Este viernes 27 de enero se estrena en los cine españoles ‘J. Edgar’, la última película hasta la fecha como director de Clint Eastwood, uno de los directores más respetados de Hollywood, y uno de los últimos exponentes del cine clásico americano. En esta ocasión, ha tomado como base a J. Edgar Hoover, el responsable de que el FBI sea una de las organizaciones más respetadas de USA, contando con la colaboración en el guión de Dustin Lance Black, autor también el libreto del biopic sobre Harvey Milk que protagonizó Sean Penn. Tanto guionista como actor lograron llevarse un Oscar por su trabajo en ‘Mi nombre es Harver Milk’, algo que será imposible que suceda en ‘J. Edgar’, ya que no ha conseguido ni una sola nominación para los Oscar 2012.

Eastwood ha contado con un presupuesto de 35 millones de dólares (algo escaso si tenemos en cuenta que Leonardo DiCaprio, protagonista de la cinta, es uno de los actores más solicitados actualmente) para sacar adelante un ambicioso proyecto que recreara varias etapas de la historia americana del siglo pasado. Por ahora, ya ha recaudado 37 millones en la taquilla americana y otros 20 en el resto del mundo, aunque lo cierto es que se esperaba que tuviera unos resultados económicos algo mejores. Seguramente, la tibia recepción crítica ha ayudado a que el público no se anime a ir en masa a los cines a verla, ya que nos encontramos con quizá la película dirigida por Clint Eastwood de los últimos 20 años que peores críticas ha tenido, a lo que hay que sumar que la recepción que tuvo ‘Más allá de la vida’, su anterior trabajo, tampoco fue precisamente entusiasta.

El reparto de ‘J. Edgar’

Clint Eastwood está considerado como el último gran director clásico de Hollywood, pero eso es algo que prácticamente nadie esperaba cuando comenzó su carrera como actor en los años 50 del siglo pasado con pequeñas apariciones en cintas como ‘Tarántula’. Sin embargo, fue en los 60 cuando su carrera despegó al protagonizar la famosa trilogía de spaghetti westerns dirigida por Sergio Leone. Poco después, dio el salto a la dirección con ‘Escalofrío en la noche’ y siguió dirigiendo de forma constante desde entonces, pero el auténtico reconocimiento crítico no le llegó hasta el estreno de ‘Sin perdón’, por la cual consiguió ganar el Oscar a mejor director. Desde entonces su carrera ha estado marcado por el respeto y el aprecio tanto de crítica como de público, regalándonos grandes películas como ‘Un mundo perfecto’, ‘Los puentes de Madison’ o ‘Million Dollar Baby’. En 2008 pareció cerrar su ciclo como actor en ‘Gran Torino’, pero hace unos meses se confirmó su aparición en ‘Trouble with the Curve’, que es además la primera película que protagoniza sin ser el director desde ‘En línea de fuego’ en 1993. Si queréis conocer de forma más detallada su carrera podéis echar un vistazo al especial que mi compañero Alberto le está dedicando en Blogdecine.

La gran estrella de ‘J. Edgar’ es Leonardo DiCaprio, el joven actor que fue catapultado a la fama por su aparición en ‘Titanic’ (aunque ya había sido nominado al Oscar con anterioridad por su presencia en ‘¿A quién ama Gilbert Grape?’), la cual también le regaló la antipatía de cierto sector del público, el cual no empezó a tomárselo realmente en serio hasta su papel en ‘Atrápame si puedes’, la mejor película que ha dirigido Steven Spielberg en los últimos tiempos. A partir de ahí, ha ido ganando cada vez más prestigio en la industria, sin por ello dejar de aparecer en películas que reportaban pingües beneficios a sus productoras. Su relación profesional más asentada es con Martin Scorsese, con el cual por ahora ya ha colaborado en cuatro ocasiones (‘Gangs of New York’, ‘El aviador’, ‘Infiltrados’, y ‘Shutter Island’). Otra cosa que ha cuidado mucho DiCaprio es el participar en un número muy limitado de películas, pero con un interés especial, y no salir en cualquier cosa a cambio de un cheque sustancioso. El siguiente director de culto con el que va a colaborar es Quentin Tarantino en ‘Django Unchained’.

No obstante, pese a la absoluta supremacía de DiCaprio, ‘J.Edgar’ cuenta con un reparto trabajado en el que también encontraremos a, entre otros, Naomi Watts, Armie Hammer, Josh Lucas y Judi Dench. Todos ellos dan vida a personas vitales en la vida del protagonista, sin los cuales su vida hubiese sido muy diferente. Watts, la gran revelación de hace unos años en ‘Mulholland Drive’, da vida a la fiel secretaria de DiCaprio, la cual respetó sus deseos hasta más allá de su muerte. Hammer, al que algunos recordaréis por dar vida a los hermanos Winklevoss en ‘La red social’, es el fiel compañero y gran amigo de Hoover, el único miembro activo del FBI en el que podía confiar para cualquier cosa. Por su parte, Judi Dench, una actriz que no necesita presentación, es la represiva y tradicional madre del protagonista, la cual es la gran guía moral de Hoover, y cuya muerte trastocó sobremanera su vida. Por último, Josh Lucas, protagonista de la reciente teleserie que continúa las andanzas del protagonista de ‘La Tapadera’, es Charles Lindbergh, el famoso aviador que aparece en la función porque el caso del secuestro de su hijo fue el trampolín de la carrera de Hoover dentro del FBI. Sin ese caso, Hoover jamás hubiese podido desarrollar la agencia hasta los límites que tanto le obsesionaban.

Sinopsis de la película ‘J. Edgar’

A lo largo de su vida, J. Edgar Hoover llegó a ser el hombre más poderoso de Estados Unidos. Durante sus casi 50 años como director del FBI (Oficina Federal de Investigación), no hubo nada que le impidiera proteger a su país. Hoover sobrevivió a ocho presidentes y a tres guerras, luchando contra amenazas reales e inminentes y saltándose las reglas a menudo con el fin de mantener a salvo a sus compatriotas. Sus métodos eran tan despiadados como heroicos, siendo la admiración del mundo su premio más codiciado y a la vez el más difícil de alcanzar. Hoover era un hombre que daba mucha importancia a los secretos, especialmente a los de los demás, y que no temía usar esa información para ejercer autoridad sobre las figuras líderes de la nación. Comprendiendo que el conocimiento es poder y que el miedo representa oportunidad, utilizó ambos elementos para ganar una influencia sin precedentes y construirse una reputación que era tan formidable como intocable. Preservaba su vida privada igual que la pública, permitiendo solo a unos cuantos formar parte de su pequeño y custodiado círculo de confianza. Su compañero más cercano, Clyde Tolson, también era su amigo más fiel. Su secretaria, Helen Gandy, quizá la persona que mejor conocía sus planes, fue leal hasta el final y más allá. Únicamente le abandonó su madre, quien fue su inspiración y su conciencia, y cuya muerte destrozó a un hijo que siempre buscó su amor y su aprobación. A través de los ojos del propio Hoover, ‘J. Edgar’ explora la vida y las relaciones públicas y privadas de un hombre que podía distorsionar la verdad con la misma facilidad con la que la defendió durante una vida dedicada a su propia idea de la justicia, a menudo dominada por el lado más oscuro del poder.

Cartel y tráiler de ‘J. Edgar’

Lo que ha dicho la crítica sobre ‘J. Edgar’:

Siendo fiel al carácter discreto de Eastwood, ‘J. Edgar’ ofrece un tratamiento respetuoso a un tema potencialmente escandaloso, pero un enfoque algo más atrevido a lo Oliver Stone podría haber conseguido una película más viva.

(Variety)

La solemne dirección de Eastwood, el torpe guión de Dustin Lance Black y el cadavérico maquillaje de envejecimiento conspiran para distanciarse de la narración histórica y emocional. Es como un trabajo en cera parcialmente animado.

(The Wall Street Journal)

A pesar de estar sepultado bajo capas de látex, DiCaprio es una rugiente maravilla como J.Edgar Hoover. Incluso aunque la película falla en sus grandes ambiciones, no te la puedes quitar de la cabeza.

(Rolling Stone)

Eastwood renuncia a su ritmo parsimonioso por algo más rápido y conversacional, convirtiendo a ‘J.Edgar’ en un ensayo dramático sobre cómo se fusionaron la ley y la represión, el heroísmo y la corrupción, en la persona de Hoover

(Entertainment Weekly)

Una sorprendente colaboración que aborda sus retos más difíciles con credibilidad y buen gusto, al tiempo que ofrece un elaborado punto de vista cáustico al controvertido comportamiento, público y privado, del personaje.

(The Hollywood Reporter)

Una confusa selección de momentos históricos que cobra vida cuando su fascinante historia humana (...) se pone al frente. (...) Como siempre, cuando Eastwood vuelve su mirada compasiva sobre las debilidades y las emociones de sus personajes, la película vuela

(Screendaily)

“No tiene sentido estar chalado si no puedes divertirte un poco” – John Nash

En una crítica cinematográfica abundan expresiones como “buena” o “mala” película, y sus equivalentes. Pero hay otras que, quizá, debieran emplearse con mayor asiduidad ya que dan una idea mucho más nítida al lector de lo que se quiere decir, por mucho que se esté de acuerdo o no. “Mediocre” es una expresión que suena fatal, si bien quiere decir que el título en cuestión, o el artista, está en la media, lo que no es necesariamente negativo. Otra expresión que suena muy mal es “deforme”, es decir, algo cuya forma es completamente equivocada, desastrosa o inútil, y que sirve para muchas películas que vemos, aunque se usa muy poco. Eso sí, a la película de Ron Howard ‘Una mente maravillosa’ (‘A Beautiful Mind’, 2001) le va a la perfección, porque aunque podrían utilizarse otras que yo, por ejemplo, utilizo mucho (grotesca, mentirosa, vacía, inepta, tendenciosa, incluso abyecta), lo que más llama la atención, viéndola una vez más, es lo equivocada que está en su forma, pues siempre, siempre, importa infinitamente más cómo se hace el arte a qué se quiere contar con ese arte.

‘Una mente maravillosa’ pertenece a esa estirpe de películas que uno, en su ingenuidad, y en pleno siglo XXI, creería ya extinguidas, pero te descubres muy equivocado. De esas que te cuentan la historia de personajes casi angelicales, cuya vida queda trastornada por la tragedia (aquí, en forma de esquizofrenia paranoide aguda) pero que, pese a todo, triunfan en la vida, vencen a la adversidad, crecen como personas y terminan su historia felices y demostrando que el espíritu humano es extraordinario. Nada en contra, realmente, si esta clase de productos, destinados al disfrute de los espectadores menos exigentes, pasara desapercibido. Pero luego recibe importantes premios, atención mediática e importantes dividendos en taquilla, y ya la cosa cambia. Me veo en la obligación moral de denunciar que se ha aupado a los altares (por suerte, no por todos los que la vieron) a un producto que no se lo merecía en absoluto. No ya por mala película, algo tan relativo y hasta superficial, sobre todo porque pocas veces he tenido la sensación de que se de “gato por liebre” de una forma tan descarada. Y de formas hablamos, que a la hora de escribir críticas de cine, es lo que más debería importarnos.

Carta a Ron Howard

Señor Howard, dice usted mismo, y otros lo han corroborado, que frente a su mesa de trabajo posee usted un cartel que reza: “¿Cómo lo haría Martin Scorsese”?. Magnífica iniciativa, sin duda, aunque viendo el trabajo de usted, da la impresión de que, más que procurar buscar formas cinematográficas dignas del trabajo de ese eminente director, usted se dedique a hacer todo lo contrario. Baste ver ‘Toro salvaje’ (‘Raging Bull’, Scorsese, 1980), en la que, con insuperable pudor, compasión ilimitada, salvaje grafismo y escaso aprecio por la taquilla, el maestro italoamericano nos contaba el ascenso y caída de un sujeto arrasado por el dolor, la violencia y el autodesprecio: un paranoico cuya tragedia nos estremece hasta la médula. Baste verla, y luego ver ‘Una mente maravillosa’ para darse cuenta de lo que digo. Mientras Scorsese cuenta su propia historia a través de la de Jake LaMotta en una búsqueda desesperada de redención fílmica, usted, en connivencia con Akiva Goldsman, da la impresión de que lo que busca es un material apropiado para manipular a las masas, tocarles la fibra sensible, arrasar en taquilla, y obtener el Oscar al mejor director. Desde luego, logró todos esos objetivos, de modo que hablamos de un éxito en su empresa, aunque un fracaso total en ese otro asunto que es hacer gran cine.

Usted, señor Howard, es uno de esos niños mimados de Hollywood, que estuvieron en el lugar justo y en el momento propicio (y ese lugar y momento tienen un título, la magistral ‘American Graffiti’ (id, George Lucas, 1973), que tantas cosas significó), y cuya carrera como director es la quintaesencia de la mediocridad. Pero, ya se sabe, si se quiere triunfar hoy día se requiere de una condición imprescindible: ser un mediocre absoluto. Atienda, Ron: un director es un individuo que se dedica a investigar, sobre todo, en las formas, sin tomar jamás al espectador por imbécil (por mucho que haya algunos que lo pidan a gritos). Contar una historia real, además, implica una honestidad a prueba de bombas, más aún si es la historia de un hombre que ha sufrido indeciblemente una de las enfermedades más aterradoras que quepa imaginar. No se puede, por razones obvias, convertir esa enfermedad en un espectáculo audiovisual para que el respetable crea que está viendo una buena película. Momentos como el primer plano de Crowe, con una lágrima cayéndole por el rostro después de ser inyectado con insulina, o el plano cenital con su cuerpo convulsionándose en el hospital, provocan las ganas de vomitar por la zafiedad, el mal gusto, el morbo fácil, lo tendencioso de unas imágenes que deberían aspirar a la contención y a la compasión. No le voy a mentir, Ron.

Pero más allá de decisiones de guión y de representación, algo profundamente amorfo sacude la secuencia de eventos de su película. Exceptuando el breve lapso en que Nash, ya medicado, se enfrenta a una vida gris (y ya llegaré a eso), todo lo que se nos muestra está en el lugar equivocado, y es descarado el intento de ofrecer un espectáculo vibrante con un asunto, enfrentarse a una enfermedad espantosa, que ya de por sí debería bastar. Me explico: aunque lo que se nos promete es la historia de un hombre que un día descubre que gran parte de su vida es una mentira porque su mente le está suministrando hechos falsos, lo que obtenemos es un pastiche descabellado, en el que tienen lugar los códigos del cine negro, los del melodrama romántico más meloso, los del cine de suspense más trillado. ¿Por qué? Para mí la respuesta es fácil: a usted, a su guionista Goldman, y a sus productores y actores, les importa bien poco la historia de Nash, realmente. Se aprovechan de ella para engañar al espectador, utilizando el punto de vista de un hombre muy enfermo para que el espectador no sepa si lo que ve es falso o verdadero, lo que es una decisión lamentable, pues así pueden emplear esos códigos genéricos, “entreteniendo” al espectador, antes que centrarse en el terrible drama personal que, se supone, es lo que les interesa.

De esta manera, pasamos de los años universitarios, al matrimonio feliz de Nash, y de ahí a una historia de suspense, y de ahí...a que todo, o casi todo, lo que se nos ha contado es mentira. Muchas gracias, señor Howard. Por otra parte, Russell Crowe, un gran actor desperdiciado, que con ese cuerpo de gimnasio esculpido en la escuela de gladiadores y esos ojos azules de golfo irredento no pega mucho como matemático, cae en la incoherencia más absoluta a la hora de interpretar a su personaje, pues ora es un tipo seguro de sí mismo y seductor, ora es un individuo mezquino y sin personalidad, ora es genial, ora es un cobarde, un valiente, y así hasta el infinito. Entregado, además, a toda una colección de tics de actor, su caracterización es opaca y sería imposible empatizar con él si, como ya hemos comentado, usted Howard no procurara mostrarnos momentos terribles con el mayor morbo posible, para así exigir nuestra pena y nuestra atención. Tan exagerado es todo que cuando por fin accedemos a las imágenes inventadas por la mente de Nash, producen más risa que terror o pena, pues tu puesta en escena, Ron Howard, carece de empatía, tanto con tu personaje protagonista como con el espectador.

Ahora bien, de pronto, cuando a Nash le medican y deja de ser matemático, algo de cine vemos en pantalla. De pronto, ya no hay cine negro, ni cine romántico, ni cine de terror. Simplemente accedemos a la vida diaria, tediosa y sin esperanza, de este matrimonio. Y algo de verdad y de dolor auténtico puede sentir el espectador. Hay más cine ahí que en todo lo demás. Lamentablemente, dura muy poco, y una vez Nash decide no tomar más su medicación, y somos testigos de su enorme esfuerzo para distinguir, sin ayuda de las drogas, lo que es real y lo que no, todo vuelve a derrumbarse. Porque, señor director Howard, ganador de uno de los Oscar a mejor director más injustos de la historia, todo lo que no sea narrado en tiempo real, es inservible para el espectador, pues sólo lo que se percibe como una segunda realidad vale para algo. Y contar la lucha de Nash a lo largo de décadas por alejar sus fantasmas y las imágenes terribles que le acosan, mientras se convierte en un famoso matemático, eso es la historia que, en teoría, tú deberías contar, algo despachas en cinco minutos a base de elipsis, sin la menor fuerza dramática, sin aportar nada al espectador ni al cine. Este sub-producto no es más que otra oda al American Way of Life, al esfuérzate y triunfarás, al cine convertido en cuentacuentos infantiles.

Ayer se estrenaba ‘El inocente’ (‘The Lincoln Lawyer’, 2011), una película de Brad Furman de la que podría llamar la atención el reparto, compuesto por Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Margarita Levieva, Frances Fisher, Bryan Cranston y Michael Peña.

Este thriller judicial nos habla de un abogado con métodos poco ortodoxos, que busca sus clientes donde puede y que los atiende al teléfono desde el asiento trasero de su cochazo —el Lincoln del título original—, conducido por un tipo de dudosa calaña, como lo son el resto de los colaboradores y defendidos del protagonista. La suerte de este picapleitos de tres al cuarto parece que podría cambiar cuando una adinerada familia le pide que se encargue de la defensa del joven heredero, un playboy de Beverly Hills. Lo que en apariencia es un caso de libro, que no tendría por qué dar problemas, irá mostrando un cariz cada vez más complicado y llegará a poner en peligro la integridad del abogado.

Furman, un director casi novato —en 2007 rodó ‘The Take’, que fue directa al DVD, y ya prepara su siguiente proyecto: ‘Cry Macho’—, nos lleva a través de la forma de operar del protagonista y de sus conocidos a base de una realización actual y dinámica, que utiliza la cámara en mano y los cortos zooms de recolocación. La banda sonora con canciones bien escogidas nos va introduciendo con mucho ritmo en este mundillo que, ya desde el principio, nos despierta una curiosidad. Personajes peculiares, encarnados con credibilidad por sus actores —nunca McConaughey había estado tan convincente—, completan esta atrayente presentación que predispone con ganas de ver el resto del film, tanto como predispondría a ver una serie basada en estos individuos si estuviésemos ante un capítulo piloto.

Giros y ardides

Lo que más destaca de este film es el guion firmado por John Romano basándose en la novela homónima de Michael Connelly. Nos quejamos de que se escriben casi más adaptaciones que guiones originales, pero si el resultado es superior, entonces habrá que conformarse con ello. Entre los alicientes hallamos unos diálogos con brío y fuerza y buenos personajes.

La base argumental, es decir, el caso judicial que ocupa al protagonista, así como los giros y sorpresas que se van suscitando a medida que avanza la historia están urdidos con genialidad. Este tipo de astucia a la hora de desarrollar un guion o una novela parece que se está apreciando cada vez menos y que, por ese motivo, comienza a desaparecer del cine y mantiene su lugar en televisión. Personalmente, me recreo mucho estos cambios de rumbo de la historia, así como las estratagemas ingeniosas llevadas a cabo por los personajes y considero que su escritura requiere inteligencia por parte de los creadores, por lo que me alegro de que no se haya perdido por completo la posibilidad de disfrutarlos.

Otro de los aportes curiosos es la inclusión de flashbacks narrados desde dos miradas diferentes, en los que se cuenta una mentira y la verdad. No indico con ello que nos encontremos ante una estructura en varios puntos de vista, como la que Kurosawa imprimió a ‘Rashomon’ o la del ‘Hero’ de Zhang Yimou, sino ante una forma diferente de introducir estos recuerdos: por parejas, uno real y otro falso. Hasta no hace demasiado tiempo, se consideraba que un flashback solo podía decir verdad, por ser un recurso que parecía provenir de la objetiva mirada del supuesto narrador —no hablamos de voces en off, sino de perspectiva de la historia—. Hoy en día es habitual insertar retazos del pasado que no se corresponden a la realidad. ‘El inocente’ lo que hace como novedad es aportar las dos versiones.

Conclusión

A pesar de haber pasado un rato sumamente entretenido durante el visionado de ‘El inocente’, no puedo afirmar que me dejase una huella imborrable en la memoria. Por lo tanto, no concluyo que se trate de una obra maestra, ni de la renovación del género ni ninguna otra consideración grandilocuente que pudiese justificar instar ferviente e impacientemente a que os acerquéis al cine. No obstante, creo que sí cabe la tranquila recomendación, con la seguridad de que dejará satisfechos a los amantes del subgénero de juicios, pues se trata de un film más que correcto dentro de sus pretensiones.

Mi puntuación:

Jack Kerouac vuelve a ser trasladado al cine. Tras la adaptación de su novela más famosa, ‘En el camino’ (‘On the Road’), cuyo estreno se espera para este año, ha comenzado la producción de otra de sus obras, ‘Big Sur’, publicada en 1962. Por el momento no hay fecha para el inicio del rodaje, pero ya se sabe que los protagonistas estarán interpretados por Jean-Marc Barr (‘El gran azul’, ‘Dogville’), Kate Bosworth (‘Superman Returns’, ‘21’) y Josh Lucas (‘Hulk’, ‘Poseidón’).

‘Big Sur’ es un relato autobiográfico que narra la historia de Jack Duluoz (alter ego de Kerouac, encarnado por Barr) y su relación con la fama, tras el repentino éxito de su obra, así como sus problemas de adicción. El libro también recoge su relación con Billie (Jackie Gibson en la vida real, interpretada por Bosworth), la mujer de su mejor amigo, Cody Pomeray (esto es, Neal Cassady, a quien da vida Lucas). Del guion y de la puesta en escena se encargará Michael Polish (‘Northfork’, ‘The Astronaut Farmer’).

PD: Según IMDb, Radha Mitchell, Henry Thomas, Anthony Edwards, Balthazar Getty, Patrick Fischler y John Robinson también figuran en el reparto.

Vía | ComingSoon

Ya habíamos hablado de ‘Inferno’ hace tiempo, cuando sólo era un proyecto y se rumoreaba que lo iba a protagonizar Rose McGowan, sustituyendo a Anna Faris, la actriz prevista en un primer momento. Finalmente, ha sido la polémica Lindsay Lohan la que se ha quedado con el papel, y seguro que todos los que escriben prensa rosa deben estar frotándose las manos con esto, ya que el film es un biopic de Linda Susan Boreman, más conocida como la estrella de cine porno Linda Lovelace (famosa tras el éxito de ‘Garganta profunda’, en 1972).

Aunque todavía no ha comenzado el rodaje, como podéis ver, ya circulan por la red los dos primeros carteles de ‘Inferno’, en el que vemos a Lindsay como Linda; uno de ellos es una chorrada, pero el otro (ése de ahí arriba) me parece muy bueno, muy llamativo. El guión es de Matthew Wilder, quien también dirige el film, y se basa en la autobiografía que escribió la propia Linda, titulada ‘Ordeal’. Aparte de la ex-estrella juvenil de la Disney, otros actores vinculados al proyecto son Bill Pullman y Josh Lucas, que en su momento se dijo que interpretarían a Hugh Hefner (el creador de la revista Playboy) y Chuck Traynor (el primer marido de Linda), respectivamente; es posible que ya no estén disponibles y sean sustituidos, tras acumular la producción tantos retrasos. En fin, a ver qué sale de aquí, puede ser interesante si se lo toman en serio y ofrecen un retrato honesto y crudo de esta mujer y del mundo del porno.

PD: Este Wilder debutó en el cine en 2008 con otro biopic, ‘Your Name Here’, basada en la vida del escritor de ciencia-ficción Philip K. Dick, encarnado por Pullman.

Vía | ThePlaylist

En un principio iba a ser Anna Faris, pero hace algo así como un mes se desvinculó del proyecto. Así que ahora Rose McGowan es la mejor situada para interpretar a la actriz porno Linda Susan Boreman en un biopic sobre su vida que llevará por título ‘Inferno’. Linda, más conocida como Linda Lovelace, será siempre recordada por haber protagonizado la emblemática ‘Garganta profunda’ (‘Deep Throat’, 1972).

Si McGowan acaba firmando, encabezaría un reparto que también incluye a Bill Pullman y Josh Lucas. El primero encarnaría a Hugh Hefner, el creador de Playboy, y Lucas a Charles “Chuck” Traynor, el primer marido de Lovelace y quien la inició en el género. El guión de ‘Inferno’ es obra de Matthew Wilder, que también dirigirá el film. Por el momento no hay fecha para el comienzo del rodaje.

Vía | Joblo

Como sabéis, este próximo viernes se estrena en nuestro país ‘El Increíble Hulk’ (‘The Incredible Hulk’, 2008), dirigida por Louis Leterrier y con Edward Norton como principal protagonista. Desde el principio, desde su concepción, se habló y se vendió la idea de “volver a empezar” (y no me refiero precisamente a cierta película de Garci). De romper con el pasado reciente y darle al público justo lo que quería: acción, acción y acción. Hulk dando hostias a diestro y siniestro. “¿Qué más se puede pedir al personaje si no es eso?”, preguntaban muchos, incluso los fans más declarados del personaje, una creación de Stan Lee y Jack Kirby que Marvel desea seguir explotando. Quizá la pregunta es “¿por qué sólo se pide eso?”, puesto que se demostró que hay margen para algo más que simple acción desenfrenada en la historia de Bruce Banner/Hulk (o La Masa, como se llamaba en España).

Años atrás, Ang Lee tomó las riendas de ‘Hulk’ (2003) y se fijó en el origen y en el hombre, para luego hablar de la bestia. Exploró a Bruce Banner. ¿Quién es? ¿Cómo es su vida? ¿Cómo y por qué se transforma en Hulk? ¿Qué consecuencias se derivan del nacimiento de un monstruo, a priori, incontrolable e indestructible, tanto para él como para los que le rodean? ¿Cuál debería ser su destino? ¿Pueden vivir unidos el hombre y la bestia? Estas cuestiones, y algunas más, son las que afronta, y lo que es más importante, las que responde el arriesgado film de Lee.

Posteriormente, en 2005, Christopher Nolan se ganó el respeto de muchos en el subgénero de los superhéroes con su reinvención de Batman. En realidad, lo más defendido de ‘Batman Begins’ ya estaba en ‘Hulk’. Nolan, como Lee antes, se interesó en el ser humano y en la construcción del “monstruo”, más que en la acción o el espectáculo (que también los hay, en abundante ración). Entonces, ¿por qué Nolan fue aplaudido y Lee abucheado? Sinceramente, las causas que se me ocurren dejan en mal lugar a los detractores de ‘Hulk’, y creo que por lo dicho y por lo que diré quedará claro, por lo que prefiero no concretarlas de forma obvia y dejar que sea cada uno quien busque las respuestas, le gusten o no.

La sinopsis de la película es, básicamente, la siguiente: Bruce Banner es un científico con un problemático pasado oculto en su mente. Tras un experimento donde sufre una violenta exposición a unos rayos gamma, Banner deja de ser el mismo. Comienza a experimentar cambios, tan radicales que incluso lo transforman físicamente, cuando el odio se apodera de su mente, desvelando una monstruosa criatura de color verde. Betty Ross, compañera y ex-novia de Bruce, intentará ayudarle, mientras los padres de ambos, por diferentes razones, tratarán de aprovecharse de las posibilidades que podría generar la genética del científico.

Creo que, ante todo, lo que llama la atención poderosamente es la factura visual de ‘Hulk’. Ang Lee se toma al pie de la letra la tarea de adaptar al cine una historia de cómic y nos ofrece una película donde la narración se divide constantemente en varios planos, como si la pantalla fuese una página donde incluir diferentes viñetas. Esto se hace como modo de recordanos el origen de todo, pero también de forma inteligente para que podamos prestar atención a diferentes aspectos de una misma escena. Así, por ejemplo, hay un momento que me encanta donde tras una charla desagradable, asistimos al cruce de miradas de tres personajes, mientras uno de ellos abandona la habitación. Es también, este estilo, un modo de agilizar la narración, generando en el espectador un interés por ver qué sucede a continuación. Esto puede apreciarse en un momento brillante donde Lee nos deja congelada la imagen de Nick Nolte mirando a la cámara mientras debajo vemos lo que sigue a ese gesto.

Pero la multiplicación de planos en ‘Hulk’ no es sólo visual, formal, estilística. También lo es a un nivel más profundo, de contenido, de desarrollo. Lee no se contenta con un espectáculo visual y con mostrarnos a un monstruo destrozando cosas. Eso es algo que llama la atención y que pronto se pasa. Es algo que no dura, ni en la memoria del espectador ni en el séptimo arte, a menos que aportes una dosis de originalidad altamente impactante o unos efectos especiales totalmente revolucionarios. Como ni lo uno ni lo otro son cuestiones al alcance de la mano, menos aún conforme pasan los años, Lee opta por dotar a su criatura de profundidad y ofrecernos un producto donde lo principal es el drama y lo secundario es la acción. Es Banner quien más interesa a Lee, no Hulk.

Así, nos encontramos con que ‘Hulk’ podría considerarse un drama psicológico sobre el pasado y el presente (y unos apuntes del futuro) de un hombre que nace con un monstruo en su interior, dispuesto a salir al exterior una vez que se le provoque. Estamos, casi, ante la historia del Doctor Jekyll y Mr. Hyde. Pero también ante Frankenstein (y luego ‘La Bella y la Bestia’). Y es que Lee se preocupa mucho en mostrarnos el origen del “problema” de Banner, que no es otro que las esperanzas de su propio padre por lograr un éxito científico sin precedentes, la vida eterna a través de la regeneración. Tras experimentar consigo mismo, el padre transmite al hijo una serie de mutaciones genéticas que provocarán, en el futuro, el despertar de Hulk, el monstruo verde, violento, bestial, irracional. Bueno, no del todo.

Precisamente, como venimos diciendo, el ‘Hulk’ de Lee es mucho más que ofrecer al monstruo y su espectáculo. Es intentar descubrir su origen y su desarrollo en el ser humano. Tanto en el que propiamente lo sufre como en los demás, en las personas que están a su alrededor y que también se verán afectados por la existencia de la criatura. ¿Qué es una película sin conflictos? Lee apuesta por un tridente de conflictos: Banner contra Hulk (su alter ego bestial), contra su padre (el culpable de su trauma) y contra los que quieren apoderarse de lo que tiene en su interior para fines militares (enemigos más claros, ya que no dudarán en destruirle). Entre los tres frentes se encuentra otro poderoso sentimiento humano, el amor, representado por una mujer que tiene dudas sobre cómo ayudar a Banner, pero no sobre lo que comparten. Es la paz contra la guerra, el odio y la violencia que representan los otros conflictos que debe afrontar el protagonista.

Sin duda, el reparto de la película de Ang Lee, uno de esos pocos directores capaces de ofrecer un “blockbuster de autor”, es otro de los grandes aciertos. Eric Bana, Jennifer Connelly, Nick Nolte, Josh Lucas y Sam Elliot son los actores que encarnan a los personajes de mayor entidad del film. Y lo hacen a la perfección, dotando a sus roles, que en principio son meros cartones móviles, de profundidad y personalidad, de alma. Lee permite que todos tengan su hueco en la trama, incluyendo numerosos primeros planos (recordemos el intento de simular un cómic) donde ofrecer intensidad y emoción, drama. Esto permite que encontremos planos donde los personajes casi viven, ofreciendo una naturalidad muy poco corriente. A modo de ejemplo, se puede uno acordar de la escena posterior al ataque brutal de los perros, en la que Banner habla sobre cómo se siente y comienza a imitar el sonido de su corazón.

Precisamente, la fuerza, la violencia, la brutalidad que Banner intenta contener es otro de los aspectos más cuidados del film, y hay que mirar a Eric Bana como el principal responsable. No sólo en la escena mencionada, en toda la película el actor consigue hacernos creíble a su personaje, un científico que intenta afrontar la vida cargando con un pasado oscuro (los flashbacks son magníficos, sobre todo el último) y luchando por conservar su humanidad ante los peligros que residen en su interior. Aquí también podemos mirar concretamente la película y recordar la escena en la que Banner se transforma en Hulk tras un enfrentamiento violento en su propia casa (rodado maravillosamente) con el personaje de Josh Lucas. Y en la orilla opuesta, hay varios (Hulk es fuerza, pero también gozosa libertad), me quedo con el momento que os pongo a continuación en la imagen, precedido por una transformación inversa, de bestia a hombre, y rematado con uno de los mejores diálogos del film.

Pero no es ‘Hulk’ sólo conflictos psicológicos, relaciones humanas, pasados oscuros y búsqueda de la paz o el amor; la acción, por mucho que se critique, es abundante y espectacular en la obra de Ang Lee. Podríamos decir que es escasa, en relación a la duración de la película (poco más de dos horas) y los demás aspectos de la trama, pero no que es inexistente o que no llama la atención. Los efectos especiales posibilitan que Hulk parezca un ser físico, real, y que los efectos devastadores de su presencia resulten impresionantes. Son tres secuencias las que Lee dedica a la acción: el ataque de los perros, la huida del recinto militar y el duelo final con el padre (un Nolte fantástico, en todos los sentidos). La primera es sencillamente una brutalidad, la segunda nos muestra abiertamente a Hulk y sus posibilidades (con detalle sobre su bondad humana hacia un piloto, que luego continúa en una escena copiada en ‘Iron Man’), y la última, un intenso clímax, de liberación, precedido de una secuencia dramática casi “shakesperiana”. Nota de atención también sobre el final, precioso (esa imagen del pasado), y el epílogo, divertidísimo, con Bana hablando en español.

En definitiva, y para un servidor, nos encontramos ante una película magistral. Interesantísima, de múltiples lecturas, con estupendas interpretaciones de un reparto acertadísimo, de gran fuerza dramática y con poderosas secuencias de acción, sin perder de vista, tampoco, esa dosis de humor que siempre se agradece. Una propuesta arriesgada, realizada con extraordinaria habilidad, que sorprende en su primer visionado y mejora en los siguientes. ‘Hulk’ nos presentó el origen de un monstruo, desde la visión de Ang Lee. Pronto descubriremos qué tiene que decir Louis Leterrier sobre… ¿el desarrollo del monstruo? Esperemos que tenga algo que ofrecer a lo ya visto, desde luego hay ganas de comprobarlo. Y de comparar.

Aquí os dejo con el póster y el trailer de ‘Trumbo’, un documental dirigido por Peter Askin (cuyo único film hasta el momento es ‘Lío en la Habana’), y centrado obviamente en el célebre guionista Dalton Trumbo. Trumbo fue uno de los escritores favoritos de Hollywood hasta que llegó el senador McCarthy, su comité de Actividades Antiamericanas y la lista negra. Destacar también que el guionista de ‘Espartaco’ dirigió una película, ‘Johnny Cogió su Fusil’, durísimo drama, y que recibió un Oscar por ‘El Bravo’ (The Brave One’, 1956).

Os recomiendo echar un ojo al trailer, os llevaréis una sorpresa por la gran cantidad de actores famosos que han participado en este documental. Donald Sutherland, Joan Allen, Brian Dennehy, Michael Douglas, Nathan Lane, Josh Lucas y Paul Giamatti son sólo algunos de ellos. Esperemos que ‘Trumbo’ se estrene algún día en España.

Ya os hemos hablado anteriormente de ‘Peacock’, una película catalogada de thriller psicológico, de curioso argumento, que contaba con los jóvenes y respetados Cillian Murphy y Ellen Page al frente del reparto. Ahora sabemos que Susan Sarandon, Bill Pullman y Josh Lucas (en la imagen, pasándolo mal dentro del ‘Poseidón’) se han incorporado al proyecto para interpretar roles secundarios.

Cillian Murphy es el protagonista de la película, un tranquilo oficinista de un banco en un pequeño pueblo de Nebraska, cuya vida da un completo giro cuando su hogar sufre un accidente; tras el mismo, surge una mujer que nadie conoce y que nadie sabía que vivía con él. Lucas interpretará a su amigo, un policía local, Pullman encarnará a su supervisor, y Sarandon a la mujer del alcalde. Como ya dijimos, Page se encargará de poner rostro a una mujer que tiene la clave de lo que ocurre con el protagonista. Tras las cámaras, Michael Lander, que empieza a rodar ‘Peacock’ este mismo mes.

Vía | Cinematical

Se trata de un thriller “psicológico”, basado en una obra de Edgar Allan Poe titulada ‘El Corazón Delator’, (‘The Tell-Tale Heart’), que va a ser dirigido por Michael Cuesta y que ya contaba con la presencia segura del actor Josh Lucas, que será el protagonista principal de la historia.

El argumento de ‘Tell-Tale’ gira en torno a un hombre que ha recibido un transplante de corazón; pronto descubre que el donante había sido asesinado y tratará de ayudar a encontrar al criminal, temiendo que éste pueda llegar a buscarle. El rodaje comenzará en Rhode Island a mediados de marzo y ocupará hasta finales de abril.