‘Resurrecting the Champ’ se titula en nuestro país ‘El último asalto’. Resulta casi irónico que la película no vaya a estrenarse en salas comerciales. A punto de ello estuvo hace unos meses, pero ahora sus distribuidores han decidido, sin la más mínima explicación, relegarla al mercado del dvd, editándose en dicho formato a finales del próximo mes de Septiembre sólo en alquiler. No nos hayamos ante una buena película, pero ésta contiene la que muy probablemente sea la mejor interpretación de Samuel L. Jackson en los últimos años (habría que retroceder hasta ‘Al límite de la verdad’ o ‘El protegido’ para ver al actor en estado de gracia). Una de esas interpretaciones por las que merece la pena ver una película por muy mala que ésta sea.

‘El último asalto’ está inspirada en un artículo aparecido en el magazine de Los Angeles Times en la década de los 90. En él se narraba cómo un periodista se había topado por casualidad con una vieja gloria del boxeo que acabó siendo un indigente. Con dicho artículo se trató de resucitar en cierta medida al campeón, de devolverle algo de gloria a alguien que había representado tanto para muchos.

Rod Lurie, que nos había sorprendido con la estupenda ‘Candidata al poder’, cae en todos los topicazos de este tipo de historias, que amparándose en el famoso “basada en hechos reales” da casi por hecho que tenemos que tragarnos todo lo que sale en el film simple y llanamente porque los hechos narrados en el mismo ocurrieron. Vale que no estamos ante algo difícil de asumir, o ante una historia tan increíble que necesitemos de ese rótulo para tragárnosla, pero el cine es otro mundo, y algo que pueda darse con facilidad en la vida real, dentro del celuloide puede ser la cosa más difícil de creer por algo tan sencillo como que el guión está mal escrito.

En ‘El último asalto’ ocurren las cosas sólo porque sí. El periodista se encuentra con el vagabundo en el momento justo de su vida sólo porque sí, le entrevista sin hacer la más mínima averiguación sobre lo que le cuenta, sólo porque sí. Publica el artículo sin corroborar absolutamente nada sólo porque sí. Y lo que en la vida real fue algo totalmente cierto y palpable, en el film suena forzado y casi ridículo, perdiendo así una oportunidad de oro para hablar de algo que la película sólo toca de refilón: la autenticidad en los trabajos periodísticos y de paso, la autenticidad de los propios periodistas, hasta dónde son capaces de llegar por conseguir reconocimiento. A cambio de eso, la misma termina cayendo en las obviedades más descaradas con un tono telefilmesco que tira por tierra todas sus posibilidades. Y aunque a Rod Lurie se le va algo de empeño en su puesta en escena, sobria y elegante, poco puede hacer por dar vida a un guión lleno de lugares comunes que no despiertan ningún interés.

Es Samuel L. Jackson el único aliciente de ‘El último asalto’. Es su interpretación la que está muy por encima de un más que facilón guión. El tono de su voz, impecable trabajo de transformación, expresa más que todo lo que su personaje pueda contarle al periodista ansioso por escribir algo por lo que puedan recordarle. Sus gestos, esta vez nada exagerados, hablan de tiempos pasados con mucha más eficacia que las palabras escritas en cualquier artículo. Y su mirada, perdida en otra época de mayor fortuna, se lamenta más por sus errores que todas las confesiones que pueda hacer en un momento de confianza. Es una pena que el guión no explote más algunas de las situaciones que se presentan en el relato, y también que caiga en salidas de tono (el chico que quiere darle una paliza). Y también es una pena que junten a Jackson con un actor de la talla de Josh Hartnett, que simplemente no da la talla, valga la redundancia. Su personaje requería de alguien con mayores dotes dramáticas, o de alguien que sea capaz de poner más de dos expresiones distintas. Por el film también se pasean Alan Alda, en un personaje muy poco aprovechado; Teri Hatcher, en una de las escenas más increíbles de la película; Kathryn Morris, sin cambiar ni un sólo pelo de su look en ‘Caso abierto’; y un irreconocible Peter Coyote, en dos de los instantes más acertados del film.

‘El último asalto’ es una floja película que nada aporta al cine, salvo una interpretación de altura que, lo que son las cosas, pasará desapercibida por culpa de su fracaso comercial (lógico por otro lado). Una pena lo de Rod Lurie, con lo que prometía con films como el protagonizado por Joan Allen y Jeff Bridges. Ya se encuentra ultimando su nuevo trabajo, también de corte periodístico, ‘Nothing but the Truth’, y visto su argumento, veo que Lurie está obsesionado con la “verdad”. ¿Y quién no?

Ron “Hellboy” Perlman ha sido el último en incorporarse al reparto protagonista de ‘Bunraku’, donde interpretará al malo de turno en esta película de acción que promete beber de una extraña mezcla de influencias (desde los cómics a los videojuegos, pasando por el expresionismo alemán) y un estilo visual parecidico al de ‘Sin City’ (otra más).

La historia de ‘Bunraku’ se centra en el personaje de Josh Hartnett, un hombre sin hogar que se asocia con un samurai para hundir el negocio de un jefe mafioso (Perlman). Demi Moore, Woody Harrelson, Kevin McKidd, Jordi Mollà y Shun Sugata son otros de los actores que participan en el film, escrito por Guy Moshe, quien también dirigirá.

Vía | Dark Horizons

Parece que David Slade va camino de convertirse, con sólo dos películas en su haber, en el rey de la vacuidad. Sus productos son formalmente, y únicamente, impecables, e incluso podemos encontrarnos con alguna interpretación sobresaliente, como el caso de la impagable Ellen Page (va camino de convertirse en una grandísima actriz) en la sobrevaloradísima ‘Hard Candy’. Con ‘30 Días de Oscuridad’ (‘30 Days of Night’, 2007) se ha sumergido en un terreno más conocido y transitado, o en dos, habría que decir. Por un lado, el cine de terror, y concretamente el subgénero, por llamarlo así, de los vampiros; y por otro, el de las adaptaciones de cómic. No he leído la novela gráfica en la que está basada, 30 Días de Noche (¿por qué extraña razón no habrán titulado la película exactamente igual?), obra de Steve Niles y Ben Templesmith, así que desconozco si existe o no fidelidad a la misma. Desde luego, la idea planteada en ella, me parece simple y llanamente genial.

El argumento de ‘30 Días de Oscuridad’ no ofrece mucha complicación: en un pueblo de Alaska, Barrow, en el que durante el verano la noche dura 30 días, aparecerán una raza de vampiros sedientos de sangre, que dispuestos a sacar provecho de una noche tan larga, se alimentarán de los habitantes. Un pequeño grupo de lugareños, intentarán sobrevivir todo el mes hasta que la soñada luz del sol pueda volver a bañar sus rostros.

La historia no se complica demasiado, va directa al grano, y no desarrolla absolutamente nada. Esto juega bastante en su contra, porque la película se toma su tiempo (un tiempo muerto) para presentarnos a los villanos de la función, a las verdaderas estrellas: unos vampiros absolutamente fascinantes, cargados de una aplastante presencia, que por primera vez no se nos presentan como seres atormentados por su maldición, ni como majestuosos caballeros con nombre rumano. Los vampiros de ‘30 Días de Oscuridad’ son auténticos animales y como tal se comportan, algo que le infiere un carácter terrorífico verdaderamente logrado. Salvo el cabecilla, los demás no hablan, emiten sonidos, aullidos y rugidos espeluznantes que ponen la piel de gallina. No sabemos de donde vienen, no explican demasiado sobre ellos, y no interactúan demasiado (a zamparse a los humanos, y listo). Y curiosamente no lo necesitamos, nos llega con su perturbadora presencia.

Una presencia comandada por un perfecto Danny Huston, hijo de un director mítico, que borda su papel de vampiro jefe. Sería injusto no nombrar las excelencias de los maquilladores, que proporcionan credibilidad a los vampiros. Atención a esos dientes que se escapan de los típicos colmillos de toda la vida. Huston me parece lo mejor de la película, sobre todo porque es un personaje atípico en un actor tan “serio” como él, y desde luego se nota que se lo ha pasado de miedo, nunca mejor dicho, interpretando a un no-muerto. Ningún actor del reparto está a su altura, dejando a un lado que además tienen personajes mucho menos interesantes. Josh Hartnett no molesta tanto como de costumbre, pero sigue siendo buenísimo en no expresar absolutamente nada. Y Ben Foster realiza un personaje en principio importante en la trama, y luego totalmente inútil (es evidente que su personaje va a acabar como acaba, pero me parece una forma muy facilona de resolverlo).

David Slade tiene cierta mano para el aspecto visual. Además, cualquiera se resiste a un marco tan perfecto: un pueblo aislado por la eterna noche, que semeja ser un infierno bañado en blanco por esa nieve que parece separar al pueblo del resto del mundo. Hay tomas muy inspiradas en la película, como esa aérea recorriendo la localidad mientras vemos como la horda de vampiros van eliminando a los humanos. Pero no hay mucho más. Por muy preciosista que sea la puesta en escena, el film adolece de muchos fallos, como por ejemplo el no sabe situar geográficamente a los personajes con un mínimo de coherencia: en cada cambio de plano nos despistan, por lo que nunca sabemos a ciencia cierta dónde están los humanos y dónde los vampiros. Por no hablar de lo mal empleadas que están las elipsis: de repente han pasado un montón de días, cuando se tiene la sensación de que sólo han sido unas horas. Si a eso sumamos que hay personajes que hacen acto de presencia porque sí, que la atmósfera no está nada conseguida, y mucho menos el clímax de terror, y que los mejores diálogos sólo los pronuncia el vampiro jefe (antológico su “No God” a una víctima que suplica y nombra a Dios), pues no tenemos mucho donde rascar.

Al final, que tarda en llegar, porque si otra cosa de la que peca la película es que es demasiado larga, nos quedamos con el sabor de la decepción en los labios. Decepción porque aquí había una oportunidad única (no hubo que idearla) de hacer algo bueno en un género que parece haber explorado todo tipo de variaciones. Una película muy floja, que incluso aburre y roza el ridículo (esa pelea final, que termina de redondear lo mal que están realizadas las secuencias de acción), de la que sólo recordaremos esos vampiros tan bestias, y también las bestialidades que cometen los mismos, y en las que Slade no se corta ni un pelo, ofreciéndonos alguna que otra escena gore que hará las delicias de los amantes de la hemoglobina: ya era hora de que decapitar a un vampiro, o a un humano mordido por uno de ellos, costase lo suyo.

Hartnett tiene como compañeros de reparto al siempre estupendo Elias Koteas, a los asiáticos Takuya Kimura (visto en ‘2046’), Lee Byung-Hun (el protagonista de ‘A Bittersweet Life’) y Shawn Yue (vista en ‘Juego Sucio’), ¡e incluso al español Eusebio Poncela! La película está siendo dirigida por el vietnamita Anh Hung Tran (‘Cyclo’), en inglés, que se vende mejor, y tiene un presupuesto de 18 millones de dólares (poquito). A ver qué sale de aquí, no pinta nada mal.

Vía | DarkHorizons

Bueno, ya queda menos. Muchos (me incluyo) estamos impacientes por comprobar qué ha hecho David Slade con el cómic de ‘30 Days of Night’ (‘30 Días de Noche’). Os recuerdo que es una obra que podéis adquirir en cualquier establecimiento medianamente decente. Yo ya lo hice. Y supongo que han tenido que inventar bastante para el guión de la película, porque la “novela gráfica” (ejem) apenas tiene material para una hora. Mola, ¿eh?, especialmente el dibujo, pero no tiene mucho donde rascar para un film de duración estándar. Esperemos que ocurra como con ‘300’ y lo añadido no perjudique el conjunto.

Aprovechando la salida de estos nuevos carteles de ‘30 Days of Night’, recordemos que la película se estrena el 19 de octubre en Estados Unidos y que en su reparto destacan Josh Hartnett (a ver cómo responde el público a cierto giro de la historia que este actor tendrá que protagonizar), Danny Huston, Melissa George y Ben Foster. Para España no hay fecha de estreno aún. Ya tardan.

Vía | Worstpreviews

Lo cierto es que después de ver el trailer, hay que reconocer que la película tiene muy buena pinta. David Slade patinó en ‘Hard Candy’ pero quizá aquí parece que puede ofrecernos algo de calidad. ‘30 Days of Night’ narra el enfrentamiento de un grupo de vampiros con los lugareños de un pueblo en el que tienen la mala suerte de permanecer en la oscuridad 30 días seguidos, algo que los vampiretes aprovecharán de lo lindo.

Interpretada, si se puede decir así, por Josh Harnett y Ben Foster, entre otros, la película se estrena el próximo 19 de Octubre en los USA, y por aquí ni se sabe. A ver si nos ofrecen una buena película de vampiros, que desde la sensacional ‘Los Viajeros de la Noche’ no nos ha caido ninguna.

Vía | IGN

Josh Hartnett es el principal reclamo de la dramática ‘August’, como refleja este pobre póster. El film es una producción independiente que ha dirigido Austin Chick y cuya historia gira alrededor de dos hermanos que intentan sacar a flote su compañía financiera en Wall Street un mes antes de los atentados terroristas del 11 de septiembre. Suerte.

Junto a Hartnett, completan el reparto principal Naomie Harris (en los cines ahora con la tercera parte de ‘Piratas del Caribe’), Rip Torn, Adam Scott y David Bowie. Aún no hay fecha para el estreno.

Vía | MovieJungle

A menudo se utilizan símbolos fálicos para hacer un chiste o un guiño a aquellos que se den cuenta. Pero más a menudo aún se detectan símbolos fálicos donde no los hay. Creo que es el caso del cartel de ‘Men in Black’, en el que algunas personas, claramente mal pensadas, han creído ver el sesgo de un miembro masculino en unas inocentes arrugas del brazo de una chaqueta. Claro que, así resaltado como se ve en esta imagen, pues parece que sí se asemeja algo:

En cuanto a carteles hechos con esa indudable intención, podríamos poner estos ejemplos:

En ’40 días y 40 noches’, el erótico, aunque no muy buen actor Josh Hartnett, tenía que mantener abstinencia durante más de un mes. Y así se quedaba el chaval. No nos extraña. Aquí se podría hacer el chiste de ‘Austin Power’s 2’ en el que un cruce entre dos comunicaciones resultaba con el siguiente diálogo:
—Parece un inmenso po…
—John…

Pero sobre lo que sí que se han hecho muchas especulaciones es sobre la posible inclusión de un pene en el castillo de ‘La sirenita’, una inocente e infantil película de Disney. Dicen que no fue “detectado” mientras la película estaba en los cines. Cuando apareció la edición en vídeo, sin embargo, alguien lo vio. Algunas fuentes dicen que fue intencionado, pero que en el último momento, el dibujante se dio cuenta de que era demasiado obvio y se lo comentó al ejecutivo de Disney. Como iban con mucha prisa, lo entregó de todas formas, pero con el ofrecimiento de redibujarlo si se lo pedían. No volvieron a contactar con él sobre el tema. Otra fuente dice que el dibujante no se había dado cuenta y de que supo de la existencia del rumor, cuando éste ya se había extendido, a través de un miembro de su grupo eclesiástico.

Pero la cosa no acabaría ahí. Según cuentan las leyendas urbanas, dentro de la película ‘La sirenita’ (‘The Little Mermaid’) aparece un cura con una erección, que al final resulta ser la rodilla.

En ‘El rey león’ (‘The Lion King’) – esa película en la que Disney plagió descaradamente a Tezuka y por la que finalmente tuvo que pagar a los herederos del dios del manga— se supone que el polvo escribe la palabra “sexo”, en inglés. Se dijo luego que eran las iniciales SFX, es decir, special effects (FX se pronuncia en inglés casi igual que effects), efectos especiales.

Y lo ya retorcido del todo, alguien ha escuchado a Aladino (‘Aladdin’) decir: “buenos adolesentes, quitáos la ropa” (“good teenagers, take off your clothes”). Lo que en teoría decía era: “C’mon . . . good kitty. Take off and go” y se dirigía al gatito Rajah, pero cuentan que había una mezcla de sonido muy rara que hacía que cada mitad de la frase aparentase provenir de un hablante diferente.

Parece que es una broma habitual que los dibujantes de Disney quieran colar figuras sin que nadie se dé cuenta. Se habló también de que la nave del cartel de ‘Independence Day’ tenía tres círculos que se asemajaban a la cara de Mickey Mouse.

Vía: Archives

A Brian De Palma siempre le ha interesado más el despliegue formal cinéfilo que la historia que cuenta. En él es habitual ignorar en cierto modo el guión y preocuparse poco de si resulta comprensible, si fluye bien o si no funciona en absoluto. ‘La Dalia Negra’ no es una excepción. Nos encontramos ante una película bien rodada, con una ambientación de cine negro muy lograda, y que resulta agradable de ver, pero que es demencial en cuanto a su historia y desvergonzada en la forma en la que se narra. Todo esto, que suena a crítica negativa, en realidad son los mismos argumentos que daría un fan De Brian de Palma para defenderla. Pues, junto con un alarde estético que pocos pueden alcanzar, en general son esas salidas de tono, esos “me-da-igual” o “en-tu-cara” que suelta el director con sus escenas lo que hace que se le aprecie como autor.

Lo que más introduce esta película en el género negro son esos diálogos tan cuidadosamente escritos, que probablemente son de lo poco que el director ha respetado de la novela original en la que se basa: el homónimo de James Ellroy, autor que ha dado pie a infinidad de adaptaciones cinematográficas, entre ellas ‘L. A. Confidential’ o ‘Stay Clean’ (adaptación de ‘Killer on the Road’), y que probablemente es mucho más clásico que De Palma.

Lo que ocurre debido a todas estas opciones estéticas es que resulta muy difícil entrar en la historia, no ya por lo poco clara que resulta, sino porque se trasluce una sensación de frialdad, de ser ajenos a ella, que el director contagia a los espectadores y por la cual estás viendo la película desde fuera, sin poder sentir nada, sino simplemente observar las decisiones de realización de De Palma.

Aunque podría comentarse cualquier escena para sacar las mismas conclusiones, quiero quedarme en concreto con la de un asesinato (no os digo de quién) mostrado a través de sombras y siluetas. Esta secuencia excesiva, imposible, artificial a más no poder, es la que define la actitud de De Palma ante la película.

Las localizaciones se han ubicado en países del este de Europa, donde se encontraban esas fábricas y esos almacenes que tan acertadamente encajan en la atmósfera. La fotografía, en general es muy bonita, pero como otra marca e la casa, De Palma emplea los “glows”, o brillos difuminados de los elementos blancos, sin pudor. Entre los alardes visuales está el elaborado movimiento de grúa que describe con muchos matices un espacio donde ocurre un doble asesinato. Eso sí, estamos lejos de los 13 virtuosos minutos — con sus trampillas — del plano-secuencia que abría ‘Snake Eyes’.

El guión está lleno de aspectos absurdos y de detalles que parecerían indicar algo, como por ejemplo que mientras está presente el personaje de Scarlett Johansson no sale el de Hilary Swank y viceversa, pero que luego no llevan a nada. Un final de nuevo descabellado, con más giros que una carretera de montaña, remata ya la sensación de haber visto algo demencial.

Los personajes también son desaforados, desatados… De Palma. La madre del personaje de Hilary Swank, por ejemplo, tiene sus momentos de revelaciones increíbles con una exageración que ni las divas de Hollywood más hiperdramáticas llegaban a rozar jamás.

Josh Hartnett está correcto, lo cual en él ya es decir mucho. Lo vimos hace unos meses en ‘El caso Slevin’, film mucho mejor que éste. Aunque nunca ha sido un actor muy admirable, parece que va mejorando. De Scarlett Johansson, aunque no me resulte tan guapa como a Teresa, ni siquiera tanto como se suele decir, tengo que admitir que es una genial actriz. Tanto en este papel de femme fatale, como en el de friqui de ‘Scoop’, Woody Allen, la joven actriz demuestra unas dotes interpretativas increíbles. Por supuesto, Hilary Swank está de maravilla, pero ¿acaso no lo ha estado siempre? Aaron Eckhart, ese actor que me dejó de piedra por su despliegue en ‘Gracias por fumar’, está también muy adecuado.

De nuevo De Palma trata el tema del lesbianismo, como en ‘Femme Fatale, película que era aún mucho más depravada y degenerada que ésta. Sus films digamos más dirigidos a un público genérico, como ‘Los intocables de Elliot Ness’ o ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito’s Way’), son lo que yo acepto con más comodidad. Aunque puedo apreciar algunos detalles un tanto sórdidos de otras de sus películas, en general se me presentan demasiado abstraídas y ensimismadas y esa afición por pasarse el guión por algún sitio que no es por delante de los ojos para leerlo, no suele ser de mi agrado.

Aquí se puede ver el trailer.

Se puede leer aquí cómo fue acogida esta película en Venecia.

Más sobre la película y el director en Blogdecine.

Pero tonterías aparte, el guión de ‘El caso Slevin’ (‘Lucky Number Slevin’, 2006) es uno de esos que se disfrutan como pocos. Sin llegar a estar a la altura de las grandísimas ‘Sospechosos habituales’ o ‘El sexto sentido’, sí se puede decir que se acerca a su capacidad de sorpresa con el giro final. En cuanto a su estructura, su ritmo y la soltura de sus diálogos (que probablemente perderán mucho en el doblaje) y también por tener un actor en común, recuerda ligeramente a ‘Pulp Ficition’. Es cierto que el guión, de Jason Smilovic tiene trampas, pero sería imposible señalarlas aquí sin desvelar parte o toda la sorpresa. Aunque todo hay que decirlo: sólo con haberos advertido de que va a haber una sorpresa, ya os la estoy medio adelantando, pues iréis al cine con mil ojos pensando por dónde va a salir el giro y así seguro que lo adivináis.

El trailer ya puede verse. La película estará en nuestras pantallas desde el viernes, 7 de abril.

Un rato después, un par de matones entra en la casa creyendo que Slevin es Nick Fisher, el dueño. Le llevan a hablar con El Jefe (Morgan Freeman). Aquí es muy importante apuntar (aunque ya lo haya dicho) que durante todo el viaje y la entrevista, Hartnett no lleva puesto nada más que la toalla. El jefe está enfadado porque la banda de El Rabino (Sir Ben Kingsley) ha matado a su hijo. Así que obliga a Slevin a que mate a La Reinona, hijo de El Rabino, como venganza. Slevin se ve desde ese momento envuelto en una guerra de bandas de la que no puede zafarse porque su amigo, Nick Fisher, con quien todos le confunden, les debía dinero tanto a unos como a otros.

Su director, Paul McGuigan, hasta ahora se había encargado de ‘Obsesión’ (‘Wicker Park’), remake de la coproducción hispanofrancoitaliana ‘El apartamento’, protagonizado también por Hartnett y por la actriz alemana Diane Kruger. Esta cinta era otro thriller con confusión de identidades y reminiscencias de ‘Vertigo’, de Hitchcock, sin embargo, no estaba muy lograda y el protagonista de ’40 días y 40 noches’, ‘Black Hawk derribado’ (‘Black Hawk Down’) y ‘Hollywood departamento de homicidios’ (‘Hollywood Homicide’), no resultaba muy convincente. McGuigan—que, por si no lo habíais adivinado por su apellido, es escocés—cuenta con pocos títulos en su filmografía y uno de ellos, ‘El misterio de Wells’, es una coproducción hispanobritánica, protagonizada por Paul Bettany y Marián Aguilera, y con no demasiada buena pinta.

Así que ‘El caso Slevin’ no sólo sorprende por su trama, sino también por los buenos resultados en la dirección y la interpretación del protagonista. Probablemente el guión ha ayudado mucho y el director, que no hace una mala labor en cuanto a realización, ritmo, puesta en escena y dirección de actores, aún se está engrasando. Por lo tanto, si sus futuros trabajos siguen la línea de su última película, debemos atender con interés a ver qué más puede ofrecernos.