El 9 de octubre llegará ‘París’ (‘Paris’), una cinta de Cédric Klapisch (‘Como en las mejores familias’, ‘Una casa de locos’), que está nominada al César a Mejor Película de 2009. No hará falta decir que los César son los premios más notorios de la cinematografía francesa, algo así como los Goya de aquí, salvando distancias, y algo así como los Oscar de allí, salvando quizá una distancia más extensa y no estoy hablando de kilómetros.

‘París’ es la historia de un parisino enfermo que imagina su muerte, lo que le da nuevo significado a su vida, a la vida de otras personas e, incluso, a la vida de toda la ciudad.

Los protagonistas del film son Romain Duris (‘De latir mi corazón se ha parado’), Juliette Binoche (‘El paciente inglés’, ‘Chocolat’), Fabrice Luchini, Albert Dupontel, François Cluzet, Gilles Lellouche, Karin Viard…

En Francia salió el 20 de febrero. Aquí probablemente han esperado a que obtenga la nominación al César, aunque no debería ser necesario, ya que los films de Klapisch se han estrenado habitualmente con éxito en nuestro país. A continuación se puede ver el tráiler en v. o. subtitulada y también otros carteles, entre ellos el español, que es el más sosito.

De las dos películas de Klapisch que se mencionan como ejemplo ‘Como en las mejores familias’ me gustó muchísimo debido al guión, que está basado en una obra de teatro de Agnès Jaoui y Pierre Bacri, dos de los intérpretes.

‘Una casa de locos’, sin embargo, me parecía una comedia fallida que podría haber explotado mucho más el humor de los pisos compartidos y las torres de Babel.

Este tráiler tiene un aspecto bastante bueno, así que supongo que Klapisch se amolda a las historias y si le quedan mejor o peor depende del contenido. La idea de que alguien piensa que va a morir y se lo replantea todo me resulta atractiva. No es original lo de las historias cruzadas con una importante ciudad de fondo, pero habrá que tener la esperanza de que aporte algo novedoso con respecto a todos esos films que ya habían intercalado tramas románticas sobre un tapiz urbano. A mí de momento no me cansa ver París en el cine, pues es una ciudad que me encanta, pero ya va siendo exagerada la explotación que hacen de ella y llegará un momento en el que nos saturemos del Sena, los acordeones y los balconcitos.

Vía | Página oficial

¿Cómo analizar un largometraje de una sencillez abrumadora, pero cuyas cargas de profundidad son de tal calado que ofrecen una radiografía del estado anímico de un país, de un continente casi, sin el menor divismo ni deseo de epatar al espectador? La nueva realización del francés Olivier Assayas (París, 1955), uno de los directores esenciales del cine francés de ahora mismo, ofrece el que quizás es el más perspicaz y demoledor análisis de la herrumbre moral europea, de su sombrío futuro y su cobarde presente, disfrazado de tragedia familiar en la más noble estirpe de Chéjov.

Dice el cineasta: “Mi relación con la escritura en las películas es más bien literaria que escénica. Y desde esta perspectiva no tengo problemas con ser literario. Admiro mucho a Chéjov. Estoy tentado a decir: como todo el mundo. Cuando estábamos rodando, a veces les decía de broma a los actores que nuestra película era el eco distante de El jardín de los cerezos...”. Y así es, realmente. Su película es una elegía al tiempo perdido, inspirado por el espíritu más proustiano, un poema al paso del tiempo, tramática, pero sobre todo formalmente. Viéndola uno es consciente de que somos prisioneros del tiempo.

Pero hay mucho más detrás de las imágenes, los diálogos, las secuencias y los personajes de ‘Las horas del verano’, uno de los filmes europeos más importantes estrenados en varios años. Pues su relato es la crónica de un país, Francia, que se hunde moralmente, y de un continente, Europa, que ha perdido sus señas de identidad y se adentra, titubeante, en el nuevo siglo sin la coherencia y la energía que ha desaprovechado durante el siglo XX. Su pasado, su herencia, sus valores, han desaparecido, y ahora les toca a los jóvenes recoger este funesto presente y contruir un futuro lleno de vida. Nada menos que esto se haya agazapado, sutil, pero contundente, bajo esta historia de tres hermanos que han de administrar la herencia de una madre mucho más visionaria y consciente de su tiempo que ellos.

¿Y cómo se acerca Assayas a ésta historia? Durante más de dos décadas este hombre de cine obsesionado con las relaciones familiares, con el tiempo, con la unidad del espacio y con una visión a la vez solemne a la vez prosaica del destino, ha intentado contar sus historias, que son la historia velada de Europa (como hace Tavernier, como hacía Kieslowski) de la forma más austera e inmediata imaginable. Con esta nueva película consigue la que quizás es su obra cumbre, la que resume todas sus obsesiones y reúne todas sus constantes, la que es más suya, más libre, de todas ellas.

Assayas, que se encarga en solitario de las labores de escritura del guión y de la elaboración de la puesta en escena, da una lección de cine sin apenas proponérselo. A estas alturas su dominio del uso de la cámara y de la dirección de actores es tal, que roza el exhibicionismo expresivo. Pocas veces en el cine europeo reciente hemos asistido a tal despliegue del conocimiento del resorte secreto que activa el ritmo interno de los rostros de los intérpretes, así como la relación de estos con la planificación. Porque la secuencia respira de un modo que no parece ficción representada, sino una verdad inmutable que se hace realidad ante nuestros ojos. ¿Cómo expresar sino la magistral secuencia inicial, que dura más de cuarto de hora, y que planta la semilla del futuro cisma, gélido y trepanador, entre los tres hijos en el cumpleaños de la madre anciana? ¿O la desgarradora secuencia de la decisión de vender la casa, la cual no es sino un personaje más, que concluye con ese plano insuperable del hijo ensimismado sentado en su cama?

El derroche de elegancia de ‘Las horas del verano’ acapara todos los detalles de la película, transformando cada momento, cada plano, en un goce para los sentidos, aunque sólo sea el largo momento del repaso a los objetos de arte de la casa. Sorprende además que resulte una película tan dinámica siendo una narración plagada de diálogos, con los personajes hablando sin parar, soltando lo que piensan, lo que sienten. Esta película tan francesa, tan orgullosa de ser europea, es una lección de cine, y una puerta abierta a la cinematografía futura de este continente hastiado y enfermo de arrogancia, incapaz de reinventarse pero buscando desesperado la forma de hacerlo.

Assayas filma como si respirara, y esto se extiende a sus intérpretes, pues todos, sin excepción (no sólo Juliette Binoche, sino Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Socob...) no interpretan sino que viven la película, con una verdad y una presencia abrumadoras. Cree el director firmemente en su visión de un mundo que se acaba y otro nuevo que comienza, en una luz primordial que abraza los ecos del pasado pero que también alumbra los caminos del futuro, y en un presente en el que todavía puede quedarnos la dignidad.

Construida en torno a grandes secuencias-bloque, descaradamente teatrales en apariencia pero intensamente dinámicas, cinéticas, cinematográficas, con una historia apasionadamente literaria pero brutalmente audiovisual, ‘Las horas del verano’ es una imagen que mezcla el ayer y el mañana como un todo irreconciliable…

Peter Hedges fue el guionista y director de una curiosa película, ‘Pieces of April’ (ni recuerdo como la titularon aquí), cinta de corte independiente que hurgaba en las relaciones familiares con cierto encanto, consiguiendo además que una actriz tan sosa como Katie Holmes estuviera casi brillante. ‘Como la vida misma’ supone el salto de Hedges a los grandes estudios, donde las cosas funcionan de otra forma, y a no ser que te apellides Lucas, Cameron, Eastwood o Spielberg, no harás realmente lo que te dé la gana.

Y algo así le ocurre a Hedges, o al menos da esa impresión. ‘Como la vida misma’ es una comedia dramática construida a base de tópicos excelentemente tratados en una historia muy bien planteada y desarrollada. Huyendo de las constantes típicas en el género, el film se alza por encima de la media, llegando a sorprender en alguno de sus puntos, aunque lamentablemente su tercer acto supone caer en concesiones de forma harto incoherente, estropeando en parte la película.

‘Como la vida misma’ narra la historia de Dan Burns, viudo padre de tres hijas, que va a Rhode Island a reunirse con su familia (de apellido idéntico a los de su anterior film) en una celebración anual que realizan todos los inicios de otoño. Nada más llegar, en una librería conoce a una mujer, Marie, con la que saltan las chispas, algo que prácticamente había olvidado. La ilusión que le produce tal acontecimiento enseguida se ve empañada cuando más tarde descubre que Marie es la novia de su hermano, quien va a presentar a su pareja a toda la familia.

Con el mismo planteamiento que la gran obra de Ernst Lubitsch ‘El diablo dijo no’, Hedges propone una serie de situaciones bien hilvanadas con un guión que rehuye de lo de siempre, y aunque no vemos nada nuevo bajo el sol, está todo expuesto con una frescura muy acertada, y sobre todo buenos diálogos y unas muy ajustada interpretaciones de su pareja protagonista. Con esto me refiero evidentemente a Steve Carell y Juliette Binoche, que curiosamente aquí realizan un cambio de roles en relación a lo que nos tiene acostumbrados. Carell está bastante comedido, expresando y transmitiendo muy bien su soledad, y la sorpresa que le supone encontrarse con una mujer que podría sacarle de su habitual rutina y volver a tener ilusión por las cosas. El actor se olvida de sus caretas y al igual que en alguna que otra ocasión nos demuestra que realmente es mejor actor dramático que cómico. El caso de Juliette Binoche es precisamente el contrario; solemos verla enfrascada en papeles de alto contenido dramático, y en ‘Como la vida misma’ explota su vena más cómica con su personaje, una mujer aparentemente feliz que de repente se ve entre dos hombres. La química entre los dos actores es fantástica, y valgan como muestra las escenas de la librería o en la que se dan mutuamente celos bailando.

Palabras de otro talante merecen el trabajo de un actor como Dane Cook, que junto a otros como Keanu Reeves o Ben Affleck está a punto de convertirse en uno de los reyes de la apatía y la vacuidad. Además de que el actor está pésimo, y nada tiene que hacer al lado de los mencionados y mucho menos al lado de veteranos como Dianne Wiest o John Mahoney, su personaje es totalmente plano, un esbozo de rol que podría haber dado muchísimo más juego, sobre todo en la parte en la que todos “descubren el pastel” pudiendo haber presentado más conflictos.

Y es que su tercer acto es una especie de traición a todo lo visto hasta ese momento, y aunque por supuesto no tira por tierra los buenos momentos que hemos presenciado, el film termina siendo increíblemente tópico, incoherente e incongruente por una conclusión facilona, que para nada es creíble por lo precipitada de la misma. De repente todos los bretes presentados desaparecen, y para colmo hay que darle un pequeño empujón a alguien que hasta ese momento si se había cortado de obedecer a su corazón, era por los sentimientos hacia su hermano. Ahora que no hay ningún problema, y que esto se subraya con la estúpida escena en la que vemos a Dane Cook con la maravillosa Emily Blunt (que sale muy, muy poco en la película), necesita que casi toda la familia le anime a hacer lo que todos estamos esperando. Una pena que el film rompa con el perfecto ritmo que tenía en sus dos tercios previos, y el último se atolondre de peligrosa manera y despache de un carpetazo toda la historia.

‘Como la vida misma’ se editó en dvd en nuestro país a finales del mes pasado. El dvd trae pocos extras, y el más interesante el que se centra en la música de la película, ambientada con unas bonitas canciones de Sondre Lerche, quien sale con su grupo en las escenas finales mientras aparecen los títulos de crédito y todos los personajes del film bailan más felices que nunca. Menos mal que ese edulcorado y blandengue final no estropea del todo un film agradable y ameno.

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• ‘Como la vida misma’, tragicomedia romántica con un toque independiente

Peter Hedges dirige al cómico Steve Carell en ‘Como la vida misma’ (‘Dan in Real Life’), donde le acompañan en el reparto Juliette Binoche, Dianne Wiest y Dane Cook, entre otros. El film se estrenará este miércoles, 19 marzo.

La película comienza mostrándonos cómo Dan, un viudo con tres hijas –dos adolescentes y una niña—, dedica su vida en exclusiva a atender las necesidades de su familia. A pesar de ser un hombre que, por su naturaleza se puede comprender que tiene sentido del humor, se comporta de manera hundida y pasiva, como si ya se hubiese acabado lo que el mundo le puede ofrecer. Por este motivo, conocer a alguien por quien pueda interesarse resulta de lo más extraordinario y resulta igualmente inconveniente que haya algo poderoso que impida que esa relación siga adelante.

Lo que narro en esta sinopsis, aparentemente, no es más que lo que muestran muchas películas, sin embargo, no estoy describiendo hechos, sino sentimientos que están en el interior de un personaje y que, por ello, son difíciles de transmitir. ‘Como la vida misma’ consigue que veamos a Dan destrozado, ilusionado, frustrado, enamorado… gracias a la forma en la que presenta las situaciones y a la capacidad interpretativa de Steve Carell. Las sensaciones están tan bien planteadas que se contagian al espectador y el film logra crear emociones sin caer en el melodrama ni en los diálogos explicativos.

El tono de ‘Como la vida misma’ es el de la tragicomedia. La comicidad no es muy abundante y casi toda ella viene de los movimientos y gestos que hace Carell, un hombre que hace gracia incluso aunque no lo intente. Dentro de las situaciones dramáticas se han sabido introducir muy bien los destellos de optimismo o humor que unas veces funcionan como contrapunto y otras como alivio cómico. Gracias a este tratamiento que elimina el exceso de dramatismo, nos encontramos ante una historia que funciona y resulta sobria a pesar de que, contada de otra manera, podría haber sido sumamente ñoña y aleccionadora. A este tono es a lo que muchos han llamado toque independiente, es decir, el enfoque que hace que nos hallemos ante una comedia romántica que se desmarca de las demás.

Otro de los elementos que contribuyen a esta sensación de cine independiente son los personajes. No se parecen en nada a los que solemos ver en series o en películas porque, por una vez, no están retratados a base de tópicos, sino que se les han buscado particularidades y rasgos que los hacen únicos. En este sentido, se podría comparara a genial y emotiva ‘Los amigos de Peter’. Al igual que ocurría en el film de Kenneth Branagh, los miembros de la familia –que allí eran un grupo de amigos— deben pasar varios días en la casa. De este planteamiento se extraen diversas situaciones que tienen significado y validez dentro de la historia y no son una acumulación de momentos en los que crear humor, como habría pasado en casi cualquier otra película. La escena que más me recordó al film inglés es aquella en la que se entretienen haciendo representaciones teatrales o demostraciones de su talento.

Debido a que los personajes son tan atrayentes desde el guión, los intérpretes se han sentido cómodos y han hecho un trabajo excelente que, en algunos casos, no nos habríamos esperado. Juliette Binoche, más dada a llorar y a hacerse la víctima que a resultar interesante y divertida, consigue que nos creamos que el personaje de Carell está colado por ella a pesar de haberla conocido sólo durante unos minutos. A ella la vemos cautivada por los encantos de Dan y comprendemos que lo prefiera a su hermano, lo cual también es mérito del actor, sobre todo si tenemos en cuenta que es mucho más feo que Dane Cook... o que casi cualquiera. Gracias a que nos parece creíble el enamoramiento recíproco, la parte romántica de la cinta funciona y la tensión sexual se percibe en cada una de las escenas.

Los actores secundarios dan vida a la familia de Dan y a un ligue de una noche que le presenta la madre. Dianne Wiest y John Mahoney, en los papeles de unos padres un tanto estrafalarios, pero padres al fin y al cabo, están geniales. Y también resultan perfectos en sus papeles los demás familiares y algunos de los niños –la hija mediana podría ser la única que desentone algo—. Aunque haya dos protagonistas muy claros, los demás personajes tienen sus momentos tan definidos que ‘Como la vida misma’ de alguna manera se podría considerar un film coral.

A todo este tratamiento contribuye una realización elegante, con una bonita fotografía y un ritmo pausado que te permiten entrar en las situaciones con mucha calma y tiempo para asentarte en ellas y absorber los sentimientos que se quieren transmitir.

En definitiva, ‘Como la vida misma’ es una comedia romántica que quizá guste más a quienes ya hemos cumplido los treinta y probablemente a quienes han pasado de los cuarenta que a personas muy jóvenes. Lo que cuenta podría haber estado en una película mucho más convencional y, sin embargo, es un film que consigue contagiar emociones sin acercarse ni de lejos al sentimentalismo.

Hace un tiempo que vimos el trailer y ahora toca echar un ojo al póster de ‘Dan in Real Life’, comedia drámatica al servicio del cada vez más famoso Steve Carell. Le acompañan en el reparto Juliette Binoche, Dane Cook, Amy Ryan y Dianne Wiest, entre otros.

‘Dan In Real Life’ (aquí a lo mejor lo traducen como ‘Algo pasa con Dan’) ha sido dirigida por Peter Hedges y se centra en un hombre que cuando encuentra a la mujer de su vida, descubre que es la novia de su hermano. El 8 de febrero se estrena en los cines españoles.

Vía | Impawards

Visitando The Movie Box he encontrado el trailer de la curiosa ‘Dan In Real Life’, protagonizada por el actor cómico Steve Carell, que en esta ocasión vuelve a acercarse al drama (está claro que en este género obtendrá más reconocimientos “prestigiosos”). ¿Siguiendo los pasos de Carrey? Lo cierto es que el avance no me parece bueno, da la impresión de que nos venden un producto lleno de tópicos, pero bueno… nunca se sabe.

‘Dan In Real Life’ ha sido dirigida por Peter Hedges y su argumento se centra en un hombre que encuentra a la mujer de su vida, pero descubre que es la novia de su hermano. ¡Oh, madre de Kubrick, qué gran idea tan original! En fin, además de Carell, en el reparto tenemos a Juliette Binoche, Dane Cook y Dianne Wiest. En octubre estará en los cines norteamericanos.

‘Dan In Real Life’ | Ver trailer

Richard Eyre convenció a muchos con su seria y elegante ‘Diario de un Escándalo’, por lo que estoy seguro que su próximo proyecto despertará bastante interés. Se trata de ‘The Other Man’, un drama romántico que va a protagonizar el (casi siempre) excelente Liam Neeson. Por cierto, el actor debe ser uno de los pocos en este planeta que no vea con buenos ojos el famosísimo rodaje de ‘Indiana Jones IV’, ya que Spielberg retrasó así su proyecto sobre Lincoln, personaje que Neeson iba a interpretar (con el Oscar en mente). Tendrá que esperar.

Basada en una historia corta de Bernard Schlink, ‘The Other Man’ gira en torno a un hombre (Neeson) que descubre que su difunta esposa tuvo un amante durante muchos de los años que duró su matrimonio; entonces, emprenderá un viaje por Inglaterra, Alemania e Italia, para encontrar a ese amante y destapar toda la verdad. A Neeson acompaña, interpretando a su infiel y difunta esposa, la francesa Juliette Binoche (imagino que saldrá en los típicos flashbacks y no se limitará a permanecer en un ataúd). El guión de la película corre a cargo de Eyre y de Charles Wood.

Vía | DarkHorizons

El pasado Marzo se estrenó en nuestro país ‘Breaking and Entering’, la última película dirigida por Anthony Minghella. Lo curioso es que su distribución fue limitadísima sin que aún conozcamos el motivo de ello. Decían por ahí que en la productora no sabían muy bien cómo vender un film de estas características, el cual no termina de definirse en ningún género. Ese es el problema de muchos productores, cuando se les presenta algo inclasificable se ponen nerviosos y lo más lógico es que no apuesten por el producto. Y resulta más curioso aún cuando en el reparto de la película figuran nombres tan conocidos como Jude Law, Juliette Binoche y Robin Wright Penn. Es evidente que esos tres no son garantía de un bombazo comercial, pero sí lo suficientemente conocidos por el público como para que la película pueda responder en la taquilla.

‘Breaking and Entering’ narra la historia de una pareja con ciertos problemas que viven en Londres. Él es un importante arquitecto que un día sufre un robo en su empresa, prepetrado por unos jovenzuelos que repiten el robo. Una noche siguien a uno de esos ladrones, nuestro protagonista conocerá a la madre del mismo, con la que comenzará una relación especial, planteándose muchas cosas al respecto de su propia vida.

Minghella siempre se ha caracterizado por narras historias íntimas, aunque en el caso de ‘El Paciente Inglés’ (si no fuera por su primera media hora estaríamos hablando de una gran película), ‘El Talento de Mr. Ripley’ (excelentes actores, pero historia sin pasión) y ‘Cold Mountain’ (con el enorme problema de tener que aguantar a una insoportable Nicole Kidman), estaban apoyadas por cierto halo de grandiosidad típico de una superproducción (‘Un Marido para mi Mujer’ vamos a dejarla de lado a pesar del simpático Matt Dillon). Precisamente eso es lo que no tiene esta película, es como si Minghella haya descendido un poco sus intenciones de querer contar algo grandioso, y haya querido hacer un film mucho más cercano y tranquilo, por así decirlo.

Esto juega a favor y en contra del film al mismo tiempo. A favor porque tenemos un film sencillo, fácil de seguir, realizado muy correctamente y bastante bien interpretado en el que se ve que todos han estado muy cómodos realizándolo. Y en contra, porque curiosamente esa falta de pretensiones hacen que la película no tenga ni la más mínima trascendencia, y ahí es donde Minghella fracasa, pues no logra dejar huella contando una historia sencilla, algo que sí lograba por ejemplo un Robert Bresson, y no trato ahora de comparar a los dos directores, porque sería enormemente injusto para Minghella, pero éste nunca ha sido un gran director, aunque sí ha tenido a su alcance los elementos adecuados, que por sí solos ya lograban cierta calidad.

La película no aburre y se sigue con cierto interés, pero hay algunas cosas de su trama que no están bien mostradas. Al respecto cabe citar la relación entre Jude Law y Robin Wrigth Penn, la cual nunca termina de estar clara, y ella anda como un poco perdida, hasta cierto giro final en el que todo se decide y uno se pregunta si no le estarán tomando un poco el pelo. No es que sea demasiado alarmante, pero el final del film desentona bastante con el resto, peca un poco de incoherente y lastra por supuesto algunas de sus posibilidades. Los actores indudablemente están todos en su salsa y muy creíbles, uno de los aciertos de la película. Al lado de Law y Wright Penn tenemos a una Juliette Binoche demostrando una vez más lo mucho que le gusta poner acentos, y en un papel secundario está Vera Farmiga, mucho mejor actirz de lo que parece, interpretando a una prostituta que mantiene una curiosa relación de amistad con el protagonista.

Una película correcta, que inexplicablemente casi ha pasado desapercibida. Me pregunto qué ocurrirá cuando la editen en dvd, si correrá la misma suerte. Esperemos que no y que la gente la descubra. No es un gran film y no pasará a la historia, pero tampoco es un producto desdeñable, tiene su interés, a parte de ir un poco a contracorriente dentro del actual panorama norteamericano, y sólo por eso mereció mejor suerte en su distribución.

Una de las películas que más han despertado mi interés de esta 60ª edición del Festival de Cannes es Le Voyage du Ballon Rouge de Hou Hsiao Hsien, que ayer inauguró la sección Un Certain Regard (Una Cierta Mirada).

Desde que conocí la noticia de su rodaje, me entusiasmó la idea de un film protagonizado por mi admirada Juliette Binoche e inspirado en el corto Le Ballon Rouge de Albert Lamorisse, premiado en Cannes en 1965.

El film narra las desventuras de una estudiante china, contratada por el personaje de Binoche, y del niño al que cuida. Ambos comparten el mismo mundo imaginario, en el que son perseguidos por un misterioso globo rojo.

Hou Hsiao Hsien ya había presentado anteriormente a concurso seis películas: El maestro de marionetas en 1993 (Premio del Jurado), Good Men, Good Women en 1995, Goodbye South, Goodbye en 1996, Flores de Shanghai en 1998, Millennium Mambo en 2001 y Three Times en el 2005.

Ahora regresa con (según cuentan) una evocación nostálgica de París de la que su productor François Margolin ha comentado lo siguiente:

“Le Voyage du Ballon Rouge” es el primer film de una serie iniciada por el presidente del Museo de Orsay, Serge Lemoine, y yo mismo, conmemorando los 20 años del museo. La idea era poner en contacto artistas de hoy en día, con cineastas venidos del mundo entero, y tesoros del pasado (...)

Al contrario de lo que ha pasado con “Zodiac”, se ha dicho más bien poco, o nada de esta película. No importa, no hay crítica lo suficientemente despiadada que pueda con mis ganas de verla, a pesar de las pocas posibilidades que existen de que se estrene (y ya no digo ni pronto) en nuestras salas.

Pero no quiero ponerme pesimista, sobretodo porque he encontrado el trailer de Le Voyage du Ballon Rouge, que podéis ver a continuación, y el corto de Lamorisse, Le Ballon Rouge, divido en cuatro partes. Ha sido retirado en multitud de ocasiones así que os recomiendo que lo disfrutéis lo antes posible. Es una auténtica maravilla.

Trailer de “Le Voyage du Ballon Rouge”

Le Ballon Rouge (parte 1)

Le Ballon Rouge (parte 2)

Le Ballon Rouge (parte 3)

Le Ballon Rouge (parte 4)

Ayer quedó inaugurada la 60ª edición del Festival de Cannes, y como no podía ser de otra manera multitud de estrellas, con sus mejores galas, subieron las míticas escaleras cubiertas con la no menos mítica alfombra roja.

En AlloCiné han preparado un vídeo con la llegada de algunos de los asistentes más destacados en el que podréis ver entre muchos otros a los miembros del jurado, a David Lynch, a la ya imprescindible en el festival (y siempre bellísima) Juliette Binoche, y como no, a los protagonistas de la noche Wong Kar-Wai, Norah Jones y Jude Law más contentos que unas castañuelas.

¿Y qué le ha parecido a la crítica especializada My Blueberry Nights? En general bonita y dulce (para muchos excesivamente dulce), y un poco por debajo de las expectativas, algo que no es de extrañar teniendo en cuenta que estas eran muy altas.

Pero no es mala señal esta valoración, sobretodo teniendo en cuenta como se las gastan en Cannes habitualmente.

Más fotos en Comme au Cinéma y Yahoo!

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