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Joseph Cotten

'Ciudadano Kane', setenta años de un mito

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“Siempre me atraganté con la cuchara de plata” – Charles Foster Kane

No soy partidario de los consensos. Siempre hay algo de vaguería intelectual, de resignación o conformismo en todos ellos. Desde mediados de los años cincuenta (no desde su estreno en 1941), la crítica norteamericana y, por arrastre, la del resto del mundo, ha considerado a ‘Ciudadano Kane’ (‘Citizen Kane’, Orson Welles) la mejor película de la historia del cine. Y en las listas de las revistas especializadas, cada vez que se lleva a cabo una votación entre las 10 o 100 mejores, este título encabeza la lista de manera invariable. Pretender elegir una película, entre las muchas grandes películas de la historia, ya me parece una osadía, incluso para los que las han visto todas y han reflexionado a fondo sobre cada una de ellas (¿acaso alguien puede?). Pero es que existen numerosos factores que confluyen en la creación de este magno pedazo de celuloide, sobre todo la cristalización de diversos valores técnicos, narrativos y artísticos, estrictamente cinematográficos, y la importante fecha en que tuvo lugar su realización, y por todo esto es lógico que ‘Ciudadano Kane’ sea una de las películas más importantes e influyentes en la corta historia de este arte todavía en desarrollo.

En mi personal experiencia con la filmografía de este cineasta inigualable (a quien le queda pequeña la expresión indómito), tengo títulos que me emocionan mucho más y que recuerdo con mucha mayor pasión, como ‘El cuarto mandamiento’ (‘The Magnificent Ambersons’, 1942), ‘Sed de mal’ (‘Touch of Evil’, 1958) o ‘Campanadas a medianoche’ (‘Chimes at Midnight’, 1962), pero no hay duda de que Kane, deslumbrante, pasmoso debut a los veinticinco años de un hombre que ya había triunfado en teatro y en el medio radiofónico (con su mítica locución de ‘La guerra de los mundos’) merece todos los elogios por adelantarse varias décadas a su tiempo y porque lo hizo, no hablando del poderoso empresario William Randolph Hearst como si de un poético biopic se tratase, sino simplemente de George Orson Welles, en una de las más apasionantes confesiones fílmicas (muchos han dicho que todo arte es una forma de confesión) que se recuerdan, empezando por el final (la muerte), pasando al principio (las preguntas sin respuesta) y concluyendo por el misterio y el enigma infranqueables, expresados por esa altísima verja de metal que encierra (y vuelve inexpugnable) el castillo de los recuerdos llamado Xanadu.

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'El abominable Dr. Phibes': la grotesca historia de una venganza

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‘El abominable Dr. Phibes’ es una de esas joyas de la serie B, una extraña película que mezcla una historia de terror con retazos de humor y todo vestido de un toque kitch, que resulta difícil de calificar. Pero esta producción de 1971 protagonizada por Vincent Price y dirigida por Robert Fuest, es una película que ha conseguido convertirse en una pieza de culto. Tiene todos los ingredientes para ello. Es la historia de una venganza grotesca, macabra, hilarante por momentos y que roza el surrealismo en otros.

Con todo, ‘El abominable Dr. Phibes’ es una película altamente recomendable, que no ha pasado a los anales de la historia del cine como una obra cumbre, pero tiene algo que consigue enganchar, que la hace disfrutable e incluso fascina.

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'Buried', cine de acción en una caja

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Ser enterrado vivo es, sin ningún género de duda, el más terrorífico extremo que jamás haya caído en suerte a un simple mortal.

-Edgar Allan Poe (‘El entierro prematuro’)

Por fin he visto uno de los ‘hypes’ de la temporada, ‘Buried’, del español Rodrigo Cortés. ¿Había para tanto? ¿Hay que saludar a un nuevo genio del cinematógrafo? Sin sacar las cosas de quicio, diré ya que ‘Buried’ me parece un excelente film y su director, alguien a tener en cuenta desde ya. El comienzo de la película no deja lugar a dudas: títulos de crédito de la escuela de Saul Bass, banda sonora con reminiscencias a ‘Vértigo’ (id, 1958) ...todo ello indica al espectador de la mejor de las maneras que se va mover —es un decir— por un mundo que ya conoce, el del maestro del suspense, Alfred Hitchcock.

Y es que el influjo del gordo director inglés es más que evidente, tanto en los rasgos estilísticos antes citados, como en la situación límite que presenta el film. Hitchcock ya había jugado con los espacios únicos en algunas de sus películas, como es el caso del apartamento de los dos asesinos donde transcurre la totalidad de ‘La soga’ (‘The Rope’, 1948), o el bote a la deriva de ‘Náufragos’ (‘Lifeboat’, 1944). Pero hay un fantástico episodio de la mítica serie ‘Alfred Hitchcock presenta’ que juraría que ha visto el señor Cortés: se trata de ‘Breakdown’—podéis verla en tres partes en este enlace— dirigido por el propio Hitchcock y en el que Joseph Cotten, el protagonista, sufre un accidente y se queda completamente inmovilizado, hasta el punto de que todo el mundo lo da por muerto. Lo que sigue son minutos de angustia y ansiedad donde asistimos a la lucha del protagonista para evitar que lo entierren vivo. Pues bien, la película de Rodrigo Cortés comienza donde todo termina. Bajo tierra.

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'El tercer hombre', curiosidades sobre el clásico de Carol Reed

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Se trata de un entrañable clásico de 1949, con algunas escenas inolvidables y con una banda sonora (especialmente el tema principal para cítara de Anton Karas) que pertenece a la memoria musical de cualquier cinéfilo que se precie. Y es que ‘El tercer hombre’, es de esas cintas que forman parte destacada en los libros de historia del cine. Aglutina algunos ingredientes que la convierten en memorable: la mencionada banda sonora, la aparición de Orson Welles (y no sólo actuando) en el papel de Harry Lime, el manejo del suspense, las imágenes de Viena (la noria o las cloacas), la impresionante fotografía en blanco y negro de Robert Krasker,...

Este título, ambientado en el período de posguerra, se basaba en la historia del escritor Graham Greene, quien primero la noveló y luego adaptó el guión junto a Alexander Korda, aunque cuenta la leyenda que Welles realizó sus particulares aportaciones. Parece evidente que su presencia fue capital (y existen estudios que profundizan en su influencia), pero en cualquier caso la historia, protagonizada por Joseph Cotten, está considerada como una de las mejores de la filmografía británica.

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'Cuando el Destino nos Alcance', no hay futuro

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Soylent Green

Recientemente, como sabéis, falleció una de las estrellas más brillantes y populares de Hollywood, el actor Charlon Heston. Como imagino que muchos de vosotros, quise hacerle un pequeño homenaje revisando una de sus películas. Un actor al que hay que admirar por muchos de sus trabajos (‘Ben-Hur’ o ‘Sed de Mal’, imprescindibles) pero al que yo recordaré siempre por haber protagonizado esa obra maestra de la ciencia ficción titulada ‘El Planeta de los Simios’, una de mis películas favoritas, que más me impactaron de niño, y que aún hoy consigue inquietar y hacer reflexionar, por atacar a la raza más evolucionada del planeta. ‘Cuando el Destino nos Alcance’ sigue por esta senda, criticando al ser humano, al que quizá habría que ir llamado “ser inhumano”.

La historia de ‘Cuando el Destino nos Alcance’ (‘Soylent Green’, 1973) nos sitúa en el año 2022, en una Nueva York superpoblada, miserable, y con un calor asfixiante, debido al efecto invernadero. Un policía recibe el encargo de resolver el crimen de uno de los directivos de la poderosa Soylent, la compañía que controla la distribución de alimento.

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'Estambul' ¿de Norman Foster o de Orson Welles?

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Hoy he recuperado este clásico, que ya había visto hace muchos años, pero sobre el que apenas recordaba nada. Su título original es ‘Journey Into Fear’, o sea, algo así como ‘Viaje al Miedo’, pero eran demasiadas palabras para que nuestro inteligente traductor de títulos de películas las tradujese todas, asi que optó por el más cómodo ‘Estambul’, que es precisamente donde se desarrolla la mayor parte de la acción.

‘Estambul’ fue empezada por Orson Welles, quien a saber por qué dejó de filmarla, teniendo que sustituirle Norman Foster, quien también la montó. Welles, que interviene en el film como actor declaró en alguna ocasión que su participación en el mismo sólo fue como intérprete. Sin embargo, echándole un visionado al film, enseguida nos damos cuenta de que eso no se lo creía ni él. Foster no poseía la garra narrativa y visual de Welles, y es muy fácil adivinar qué escenas realizó Welles y cuáles Foster. Esa división en la dirección lastra en consideración una película realizada posteriormente a dos de las más grandes obras maestras del Séptimo Arte: ‘Ciudadano Kane’ y ‘El Cuarto Mandamiento’, realizadas cuando Welles tenía tan sólo 26 y 27 años. Casi nada.

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