escenas en las que Modesto avanza en su investigación, de forma pacífica pero firme, y Rafael Mazas busca con desesperación a los atracadores del banco, para que le devuelvan los papeles de la caja 507. Unos papeles que, por supuesto, ha guardado Modesto para utilizarlos en contra de quien haga falta. Todo adornado con una diversidad de ambientaciones geográficas, que incluyen la Costa del Sol, La Línea y Marruecos.

Resulta muy creíble el comportamiento de Modesto, como un hombre corriente que tras enterrar el trauma de la muerte de su hija, revive su ímpetu al hacer el descubrimiento (muy a su pesar) y vengar el estado crítico de su esposa, gravemente herida tras el secuestro por parte de los atracadores. No así su excesiva sangre fría, impropia de un director de banco que de repente permanece impasible ante tamañas situaciones de corrupción y violencia. Por su parte, José Coronado construye de maravilla al villano, un implacable ex-policía en horas bajas, al que sólo le importa él mismo, y con el que el espectador es capaz de conectar a pesar de sus drásticos métodos, su permanente mala leche y sus perversas intenciones. Por tanto, ‘La Caja 507’ no es ni más ni menos que un duelo actoral entre Resines y Coronado, en el que personalmente creo que gana el segundo por muy poco. Entre los secundarios destaca Goya Toledo en el papel más sufrido de esta historia, representando el contrapunto

La película impacta además por su minuciosa factura visual, colorista e inmaculada, que se compone de muchos primeros planos que dan rienda suelta al talento de los protagonistas, junto a una lograda música de Mario de Benito, y un desarrollo argumental que, sobretodo en su segunda mitad, sí hace pensar en los thrillers americanos, con una mezcla entre ‘Fargo’ de los Coen y ‘Un plan sencillo’ de Sam Raimi. Es una Andalucía asfixiante, en la que no se puede uno fiar de nadie, y en la que el dinero viene dado por la corrupción. Choca, por ejemplo, que nadie hable andaluz (resulta creíble en Modesto, que revela que no es malagueño, pero no los demás), y que los mafiosos italianos parezcan más un complemento que una trama en sí mismo. Pero todo ello no eclipsa en absoluto las principales virtudes del film, que con los dos protagonistas, su intensa fotografía y su conseguido pulso narrativo fundamenta un título muy disfrutable, una pequeña alegría del cine español y una joya para todos los amantes del cine policiaco y el thriller psicológico. Totalmente recomendable.

El pasado 16 de mayo se estrenó ‘La Crisis Carnívora’, película de animación dirigida por Pedro Rivero. En Blogdecine hemos tenido la oportunidad de hablar con él y preguntarle sobre el film, el cine español y otras cuestiones que hemos considerado interesantes para vosotros, los lectores. Sin más, aquí os dejo con la entrevista, dividida en tres bloques:

Sobre ‘La Crisis Carnívora’:

• ¿Cómo surgió la idea: primero pensasteis que querías hacer una película en flash y luego le buscasteis una historia o teníais una historia que contar y se os ocurrió que una forma económica de hacerla era el flash?

Teníamos una preproducción preparada en el año 2003 para hacer la película en animación tradicional, pero no logramos financiarla, incluso tuvimos que cerrar la productora durante más de un año, pero como ya nos habíamos gastado 100 mil euros de una subvención que debíamos devolver si no hacíamos la película y yo no me resignaba a tirar todo el trabajo por la borda, buscamos el modo de poder realizarla a un coste más bajo, exactamente con el que me permitía la venta de mi casa; endeudarse más para quedar sin deudas. Después de un periplo buscando un estudio que aceptara el presupuesto que teníamos la conclusión fue que sólo podíamos hacerla en flash y en ese momento acudí a Nikodemo y ellos aceptaron el reto.

• ¿Cómo fue la relación con Nikodemo?

Acudí yo a ellos justo cuando empezaban a despegar con Cálico. Creo que aún no habían realizado “Historia de Amor”, su episodio emblemático. El caso es que les conté que había vendido mi casa y que tenía que hacer la película como sea y creo que les toqué el corazón, porque por mucho que sea atractiva la idea de que alguien te venga a ofrecer un dinero para que hagas un largo, también era un reto y una responsabilidad monstruosa que en aquel momento les caía demasiado pronto. Creo que con bastante inteligencia supieron decir que sí, añadiendo el proyecto a su currículum y aprovechando la oportunidad para asentarse como estudio sin que la película desmantelase sus propias prioridades creativas, que cada día están mejor afirmadas.

• ¿Qué tiempo os ha llevado realizar este proyecto? ¿Cómo fue la experiencia de estrenar la película?

Estuvimos dos años y medio garabateando el guión hasta su versión casi definitiva mientras perfilábamos el diseño. Después de eso, otro año y medio preparando la preproducción, haciendo pilotos, muestras y buscando la financiación. Tras un año de parón, en el que volví a revisar el guión, comenzamos ya la producción definitiva con Nikodemo, que duró algo más de un año entre adaptar todos los diseños a flash y realizar la animación. Desde ahí, prácticamente otro año para los procesos de postproducción de imagen, sonido, música y mezcla final. Y un año más hasta el estreno.

Al tratarse de un proceso tan largo, cada etapa la percibes dentro de un continuum, casi sin rango alguno, así que llegas al estreno tan sonámbulo como has estado durante todo el trayecto. Sé que estrenar es importante, pero no tengo la perspectiva suficiente como para valorarlo. Aún no.

• ¿A qué público va dirigida la película?

Creo que sobre todo a quien ha crecido viendo los Simpsons. Así que como llevan echándolos más de quince años, puedes coger una horquilla amplia de público, desde niños a alguien como yo que roza los cuarenta… En realidad, a todo espectador preparado para poder ver una revisión irreverente de la iconografía clásica de los dibujos de animales, tanto desde el gore como desde la sátira más irónica.

• La animación en Flash es la principal característica de la película, aspecto que ha despertado desconfianza en parte del público, que lo califican de “cutre”, algo que supongo ya esperabas, ¿cómo se vende un film como éste para que resulte atractivo, sobre todo cuando en cartelera está, por ejemplo, la cuarta de Indiana Jones?

Bueno, el flash puede ser cutre si tú lo haces cutre. En nuestro caso no da problemas de resolución de imagen, pero tampoco es preciosista, ni la historia lo exige, es más, le va casi mejor ese aspecto “tosco”. El resultado final está acorde con el presupuesto y el tiempo empleados para la realización de la animación. Y con cuando se hizo, hace dos años. Hoy en día, el propio Niko ha evolucionado desde las premisas que tenía entonces, donde insistía en no ocultar que se trataba de flash y daba mucha presencia al grosor de la línea y a no disfrazar las piezas. Con otro concepto diferente y sobre todo más tiempo y un equipo mejor preparado para ello, podíamos haber avanzado hasta una estética más similar a la de la animación tradicional, pero aún con todo, creo que en ningún caso se trata de un resultado deslucido ni hemos caído en una simplificación tan brutal como la de South Park. Igual nos hemos quedado en tierra de nadie, ni carne ni pescado… De todas maneras, el carácter cómico y provocador de la propuesta debiera ser gancho suficiente para un público que en privado presume de progre y librepensador, pero que luego acude en rebaño al cine a pastar palomitas viendo chorradas infantiles no animadas…

• ¿Con qué armas se compite en el cada vez más competitivo cine de animación?

Hay ligas diferentes. La de aquéllos que realizan un producto con un destinatario claro, público familiar e infantil, y eso les permite engordar en presupuesto y en promoción, y luego estamos los que no tenemos nada de eso, o por lo menos, nos falta una pata de la silla. Por otra parte, en lo que se refiere al producto en sí y no a su venta, la evolución sigue siendo constante, en técnica y diseño, pero creo que tarde o temprano esas líneas llegarán a cierto agotamiento y recuperará importancia avanzar en temática y narrativa argumental, no sólo visual.

• ¿Qué similitudes hay entre el personaje del Cálico electrónico y los protagonistas de La crisis carnívora? ¿Habéis seguido con la idea de tomar un personaje clásico y españolizarlo, como hicisteis con Cálico?

De partida son conceptos muy diferentes, aunque en su realización práctica han llegado a aproximarse porque, aunque la historia de “La Crisis Carnívora” tenga un ámbito más universal, el doblaje ha hecho de ella una película muy española, con todo ese lenguaje coloquial y la manera en que se dice. Al final, tienes a una parodia de superhéroe y a una versión malencarada de los animales de Disney hablando como si fueran humoristas.

• El tema ‘Hijo de puta más’ es de los creadores de ‘La hora Chanante’/’Muchachada Nui’. Y Joaquín Reyes hace un papel en ‘La crisis carnívora’, pero menor. En realidad su mayor presencia está en la página web. ¿Surgió la incorporación de Reyes a última hora, cuando comprasteis la canción? ¿O cuando él ya estaba incorporado os ofreció el tema?

La canción era uno de los momentos de gloria del día mientras se hizo la animación. Éramos unas quince personas en 40 metros cuadrados, en una calurosa primavera barcelonesa y escuchar la canción era el modo más pacífico de decirnos unos a otros lo que pensábamos de los demás, algo catártico… Y siendo como es la película, nos hicimos casi en broma la pregunta “¿y si la incorporamos a la peli?” Y fuimos a por ella. Después, una vez hecho el contacto con Joaquín, como nos faltaba un pequeño papel para la película, se lo ofrecimos y de paso le incorporamos al proyecto como el personaje del macaco exclusivo de la página web.

• Hay gente muy conocida que presta sus voces a los personajes, ¿cómo se unieron al proyecto?

Antes de que el proyecto se concretase habíamos tocado a Santiago Segura y a Faemino y Cansado. A Segura le gustó bastante pero no quiso comprometerse si no estaba totalmente financiado, vamos, que no quería meterse en algo que igual no saliera. Y Faemino sólo está interesado en su propio trabajo. De modo que cuando llegamos al acuerdo con Nikodemo y la película iba a ser una realidad pudimos plantearnos por primera vez hablar en firme con actores. A través de la asociación de guionistas yo conocía a Mario Pardo, Carlos Sobera y Óscar Terol, que aceptaron de forma inmediata. A partir de ahí hicimos un borrador completando el casting son actores vascos de doblaje, pero yo me resistía a utilizar locutores, pensaba que necesitábamos intérpretes que aportaran su personalidad a los personajes. Y empezamos a llamar. Primero a Pedro Reyes. Y cuando nos dijo que sí, nos fuimos lanzando a por los demás, con el colchón de que ya teníamos un par de nombres conocidos. Y así llegaron Enrique San Francisco, Álex Angulo, Pablo Carbonell e incluso José Coronado. De pronto teníamos un plantel acojonante, de ensueño, y podíamos haber continuado porque era tan completo que cualquiera hubiese estado dispuesto a sumarse. Todos aceptaron el trabajo por un precio casi simbólico atraídos por que fuesen dibujos animados y un proyecto tan cáustico. La verdad es que fueron muy valientes.

• Mientras el cine en las salas tiende a la espectacularización, tu apuesta es por una tecnología asociada a la web y a los contenidos gratuitos, ¿no es la tendencia la contraria, de cada vez más contenidos gratuitos? ¿Por qué estreno en cine y no en la web que es donde podría haber tenido más sentido?

Ocurre que “La Crisis Carnívora” nació siendo un proyecto de largometraje y la subvención que nos dio el Gobierno Vasco nos obligaba a filmarla en celuloide y estrenarla en cines. Visto el buen resultado de los primeros teasers uno se queda con las ganas de haber usado a los actores que hemos tenido para hacer mil pequeñas piezas para Internet, porque dan mucho de sí, pero también tiene un coste de producción para el cual nosotros, a diferencia de Nikodemo, no teníamos una infraestructura que pudiese soportarlo como contenidos gratuitos. Y de hecho acudir a estos intérpretes fue un componente promocional absolutamente necesario para poder completar la financiación de la película y terminarla, si no –y no quiero que se entienda que me parece superfluo el doblaje actual, todo lo contrario-, perfectamente podríamos haber hecho un doblaje más de batalla.

Sobre el cine español:

• ¿Qué opinas del cine de animación español?

Generalmente no me interesa. Creo que hay una generación de productores y realizadores educados y estancados en identificar la animación como un producto para niños que no hacen más que repetir viejos esquemas aunque cambien de software, mientras esos niños están de sobra preparados para algo mucho más audaz, como podría ser “Futurama” o “Padre de Familia”. Por el contrario, cualquier atisbo de otros rumbos, como “Gritos en el Pasillo” o nuestra propia película se siguen haciendo desde una debilidad industrial que nos impide profundizar técnica y promocionalmente hacia productos de suficiente solvencia como las series que he citado.

• ¿Crees que el cine español está alejado del público?

Bueno, una clase de cine, sí. Pero hay otro que ha conquistado al público joven, desde “El Día de la Bestia” a “Torrente”, pasando por “Airbag”. Digamos que el cine español está aún en esa fase en que sólo puede competir con el americano cuando recurre a la comedia localista, lo que no es mucho si miramos hacia atrás y vemos “Yo hice a Roque III”. Hará falta un crecimiento de la industria mucho mayor para que puedan hacerse thrillers y dramas realmente universales. Pero no podemos olvidarnos de los resultados cosechados por “El Laberinto del Fauno” o “Los Otros”.

• ¿Piensas que falta autocrítica en el cine español?

Lo que falta es mayor preparación y mejor planificación, porque nuestra industria es tan débil que por mucho que trabajemos lo hacemos mal. Todos hacemos de todo y nada lo suficientemente bien. Es un problema de falta de oferta y por lo tanto de especialización. No tiene ningún sentido que yo haya acabado siendo guionista, director y productor de esta película, y como el mío, hay muchos más casos a cualquier tipo de escala. Por otra parte, el sistema de ayudas termina siendo pernicioso porque condiciona el tipo de películas que se pueden hacer sin riesgo económico y limita cualquier variable nueva.

• ¿Ves un cambio en el cine español? Si es así, ¿qué directores crees que lo representan?

Espero que haya un cambio con las próximas generaciones de realizadores, mucho más especializados en géneros concretos. Se ha podido comprobar que partiendo de una industria debilitada sólo se afirman quienes mantienen una directriz clara desde sus comienzos, Balagueró, Del Toro… No sé quiénes vendrán ni si se mantendrán dentro del cine español, que igual termina siendo lo que ahora se dice de los cortometrajes: una escuela.

Sobre gustos, influencias y más cine:

• ¿Qué cine y qué directores te gustan?

Después de haber hecho “la película de los hijos de puta” cualquier cosa que diga puede resultar ridícula, pero también he escrito drama y teatro y sé muy bien dónde estoy, así que no tengo reparos en hablar de David Lynch, un renovador continuo del lenguaje cinematográfico que me atrapó con “El Hombre Elefante” a los once años. Por lo demás, yo me he curtido siguiendo a todos los “duros”: Bergman, Tarkovsky, Kurosawa, Resnais, Welles antes que a Hitchcock o Wilder. Si bien en los últimos años soy cada vez más receptivo al cine comercial y de género.

• ¿Tu película de animación favorita?

Creo que “Mi Vecino Totoro” y “La Princesa Mononoke” de Miyazaki tienen momentos de un lirismo tan fuerte que me conmocionan con sólo recordarlas. Pero no puedo dejar de mencionar “Futurama” o más recientemente “Ratatouille”, ese plano en el que “el malo” evoca emocionado su infancia tras probar un bocado es de lo mejor que he visto nunca en una película animada. Aunque durante muchos años he guardado en mi memoria como una impresión imborrable la causada por “La Bella Durmiente” de Disney. Creo que tendría tres o cuatro años y salí del cine dando tumbos, algo que sólo me ha ocurrido más tarde cuando vi “The Wall”. Pero si me tengo que quedar con una te diría “Dumbo”, me van los elefantes…

• ¿Qué películas han influido en tu trabajo?

Refiriéndome a la película, todo está en el “Robin Hood” de Disney y en “NIMH” de Don Bluth. La idea de un microcosmos animal organizado al modo humano, con parlamento y todo, fue el primer germen de “La Crisis Carnívora”, y buena parte de los personajes son el resultado de llevar conmigo desde la infancia esa versión de Robin Hood.

• ¿Tu próximo proyecto?

En realidad, hacer “La Crisis Carnívora” sólo me lo planteé en un principio como un proyecto sencillo y abordable para ponerme en el mapa con el propósito de realizar otro proyecto más complicado y de mayor presupuesto… Nueve años después de ese pensamiento, no sé si tengo energías para enfrentarme a algo así, pero de momento estoy terminando el guión. Yo lo llamo “Meteoro”, como se llamó aquí la serie de “Speed Racer”, y es una historia nuevamente ambientada en un mundo animal, en este caso futurista y con un deporte de masas de por medio, dirigida esta vez a un público más general… de momento.

Vamos a echar un ojo al cine patrio, que también se hace. El próximo 16 de mayo llegará a nuestros cines ‘La Crisis Carnívora’, la primera película realizada en animación flash para la gran pantalla (eso mantienen sus responsables, yo no lo he comprobado). “Gamberra” y de producción española, la historia de la película parte de la siguiente premisa: “¿Qué pasaría si los animales heredasen la tierra?”.

‘La Crisis Carnívora’ ha sido dirigida por Pedro Rivero y a los animalicos les han prestado sus voces señores tan conocidos como Enrique San Francisco, Pablo Carbonell, Pedro Reyes, Álex Angulo, José Coronado y Carlos Sobera, entre otros. ¿Qué opináis del trailer? Pinta bien, ¿no? ¿¿NO?? Vale, no es Pixar, leñe, ¿pero es que todo tiene que ser j********* perfecto?

Más Información | Web oficial de la película

El día 11 de abril se estrena ‘Todos estamos invitados’, un drama de Manuel Gutiérrez Aragón que inauguró el Festival de Cine Español de Málaga y que parte de un guión sobre el conflicto vasco escrito por Manuel Gutiérrez Aragón y Ángeles González-Sinde, la presidenta de la Academia de Cine Español.

‘Todos estamos invitados’ está protagonizado por Óscar Jaenada, José Coronado, Iñaki Miramón, Adolfo Fernández Kike Díaz de Rada y Vanessa Incontrada, entre otros.

El joven Josu ha resultado herido al intentar saltarse un control de la guardia civil después de haber incendiado un camión. Una bala ha impactado en el lóbulo izquierdo y ha perdido la memoria. Es tratado en un hospital penitenciario, a la espera de lo que decidan el juez y la autoridad competente. Él no sabe muy bien quién es, por lo que las monjas que lo atienden le enseñan a rezar y a ser un buen cristiano. Pero otros internos –de su misma organización— le le ayudan a recordar que él es, en realidad, un valiente gudari, y que pronto podrá reincorporarse a la lucha, si es que consigue salir de la cárcel.

Mientras tanto, los sucesos siguen su curso en el País Vasco. Un profesor de Universidad, Xabier, es amenazado por sus opiniones muy críticas sobre la situación en Euskadi. Es un poco donjuán. Tiene amores con una de sus alumnas, Francesca, italiana, que naturalmente se sorprende todos los días ante lo que está sucediendo por las calles y lugares de Euskadi. Francesca, bella y simpática, es además psicóloga en un establecimiento psiquiátrico.

Xabier no renuncia a ir a las cenas de su sociedad gastronómica pese a las advertencias que recibe por parte de la policía.

Una serie de comidas y cenas se repiten mientras Josu Jon, el activista desmemoriado, vuelve a escena, pero siempre bajo la supervisión de un centro psiquiátrico, precisamente el centro psiquiátrico en el que trabaja Francesca.

Entre Francesca y Josu Jon hay una corriente de simpatía. Francesca quiere ayudarle a recobrar la memoria. Pero ¿quiere Josu Jon recobrar la memoria o prefiere olvidar quién ha sido?

Fuente | Alta Films.

Me gusta el cine de Ventura Pons, por su sencillez, sus diálogos, su naturalidad a la hora de mostrar el sexo, la vida, o el amor, y su habilidad para conjugar equilibradamente la comedia con el drama.

Todos esos ingredientes se encuentran en Animales heridos (Animals ferits), un film coral (palabra que está muy de moda últimamente) que entremezcla las historias de tres parejas, con sus respectivos desengaños, infidelidades, neuras, y momentos de ilusoria felicidad.

Basándose, como ya habíamos comentado, en tres cuentos del libro Animales tristes (Animals tristos) de Jordi Puntí, Ventura Pons ha conseguido un guión ágil, ameno y redondo, que por momentos, destila auténtica poesía a través de la voz de su narrador, Abel Folk.

El resto del reparto está compuesto por José Coronado, Aitana Sánchez-Gijón, Cecilia Rosseto, Marc Cartes, Cristina Plazas, Patricia Arredondo, y Gerardo Zamora, que comparten tanto el protagonismo, como la calidad de sus interpretaciones. Aunque en el cartel y en el trailer de la película sólo aparezcan los dos primeros, por ser los más conocidos a nivel nacional.

También destaca la música de Carles Cases, siempre presente, y la fotografía de Rafa Lluch, que consigue transmitir, la luz y el aire mediterráneo, de una Barcelona de diseño, y un Cadaqués, pintoresco como nunca.

Una recomendable película para alquilar en DVD, donde todo se mezcla, incluso el catalán con el castellano, (imprescindible verla en V.O.S.) para demostrar que hay tantas maneras de perder el amor, como inventos para intentar superar el desengaño.

Web oficial | Animales heridos

Esta noche se celebra en el cine Callao de Madrid, un estreno benéfico de ‘La dama boba’, del director Manuel Iborra. Los beneficios obtenidos irán a parar a la Asociación Española Contra El Cáncer (AECC). El precio de la entrada es de 10€ y el nº de teléfono de venta de entradas es el 91 398 59 45 (AECC) para aquellos que quieran asistir.

La película es una adaptación de Lope de Vega y tiene como protagonistas a Silvia Abascal, Verónica Forqué, José Coronado, Antonio Resines y Paco León. En la información sobre los estrenos de esta semana se puede leer más acerca de la película.