Se dice que el cine español no es bueno y hay que admitir que en los últimos meses no se han visto demasiadas producciones de calidad. Por ello puede ser interesante rescatar algunos títulos relativamente recientes para elevar la imagen de nuestra cinematografía. ‘Vete de mí’ (2006), segunda película de Víctor García León, hijo de José Luis García Sánchez y de Rosa León, nos presenta a Juan Diego y a Juan Diego Botto haciendo de padre e hijo, en un film de actores en todos los sentidos.

Santiago (Juan Diego) es un actor que interpreta una obra casposa con chistes verdes para un público anciano. Vive con Ana (Cristina Plazas), una actriz mucho más joven que él, pero que, debido a lo poco que ha triunfado sobre los escenarios, no siente que valga mucho. Guillermo (Juan Diego Botto) aparece un día por la puerta del apartamento: se ha ido de casa de su madre (Rosa María Sardá) y necesita quedarse con su padre unos días. Guillermo tiene treinta años y dice estar en tercero de Derecho, pero la realidad es que ha empezado infinidad de carreras y ha dado numerosas vueltas a su posible futuro laboral sin encontrar nunca algo que le motive.

Lo más apreciable de la película es la mala baba que destila. Es increíble cómo dos guionistas jóvenes: el director y Jonás Trueba, hijo de Fernando Trueba, han sabido retratar con tanta madurez a los personajes. Si bien el de Santiago parece más fácil de conseguir porque se han visto en otras ocasiones seres así en películas, la visión que se da del de Guillermo es sorprendentemente lúcida. Nunca se le presenta como un desastre ni como un Peter Pan, sino como una persona encantadora que habla de sí misma y de la vida con aparente discernimiento. Pero profundamente podemos ver un dibujo tan acertado que es casi cruel. La película no se pone en ningún momento de parte del padre ni del hijo, sino que oscila entre darle la razón al uno y al otro para, en el fondo, arrebatársela a ambos. Los personajes secundarios son los únicos que podrían estar en lo cierto, pero los dos protagonistas son tan destructivos que no permitirán que esa razón entre en sus vidas.

Se puede apreciar en el visionado de ‘Vete de mí’ que hay una gran dosis de improvisación. Probablemente el director dejó libertad a los intérpretes y éstos introdujeron muchas morcillas propias. Casi todos los personajes son actores, por lo que aún vemos con mayor autenticidad sus representaciones, tanto que podríamos preguntarnos si están haciendo de sí mismos o si sus papeles tienen algo de autobiográfico. Esto resulta así especialmente en el caso de Juan Diego, quien, dentro de su línea de actuación grandilocuente, hace un gran trabajo. Botto comienza con algo menos de credibilidad, pero va centrándose y pronto vemos que su personaje es así y que toda la falsedad que pudiésemos estar percibiendo en su interpretación viene de las mentiras y de la falta de definición del propio Guillermo.

Rosa María Sardá tiene una intervención breve, pero muy acertada. Tanto el personaje de ella como el de Cristina Plazas nos hacen percibir que las mujeres son las únicas que lo tienen algo claro en la vida, aunque no por eso son carentes de debilidades. En la troupe de la obra donde trabaja Santiago se encuentran grandes nombres del cine español que nos retrotraen a otros tiempos. Da gusto recuperar a grandes como José Sazatornil, Saza. Y se hace curioso volver a ver, por ejemplo, a Esperanza Roy.

La estructura de ‘Vete de mí’ funciona por acumulación. Se suceden anécdotas que podrían parecer inconexas, pero que son gotas que van colmando ese vaso que es la paciencia de los personajes. Cada uno de los momentos mostrados en esos días sirve para añadir impresiones y aumentar los sentimientos que un protagonista tiene con respecto al otro. Se comienza con un tono más o menos suave, ligeramente cómico y muy realista, que va aumentando de intensidad hasta desquiciarse. SPOILER: Los últimos minutos del film suponen un descenso a los infiernos imparable que puede hacerse más duro de ver que el resto de la película. Tras la tempestad viene la calma y el film concluye con una escena oscura, baja de tono y casi vacía, que cierra muy bien todo lo que se ha estado contando y que supone prácticamente el único final posible para esta historia. FIN DEL SPOILER.

‘Vete de mí’ es una gran película donde destacan las interpretaciones. El film muestra un ácido retrato de personajes y hace una reflexión sobre la vida de los actores bastante devastadora. No perdona, no da concesiones… No presenta malos y buenos, pero especialmente no presenta buenos. Interesante película que merece la pena recuperar si no se vio en su momento.

Mi puntuación:

El viernes, 23 de enero, se estrena el film germano-hispano-francés ‘La mujer del anarquista’, que está protagonizado por María Valverde, Juan Diego Botto, Adrià Collado, Irene Visedo e Ivana Baquero, entre otros. Está dirigido por la guionista francesa Marie Noëlle y su pareja, el alemán Peter Sehr.

Manuela, la mujer del anarquista, es una joven de familia adinerada que se ha casado con una importante figura del movimiento antifranquista, aunque su hermana tenga un marido del bando fascista. Manuela vive la lucha de su esposo desde el acomodo de una buena posición, sin enterarse apenas de lo que sucede a su alrededor. Cuando su marido se marcha a Barcelona, Manuela se queda sola, con una hija pequeña, Paloma, y embarazada, pero no pierde la esperanza de que Justo reaparezca con vida.

Podría pensarse que esta película está basada en una novela por el tipo de narración fragmentada, sin estructura cinematográfica y sin trama central que presenta. Y esa sensación no está lejos de la realidad, ya que lo que se nos muestra se asemeja a los hechos reales que le fueron narrados a su autora –SPOILER quien también se reencontró con su padre en Francia tras la Guerra Civil, como le ocurre al personaje de Paloma FIN DEL SPOILER—. El abuelo del correalizador, igualmente, fue un republicano exiliado, por lo que a él tampoco le son ajenos los sucesos plasmados en el guión.

Todo esto ha influido en los directores de forma quizá positiva, pues les ha aportado un grado de implicación; pero también negativa, ya que les ha deslumbrado haciéndoles creer que lo que están contado es más interesante de lo que realmente es. La anécdota argumental se ha sobredimensionado con un resultado algo tedioso, inconexo, que no presenta conflicto central y que no tiene fuerza dramática, salvo en excepcionales momentos. Se presentan situaciones que son seguidamente resueltas para que luego comience otra diferente, como si la película empezase y se acabase varias veces. De esa forma, lo que se ha visto hasta el momento da la impresión de haberse contado sin motivo y de carecer de importancia. Este tipo de historia-saga que en literatura puede funcionar tan bien, en cine no da resultados tan efectivos. O no siempre.

Se ha criticado positivamente ‘La mujer del anarquista’ en muchos medios y el film ha recogido elogios en festivales debido a que aparenta ser poco demagógico. Es cierto que consigue cierta neutralidad, introduciendo a personajes con buen corazón en el bando de Franco o demostrando que también había monstruos en el republicano. Pero creo que esta ausencia de maniqueísmo no es más que el mínimo de madurez que se le debería exigir a cualquier film para comenzar a considerarlo bueno, no la virtud única y suficiente por la que darle ya categoría de película notable.

Muy por encima de las cuestiones bélicas, ‘La mujer del anarquista’ tiene la intención de contarnos una historia de amor, tanto romántico como familiar. Este aspecto psicológico de personajes, que podría ser muy rico, no está completamente conseguido. En lo que atañe a la teórica protagonista, la mujer del anarquista, la empatía comienza siendo difícil de sentir porque ella es demasiado inconsciente con respecto a lo que sucede en España. Más tarde, parece que se implica más, pero en lugar de haber percibido una evolución en el personaje, lo que se nos antoja es que repentinamente ha cambiado según convenía a la historia. María Valverde (en la fotografía superior) no ayuda a que esa maduración sea más convincente. SPOILER. El fragmento en el que Manuela sufre una locura pasajera podría haber sido lo más interesante de la película, pero no está muy logrado. Además, habría sido preferible presentarlo como la trama central, en lugar de como mero episodio transitorio. FIN DEL SPOILER.

No sabría decir si lo que falla en ‘La mujer del anarquista’ es el personaje protagonista o si el fallo está en que no se ha sabido dónde situar el protagonismo. Ya que el punto de vista es el de la hija –pues es ella quien narra los acontecimientos en off—, debería ser Paloma la protagonista. En ocasiones, parece que lo fuese, pero hay otras que indican que es su madre, lo cual queda confirmado por el título. Esta falta de enfoque claro de por sí es confusa, pero además, es errónea, ya que cualquier escena de la hija es mucho más interesante que cualquiera de la madre. Los momentos con fuerza dramática que citaba como excepción son los que se refieren a Paloma. Psicológicamente lo que vemos en ella es más poderoso: se cría en la guerra y se hace mujer en la posguerra, sufre la caída del mito en el que se había convertido su padre, vive una duda con respecto a sus creencias políticas…

Se refuerza la idea de que el protagonismo habría estado mejor en otro de los personajes con la interpretación. Todos los actores y actrices hacen una labor superior a la de María Valverde, especialmente las niñas, coronadas por una Ivana Baquero (en la foto de abajo) de la que ya sabíamos, desde ‘El laberinto del fauno’ o ‘Cuento de Navidad’ que era una gran actriz. Botto tiene un papel muy exigente, con grandes cambios físicos y psicológicos, y es sorprendente lo bien que lo interpreta. Collado está correcto y las mujeres francesas y alemana de la etapa final del film aportan un gran nivel interpretativo.

‘La mujer del anarquista’ está rodada de forma elegante y vistosa, con una ambientación de época muy bien hecha y que no ha escatimado, por ejemplo, a la hora de reproducir calles de Madrid en guerra y viviendas de entonces. Su realización –con esta palabra me refiero a la elección de encuadres, movimientos de cámara, etc…— es suficiente y el montaje podría haber estado mejor, pero pasa inadvertido. Por estos últimos motivos y porque se centra en una etapa de la historia que tiene el drama asegurado, se puede llegar a ver como una buena película. Es decir, por fuera, casi todo está bien. Si a eso le sumamos que por dentro tiene algún destello logrado, como el personaje de Paloma, podríamos concluir que es un film que probablemente gustará.

• Tráiler de ‘La mujer del anarquista’.

Mi puntuación:

Hay bodrios y bodrios. Están aquellos tipos de películas, al estilo de lo que hace vuestro admirado Uwe Boll, que ya sabes con lo que te vas a encontrar. Son insultos al séptimo arte, de acuerdo, pero no engañan a nadie, son lo que son, y no tienen ninguna pretensión, aunque evidentemente esto no sea justificación para su pésima calidad. Luego tenemos ese tipo de bodrios que aspiran a ser films serios, y que se van de títulos cultos, por decirlo de algún modo, y que se dividirían en un sinfín de posibilidades, tantas como sus propios argumentos, films de denuncia, dramones sociales, dramones trascendentales, idas de olla y demás pajas mentales. Estas películas, además de insultar al séptimo arte, insultan la inteligencia del espectador. Cuando una de esas películas alcanza la categoría de bodrio, para un servidor es mucho peor que cualquiera de esos films cuyo único propósito era el de querer entretenerte, aunque no lo hayan conseguido. ‘Ciudad del Silencio’ pertenece a ese tipo de films, con pretensiones, cuyo visionado puede convertirse en una de las experiencias más vergonzosas que se hayan vivido. Lo mejor en estos casos, es tomárselo a coña. Y os aseguro que en la película hay un buen puñado de escenas destinadas a esa labor, aunque su intención fuera otra.

Pero es que además, en el caso de este film protagonizado por Antonio Banderas y Jennifer Lopez, se trata un tema real y actual bastante preocupante: la violación y asesinato de muchas mujeres trabajadoras, en la ciudad de Juárez (México), y con la justicia sin hacer nada para resolverlo. Un tema aterrador, pero que en la película alcanza unos niveles tan risibles, casi de insulto, que no me imagino a la gente de Juárez a la hora de ver esta película. No me extrañaría que se hubieran sentido molestos por la escandalosa falta de tacto que tiene el film.

Una vez más, unos hechos reales, en este caso, terroríficamente reales, sirven para contar una historia, que en todo momento pretende denunciar esta situación tan peligrosa que se vive en Juárez. Su director, Gregory Nava, que vivió tiempos mejores, cubre la película de un tono documental, con toques realistas, basados sobre todo en la utilización de cámaras digitales, para intentar darle mayor verismo a los hechos que nos narra. Y digo intentar, porque para usar las cámaras digitales con eficacia, hay que tenerlo muy claro, y no usarlo porque sí, creyendo que la textura conseguida con esas imágenes ya te lo va a dar todo hecho. No. Hay que darle personalidad. Y si no, que le pregunten a Michael Mann. El caso es que aquí, esa técnica no cumple con lo deseado, y para colmo, termina distanciando de lo que estamos viendo, incluso lo hace más irreal.

El guión no hay por donde cogerlo, aparte de que se va por los cerros de Úbeda un montón de veces, y otras termina siendo escandalosamente ridículo. En cuanto a lo primero, podríamos hablar de la participación del cantante Juanes (a ver, pausa para respirar pofundamente). En un principio, lo citan de pasada, como pueden citar a cualquier otro músico (juas) en cualquier otra película. Y ahí quedaría la cosa. Pero el estupor es bien grande cuando la película, necesitada de más metraje, decide emplear unos minutos, demasiados, en un concierto privado para ricachones del famoso cantante, donde canta aquello de: “Tengo la camisa negra…”, canción que para nuestro martirio suena dos veces en la película. ¡¡¡¡Dos veces!!!! Aún no me he repuesto del susto. Dicha escena, vergonzosa hasta decir basta, podría haber sido utilizada en provecho de la narración, como bien se ha hecho con otros temas musicales en otras películas, pero no, es totalmente gratuita, y dan ganas de tirarle un zapato a la pantalla.

En cuanto a la ridiculez del guión, nos encontramos con todos los supertópicos de este tipo de historias. Los protagonistas son dos periodistas intrépidos que una vez estuvieron emparejados, y bla bla bla, no necesito decir más ¿verdad? La supuesta investigación por parte de los mismos acerca de unos violadores y asesinos es tan ridícula, que cuando veáis la película os daréis cuenta de lo sumamente fácil que lo tienen para encontrar a dichos asesinos, sin necesidad de dar tantas vueltas. Es en el transcurso de esa investigación donde se suceden algunas de las secuencias más bochornosas vistas en mucho tiempo. No me resisto a contar una en concreto, que por supuesto es un SPOILER, y que os invito a leer, porque no desvela nada importante del argumento del film. El sospechoso de los crímenes es un conductor de una línea concreta de autobuses. Entonces, para averiguar cuál de ellos es, nuestros dos protas deciden hacer fotos de todos los conductores. Para ello utilizan una furgoneta, y pasando pegados al autobús, o poniéndose delante, les quitan fotos a los conductores con una máquina digital última generación. Bien, hasta aquí todo correcto ¿verdad? es de suponer que en dichas fotos se verá a los conductores dentro de un autobús, conduciendo, evidentemente. Cuando llega la hora de que la chica superviviente del ataque de uno de esos hombres, lo identifique mirando dichas fotos, hete aquí que las fotos que mira son de los conductores, sí, pero posando para la cámara, y ninguno de ellos en el interior de un autobús. FINAL SPOILER. ¡¡¡¡DELIRANTE!!! Ante la falta de seriedad de escenas como ésta, pues qué queréis que os diga.

Los actores están todos penosos, aunque eso ya era de esperar. Jennifer Lopez se pasea con su cuerpazo, sin aportar ni la más mínima credibilidad a un personaje que se hunde por sí solo, y que es el colmo del esquematismo. A su lado, un Antonio Banderas más perdido que nunca, como jefe de un periódico mexicano, poniendo cara de serio intentando demostrarnos que el tema a tratar le preocupa. Martin Sheen interpreta al jefe del personaje de Lopez, y sale tan poco que apenas hay tiempo de valorar su trabajo. Sonia Braga pasaba por allí, y Juan Diego Botto sigue siendo mal actor allá a donde se vaya a rodar. Además, la relación de su personaje con Lopez es poco verosímil, y no viene a cuento.

Un bodrio soberano que les hace un flaco favor a los de Juárez. La película pretende denunciar algo horrible, y no aporta absolutamente nada, ni siquiera funciona como denuncia, por estar tan mal construída y enfocada. Incluso podría haberse hecho un film de género, con base real, un thriller con toques de realismo social, y hubiera quedado mucho mejor. Al final, como siempre, lo paga el espectador, al cual de nuevo se le ha tomado el pelo. Y encima con un tema serio.

La vida de Domenikos Theotokopoulos, universalmente conocido como El Greco (1541-1614), fue novelada por el escritor griego Dimitris Siatopoulos en su libro ‘El pintor de Dios’. El director Iannis Smaragdis, también griego, y el coproductor español Raimon Masllorens —director de ‘Sin ti’— han perseverado durante siete años hasta que la adaptación al cine de la novela se ha convertido en un proyecto real.

Los protagonistas de ‘El Greco’, que ya ha comenzado a rodarse en Grecia, serán el actor bonaerense Juan Diego Botto, en el papel del inquisidor general Niño de Guevara y el británico Nick Ashdon, como El Greco.

La banda musical la compondrá, sin cobrar por ello, Vangelis, que ganó el Oscar con ‘Carros de fuego’ (1981), y fue el compositor de la música de ‘Blade Runner’ (1982).

Coescrita por el propio Smaragdis y Jackie Pavlenko, ‘El Greco’ narra la historia del artista y constante luchador por la libertad Domenicos Theotokopoulos, conocido universalmente como El Greco. Situada en los siglos XVI y XVII, la búsqueda de El Greco en pos de libertad y amor transcurre desde las cortes de Creta y Venecia hasta la española Toledo, donde topa con su mayor adversario: la Santa Inquisición. Niño de Guevara es un sacerdote que conoce a El Greco en Italia y que luego le persigue en España y se transforma en su mayor enemigo.

El Greco fue uno de los artistas más destacados del Barroco. Formado en la escuela de Venecia, desarrolló un estilo inclasificable que asombró a sus contemporáneos y fascinó a sus colegas del siglo XX, que lo reconocieron como un precursor de movimientos vanguardistas como el Expresionismo (por la deformación tortuosa de las anatomías) y del Cubismo.

“Quería hacer esta película sobre El Greco, porque como él, nací en Heraklion (isla griega de Creta), a trescientos metros de su casa”, dice emocionado el director heleno.

“Sin los españoles no se podía haber hecho la película. Tengo la suerte inmensa de tener socios españoles debido a que es una gran producción y no podía haber sido hecha sólo con dinero griego”, dice Smaragdis. Continúa diciendo que se trata de la mayor producción con capital griego, pues su presupuesto de seis millones de euros, es el “equivalente a diez películas financiadas por el Centro de Cine heleno”. De este dinero, el 60 por ciento proviene de Grecia y el resto de España y de Hungría. El director agrega que “la coproducción ayudará tanto al cine español como el griego. Mostrará facetas de los dos países que son muy útiles”.

El ministro de Cultura griego, Georgos Vulgarakis, declaró que El Greco fue “una personalidad que desempeñó un papel decisivo en su época”, mientras que Smaragdis recalca que fue “un precursor de la conciencia europea, ya que unió a tres países con su obra: Grecia, Italia y España”.

Mi personaje “viene a representar la traición a los ideales y a la propia esencia, lo que representa El Greco, que es fiel a sus principios”, declaró Botto. “Es como hacer una película sobre Goya o Velázquez. Muy mal tendríamos que hacerlo para que esa película funcionara mal en España’, opina el actor. Y cuando dice “muy mal tendríamos que hacerlo” no sé si se refiere a alguna película en concreto.

El joven protagonista británico Nick Ashdon, por su parte confiesa que “es la experiencia más impresionante de mi vida. Uno de los aspectos más importantes de interpretar la parte de El Greco es que lo vemos como un genio y una figura histórica que hizo cosas maravillosas. Pero es un ser humano”.

La bella Jerónima de las Cuevas, compañera y madre del hijo de El Greco, es interpretada por Laia Marull (‘Te doy mis ojos’), que opina que “la relación entre ellos es fuera de lo convencional” y que “es un reto interpretar a este personaje que tuvo que romper con la sociedad y con muchas cosas dentro de ella misma”.

También hay actores griegos en papeles importantes, como Dimitra Machuka —que da vida a Francesca Da Rimi, amante de El Greco en Creta, quien aboga por su vida ante el inquisidor Guevara— y Lakis Lazópulos, que hace las veces de un pastor griego que acompaña en su exilio a El Greco y “representa”, según él propio actor afirma, “el alma de los griegos, para proteger el valor y la iluminación de El Greco”.

La decoración de los platós se ha hecho con muebles traídos directamente desde España y más de quinientas copias de obras de El Greco, pintadas por tres copistas griegos. La directora del vestuario, la española Lala Huete, traslada al público a los siglos XVI y XVII con un millar de trajes exquisitos, de realización española, y accesorios de la época.

Parte del rodaje ya se ha hecho en Creta y después de Markópulo, continuará en la isla griega de Rodas, para seguir en Verona (Italia) y luego Toledo y Barcelona. A treinta kilómetros de Atenas se ha improvisado un estudio en lo que fueron las instalaciones de tiro al blanco en los Juegos Olímpicos de 2004. La cinta estará lista en marzo y en octubre formará parte de la cartelera de Grecia, España e Italia.

Vía: EFE

El pasado lunes, 6 de noviembre, arrancó el rodaje de ‘CasualDay’, el segundo largometraje de Max Lemcke, una ácida comedia sobre las relaciones en el mundo del trabajo que contará, entre sus protagonistas, con Juan Diego, Macarena Gómez, Álex Angulo (en las fotos por ese orden), Alberto San Juan, Javier Ríos, Estibaliz Gabilondo, Malena Alterio, Carlos Kaniowsky y Secun De La Rosa; aparte de los integrantes de la serie televisiva ‘Camara Café’ Arturo Valls y César Sarachu.

El ‘CasualDay’ es una práctica empresarial importada de los Estados Unidos. Cada viernes se invita a los empleados a sustituir el traje chaqueta por una vestimenta más informal. Algunas empresas aprovechan el día para hacer un viaje al campo y realizar distintas actividades que fomenten las relaciones personales, reduzcan el stress y mejoren la actividad empresarial.

‘CasualDay’ cuenta la estancia de un grupo de jefes y empleados en una casa rural durante un fin de semana, es una comedia ácida, en ocasiones absurda, que refleja las relaciones de poder que se establecen en el mundo empresarial.

Max Lemcke (1966) forma parte de una nueva generación de directores españoles cuyos trabajos se desarrollan gracias al dinamismo de la producción independiente y que consiguen, a pesar de las dificultades, un reconocimiento por la calidad de sus trabajos.

El primer largo de Max Lemcke, ‘Mundo fantástico’ (2003), rodado en Madrid en DV, se presentó en varios Festivales Internacionales como Karlovy Vary selección “Another View” (Republica Checa), La 27ª Mostra Internacional de Sao Paolo (Brasil) y Cinéma Tout Ecran en Ginebra (Suiza). Con una duración de 70 min., ‘Mundo Fantástico’ es un drama que se centra en el club erótico que lleva el mismo nombre que la película. En el club trabaja Alicia. Allí, mientras se desnuda durante los espectáculos, sueña en convertirse en actriz. Alicia comparte este sueño con su amiga Susy, pero la precariedad de su vida cotidiana va minando su amistas. Con una cámara que investiga sin llegar nunca a entrometerse, ‘Mundo Fantástico’ explora el difícil equilibrio entre vivir y trabajar para sobrevivir y luchar para lograr la vida que nosotros mismos decidimos en una sociedad cada vez más privativa.

Lemcke se estrenó como director con el documental ‘Pepe el Moro’ (1993), seguido de ‘La Vida Imposible’ (1995). Dirigió el corto ‘Todos os Llamais Mohamed’ (1997) — premiado en los festivales de Huesca y de Valencia — que combina testimonios documentales y ficción para presentar la situación en la que los inmigrantes africanos que viven ilegalmente en España con la idea de dirigirse al norte de Europa. Más adelante realizó ‘Paleopolis’ (1998) y más recientemente su cortometraje ‘Pequeñas historias entre teléfonos y ventanas’ (2000, España), en el que los mensajes telefónicos de un servicio de citas nos acompañan a través de una ciudad en la noche. Lemcke fue director de fotografía en Bem-Vindo a São Paulo (2004), un documental narrado por Caetano Veloso.

Juan Diego consiguió dos premios Goya: uno en 1991, con la película ‘El rey pasmado’, y otro en 1999 por dar vida a un ex ciclista anarquista convertido al nudismo en el ‘París Tombuctú’ de Berlanga. En televisión ha interpretado al incansable ‘Padre Coraje’ en la serie de Benito Zambrano; en cine se metió en la piel del general Franco en ‘Dragon rapide’. Ha demostrado ser uno de los mejores actores españoles en ‘El 7º día’, de Carlos Saura, ‘Pepe Guindo’ y muchos otros films. Su estreno más reciente es ‘Vete de mí’, junto a Juan Diego Botto.

El papel más conocido de Álex Angulo probablemente es el de ‘El día de la bestia’, de Álex de la Iglesia, pero también tiene una larga trayectoria en cine y televisión. Recientemente lo hemos visto como doctor rural en ‘El laberinto del fauno’.

Macarena Gómez nació en Córdoba el 2 de febrero de 1978. Estudió un curso de bachillerato en Estados Unidos y luego viajó a Londres a estudiar Arte Dramático. En 1999 se instaló en Madrid. Se hizo muy conocida después de interpretar a una drogadicta en la miniserie para televisión ‘Padre Coraje’, aunque antes ya había tenido su primer papel importante en el cine en la película ‘Dagón. La secta del mal’. Sus papeles en ‘Platillos Volantes’ o ‘El Calentito’ demuestran que tiene un carisma especial. También ha aparecido en ‘Romasanta’ (de Paco Plaza), ‘Hot milk’ (de Bofill Jr.), ‘20 centímetros’ (de Ramón Salazar), etc… Actualmente se le relaciona sentimentalmente con el cineasta español Jaume Balagueró, director de ‘Los sin nombre’ y otros trabajos realizados para Filmax, donde se produjeron algunos de los títulos mencionados anteriormente. Gómez compagina su carrera cinematográfica con participaciones en obras teatrales, en las que ha destacado en varias ocasiones. Además ha participado en diversas series de televisión como ‘Hospital Central’ o ‘Canguros’.

La filmación, en Alta Definición, que producen Monfort Producciones, Videntia Frames y Estudios Picasso, se desarrollará hasta el 13 de diciembre en la localidad guipuzcoana de Amasa.

Vía: Cine Por la Red