En plena preparación del especial “El amor en 32 películas” —sí, la cifra va variando según pasa el tiempo— ha resultado gratificante ver una película como ‘Crazy, Stupid, Love’ (id, Glenn Ficarra, John Requa, 2011), película que prácticamente pasa desapercibida, más bien ignorada, por nuestras carteleras. No me extraña cuando la comedia romántica estadounidense nos ha regalado durante años productos infumables cuyos títulos es mejor abrazar con el manto del olvido. Los directores nos habían ofrecido hace unos meses ‘Philip Morris ¡Te quiero!’ (‘I Love You Phillip Morris’, 2009), una historia de amor homosexual, basada en hechos reales, bastante arriesgada y de nula productividad en las taquillas a pesar de estar protagonizada por Jim Carrey y Ewan McGregor. Un film bastante estimable, y sincero, que no consiguió todo la atención que merecía.

En su segundo trabajo se han cuidado bien las espaldas y han cedido un poco a los convencionalismos típicos en Hollywood, pero sin dejar de hacer cine mínimamente inteligente. La gran ironía del asunto es que esta vez tampoco han saboreado las mieles del éxito, consiguiendo resultados más bien discretos. Una vez más Ficarra y Requa permanecen injustamente en la sombra —de cara al público general la presencia de un buen reparto es más importante que un director de nombre poco conocido, por muy bien que lo haga dicho director—, cuando es precisamente su labor lo mejor del film al lado de un guión, obra de Don Fogelman, que sabe manejar con inteligencia los tópicos y clichés del cine de este tipo. El resultado es una buena película que ahonda sin demasiadas complicaciones en ese sentimiento tan fascinante como complicado llamado amor.

‘Crazy, Stupid, Love’ da comienzo con la separación del matrimonio formado por Cal y Emily (Steve Carell y Julianne Moore) después de que la segunda le pida el divorcio al primero. La inseguridad y la comodidad han dado paso a la rutina y Emily siente que no ha hecho cosas importantes en su vida, por lo que el pobre Cal queda solo y desfasado. Pronto recibirá la ayuda de Jacob (Ryan Gosling), un experto don juan que instruirá a Cal en las artes de la seducción. Una premisa no demasiado atractiva sino fuera por la habilidad de directores y guionista en hacerla interesante. Sus puntos fuertes son, sin duda, un reparto más que correcto entregado con total convicción, y una historia típica tal vez, pero servida con frescura y buen humor. En ella se nos habla de lo inestables que nos vuelve el mayor de los sentimientos, y de cómo esa inestabilidad nos puede llevar a hacer locuras de la más diversa índole, tal y como les ocurre a los distintos personajes del relato.

La primera hora de ‘Crazy, Stupid, Love’ resulta ejemplar. Tras presentar las cartas con el matrimonio, y ante la soledad que parece esperar a Cal, entra en escena Ryan Gosling, con un personaje tan agradecido como un seductor infalible, que en cierto modo se apiada de Cal y le instruye en el arte del amor, el cual parecía haber olvidado debido a la rutina del matrimonio. Ficarra y Requa controlan en todo momento el tono en las distintas situaciones que las enseñanzas del seductor provocan en un renovado Cal. Así pues, episodios como el de Marisa Tomei, muy divertida como mujer desquiciada por no tener suerte en el amor, no resultan excesivos gracias a que no se carga la tinta en ellos. Hay que señalar que el guión de Fogelman está muy bien estructurado, manejando con gusto los tópicos del género, e incluso sorprendiendo al espectador con algún que otro detalle argumental y que nos trae a la memoria películas de similar corte como ‘Jugando con el corazón’ (‘Playing by Heart’, Willard Carroll, 1998), pequeña maravilla del género que hay que reivindicar YA.

Cierto es que la película en su tramo final cae en algunas concesiones —la secuencia del discurso de graduación es realmente prescindible y demasiado moralista—, tal vez porque sus creadores tenían miedo de que su producto no tuviese mayor aceptación popular que su anterior y comentado film. Sin embargo, un final quizá demasiado facilón y complaciente no termina de lastrar lo visto hasta ese instante, pues uno siente simpatía por muchos de los personajes, y la historia, sin ser ninguna maravilla, consigue cierto interés por parte de la platea al ahondar con precisión, y sobre todo humor, en las relaciones amorosas. Por otro lado, los directores confían lo suficiente en sus actores para que éstos hagan el resto, y así nos encontramos con un reparto en el que la sorpresa proviene de un equilibrio colectivo en el que ninguno está por encima o debajo del otro.

Steve Carell, que nunca ha sido santo de mi devoción, asume con profesionalidad el papel de marido aburrido y cansado que ha de renovarse por completo. Gosling se convierte en un inesperado seductor con “armas” de sorprendente efectividad —lo de ‘Dirty Dancing’ no tiene precio—, y de carisma arrollador. Julianne Moore y Emma Stone son las dos mejores pelirrojas que pueden poblar el cine en estos momentos. La veteranía y la juventud juntas en una película, demostrando la primera que sigue enamorando a la cámara como nadie, y la segunda mejorando poco a poco como actriz mientras demuestra una enorme inteligencia a la hora de elegir las películas en las que participa. Quedan a un lado Marisa Tomei y Kevin Bacon como secundarios de lujo, dando vida a “los otros” que en toda relación amorosa suele haber. Todos en un cocktail realmente refrescante que merece mayor reconocimiento.

Hace más de tres años, anunciamos el proyecto de ‘La sombra de los otros’ (‘Shelter’), un thriller sobrenatural, que protagonizan y Jonathan Rhys Meyers y Julianne Moore, esta última en el papel de una psiquiatra forense especializada en desenmascarar falsos casos de personalidad múltiple. La película, dirigida por Måns Mårlind y Björn Stein, pero de nacionalidad estadounidense, ha sido la principal triunfadora en la XII Semana de Cine Fantástico y de Terror de Estepona, que se ha celebrado del 19 al 25 de septiembre en esa población malagueña.

Los premios a la mejor dirección y a la mejor banda sonora, se los llevó ‘Mimesis’ para Douglas Schulze y para Diego Navarro, respectivamente. Kevin Sorbo, actor que este año recibía un homenaje en el festival, se llevó el galardón a la mejor interpretación por su papel en ‘What If?’, de Dallas Jenkins. El filme argentino ‘Malditos sean’, de Demian Rugna y Fabián Forte, consiguió otros dos galardones: los de mejor guión (obra de los directores) y mejor fotografía (de Alejandro Millán). De los tres filmes españoles a concurso, el único que resultó galardonado fue ‘Carne cruda’, de Tirso Calero, por los efectos especiales de Rubén Vallés.

Asimismo, se entregaron el premio a la mejor serie de género fantástico del año a ‘Juego de tronos’, y el premio Unicornio de Plata al mejor dibujante de cómics a Juan Rubí y Carlos Jiménez, integrantes del dúo DKiller Panda. En jornadas anteriores se habían entregado otros premios honoríficos al actor Kevin Sorbo (el Unicornio de Honor), a los directores Jesús Franco (el Premio Waldemar Daninsky) y Miguel Ángel Vivas (el Premio Especial del jurado), y a la actriz Ana Fernández (el Premio ASFAAN).

Vía | Página Web Oficial de la XII Semana de Cine Fantástico Costa del Sol-Estepona.

Harrison Ford, Daniel Craig y los pitufos han empatado este fin de semana con unas dignas recaudaciones, aunque muy probablemente por debajo de lo esperado por sus artífices. ‘Cowboys & Aliens’ (id, Jon Favreau, 2011) consigue la mínima aceptación por parte de la crítica, y un poco más por parte del público votante en la IMDb. Todo indica que Favreau sigue fiel a su estilo, correcto, sin tomar demasiados riesgos. Por estos lares la veremos el 2 de septiembre.

En cuanto a la adaptación cinematográfica de la serie de animación que formó parte de la infancia de algunos de nosotros, la cosa ha quedado bien clara. La crítica no la soporta, y el público votante ni la aprueba. Servidor aún no la ha visto y cada vez que pienso en ello tengo temblores fríos.

‘Crazy Stupid Love’ (id, Glenn Ficarra, John Requa, 2011) no ha conseguido la mismas cifras que las anteriores, pero sí ha sido el estreno mejor valorado de la semana. Steve Carell da vida a un hombre que cree tener una vida de ensueño, hasta que un día recibe una demanda de divorcio. Con la ayuda de un joven ligón empedernido, tratará de recuperar a su mujer. Críticas más que aceptables, y un público votante entusiasmado. Con Julianne Moore y Emma Stone en su reparto hay que verla, cosa que aquí podremos hacer a partir del 7 de octubre.

Vía | IMDb

El norteamericano Paul Weitz tiene nueva película entre manos. Responsable de títulos como ‘Un niño grande’ (‘About a Boy’, 2002), ‘In Good Company’ (2004), ‘El circo de los extraños’ (‘Cirque du Freak: The Vampire’s Assistant’, 2009) o ‘Ahora los padres son ellos’ (‘Little Fockers’, 2010), Weitz ya está dirigiendo el rodaje de ‘Another Bullshit Night in Suck City’, basada en las memorias homónimas del escritor Nick Flynn, para la productora Focus Features (filial de Universal Studios). El libro está editado en nuestro país con el título de ‘Otra noche de mierda en esta puta ciudad’, así que es de suponer que lo mantendrán para la adaptación cinematográfica (o quizá lo suavicen para no escandalizar a los irritables defensores de la moral, dejándolo en ‘Otra noche en esta ciudad’). Paul Dano da vida al protagonista, cuyos padres son interpretados por Robert de Niro y Julianne Moore.

Escrita por Weitz, que asegura que se ha llevado siete años trabajando en el guion, ‘Otra noche de mierda en esta puta ciudad’ gira en torno a un joven escritor que trabaja como voluntario en varios refugios de gente sin hogar en Boston; así es como tropieza con un vagabundo que resulta ser su padre, perdido muchos años atrás, con el que comienza una problemática relación. En el reparto de la película también figuran Olivia Thirlby, Lili Taylor y Dale Dickey. Por el momento no hay fecha de estreno, pero parece que la idea es lanzarla a finales de año, en plena temporada de premios. ¿Veremos a De Niro optar otra vez a un Oscar?

PD: Moore ha sido nominada a la preciada estatuilla en cuatro ocasiones; aún no la tiene.

Vía | ComingSoon

Me he permitido el lujo de coger prestado el título de una divertida y maliciosa película del gran François Truffaut, probablemente el director que mejor ha entendido, y plasmado en pantalla, el espíritu femenino, en el amplio sentido de la expresión —nota mental: hacer un especial sobre el realizador francés—. El personaje femenino que da título a ‘Chloe’ (id, Atom Egoyan, 2009) me recuerda bastante al de aquel film de 1972 en el que brillaba en todo su esplendor Bernadette Lafont. Evidentemente hay una distancia abismal entre ambos films, ya sólo porque Egoyan tendría que volver a nacer tres veces para llegar a ser la sombra de Truffaut; pero en el caso de ‘Chloe’ nos encontramos ante un remake de un film francés titulado ‘Nathalie X’ (id, Anne Fontaine, 2003) en el que aparecían Gerard Depardieu y Fanny Ardant, ambos intérpretes de una de las más estimulantes e incisivas disecciones sobre la pareja, ‘La mujer de al lado’ (‘La femme d‘à côté’, François Truffaut, 1981).

Dejando a un lado relaciones y curiosidades, ‘Chloe’ pone sobre la mesa el sempiterno debate de la necesidad de los remakes, que dicho sea de paso y por enésima vez, se hacen desde que el cine es cine —no, no me refiero a 1994, sino a mucho antes—. En el caso de Hollywood la respuesta es muy sencilla, rehacer para su mercado películas que de otra forma no encontrarían una buena distribución. Suele hacerse con films que han sido un éxito en su país de origen, cosa que no ha ocurrido en este caso. Tal vez Egoyan, que hasta cierto punto sorprende verle haciendo un remake, ha visto en ella material interesante para llevarlo a su terreno. Tal vez.

‘Chloe’ versa sobre la desestabilización de un matrimonio, el de Catherine y David (Julianne Moore y Liam Neeson) cuando la esposa sospecha que su marido le ha sido infiel al no presentarse a su fiesta de cumpleaños, que atención, era una sorpresa. Catherine comenzará a obsesionarse con la idea, mientras pesa sobre ella el paso del tiempo y la huida de la juventud. Por eso contratará los servicios de una prostituta, Chloe (Amanda Seyfried), para que seduzca a su marido con la intención de saber hasta dónde es capaz de llegar aquél. Subrayo el detalle de la fiesta sorpresa —David no acude a ella porque no le gusta ver como pasan los años—, porque es a partir de eso cuando Catherine desconfía de su marido, y de un mensaje de móvil de fácil explicación. Insuficiente para ser creíble.

Tampoco parece que Egoyan quiera desarrollar la historia a partir precisamente del hecho de que los celos y las sospechas comienzan por un detalle insignificante, y que poco a poco todo va complicándose, porque el film toma otros derroteros bien distintos, sobre todo cuando éste plantea el apunte más interesante de todos: que Catherine se siente atraída por Chloe al relatarle ésta los encuentros sexuales con su marido, algo que parece excitar sobremanera a Catherine. Si Egoyan hubiera tenido lo que hay que tener, valentía, estaríamos hablando de un perturbador film sobre la pasión descontrolada, los deseos, la confianza y la construcción/desconstrucción del mundo de la pareja. Pero en lugar de eso, el director prefiere adornar su película con una preciosista puesta en escena tan atractiva como vacía.

‘Chloe’ parece cambiar de género, pasando de drama a thriller cuando el personaje de la prostituta comienza a apoderarse de la narración, y en lugar de ser un objeto de deseo, un motivo, se convierte en la principal conductora de la narración, desvelando sus ocultas intenciones, que en realidad suenan a pataleta de adolescente inmaduro (perdón por la redundancia). Ecos de la ópera prima de Clint Eastwood —algunos preferirán citar cierto espanto de Adrian Lyne— se adueñan del relato, dañando peligrosamente a personajes como el de David, que se torna irrelevante, y ya no digamos el del hijo del matrimonio, Michael (un inexpresivo Max Thieriot), cuyos fútiles enfrentamientos con el poder materno no sirven ni para hablar de la diferencia generacional.

Amanda Seyfried, que nos regala varias escenas con su exuberante desnudez, no es la actriz adecuada para dar vida a un personaje de tan profundo calado psicológico. Sus ojos grandes son eso, grandes. Nada más. Y la importancia, relativa, de su personaje, se empequeñece no sólo por el mediocre trabajo de una actriz que se mueve mejor en films sin demasiadas pretensiones, sino porque termina eclipsada por la presencia de un breve pero intenso Liam Neeson, pero sobre todo por ese monstruo de la interpretación, y bella actriz, que es Julianne Moore, quien sí transmite las interioridades de su personaje y la evolución del mismo. Sin duda, el trabajo de la actriz, a la que le deben un Oscar desde hace años, es lo mejor de un cinta en la que Egoyan ni siquiera logra conectar la frialdad de sus escenas con el despego emocional de un matrimonio en crisis que ahora juega a las apariencias. Por no hablar de la innecesaria corrección política en la que entra el film en su tercio final.

Rebecca Miller es una de esas autoras cuyo nombre no le dice demasiado al aficionado al cine, puede que al de la literatura sí, y aún así esta señora partiría con desventaja pues es muy probable que sea más recordada por ser hija de Arthur Miller o por estar casada con el ganador dos veces del Oscar, Daniel Day-Lewis, que por sus trabajos. Autora de cuatro largometrajes, en nuestro país sólo han conocido estreno los dos últimos incluyendo el que hoy nos ocupa y siempre con una más que limitada distribución, el gran mal de las películas pequeñas. Cintas como ‘La vida privada de Pippa Lee’ (‘The Private Lives of Pippa Lee’, 2009) tienen un bajo coste pero luego deben enfrentarse, en la mayoría de los casos, a estrenos tardíos y un rápido pase por las carteleras. Ni que decir tiene que muchas veces este maltrato por parte de las distribuidoras desemboca en un fracaso en las salas por lo que las productoras cada vez querrán arriesgar menos en films pequeños.

Esto tampoco quiere decir que todos estos films menores, por llamarlos de algún modo, posean una gran calidad. Puede que la mayoría —no me atrevería a decir todos, que luego me crucifican— sea muy superior a la interminable y pesada lista de blockbusters vacíos y sin sentido que nos llegan a lo largo del año, pero también hay excepciones. ‘La vida privada de Pippa Lee’ es una película que podría haber sido grande, memorable, y sin embargo una falta total de arrojo agua casi por completo un trabajo en el que Miller no pone demasiada pasión, quizá porque carece de ella.

Rebecca Miller adapta su propio libro, de tintes autobiográficos, narrando la historia de una mujer llamada Pippa Lee, casada con un hombre 30 años mayor que ella, un importante editor de prestigio. Un matrimonio basado sobre todo en el respeto mutuo, la tranquilidad y la amistad, que empieza a debilitarse cuando él cumple 80 años. Pippa no se siente feliz y algo en su interior despierta, el recuerdo de su vida de juventud, un pasado turbulento lleno de malas compañías, excesos y ganas de ser libre. Presente y pasado se enfrentan para dar solución a las inquietudes de una mujer que empieza a vivir de verdad en su etapa de madurez. Un drama en toda regla en el que parece haber espacio para un sinfín de temas, desde la diferencia de edad en una pareja, la juventud desperdiciada, las segundas oportunidades, lo poco que se conoce a la gente que está cerca, y traumas varios, entre otras cosas.

Pero lo que sobre el papel a lo mejor tenía un gran interés o era material suficiente para desarrollar un drama familiar de altura, sabe a poco en una película cuya factura remite en todo momento al típico telefilm por mucho que Miller intente escapar de ello mediante una estructura narrativa a base de flashbacks. En algún sitio leí que Pippa Lee bien podría haber sido uno de los personajes centrales de la serie de televisión ‘Mujeres desesperadas’ (‘Desperate Housewives’) —por cierto, yo lo dejé en la primera temporada, ¿me pierdo algo?—, el típico personaje femenino que tanto se lleva ahora. Una de esas mujeres resignadas a una vida que no soñaron, con un punto de rareza en su forma de ser, y con ganas de estallar frente a todo el mundo. Y así es, Pippa Lee se erige como lo más interesante de un film que termina cayendo en demasiados lugares comunes utilizando excusas argumentales bastante forzadas.

Y aunque Miller propone apuntes interesantes alrededor de su personaje, es gracias al excelente trabajo de la actriz Robin Wright Penn —pronto habrá que dejar de utilizar el apellido de Penn para referirse a esta preciosa mujer— quien realiza una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Uno casi llega a compadecerse de su personaje al que Wright viste con todo un muestrario de expresiones faciales y un saber mantener el plano que pocas actrices de hoy día son capaces de hacer. La pena es que Miller no ponga la misma entrega en lo que nos narra, dejando en manos de sus actores el verdadero peso del film, un mal muy extendido últimamente. La mayor parte de las situaciones planteadas carecen del más mínimo interés, ya sea por estar narradas con desgana o por quedarse en la superficie. Al menos allí los actores están fulgurantes. Todos menos uno.

Keanu Reeves es de lejos lo peor de la película, incluso por debajo del poco vigor de su realizadora. Lo de este actor es increíble, no es capaz de hacer creíble ni una sola de las escenas en las que sale, tal y como nos viene demostrando desde hace ya muchos años. Da igual que tenga que tenga que estar rabioso, o que tenga que besar y poner cachonda a una mujer, o se tenga que sorprender, el tío pone siempre la misma cara de palo para todo. Hay una secuencia de sexo entre él y Robin Wright que pone en evidencia las limitaciones del actor, insufrible donde los haya. Afortunadamente está Wright acompañada por gente como Alan Arkin, quien despliega toda su sobriedad en un personaje quizá algo maniqueo, y Julianne Moore, quien despliega toda su grandeza en un personaje muy secundario pero curiosamente mucho más interesante que otros más centrales. Por otro lado Maria Bello demuestra lo polifacética que puede llegar a ser, y Winona Ryder tal vez eche de menos otros tiempos mejores.

De agradable visionado ‘La vida privada de Pippa Lee’ transcurre sin sobresaltos, no aburre pero no entusiasma, todo en ella es demasiado amable, y lo poética que pretende resultar a veces —ese uso de la banda sonora que casi le da un carácter de cuento— no llega para elevar la película a donde quizá mereciera.

Grant: “Llegado el momento, no habrá tiempo para sentimentalismos”.

George: “Si vais a construir un mundo sin sentimientos, no quiero formar parte de él”.

La palabra inglesa “single” puede tener más de un significado en español; puede ser “solo” y también “soltero”. En España, ‘A Single Man’ se ha estrenado bajo el título de ‘Un hombre soltero’, lo cual es correcto, pero a mí me parece que (al igual que pasó con ‘A Serious Man’ de los Coen) habría sido más ajustada otra traducción. ‘Un hombre solo’ refleja mucho mejor el espíritu, el tono, de la película que nos llegó el pasado día 12, el primer trabajo cinematográfico del famoso diseñador de moda Tom Ford.

Aunque ha recibido elogios (quizá más por quién es, que por su labor de dirección), no es Ford quien se está llevando los mayores aplausos por este atípico film. Los focos y los premios están siendo para el actor principal, el inglés Colin Firth, ganador de la Copa Volpi en Venecia y del premio Bafta británico por su trabajo, además de uno de los cinco candidatos para lograr el Oscar. A falta de ver a Jeff Bridges por ‘Corazón rebelde’ (dicen que es el favorito), y sin desmerecer el trabajo de los otros tres actores (que están estupendos en sus respectivas películas), creo que Firth debería llevarse la estatuilla el próximo 7 de marzo. No sólo porque su interpretación es memorable, sino porque la película no podría existir sin ella.

Sensacional Firth, impecable producción

Y es que el actor (a quien tuve la suerte de entrevistar con motivo de la aparatosa ‘Cuento de navidad’) ha sabido captar a la perfección lo que exigía el difícil personaje del profesor George Falconer, cuya desolación, tras la muerte de su amante, es el alma de la película. Colin Firth se mete en la piel de Falconer y el resultado es tan verdadero que uno llega a creer que realmente es así, que en su vida privada este hombre debe ser así. Es lo que consiguen los buenos actores cuando están inspirados. Está impecable en el telefilme ‘Conspiracy’, y no he visto todo lo que ha hecho, pero dudo mucho que este actor haya estado mejor, más implicado, más natural, en alguna película anterior.

Basada en la novela homónima de Christopher Isherwood, convertida en un símbolo del movimiento gay, ‘A Single Man’ nos traslada (de forma impecable) a la ciudad de Los Angeles en 1962, en el momento de mayor tensión durante la crisis de los misiles cubanos. La paranoia estadounidense con este hecho queda reflejada en la película con el personaje de Lee Pace, a quien ridiculiza el protagonista, soltando una de las mejores frases del film (el diálogo que he citado más arriba). El trasfondo histórico, la mentalidad y la forma de vida del momento es esencial para poder internarse adecuadamente en el drama del solitario Falconer, quien a pesar de su convincente apariencia se revela como un hombre totalmente destrozado por dentro. Por otro lado, aunque quizá estéis en desacuerdo conmigo, me parece que la película gana mucho situándose en los sesenta, que no sería tan elegante ni atractiva trasladada a la década actual.

A la ilusión de vivir en los sesenta contribuye no sólo el vestuario, el atrezo o los decorados, la película no sería la misma sin la fantástica banda sonora, integrada por la exquisita música original (que podéis escuchar en la web oficial del film) compuesta por Abel Korzeniowski y Shigeru Umebayashi, así como de temas tan populares como el ‘Green Onions’ de Booker T. & The MG´s. Te mete en la película. Desde luego, la particular mirada de un hombre como Ford aporta también algo único al film, donde sobresalen imágenes surrealistas, recuerdos en blanco y negro o planos detalle ralentizados, que pretenden capturar la belleza de lo que le rodea. Este recurso está muy bien empleado para dar a entender cómo el protagonista trata de saborear cada instante, una vez ha tomado la decisión de acabar de una vez por todas con su sufrimiento.

Estereotipos, cerrando el círculo

Pero no es ‘A Single Man’ una película redonda. Como bien apuntaba mi compañera Beatriz en su crítica, Ford cae en una serie de tópicos que empequeñecen su primer trabajo como director. Se cae, y supongo que el problema está ya en la novela, en los estereotipos para componer a la mayoría de los personajes secundarios. El retrato de la época es también poco realista, estilizado, pero este aspecto creo que juega a favor del film, como ya he dicho, y además se puede ver como la manera en la que el protagonista experimenta el mundo. De hecho, toda la última parte (la del profesor y el alumno que interpreta Nicholas Hoult) parece sacada de un sueño, siendo muy similar a su recuerdo de cómo conoció a su amor.

Comparados con el fantástico personaje de George Falconer, los otros resultan mucho menos interesantes. Sólo Julianne Moore, que casi siempre está estupenda, haga lo que haga, consigue dar color, vida e identidad a su Charley, una mujer triste, eterna enamorada del protagonista, eterna frustrada. Después de lo que dije de él con motivo de ‘Watchmen’, va a parecer que le tengo una especie de manía a Matthew Goode, pero igualmente debo decirlo de nuevo: me parece un error de casting. Goode no es mal actor (a su favor diré que en ‘Match Point’ está estupendo), tiene carisma, pero su interpretación aquí carece de autenticidad, al lado de Firth se queda como un principiante que no ha hecho los deberes, que se contenta con salir guapo en la pantalla.

El que todo deba ocurrir en una sola jornada (como en el libro) hace que resulte algo forzado todo lo que le sucede a Falconer en el film (aun contando las horas que no duerme), si bien creo que, de nuevo, hay que tomárselo no de una forma realista, sino más bien como un sueño vivido, una fantasía, en el que el espacio y el tiempo tienen sus propias reglas (los flashbacks y las ensoñaciones del protagonista extienden el horizonte), y donde puedes ver a todas las personas que tienen algo que decir sobre ti, antes de que se acabe y despiertes. El desenlace podría entenderse que va en esta misma línea, aunque a mí personalmente me resultó insatisfactorio. Quizá era el más justo, el más apropiado, pero parece más impuesto por la necesidad de cerrar el relato con un llamativo lazo. A pesar de sus puntos flacos, una película que hay que ver. Excepto los que tengan un problema mental y no sean capaces de tolerar ver a dos hombres enamorados besándose, claro.

No sabía yo que habían acudido miles de periodistas a la Berlinale a aplaudir películas convencionales, a emocionarse con chistes dignos de películas de sobremesa. Pero así están las cosas. Imagine el lector que vamos a la entrega del premio Cervantes, y los periodistas, críticos literarios, se ponen a defender libros best-seller claramente inferiores a buenas muestras de literatura. Pues eso es lo que está pasando, más o menos, en este gran certamen de cine. Como al contrario que otras webs que hablan de la Berlinale sin estar aquí (y que no citan sus fuentes), Blogdecine sí está presente, yo estoy aquí, y puedo contar lo que veo todos los días.

Y lo que veo es que los periodistas, que en principio se debe esperar que fueran expertos en cine y en arte, se contentan con poco, se ríen con lo primero que les dan, se hacen los dignos con un cine más exigente que no tienen el menor interés en profundizar, y pasan por aquí como si alguien les debiera algo, en muchos casos. Yo creo, corríjame el lector si me equivoco, que las condiciones que los programadores de la Berlinale (en sección oficial, el resto no puedo ir a verlas), deberían primar, son tres, y son las siguientes:

• 1. Que los autores de las películas sean valientes. Es decir, que no hagan un cine convencional, si no que se arriesguen, que se mojen, que se expriman la creatividad.

• 2. Que las películas tengan algún interés formal. O sea, que ofrezcan algo más que un “plano/contraplano” o la clásica presentación “plano general, planos cortos”.

• 3. Que tengan algo de autoría. Pueden ser autores estrella, o autores desconocidos. Pero que tengan personalidad.

En algunas películas, no vemos ni rastro de estas tres condiciones indispensables. Y en las dos primeras películas de hoy, que han sido muy aplaudidas, tampoco.

‘Shahada’ y ‘The Kids Are All Right’, cine convencional, conservador, sin el menor interés

La Shahada es el tradicional rezo musulmán, uno de los cinco pilares del Islam, que dice: “No hay más dios que Dios, Muhammad es el mensajero de Dios”. Y es el título de la película alemana que vimos a primera hora de la mañana, dentro de la sección oficial a concurso. Es un intento de melodrama en el que varios personajes, pues es un filme coral, se enfrentan a su fe en oposición a sus deseos y su vida diaria. Dejando a un lado el poco respeto que merecen unos personajes que permiten que una secta (como la católica o la judía) les dicte absolutamente todo en el proceder de sus vidas, y que es imposible, por tanto, una conexión emocional, la peliculita no tiene el menor interés.

Al modo de un ‘Vidas cruzadas’, o un ‘Magnolia’, aunque con bastantes menos personajes y muchísimo menos talento que Robert Altman o Paul Thomas Anderson, el director Burhan Qurbani pretende ofrecer un mosaico que se antoja endémico a todas luces, forzado, muy poco creíble. Una muchacha que ha abortado, un chico con tensiones homosexuales, un hombre con una amante. Todos ellos se enfrentan en sus vidas a una situación que contradice sus creencias. El conflicto está ahí, y los actores están bastante decentes, pero no se sabe muy bien a dónde quiere llegar el cineasta, qué pretende contar, cuál es su punto de vista.

Todo parece un batiburrillo, una lata de sardinas en la que todo vale. Las relaciones entre los personajes son tan azarosas y rebuscadas que bien podría haber filmado tres cortos con cada uno de ellos por separado. Además, con una autocomplacencia evidente, separa su película en capítulos, al modo de una novela, que no ofrecen una correcta progresión, o al menos una adecuada presentación de los temas. Una película cuya rueda de prensa estaba abarratoda, por ser alemana posiblemente, y que fue bastante aplaudida, aunque es cine mediocre, muerto, sin vida, sin el menor interés.

Y la norteamericana ‘The Kids Are All Right’ es igualmente mediocre. Dirigida por una tal Lisa Cholodenko, cuenta la historia de un matrimonio de lesbianas con dos hijos, que un día conoce al dueño del esperma que dio lugar a sus vástagos. Las lesbianas son nada menos que Annette Benning y Julianne Moore, que están bastante bien en sus respectivos roles (más que nada, porque son excelentes actrices), y el dueño del esperma es un penoso Mark Ruffalo que después de su aparición en otra película fuera de concurso, la scorsesiana ‘Shutter Island’, vuelve a dejar bastante que desear en una interpretación.

La cosa va de comedia dramática, de gente guay, estupenda, de esa norteamericana que tiene una cocina en la que cabe toda mi casa, con problemas muy apasionantes como “no me dejes, porque te amo”, o “necesito encontrar a mi padre biológico”. Temas vistos mil veces, y que no tendrían nada de malo si la directora encontrara la forma de tratarlo de una manera original y personal, y no como un telefilme de sobremesa. Eso sí, el respetable se rió muchísimo de los chistes (y de frases que no eran chistes, si no trágicas, a lo mejor es que los periodistas ya están aburridos y necesitan reirse de cualquier cosa), aunque no hay más que dos o tres realmente ingeniosos, y se lo pasó pipa con una historia aburguesada hasta decir basta.

Esta es la penúltima película fuera de concurso, y confirma que los programadores no se han tomado tan en serio esta mini-sección como la oficial a concurso. Con la secuencia de Mia Wasikowska (la Alicia de la venidera ‘Alicia en el país de las maravillas’) abrazando a sus dos madres llorando, nos pusimos hasta arriba de diabetes, aunque muchos encantados de la vida, con el frío que hace nada más salir del Palast. Y con la presencia de Julianne Moore en la conferencia de prensa, se llenó de nuevo hasta la bandera la sala. No es para menos, yo también estuve allí. Es una actriz maravillosa, pero la película añade muy poco a su carrera, más por el conjunto ultra-conservador (aunque cuente historias de lesbianas, esto es un América Happy Life) que por su aportación.

Vistas estas dos películas antes de comer, he de reconocer que me desanimé completamente, o mejor dicho me desmoralicé. No sé por qué tienen que traer a uno de los festivales más importantes del mundo películas que cualquier televisión puede comprar. Lo lógico serían películas con más difícil aceptación mayoritaria, pero yo no trabajo en el festival, simplemente relato lo que hay. No son una basura o un engendro, no son un escombro estético, narrativo, moral y visual como el de ‘Caterpillar’ o ‘Exit Through The Gift Shop’, pero cerca le andan. Ahora bien, hubo suerte con la tercera película del día.

‘How I Ended This Summer’, el coraje del cobarde

He aquí una buena película. Cuando parecía que íbamos a tener una jornada, la séptima hoy, desastrosa, llega el cine ruso, ausente del festival durante un lustro, y presenta una película grande, compleja, adulta. Supongo que es el precio que hay que pagar por estar aquí, aunque sea un precio muy alto: desesperarse, desmoralizarse con dos películas insulsas, y emocionarse con el cine de verdad. ‘How I Ended This Summer’, en cuyo pase de prensa había gente que se iba o se dormía (por el cansancio, y porque no es una película fácil de ver), es uno de los filmes más importantes presentados en este festival. Así de sencillo.

Dirigida con mano de hierro, enguantada de seda, por el cineasta ruso Aleksei Popogrebsky, ‘Kak ya provyol etim letom’, cuenta una historia con solo dos personajes, dos seres antagónicos, en la más lejana estación meteorológica polar de Rusia, la de Chukotka, de impresionantes parajes helados. Ambos son los encargados de las mediciones meteorológicas que salvan las vidas de marineros, exploradores, soldados y mucha más gente del ártico. Y su trabajo tiene que ser exacto, métodico e incisivo. Como la maquinaria de un reloj. Sergei es un hombre maduro, enorme, primario, buena gente pero tosco, que enseña el oficio a un principiante Pavel (o Pasha), un chaval recién salido de la universidad que va a pasar allí el verano de prácticas.

Se respetan pero no se llevan excesivamente bien. Cuando le ocurre una desgracia a la familia de Sergei, Pavel no sabe como reaccionar, y eso desemboca en un relato de tensión psíquica progresiva, de suspense, de reacciones y emociones básicas que sorprende y asombra por la prontitud y rotundidad con que se hacen creíbles. El joven resulta ser un cobarde incapaz de comunicar una noticia grave, de ser un hombre al fin y al cabo, y sabe de las violentas consecuencias de sus actos, pero no puede evitarlas, por el miedo que siente. Sin embargo, cuando al final todo desemboque en tragedia, tendrá que aprender a ser un hombre en las condiciones físicas más insoportables que imaginar quepan.

Esto es una historia que toca asuntos graves, serios, no habla de dramas de salón entre gente bienintencionada, si no de supervivencia. No se centra en peleles burgueses, ni en chavales que eligen ser manipulados por religiones, si no en hombres, hombres muy imperfectos, pero hombres al fin y al cabo. Y en sus varios y muy ricos niveles narrativos encontramos compasión y dignidad, un choque generacional evidente entre la Rusia de antes y la Rusia de ahora, emociones primarias y universales, sencillez y verdad.

En la rueda de prensa, que estaba a medio llenar, el director ruso me comentó, a mi pregunta de cómo había hecho el prodigioso plano en el que mientras Pavel cruza la explanada la niebla se va levantando lentamente, que todo lo que tuvo que hacer fue esperar. Que no tenía un plan trazado, y que muchos planos le salieron por suerte. No tenía sentido hacer un guión cerrado, porque las condiciones atmosféricas eran tan variables que hubieran tirado al traste con muchos planos. Pero que supo aprovechar los inconvenientes para ponerlos a su favor. Eso es lo que hace un gran director.

Ambos actores están perfectos. No necesitamos más personajes en un duelo perfecto en el que ninguno sale vencedor, sólo el espectador. El joven protagonista Grigoriy Dobrygin, que precisamente hoy cumplía 24 años, está perfecto, pero no más que el maduro Sergei Puskepalis. No me extrañaría nada que ambos se llevaran el Oso de Plata a mejor actor, aún a expensas de otros. Eso sí, veo más difícil premios mayores, aunque se los merece. Se necesita cine más valiente, más arriesgado y exigente como este, que nos devolvió la sonrisa en la Berlinale.

Mañana la bosnia ‘Na Putu’, la alemana ‘Jud Suss’ y la argentina ‘Puzzle’.

Berlín, 17 de Febrero de 2010.

‘Chloe’, la nueva película del director Atom Egoyan, ya tiene tráiler internacional, que ha sido calificado para mayores de edad en Estados Unidos. El motivo es que aparecen dos imágenes sueltas de Amanda Seyfried desnuda, en un avance que dura dos minutos. Chorradas puritanas aparte, el tráiler está bastante bien, muy intenso, y presenta una trama interesante, sobre un matrimonio en crisis y una atractiva joven que protagonizará un peligroso juego de seducción.

Los muy grandes Julianne Moore y Liam Neeson dan vida al matrimonio en problemas, fracturado por culpa de los celos y las infidelidades. Egoyan, Moore y Neeson; tres razones para no perderse este thriller, que ya pudo verse en varios festivales, como el de San Sebastián. Allí la vio mi compañero Adrián, que la encontró perturbadora, destacando sobre todo la interpretación de Moore.

Dicho todo esto, también hay que destacar que ‘Chloe’ se basa en el film francés ‘Nathalie X’ (Anne Fontaine), estrenado en nuestro país en 2005, con Fanny Ardant, Emmanuelle Béart y Gérard Depardieu al frente del reparto. La película estará en los cines norteamericanos el próximo 10 de marzo. Todavía no hay una fecha para España. A continuación os dejo los tres carteles que han aparecido hasta el momento, ninguno especialmente inspirado:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Neeson tuvo que terminar de rodar sus escenas para ‘Chloe’ después de enterrar a su esposa, Natasha Richardson.

Vía | Impawards y TrailerAddict

“Peter, si quiere que dirija su pequeño safari, hay dos condiciones: primero, aquí mando yo, y cuando no esté yo, manda Dieter. Todo lo que tiene que hacer es firmar cheques, decirnos lo buenos que somos y abrir su caja de whisky cuando tengamos un buen día. Segunda condición: ¿mi salario? Puede quedárselo. Todo lo que quiero como pago a mis servicios es el derecho a cazar uno de los Tyranosaurios. Un macho. Cómo y cuándo es asunto mío. Ahora, si no le gustan alguna de estas condiciones, le dejaré solo. Así que adelante, levante el campamento aquí mismo, o en una ciénaga, o en mitad del nido de un Rex, porque me da igual. Pero he estado en demasiados safaris con dentistas ricos para escuchar más ideas suicidas, ¿de acuerdo?”

-Roland Tembo

Cuatro años después de ganarse un prestigio que siempre se le había resistido, y de alzarse con el Oscar al mejor director y mejor película con la estupenda ‘La lista de Schindler’, Spielberg volvía al cine con la segunda parte de la película más taquillera (hasta que llegó ‘Titanic’) de la historia. Y lo cierto es que dice mucho del carácter artístico de Spielberg que se arriesgara con aquella incursión en el holocausto judío, para regresar a una aventura que era una de sus menos interesantes películas. Es decir, un cineasta que podía permitirse cualquier cosa, cambiar por fin de rumbo una filmografía que ya se dibujaba con irregulares aristas, reincide en un cine descaradamente comercial que, además, fracasa en su intento de ofrecer grandiosa aventura y que se queda en una aventura familiar muy endeble. Películas como estas dan que pensar sobre la importancia real de Spielberg como artista.

Regreso a la pesadilla…es decir, al cuento de hadas

Estaba claro que íbamos a conocer una segunda parte, y parecía sencillo superar los tonos edulcorados y el bajísimo listón que Spielberg se impuso en la primera aventura. Esta película responde a la fórmula del “más difícil todavía”, pues después de sorprender a todos con unos efectos digitales que recreaban dinosaurios con gran espectacularidad, había que encontrar la fórmula para volver a sorprenderles. El problema es que ya estaba todo inventado. Simplemente, pusieron muchos más saurios, un poco mejor hechos que la última vez. La solución pasaba, en realidad, por situar a personajes más interesantes en la vorágine de esta secuela. Pero ahí también fracasaron, salvo en un caso, del que hablaremos más adelante.

Ya el mismo comienzo avisa de que la cosa no va a discurrir por caminos muy diferentes a los de la primera aventura. ¿Dónde están los electrizantes prólogos de Indiana Jones? Desaparecidos. A continuación regresamos a la civilización con el personaje de Jeff Goldblum, que repite papel, pero que durante toda película va a suponer un ejemplo de desgana y de incapacidad. Por supuesto, ha de regresar a la segunda isla en busca de su ex-mujer, que resultará ser Julianne Moore. ¿Por qué Spielberg coloca a este personaje en el centro de la historia, cuando es evidente que hace falta algo más interesante que eso? No lo puedo entender. En mi opinión, es el primer error, y uno de los más grandes. Pero hay muchos más. Su personaje tiene una hija, en teoría adoptada, que es un completo pegote sin gracia, y es que Spielberg tiene que meter algún crío por eso de asegurarse esa dimensión en el relato. La hija viajará con Malcolm de polizón, como todos nos imaginábamos desde el principio, cuando en realidad nos importa muy poco que viva o muera.

Malcolm, con barba y pinta de estar en muy mala forma, viaja con un equipo de dos personas más, entre ellos Nick Van Owen (un digno Vince Vaughn), que luego descubriremos que es un naturalista infiltrado, y enseguida se encuentra con su ex-pareja, una insoportable Moore (que es una de mis actrices favoritas). Hasta aquí han transcurrido más de veinte minutos de película, y se pregunta uno cuándo va a empezar esa en teoría gran aventura filmada por el gran maestro, porque ni por asomo hay nada de eso. Eso sí, los estegosaurios muy bonitos, muy bien hechos. También tenemos algún momento cursi digno de la casa, como al que pertenece la fotografía de arriba del todo. En ese momento, sucede un atisbo de milagro, porque llega un segundo grupo a la isla, capitaneado por el único personaje que tiene algo, interpretado por el gran Pete Postlethwaite, al que pertenece el monólogo que abre este artículo.

De pronto, sucede un milagro. Y es que pasa algo en la historia. Tensión, conflicto. Se instala cierta incertidumbre. Por supuesto, los dinosuarios vuelven a mostrar que son ellos los que mandan, y dos Rex atacan al furgón de los “buenos”, matando a uno de ellos, en una secuencia ciertamente muy elaborada, aunque estropeada por los famosos chistes malos tan del gusto de Spielberg. Eso sí, una vez concluido ese bloque, comienza la que es para mí la verdadera película, con el grupo de supervivientes aislados del mundo exterior y obligados a viajar hasta otro punto de la isla. Y ahí toma el mando el personaje de Postlethwaite, que es el que debería haber protagonizado toda la película, si Spielberg hubiera tenido los redaños de llevar su deseo de hacer esta película más oscura hasta al final, y no la hubiera convertido, de nuevo, en otra insulsez familiar.

Y es que, que me corrija el lector si ando errado, pero la aventura es algo más que cuatro personajes sin carisma correteando de un lado para otro perseguidos por dinosaurios generados por ordenador. Estoy seguro de que el adolescente amante de videojuegos (y yo soy un viciado, que no me interpreten mal) que en su vida ha visto una película de Raoul Walsh, de Howard Hawks o de John Huston, querrá corregirme y estará encantado con este despropósito, pero yo espero algo más, en realidad mucho más, de una historia de aventuras. No sólo pasar el rato, sino que me conmueva, porque creo que es uno de los géneros más poderosos que existen. Y como Spielberg demostró en ‘Tiburón’, por ejemplo, pues es de esperar, siempre, lo mejor de él.

La cosa se anima, ya digo, con ese viaje hacia el interior de la isla, pero las barbaridades se suceden sin desmayo (el tyrannosaurio o los raptores cazando siempre a uno de los “malos”, nunca de los “buenos”, la bochornosa escena de la hija haciendo equilibrismos sobre barras paralelas…), hasta que por fin tiene lugar el forzado tercer acto, ya en la ciudad, que pretende homenajear, con más pena que gloria, a clásicos como ‘King Kong’. Ya hablé, en su momento, de lo mal que se le dan a veces los finales a este hombre, llegando a estropear buenas películas (no es el caso). Aquí vuelve a demostrar que la coherencia no es lo suyo. Y si no, que alguien se digne a explicar cómo un Rex sorprende a toda la tripulación del barco (dado su tamaño y su ferocidad), los devora…¡y se vuelve a meter en su prisión marina! De locos.

Pero parece que ha comenzado una nueva película. Sorprende, además, la poca imaginación visual que demuestra Spielberg durante toda la película, la escasa calidad de la fotografía de Kaminski, y la plena incapacidad de todos los responsables por elaborar una aventura que pudo ser intensa y que se queda en muy sosa.

Conclusión

Películas como esta, y bastantes más, le hacen a uno replantearse la altura estética de su director, capaz de entregar una maravilla, primero, y dos o tres productos más que discutibles, después. Quizá le puede la desgana, o quizá es que le importa poco abaratar su filmografía (eso sí, llenándose bien los bolsillos del dinero de los espectadores, muchos de ellos encantados con algunos de sus despropósitos). A estas alturas, en 1997, queda claro que hay dos Spielberg. Uno es el de ‘Tiburón’, ‘E.T’, las aventuras de Indiana Jones, ‘La lista de Schindler’, ‘Encuentros en la tercera fase’, ‘El color púrpura’. Otro, muy diferente, es el de ‘The sugarland express’, ‘1941’, ‘Always’, ‘Hook’, ‘Parque Jurásico’, ‘El mundo perdido’...

Las diferencias son notables. Yo me quedo con el primero, claro está.