Peter Hedges dirige al cómico Steve Carell en ‘Como la vida misma’ (‘Dan in Real Life’), donde le acompañan en el reparto Juliette Binoche, Dianne Wiest y Dane Cook, entre otros. El film se estrenará este miércoles, 19 marzo.

La película comienza mostrándonos cómo Dan, un viudo con tres hijas –dos adolescentes y una niña—, dedica su vida en exclusiva a atender las necesidades de su familia. A pesar de ser un hombre que, por su naturaleza se puede comprender que tiene sentido del humor, se comporta de manera hundida y pasiva, como si ya se hubiese acabado lo que el mundo le puede ofrecer. Por este motivo, conocer a alguien por quien pueda interesarse resulta de lo más extraordinario y resulta igualmente inconveniente que haya algo poderoso que impida que esa relación siga adelante.

Lo que narro en esta sinopsis, aparentemente, no es más que lo que muestran muchas películas, sin embargo, no estoy describiendo hechos, sino sentimientos que están en el interior de un personaje y que, por ello, son difíciles de transmitir. ‘Como la vida misma’ consigue que veamos a Dan destrozado, ilusionado, frustrado, enamorado… gracias a la forma en la que presenta las situaciones y a la capacidad interpretativa de Steve Carell. Las sensaciones están tan bien planteadas que se contagian al espectador y el film logra crear emociones sin caer en el melodrama ni en los diálogos explicativos.

Otro de los elementos que contribuyen a esta sensación de cine independiente son los personajes. No se parecen en nada a los que solemos ver en series o en películas porque, por una vez, no están retratados a base de tópicos, sino que se les han buscado particularidades y rasgos que los hacen únicos. En este sentido, se podría comparara a genial y emotiva ‘Los amigos de Peter’. Al igual que ocurría en el film de Kenneth Branagh, los miembros de la familia –que allí eran un grupo de amigos— deben pasar varios días en la casa. De este planteamiento se extraen diversas situaciones que tienen significado y validez dentro de la historia y no son una acumulación de momentos en los que crear humor, como habría pasado en casi cualquier otra película. La escena que más me recordó al film inglés es aquella en la que se entretienen haciendo representaciones teatrales o demostraciones de su talento.

Debido a que los personajes son tan atrayentes desde el guión, los intérpretes se han sentido cómodos y han hecho un trabajo excelente que, en algunos casos, no nos habríamos esperado. Juliette Binoche, más dada a llorar y a hacerse la víctima que a resultar interesante y divertida, consigue que nos creamos que el personaje de Carell está colado por ella a pesar de haberla conocido sólo durante unos minutos. A ella la vemos cautivada por los encantos de Dan y comprendemos que lo prefiera a su hermano, lo cual también es mérito del actor, sobre todo si tenemos en cuenta que es mucho más feo que Dane Cook... o que casi cualquiera. Gracias a que nos parece creíble el enamoramiento recíproco, la parte romántica de la cinta funciona y la tensión sexual se percibe en cada una de las escenas.

Los actores secundarios dan vida a la familia de Dan y a un ligue de una noche que le presenta la madre. Dianne Wiest y John Mahoney, en los papeles de unos padres un tanto estrafalarios, pero padres al fin y al cabo, están geniales. Y también resultan perfectos en sus papeles los demás familiares y algunos de los niños –la hija mediana podría ser la única que desentone algo—. Aunque haya dos protagonistas muy claros, los demás personajes tienen sus momentos tan definidos que ‘Como la vida misma’ de alguna manera se podría considerar un film coral.

A todo este tratamiento contribuye una realización elegante, con una bonita fotografía y un ritmo pausado que te permiten entrar en las situaciones con mucha calma y tiempo para asentarte en ellas y absorber los sentimientos que se quieren transmitir.

En definitiva, ‘Como la vida misma’ es una comedia romántica que quizá guste más a quienes ya hemos cumplido los treinta y probablemente a quienes han pasado de los cuarenta que a personas muy jóvenes. Lo que cuenta podría haber estado en una película mucho más convencional y, sin embargo, es un film que consigue contagiar emociones sin acercarse ni de lejos al sentimentalismo.

Hace un tiempo que vimos el trailer y ahora toca echar un ojo al póster de ‘Dan in Real Life’, comedia drámatica al servicio del cada vez más famoso Steve Carell. Le acompañan en el reparto Juliette Binoche, Dane Cook, Amy Ryan y Dianne Wiest, entre otros.

‘Dan In Real Life’ (aquí a lo mejor lo traducen como ‘Algo pasa con Dan’) ha sido dirigida por Peter Hedges y se centra en un hombre que cuando encuentra a la mujer de su vida, descubre que es la novia de su hermano. El 8 de febrero se estrena en los cines españoles.

Vía | Impawards

Visitando The Movie Box he encontrado el trailer de la curiosa ‘Dan In Real Life’, protagonizada por el actor cómico Steve Carell, que en esta ocasión vuelve a acercarse al drama (está claro que en este género obtendrá más reconocimientos “prestigiosos”). ¿Siguiendo los pasos de Carrey? Lo cierto es que el avance no me parece bueno, da la impresión de que nos venden un producto lleno de tópicos, pero bueno… nunca se sabe.

‘Dan In Real Life’ ha sido dirigida por Peter Hedges y su argumento se centra en un hombre que encuentra a la mujer de su vida, pero descubre que es la novia de su hermano. ¡Oh, madre de Kubrick, qué gran idea tan original! En fin, además de Carell, en el reparto tenemos a Juliette Binoche, Dane Cook y Dianne Wiest. En octubre estará en los cines norteamericanos.

‘Dan In Real Life’ | Ver trailer

Basada en una historia corta de Bernard Schlink, ‘The Other Man’ gira en torno a un hombre (Neeson) que descubre que su difunta esposa tuvo un amante durante muchos de los años que duró su matrimonio; entonces, emprenderá un viaje por Inglaterra, Alemania e Italia, para encontrar a ese amante y destapar toda la verdad. A Neeson acompaña, interpretando a su infiel y difunta esposa, la francesa Juliette Binoche (imagino que saldrá en los típicos flashbacks y no se limitará a permanecer en un ataúd). El guión de la película corre a cargo de Eyre y de Charles Wood.

Vía | DarkHorizons

El pasado Marzo se estrenó en nuestro país ‘Breaking and Entering’, la última película dirigida por Anthony Minghella. Lo curioso es que su distribución fue limitadísima sin que aún conozcamos el motivo de ello. Decían por ahí que en la productora no sabían muy bien cómo vender un film de estas características, el cual no termina de definirse en ningún género. Ese es el problema de muchos productores, cuando se les presenta algo inclasificable se ponen nerviosos y lo más lógico es que no apuesten por el producto. Y resulta más curioso aún cuando en el reparto de la película figuran nombres tan conocidos como Jude Law, Juliette Binoche y Robin Wright Penn. Es evidente que esos tres no son garantía de un bombazo comercial, pero sí lo suficientemente conocidos por el público como para que la película pueda responder en la taquilla.

‘Breaking and Entering’ narra la historia de una pareja con ciertos problemas que viven en Londres. Él es un importante arquitecto que un día sufre un robo en su empresa, prepetrado por unos jovenzuelos que repiten el robo. Una noche siguien a uno de esos ladrones, nuestro protagonista conocerá a la madre del mismo, con la que comenzará una relación especial, planteándose muchas cosas al respecto de su propia vida.

Minghella siempre se ha caracterizado por narras historias íntimas, aunque en el caso de ‘El Paciente Inglés’ (si no fuera por su primera media hora estaríamos hablando de una gran película), ‘El Talento de Mr. Ripley’ (excelentes actores, pero historia sin pasión) y ‘Cold Mountain’ (con el enorme problema de tener que aguantar a una insoportable Nicole Kidman), estaban apoyadas por cierto halo de grandiosidad típico de una superproducción (‘Un Marido para mi Mujer’ vamos a dejarla de lado a pesar del simpático Matt Dillon). Precisamente eso es lo que no tiene esta película, es como si Minghella haya descendido un poco sus intenciones de querer contar algo grandioso, y haya querido hacer un film mucho más cercano y tranquilo, por así decirlo.

Esto juega a favor y en contra del film al mismo tiempo. A favor porque tenemos un film sencillo, fácil de seguir, realizado muy correctamente y bastante bien interpretado en el que se ve que todos han estado muy cómodos realizándolo. Y en contra, porque curiosamente esa falta de pretensiones hacen que la película no tenga ni la más mínima trascendencia, y ahí es donde Minghella fracasa, pues no logra dejar huella contando una historia sencilla, algo que sí lograba por ejemplo un Robert Bresson, y no trato ahora de comparar a los dos directores, porque sería enormemente injusto para Minghella, pero éste nunca ha sido un gran director, aunque sí ha tenido a su alcance los elementos adecuados, que por sí solos ya lograban cierta calidad.

La película no aburre y se sigue con cierto interés, pero hay algunas cosas de su trama que no están bien mostradas. Al respecto cabe citar la relación entre Jude Law y Robin Wrigth Penn, la cual nunca termina de estar clara, y ella anda como un poco perdida, hasta cierto giro final en el que todo se decide y uno se pregunta si no le estarán tomando un poco el pelo. No es que sea demasiado alarmante, pero el final del film desentona bastante con el resto, peca un poco de incoherente y lastra por supuesto algunas de sus posibilidades. Los actores indudablemente están todos en su salsa y muy creíbles, uno de los aciertos de la película. Al lado de Law y Wright Penn tenemos a una Juliette Binoche demostrando una vez más lo mucho que le gusta poner acentos, y en un papel secundario está Vera Farmiga, mucho mejor actirz de lo que parece, interpretando a una prostituta que mantiene una curiosa relación de amistad con el protagonista.

Una película correcta, que inexplicablemente casi ha pasado desapercibida. Me pregunto qué ocurrirá cuando la editen en dvd, si correrá la misma suerte. Esperemos que no y que la gente la descubra. No es un gran film y no pasará a la historia, pero tampoco es un producto desdeñable, tiene su interés, a parte de ir un poco a contracorriente dentro del actual panorama norteamericano, y sólo por eso mereció mejor suerte en su distribución.

Desde que conocí la noticia de su rodaje, me entusiasmó la idea de un film protagonizado por mi admirada Juliette Binoche e inspirado en el corto Le Ballon Rouge de Albert Lamorisse, premiado en Cannes en 1965.

El film narra las desventuras de una estudiante china, contratada por el personaje de Binoche, y del niño al que cuida. Ambos comparten el mismo mundo imaginario, en el que son perseguidos por un misterioso globo rojo.

Hou Hsiao Hsien ya había presentado anteriormente a concurso seis películas: El maestro de marionetas en 1993 (Premio del Jurado), Good Men, Good Women en 1995, Goodbye South, Goodbye en 1996, Flores de Shanghai en 1998, Millennium Mambo en 2001 y Three Times en el 2005.

Ahora regresa con (según cuentan) una evocación nostálgica de París de la que su productor François Margolin ha comentado lo siguiente:

“Le Voyage du Ballon Rouge” es el primer film de una serie iniciada por el presidente del Museo de Orsay, Serge Lemoine, y yo mismo, conmemorando los 20 años del museo. La idea era poner en contacto artistas de hoy en día, con cineastas venidos del mundo entero, y tesoros del pasado (...)

Al contrario de lo que ha pasado con “Zodiac”, se ha dicho más bien poco, o nada de esta película. No importa, no hay crítica lo suficientemente despiadada que pueda con mis ganas de verla, a pesar de las pocas posibilidades que existen de que se estrene (y ya no digo ni pronto) en nuestras salas.

Pero no quiero ponerme pesimista, sobretodo porque he encontrado el trailer de Le Voyage du Ballon Rouge, que podéis ver a continuación, y el corto de Lamorisse, Le Ballon Rouge, divido en cuatro partes. Ha sido retirado en multitud de ocasiones así que os recomiendo que lo disfrutéis lo antes posible. Es una auténtica maravilla.

Trailer de “Le Voyage du Ballon Rouge”

Le Ballon Rouge (parte 1)

Le Ballon Rouge (parte 2)

Le Ballon Rouge (parte 3)

Le Ballon Rouge (parte 4)

Ayer quedó inaugurada la 60ª edición del Festival de Cannes, y como no podía ser de otra manera multitud de estrellas, con sus mejores galas, subieron las míticas escaleras cubiertas con la no menos mítica alfombra roja.

En AlloCiné han preparado un vídeo con la llegada de algunos de los asistentes más destacados en el que podréis ver entre muchos otros a los miembros del jurado, a David Lynch, a la ya imprescindible en el festival (y siempre bellísima) Juliette Binoche, y como no, a los protagonistas de la noche Wong Kar-Wai, Norah Jones y Jude Law más contentos que unas castañuelas.

¿Y qué le ha parecido a la crítica especializada My Blueberry Nights? En general bonita y dulce (para muchos excesivamente dulce), y un poco por debajo de las expectativas, algo que no es de extrañar teniendo en cuenta que estas eran muy altas.

Pero no es mala señal esta valoración, sobretodo teniendo en cuenta como se las gastan en Cannes habitualmente.

Más fotos en Comme au Cinéma y Yahoo!

En Blogdecine | Cannes 2007

Un salto hacia al futuro, esa es la definición del cartel oficial de la 60ª edición del Festival de Cannes, que protagonizan Pedro Almodóvar, Juliette Binoche, Jane Campion, Souleymane Cissé, Penélope Cruz, Gérard Depardieu, Samuel L. Jackson, Bruce Willis y Wong Kar Wai literalmente saltando de alegría.

Alex Majoli fue la encargada de inmortalizarlos de esta guisa durante el Festival de Cannes de 2006 de forma individual, para que posteriormente Christophe Renard compusiera esta coreografía que celebra la energía creativa del cine.

Me gusta el resultado, divertido, fresco, llamativo, diría que original pero la idea me recuerda bastante al trabajo del fotógrafo Philippe Halsman, a quien pude descubrir recientemente en un post fantástico dedicado a su obra, que publicó Marnie en La Ventana Indiscreta.

Aún así, si lo que querían era transmitir movimiento, dinamismo y el placer de hacer cine, creo que lo han conseguido con creces. ¿Qué os parece?

En Blogdecine | Cannes 2007: Sección oficial

Con esto quiero decir que mi predisposición no era del todo buena, pero la película me envolvió con su clima pausado, y su cuidada fotografía desde el principio, hasta engancharme totalmente en su coherente desenlace.

La Huella del Silencio empieza mostrando una familia acomodada, de esas en las que todos sus miembros aparentemente están bien en todos los aspectos, pero sospechosamente acaparada por la omnipresencia del padre, interpretado por Richard Gere, que de forma sutil trata de controlarlo todo.

Sabemos que es teólogo judío, y que intenta comunicarse con Dios a través de la Cábala y su intelecto. Juliette Binoche da vida a su esposa, en principio de aspecto amable y encantadora, pero de la que poco a poco vamos descubriendo inquietantes aspectos de su vida, que oculta al resto de la familia.

Hasta aquí nos encontramos con un film sobre sentimientos y relaciones familiares, con claras interpretaciones, pero el personaje de Flora Cross nos va dejando entrever por su manera de visualizar o intuir con los ojos cerrados, el deletreo de las palabras, de que el tema importante es otro, relacionado, pero distinto.

Entonces es cuando la película requiere un acto de fe, que diría que tal como transcurre no supone ningún esfuerzo, pero teniendo en cuenta la mayoría de comentarios negativos respecto a la misma, puede que si lo necesite, y no me haya dado cuenta.

******POSIBLE SPOILER*********

La niña consigue deletrear las palabras a través de una especie de iluminación divina, por lo que su padre, obsesionado por escuchar la voz de Dios, ve en ella la posibilidad de conseguir lo que siempre ha deseado.

Richard Gere ha inculcado a su familia todas sus teorías, y a través de los comportamientos de sus hijos y su mujer obtiene diferentes resultados de estas doctrinas. A la hora de recibir en la práctica, todo lo que predica, resulta decepcionante. En realidad toda su fe, no es tal, ya que toda la vida ha estado buscando pruebas que evidenciaran sus creencias.

En ese aspecto resulta relevante (y magnífica) la escena en que Juliette Binoche está ingresada en el psiquiátrico y Richard Gere le pide que devuelva las cosas robadas, y ella le recrimina que precisamente él no la entienda, cuando la fe que tenía en sus palabras es lo que la ha llevado a actuar de ese modo.

La niña, tras el episodio del hotel en el que entra en una especie de trance o éxtasis místico, se posiciona en un plano espiritual mucho más elevado que el resto de su familia, y comprende que necesita perder el concurso, en lugar de ganarlo, dando así una lección a su padre, que en ese momento comprende la dirección tan equivocada que estaba tomando.

Ninguna de las metas establecidas les conducía a la felicidad, hasta que la pequeña toma conciencia de ello, e inicia un cambio de actitud que rompa con todo eso.

****************FIN DEL POSIBLE SPOILER****************

En definitiva, La Huella del Silencio transmite un mensaje de amor universal, de fe y de conciencia espiritual, con el que (independientemente de las creencias de cada cual) hay que estar dispuesto a conectar, mientras dura la película, para poder disfrutarla.

Si te quedas fuera, no es más que una historia familiar como tantas, que entiendo que incluso a algunos pueda llegar a aburrir. Si entras, seguro que te llevas una grata sorpresa.

Se trata de Juliette Binoche, que participa en el rodaje de Ballon rouge (Orsay) de Hou Hsiao Hsien.

La película narra las desventuras de una estudiante china, contratada por el personaje de Binoche, y del niño al que cuida. Ambos, que al parecer comparten el mismo mundo imaginario, son perseguidos por un misterioso globo rojo, que recuerda al corto Le Ballon Rouge de Albert Lamorisse, premiado en 1956 en el Festival de Cannes, del que podéis ver un par de extractos en YouTube.

El “Ballon rouge” que ahora nos ocupa es una producción francesa, que forma parte de un programa de cuatro largometrajes que conmemoran el 20º aniversario del Museo de Orsay, con la condición común de mostrar al menos una vez el edificio.

Juliette Binoche también participará en la segunda película del programa Souvenirs du Valois de Oliver Assayas. Los dos films restantes serán dirigidos por Raoul Ruiz y Jim Jarmusch.

Por cierto, hablando de París, Binoche y trabajos colectivos. ¿Para cuándo piensan estrenar en España Paris je t’aime? La verdad es que ya toca.

Vía | Cineuropa

Para empezar, lo que más me ha sorprendido, es que no he notado en ningún momento, esa lentitud tan molesta, que tanto se ha mencionado. Las pausas, los silencios, las esperas, los planos fijos de las grabaciones, han contribuido a sumergirme por completo, en el papel de observadora expectante, y a meterme en la piel de ese personaje escondido, que no se nos desvela, pero hace reaccionar a los protagonistas, y desencadena sus actos.

Caché mantiene la intriga hasta el final, no tanto por descubrir, quién es el que mira, si no por contemplar, hasta que fatídico punto, puede arrastrarse un hombre, por la culpabilidad, la falta de comunicación, y el miedo.

Me encantaría añadir mi propia versión sobre el desarrollo y desenlace del film, pero creo que es primordial que pueda verse con la mente lo más limpia posible, de otras opiniones.

No es relevante lo que yo piense, ni lo que puedan pensar otros, lo mejor de Caché, es que invita a pensar, que termina, y uno sigue dándole vueltas a sus posibilidades, y contrastándolas, con las que han podido encontrar otros. Genera diálogo, reflexión, atención en los pequeños detalles, y en la verdadera esencia, de las situaciones.

Caché no es una película masticada, más bien se parece a una de esas bolas de carne, que se forman en la boca, cuando eres pequeño, y todavía no has aprendido bien a comer.

Supongo que por eso, la tachan de incómoda, o de indigesta, pero yo la prefiero, infinitamente, a la papilla cinematográfica que últimamente abunda por todas partes.

En Blogdecine | ‘El laberinto de Simone’ en alquiler junto a ‘Caché’

El director estaba en el momento de mayor auge de su carrera cinematográfica, pues se acababan de estrenar las tres películas ‘Azul’ (1993), ‘Blanco’ (1994) y ‘Rojo’ (1994), con muchísimo éxito de crítica y taquilla. Kieslowski era, si se puede expresar así, el director culto más admitido por el gran público. Esta trilogía tenía muchos ingredientes que no se separaban demasiado del cine comercial, pero al mismo tiempo, aparentaban ser algo más, especialmente por el prestigio del director que, con ‘La doble vida de Verónica’, filme críptico y oscuro, se había ganado el lugar entre los auteurs cinematográficos del momento.

‘Rojo’ estaba protagonizada por Irène Jacob y Jean-Louis Trintignant. Valentina, joven modelo que comienza a ser conocida, ha atropellado con su coche a Rita, una perra que esperaba cachorros. Después de curarla, intenta devolverla a su dueño. Así conocerá a un hombre mayor, juez jubilado, que rechaza al animal. Valentina descubre que está obsesionado por una enfermiza afición: espiar a todo el mundo. El libro ‘Azul, Blanco y Rojo. Kieslowski en busca de la libertad y el amor’, de Julio Rodríguez Chico, estudia la filmografía del cineasta polaco, pero se centra principalmente en analizar la libertad y el amor en ‘Azul’ y ‘Rojo’.

Sin entrar a hacer un análisis personal de ‘Rojo’, comentaré que me prece recordar que, aunque éste no sea el caso, por aquel entonces había muchos filmes franceses en los que un señor mayor, muy mayor, se relacionaba de alguna forma con una jovencita que además, solía ser muy guapa y con un bonito cuerpo. Me causaba bastante rechazo este concepto, tan repetido, y tan claramente creado para un público masculino.

‘La doble vida de Verónica’ (1991) también tenía como protagonista a Irène Jacob y supuso un punto de inflexión en la repercusión comercial de Kieslowski: pese al hermetismo de la cinta, los valores plásticos y musicales que convirtieron a ‘Azul’ en un éxito dentro de su categoría, ya estaban presentes aquí. Este filme tuvo un razonable éxito en salas de VO, donde la música de Preisner y la fotografía de Idziak ayudaron a Kieslowski a convertirse en un Bergman/Tarkovski para la década de los ’90, tan huérfana de autores. Por cierto, un detalle curioso: el preciosista Izdiak, el fotógrafo que logró hacer olvidar al público que ‘La doble vida de Verónica’ era incompresible y algo arbitraria, acabó trabajando con el mismísimo Jerry Bruckheimer. Tendría gracia ver a los espectadores de VO de aquel entonces intentando extasiarse ante la poesía de ‘El rey Arturo’ o ‘Black Hawk derribado’.

Entre 1987 y 1989, el director, amante de las series de películas, realizó para televisión ‘Decálogo’, formado por varias historias que involucran a diferentes habitantes de un complejo de apartamentos de Varsovia y que tratan, cada una de ellas, de un tema de los diez mandamientos. Una de estas películas, ‘No matarás’ (Krotki Icilm O Zabijaniu), inédita hasta ahora en nuestro país, se estrena, el día 10 de marzo, para conmemorar el aniversario del fallecimiento del director polaco. Este telefilme, que obtuvo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes de 1988, cuenta cómo un joven es condenado a muerte, a pesar de los infructuosos esfuerzos de su novato abogado, por el asesinato violento e injustificado de un taxista.

La filmografía de Kieslowski es extensa, a pesar de su temprana defunción. En los años sesenta comenzó a dirigir cortometrajes como ‘El tranvía’, ‘La oficina’ o ‘La fotografía’. Hizo varios documentales hasta mediados de los setenta, cuando dirigió el mediometraje ‘El personal’ y el largo ‘La cicatriz’. ‘Amator’ (El aficionado), de 1979 empieza a darle algo de fama y, tras algún otro documental, se enfrasca en la dirección de su ‘Decálogo’.

Tras ‘Tres colores’, Kieslowski declaró que no haría mas películas: “No abandono el cine en busca de paz para crear, sino buscando la paz para vivir”. Sin embargo, siguió trabajando en una nueva trilogía sobre el cielo, el infierno y el purgatorio, inspirada en ‘La divina comedia’, de Dante. A partir de los guiones del propio Kieslowski y de Krzysztof Piesiewicz, se han rodado dos películas: ‘En el cielo’ (‘Heaven’, 2001), del alemán Tom Tykwer, director de ‘Corre, Lola, corre’, interpretada por Cate Blanchett y Giovanni Ribisi, y que nadie considera una buena continuación al cine del polaco. Y ‘El infierno’ (‘L’Enfer’, 2005), que su director bosnio, Danis Tanovic, que había dirigido ‘En tierra de nadie’ (‘No Man’s Land’ o ‘Nikogarsnja zemlja’, 2001), presentó en el Festival de Cine de San Sebastián en septiembre de 2005. Ésta estaba rodada en francés, como muchas películas de Kieslowski, y protagonizada por Emmanuelle Béart. La tercera, dedicada al purgatorio, debería de ser rodada en español, según los deseos del autor.

Este proyecto ha reunido a veinte directores, y cada uno ha aportado su visión a un barrio (arrondissement) diferente de París. Disponían de aproximadamente cinco minutos para realizar su cortometraje, y la ciudad del amor, como maravilloso escenario. La producción se está encargado de ordenar y unir los cortos a través de unas secuencias de conexión, que aportarán información de la ciudad, y darán la sensación de cohesión necesaria para formar una película.

La idea en si, ya es muy interesante. Si le añadimos que participan directores como Julio Medem, Gus Van Sant, Isabel Coixet o los hermanos Coen, entre muchos otros, y que algunos de los actores protagonistas son Javier Bardem, Gael García Bernal, Natalie Portman y Juliette Binoche, la cosa ya pasa de interesante a impresionante. Como guinda final, la música a cargo de Alberto Iglesias, para garantizar la emotividad.

Románticos del mundo, ¡todavía podemos vivir la vida en rosa! Ahora solo falta conocer la fecha del estreno.