Esta semana se producen muy pocos lanzamientos en DVD o Blu-ray y no quiero con ello decir que sea escaso lo que apetecería comprar, sino que apenas han salido títulos a la venta, ni interesantes ni insignificantes, en ninguno de los dos formatos. De lo reciente, no encontraréis nada nuevo en las estanterías y entre lo que ya tiene unos años, cabría destacar una obra de un gran director, Martin Scorsese, pero que no es precisamente su película mejor considerada: ‘Kundun’. También se presenta la ocasión de recuperar ‘El león en invierno’, la adaptación de una galardonada obra teatral en la que destaca principalmente un reparto encabezado por Katharine Hepburn, Peter O’Toole y Anthony Hopkins. Para comprar cualquiera de las dos, deberéis esperar hasta el jueves, día 13.

‘Kundun’ (1997)

Martin Scorsese nos acerca la infancia, juventud y edad adulta del decimocuarto Dalai Lama, a quien sus súbditos tibetanos denominan «La presencia» (kundun). En 1937, un niño tibetano es señalado por un grupo de monjes como «el elegido» para representar a su pueblo y convertirse en el decimocuarto Dalai Lama, la más alta figura del budismo en el Tíbet. El sistema es expeditivo: el niño, de dos años, es arrebatado a su familia y llevado al palacio de Potala para ser educado y preparado para asumir el liderazgo político y espiritual. A los catorce años, cuando su país es invadido por China, debe viajar al encuentro de Mao para firmar una coalición. En 1959, sitiado y enfermo, huye y se refugia en India, sin poder, por ello, escapar de las visiones que le producen los genocidios del pueblo tibetano.

Las más de dos horas de duración de ‘Kundun’ fueron recibidas, en el momento de su estreno, de forma poco cálida entre los seguidores de Scorsese, que las tacharon poco menos que de peñazo infumable. Y es que, cuando un director al que se considera un gran creador entrega algo que no es lo esperado, el daño es mucho mayor que si lo hubiese realizado un desconocido. Aunque el film también tiene sus defensores, como Adrián Massanet, quien la incluye entre las tres mejores películas de Scorsese.

Características técnicas de la edición en Blu-ray:

Contenido: 1 Disco.
Audio: DTS-HD Master Audio 5.1 Inglés, Alemán. DTS-HD Master Audio 2.0 Castellano, Alemán, Francés.
Subtítulos: Castellano, Alemán, Francés.
Contenido extra: “En busca de Kundun.” y tráiler.

Características técnicas de la edición en DVD:

Audio: Español (Dolby Digital 5.1), Catalán (Dolby Digital 2.0), Inglés (Dolby Digital 5.1).
Contenido extra: – Entrevista a Martin Scorsese. – Ficha de doblaje. – Selección de escenas. – Menús interactivos.

‘El león en invierno’ (‘The Lion in Winter’, 1968)

En este drama histórico, dirigido por Anthony Harvey y basado en la obra teatral de James Goldman, se retoma la figura de Enrique II, a quien da vida Peter O’Toole, para narrar uno de los últimos momentos de su reinado cuando una Navidad, consciente del poco tiempo que le resta, reúne a la familia real para decidir quién será su sucesor. Katharine Hepburn interpreta a Leonor de Aquitania, mientras Anthony Hopkins encarna a Ricardo Corazón de León, el más ambicioso de los tres hijos del rey. Por su parte, Timothy Dalton se mete en la piel del rey Felipe, de Francia.

Se ha alabado de esta película el inteligente diálogo y el astuto juego de intrigas políticas que asemeja una partida de ajedrez. Está claro que, con un elenco de este calibre, la disputa por el trono se puede disfrutar enormemente.

Hepburn obtuvo el Oscar y el BAFTA a la mejor actriz protagonista por ‘El león en invierno’. Goldman escribió el guión, adaptando su propia obra teatral, lo que le valió también su correspondiente galardón de la Academia de Hollywood. El film obtuvo, asimismo, el Oscar a la mejor banda sonora para John Barry, y otras cuatro nominaciones, así como numerosos premios y nominaciones en los Bafta, Globos de Oro y otros certámenes.

Características técnicas de la edición:

Únicamente aparece en formato DVD.
Contenido: 1 Disco.
Imagen: 2.35:1.
Audio: Dolby Digital Mono Inglés, Castellano, Alemán, Italiano.
Subtítulos: Castellano, Alemán, Italiano, Portugués, Holandés, Danés, Sueco, Noruego, Finlandés.
Contenido extra: audiocomentario.

‘El ojo mentiroso’ (‘Eyewitness’, 1981)

Un espectacular reparto compuesto por William Hurt, Sigourney Weaver, James Woods, Christopher Plummer, Morgan Freeman, Irene Worth y Pamela Reed protagoniza este thriller dirigido por Peter Yates y escrito por Steve Tesich.

En ‘El ojo mentiroso’, un tipo extraño y retraído finge ser el testigo ocular de un asesinato para atraer la atención de una periodista con la que se ha obsesionado. Su falso testimonio contaminará las pruebas y dificultará la investigación del crimen. Este asunto se mezcla con una trama de inmigración ilegal de judíos en EE. UU. en la que la presentadora está involucrada a causa de su procedencia.

Se ha criticado por carecer de ilación entre las dos historias centrales y por contar con secuencias que no quedan resueltas, pero al mismo tiempo se comenta sobre ella que contiene grandes escenas de intriga, buenos diálogos y, claro está, encomiables interpretaciones.

Características técnicas de la edición:

Únicamente aparece en formato DVD.
Contenido: 1 Disco.
Imagen: 1.78:1 16/9 anamórfica.
Audio: Dolby Digital 2.0 Inglés, Castellano.
Subtítulos: Castellano.
Contenido extra: Ficha artística, ficha técnica y galería fotográfica.

‘Sierra Barón’ (‘Sierra Baron’, 1958)

James B. Clark dirige a Rick Jason, Brian Keith, Steve Brodie y Mala Powers, en el Western titulado ‘Sierra Baron’, en el que Miguel Delmonte tendrá que luchar por los derechos de su rancho, en el cual se ha encontrado un yacimiento de oro muy codiciado por los yanquis.

‘Sierra Baron’ está basada en la novela de Thomas Wakefield Blackburn II, que fue escritor, guionista y letrista. En los años ’50 estaba trabajando para la Disney en las películas y telefilms de Davy Crockett y comenzó a escribir letras para canciones.

Me temo —aunque no lo pueda asegurar— que la traducción del título, que se ha limitado a añadir una tilde a «barón», como si fuese el nombre de la sierra en la que transcurre, estará equivocada. Es probable que el término inglés «baron» se refiera a un «magnate» o un «terrateniente», ya que ése es su significado y ya que es de eso de lo que va la película. Así que lo mínimo que tenía que hacer el título en español es invertir el orden de las palabras y añadir alguna preposición y artículo. Y, si no, que lo dejen en inglés.

Características técnicas de la edición:

Únicamente aparece en formato DVD.
Contenido: 1 Disco.
Imagen: 1.33:1 4/3.
Audio: Dolby Digital 2.0 Inglés, Castellano.
Subtítulos: Castellano.
Contenido extra: Ficha artística, ficha técnica y galería fotográfica.

Vía | Zona DVD.

“Los abogados no deberían casarse con otros abogados”

-Kip Laurie

El cine clásico norteamericano comprende, en teoría, las décadas de los 30, 40 y 50 del pasado siglo. En la última de ellas se alcanzó, según muchos, la perfección de este arte en ese país, y después de eso, no ha dado más que tumbos. El neoyorquino George Cukor, tenido por un gran director de actrices, dirigió esta famosa comedia en 1949, con la ya famosa y casi mítica por entonces pareja formada por Tracy y Hepburn.

Comedia bastante disparatada, sin llegar a los niveles de “screwball comedy”, centrada en la guerra de sexos y en el feminismo rampante por aquella época, con dos abogados rivales que resultan ser marido y mujer (algo que es ilegal, pero a quién le importa…), involucrados en un caso de infidelidad que casi termina en tragedia y que va a servir para un discurso que, a día de hoy, queda bastante naif.

Todo comienza con una secuencia que es, ciertamente, magistral, y que demuestra más de lo que el propio Cukor demuestra a lo largo de esta película: que tenía un gran sentido visual. Cinco minutos de cine mudo, con suspense y comedia a raudales, en los que seguimos a una mujer en su plan de vengarse del calavera de su marido, interpretado por un Tom Ewell como siempre espectacular. Cukor se entrega, después de este alarde, a dar todo el protagonismo a Tracy y Hepburn, en una trama que deja bastante que desear.

Lo de Hepburn es un caso de personalidad como no ha existido otra en la historia del cine. Nadie daba un duro por ella como estrella, aunque ya de joven era indudable su talento. Quién podía imaginar que enamoraría al católico Tracy, y a Howard Hugues, e incluso le haría perder la cabeza al lacónico John Ford, una mujer de atractivo físico escaso, pero de energía y vitalidad arrolladoras. Aquí se erige en icono feminista, que no es sino una de las batallas de su vida, mientras despliega sin prejuicios su complicidad y cariño con Tracy, que interpreta a un personaje mucho menos atractivo.

Como ejemplo de cine judicial, lo cierto es que la película no es gran cosa. El caso es forzado, poco creíble, y mal desarrollado. El juez incurre en actitudes incomprensibles, como muchos otros personajes, y todo no es más que una excusa poco divertida para lo que verdaderamente importa: el discurso feminista y las situaciones entre la famosa pareja. Además, ya sabemos cómo va a acabar. Es decir, no estamos en algo parecido a ‘Testigo de cargo’ en versión cómica, sino en un conservador vehículo de lucimiento.

Tampoco es gran cosa como creación cinematográfica, aunque a muchos se les llene la boca con este tipo de películas, que no son más que teatro filmado, llamándolas obras maestras y cosas por el estilo. Cukor se limita a poner la cámara sobre un trípide y filmar del modo más correcto posible, sin emplear el punto de vista en ningún momento y con una planificación completamente teatral. Es decir: plano general o plano medio, con los actores generalmente de perfil. Aún así, logra una narración fluida y competente, pero diez años después de, por ejemplo, ‘Lo que el viento se llevó’, que es mucho más dinámica y mucho más visual, pues queda anticuado. El cine evoluciona, por suerte.

Eso sí, la dirección de actores es soberbia. Aunque también es verdad que los actores son, todos, sin excepción, una gozada de profesionales, perfectamente conocedores de los resortes del ritmo interno de la secuencia y de la comprensión de la cámara. Es impresionante cómo dan vida a una secuencia tan ramplona.

Al final, todo queda en un espectáculo light, muy poco inspirado visualmente, con secuencias muy divertidas y llenas de ingenio verbal. Pero Cukor no fue nunca más (ni menos, ciertamente), que un director académico, brillante e impersonal. Nunca fue Hitchcock, ni Hawks, ni Welles. Las obras maestras del cine, las de mayor sentido visual, las firmaban otros. Pero su teatro filmado era siempre interesante.

Desde el guión, el personaje debe tener matices y aristas, estar bien compuesto, mostrar una personalidad diferenciada y que atraiga, ya sea de manera negativa o positiva. A eso además hay que sumarle un intérprete con suficiente carisma como para darle vida. Y una buena dirección de actores. Al parecer, todos estos factores flaquean a la hora de componer hoy en día tipos femeninos.

Existen actrices maravillosas en nuestro tiempo, claro que sí, pero quizá no existen intérpretes femeninas con el carisma que tenían algunas de las clásicas. Si tomamos el género de la comedia romántica —que analicé en otro post que también estaba de capa caída— nos encontramos maravillosas encarnaciones como las de Katharine Hepburn en ‘La fiera de mi niña’, Barbra Streisand en ‘¿Qué me pasa, doctor?’, Diane Keaton en ‘Annie Hall’… no digo que todas estas actrices hayan desaparecido, pero ya no están en edad para determinado tipo de papeles. También es cierto que de personas que no nos imaginaríamos en un papel de ese estilo se pueden sacar interpretaciones muy interesantes, como la de Kim Basinger en ‘Cita a ciegas’ o la de Meg Ryan en ‘Adictos al amor’. Así que la dirección de actores entraría aquí para darnos una visión diferente.

Sandra Bullock, estandarte de las últimas comedias románticas, puede representar al tipo “vecinita de al lado” a la perfección y resultar simpática a la par que más guapa de lo que aparentaba, pero nunca será la mujer de personalidad torbellino que envuelva al hombre sin que pueda hacer nada al respecto y que acabe fascinándolo antes de que se dé cuenta.

Dejando a un lado la fascinación por la belleza externa, ¿cuántas veces os habéis enamorado recientemente de un personaje de la pantalla por su forma de comportarse? Probablemente desde alguno de los ejemplos que he citado arriba no ha vuelto a ocurrir.

En los géneros que no son la comedia romántica tenemos un claro exponente que sigue actuando, pero que ya rara vez es protagonista: Sigourney Weaver. Tanto matando alienígenas como de ejecutiva agresiva, fue un modelo de comportamiento para las que éramos niñas en los años ochenta que hoy en día no ha tenido reemplazo. Susan Sarandon en ‘Thelma & Louise’ hizo tres cuartos de lo mismo, en la década siguiente.

Como estudiaba Karelia, abundan las heroínas en el cine de hoy. Y no por ello encontramos buenos personajes femeninos. Casi todos los ejemplos recientes son de films pésimos y que no han hecho taquilla. Me da la impresión de que esto se debe a que el introducir a una protagonista femenina que sea capaz de dar caña no está movido por una visión igualitaria entre los sexos, sino por algo tan casposo como lo que antes hacía que se quedase detrás del héroe machito gritando: porque al público de los cómics y de los videojuegos en los que se basan —público eminentemente masculino— les erotiza ver a estas mujeres ligeras de ropa dando patadas. Sólo en ‘Alien’ y sus secuelas y en ‘Terminator’ y sus secuelas, las heroínas lo eran de verdad, no eran modelos de ropa de sex-shop. No es de extrañar, por lo tanto, la decisión de no hacer más films con protagonistas femeninas de este tipo.

Hoy en día, ¿qué ocurre? ¿Por qué no encontramos ni las divertidas féminas que convertirán en felices a hombres grises ni tampoco las mujeres que tienen por completo las riendas de su vida? No es que no haya films o series protagonizadas por mujeres, pues probablemente hay muchas más que antes. No hablo de la cantidad, hablo de la calidad.

Además de la ausencia de actrices como las mencionadas, el motivo está en la creación de personajes desde el guión. Y quizá esto no se nada más que un reflejo de la realidad. No sólo las mujeres, el mundo entero vive una época en la que parece que se ha retrocedido en lugar de avanzar con respecto a una serie de valores: el aspecto externo importa más que nunca, la superficialidad se extiende en todas las edades, la profesionalidad no es que desaparezca, es que se considera un defecto; la adolescencia dura hasta los treinta y tantos, los desequilibrios mentales están de moda, y el no tener nada claro, sino más bien nadar entre empanadas mentales, está a la orden del día.

Todo esto se refleja en los guiones y la mujer alocada y animada se convierte en una neurótica adicta a la medicina alternativa o al consumismo desaforado. La ejecutiva agresiva es una zorra manipuladora que machacaría a cualquiera por un avance profesional. ¿Es así la realidad y las películas lo único que hacen es reflejarla? Quizá.

El caso es que no tenemos personajes femeninos interesantes. Se podría decir lo mismo de los masculinos, pero con los de mujeres pasa algo muchísimo más grave que lo dicho hasta ahora: a veces son inexistentes. Estoy hablando ahora de todas aquellas películas que nos narran los hechos desde el punto de vista del hombre protagonista. No pasa nada, hay que elegir una perspectiva y ésta es tan buena como cualquier otra. El problema llega cuando, debido a que la mujer no es la que nos da su visión de los hechos, ella ya ni siquiera es un personaje. Se convierte en una cosa, en un objetivo que el hombre aspira a alcanzar, pero que por sí misma no tiene ideas, no tiene sentimientos, opiniones, pensamiento… Se convierten en estereotipos que sirven para simbolizar valores tradicionales o para representar la pérdida de libertad y la opresión que siente el protagonista masculino. Los personajes descritos en el párrafo anterior, aunque sean negativos, son preferibles para un film, ya que al menos, tienen virtudes y defectos, que es lo que tiene que poseer todo tipo humano en un guión.

Esto último ya no es un reflejo de la sociedad, pues las mujeres pierden más libertad que los hombres cuando tienen hijos y también pueden sentir miedo al compromiso a una atadura de por vida. Esto es simplemente una mala escritura de guiones, ya que el convertir a alguien en un símbolo no tendría por qué significar despojarlo de toda identidad. Los personajes no se pueden dejar vacíos, definidos únicamente por los estereotipos de su género, orientación sexual, procedencia, clase social… Es uno de los defectos más habituales en el cine superficial que nos llega hoy en día y afecta también a los personajes masculinos, pero más a los de mujeres.

Entraría aquí también otro fenómeno muy reciente, que no sólo ha afectado al cine, sino también a la literatura, por lo menos en nuestro país: la idea de que las mujeres escriben o dirigen para mujeres, mientras que los hombres crean para cualquier tipo de público. De este ardid comercial han aparecido los booms de escritoras que mostraban personajes femeninos descerebrados, politoxicómanos y atolondrados y que, para más inri, nos hacían creer que, al estar creados por otra fémina, era más reales que los que habíamos conocido hasta la fecha. Personajes como aquellos, y hablo más de literatura que de cine, habrían puesto el grito en el cielo de cualquiera si hubiesen sido fabricados por hombres.

Quedan excepciones, por supuesto, como habrá que decir siempre que se haga un estudio de este tipo, pero en general, estamos ante una crisis de personajes y especialmente en lo que se refiere a los femeninos.

‘La Búsqueda’

Inédita en nuestras salas comerciales, y sin que nadie sepa el motivo, se trata de la película que Zhang Yimou rodó entre la estupenda ‘La Casa de las Dagas Voladoras’ y ‘La Maldición de la Flor Dorada’. Una edición en la que además del film encontraremos el típico “cómo se hizo”. El film también forma parte de un pack dedicado a Yimou, en el que se incluyen cinco títulos del prestigioso cineasta.

‘Noches Blancas’

El film de Luchino Visconti, con el grandísimo Marcello Mastrioanni, es la segunda de una colección llamada “cine de culto”, y que únicamente podréis encontrar en la Fnac, editada cojuntamente con ‘Arroz Amargo’, donde los amantes del cine italiano podrán encontrarse con Silvana Mangano y Vittorio Gassman. ¿Por qué la Fnac es tan chula? y cuando digo chula no lo digo como piropo.

‘Crank’

Desgraciadamente uno de los mayores insultos hacia el séptimo arte también se edita esta semana, deleznablemente dirigida, está interpretada por un adrenalítico Jason Stathman. Muy recomendable para flipados sin nada en lo que pensar. En Blogdecine dividió al personal.

‘Kagemusha’

El clásico del gran Kurosawa, apadrinado por Lucas y Coppola, se edita en una colección titulada Cinema Reserva, en la que además podréis encontrar películas tan míticas como ‘French Connection’ o ‘Los Siete Magníficos’. Todas en ediciones especiales con dos discos.

‘El Viento que Agita la Cebada’

El siempre polémico Ken Loach nos ofrece una buena película en la que nos habla del inicio del IRA, y como siempre metiendo el dedo en la llaga. Una edición especial con un par de entrevistas a Loach y a Paul Laverty, y un documental. En Blogdecine unió al personal.

Pack Cary Grant 2

Manga Films edita el segundo pack dedicado a este grandioso actor, con cinco títulos de su extensa filmografía. Las poco conocidas ‘En Busca de Marido’ y ‘Mi Mujer Favorita’, la maja ‘Serenata Nostálgica’, y las estupendas ‘Luna Nueva’ y ‘Un Corazón en Peligro’. Este pack sale junto con otros tres dedicados a Andy Warhol, Katharine Hepburn y Fred Astaire.

‘H6: Diario de un Asesino’

Una película española a la que se le dio mucho bombo, porque decían que era el no va más, y luego nadie se acordó de ella. En su publicidad la lanzan como la respuesta española a ‘Hostel’. Pues qué bien.

‘Última Salida Brooklyn’

Esta película se hizo famosa por la recordada escena en la que Jennifer Jason Leigh es violada por multitud de hombres uno tras otro. Al final, ni la secuencia ni la película son para tanto, y lo único destacable es la música de Mark Knopfler.

‘The Holiday’

Lo que podría haber sido un feliz retorno a las comedias románticas de los años 40, se queda en un pobre intento, aunque con una inmensa Kate Winslet (el Oscar empieza a tardarle), y algunos guiños al cine clásico verdaderamente deliciosos. En Blogdecine dejó indiferente al personal.

‘Una Casa en el fin del Mundo’

Una de esas películas menores protagonizadas por Colin Farrell y Robin Wright Penn. Pasó sin pena ni gloria por nuestras carteleras, y las de medio mundo. Tal vez en dvd tenga mejor suerte, aunque no lo creo. Un día de estos os hablo de ella.

‘Brick’

Un ejercicio de estilo, intentando rendir homenaje al cine negro clásico, y que a pesar de las buenas intenciones, no puede evitar desprender cierto tufillo pedante que no le sienta nada bien. La película tiene dos ediciones, una sencilla, y otra especial para coleccionistas que es un auténtico lujazo: fotogramas de la película, novelización del guión y un montón de extras.

Vía | Zonadvd.com

Consiguió su primer Oscar con ‘Gloria de un día’ pero tras este éxito trabajó en producciones de menor calibre lo que hizo que muchos creyeran que estaba acabada. Afortunadamente no fue así, Katharine Hepburn compró los derechos de la obra ‘Historias de Filadelfia’ (que ella misma interpretó en Broadway) y más tarde se los vendió a un estudio.

En el rodaje de ‘La mujer del año’ conoció a Spencer Tracy, el que sería el gran amor de su vida. Kathy se había divorciado de su marido, pero las creencias religiosas de Tracy no le permitían hacer lo mismo con su mujer. A pesar de todo su relación se mantuvo durante muchos años y llegaron a hacer nueve películas juntos.

Ganó 4 Oscars; el primero el antes mencionado, el segundo por ‘Adivina quién viene a cenar esta noche’, el tercero por ‘El león de invierno’ y el cuarto por la película ‘En el estanque dorado’. Las otras ocho nominaciones, siempre en la categoría de mejor actriz, fueron por las películas ‘Sueños de juventud’, ‘Historias de Filadelfia’, ‘Woman of the Year’, ‘La Reina de Africa’, ‘Locuras de verano’, ‘El farsante’, ‘De repente, el último verano’ y ‘Larga jornada hacia la noche’.

Murió el 29 de junio de 2003, tras sufrir durante muchos años de Parkinson.

William J. Mann ha sacado un libro titulado ‘Kate: The Woman who was Hepburn’ que trata de mostrar el lado más oscuro de la actriz. Relata episodios como los malos tratos sufridos en su infancia, el presunto suicidio de su hermano a los 15 años, la bisexualidad de la andrógina estrella o la de todas sus parejas masculinas, incluído Tracy. Mann se aplica a desmontar todas las historias corroboradas por una larga lista de biográfos complacientes y por la propia Hepburn en su autobiografía ‘Me’ (‘Yo’) para poner en evidencia que, al margen de sus extraordinarias cualidades artísticas y personales, Katharine Hepburn fue una mujer fría, calculadora y tremendamente manipuladora que supo moldear el personaje que mejor vendía.

Biógrafo tras biógrafo —entre ellos Garson Kanin, A. Scott Berg y Barbara Leaming— han tratado de empaquetar e inmortalizar la mística de Hepburn. Incluso Hepburn (la autora de ‘Me’) no era nada de torpe a la hora de vender la historia de Hepburn. Su historia se cruzó con las de George Cukor, John Huston, John Ford, Howard Hughes, Leland Hayward y David O. Selznick. Su relación fuera de la pantalla con Spencer Tracy era tan bien conocida como sus películas. Por ello, Mann tiene el objetivo de examinar razonablemente las diferencias en los modos en que Hepburn decidió presentarse a sí misma y los actos de su vida.

“La brillantez y singular devoción que dedicó a la creación y mantenimiento de su imagen pública debería inspirar sobrecogimiento, especialmente cuando ves todo lo que había detrás”, escribe.

La primera parte del libro tiene que ver con los años formativos, empezando con la juvenil encarnación de Hepburn de un niño de pelo corto llamado Jimmy. El libro ve esa presencia masculina como una parte fija de su identidad, y quizás la parte más importante.

“No creció para ser el tipo de mujer que es madre”, escribe Mann. “Katharine Hepburn creció para ser el tipo de hombre que es padre”.

‘Kate’ disecciona el mito de la fogosa y combativa familia Hepburn y encuentra algo menos generoso. Sobre el temperamento de su padre, un amigo de Hepburn, Max Showalter, dijo una vez: “Kate cuenta muchas historias de su infancia en que la vemos subiendo a la copa de los árboles, negándose a bajar. ¿Te has preguntando que la hacía hacer eso?”

Aunque ‘Kate’ se basa en nuevas e inusuales fuentes e investigaciones y cuenta con numerosas notas, el origen de esta afirmación no aparece especificado. Pero hay que mencionar que Mann renuncia a los materiales que no ha podido confirmar con fuentes cercanas.

‘Kate’ deduce que las relaciones posteriores de Hepburn con los hombres reflejaron el matrimonio de sus padres: una mujer aparentemente fuerte e independiente como la sumisa cuidadora de un hombre dominante. Y ve la auto-destrucción y la confusión sexual de su hermano mayor, Tommy (que murió a los quince, aparentemente por suicidio), como cualidades que moldearon los vínculos posteriores de Hepburn.

Mann atribuye bisexualidad a casi todos los hombres con los que Hepburn estuvo relacionada alguna vez. También otorga gran importancia a un hombre llamado Scotty, que gestionaba una gasolinera cerca de la casa de Cukor y dispensaba más que gasolina. Scotty dice incluso que Spencer Tracy fue una de sus parejas sexuales. El libro trata esas revelaciones con más curiosidad que lascivia. Mann sostiene plausiblemente que su verdadero interés es cómo se esculpió y mantuvo la gran fábula del romance Tracy-Hepburn.

”El pulpo en el garaje”, como lo describe el autor, es por supuesto el afecto de toda la vida de Hepburn por las mujeres. Desde su temprana amiga Laura Harding, que se describía a sí misma como ‘el marido de la señorita Hepburn’, a Phyllis Wilbourn, una acompañante de 40 años sobre la que Hepburn dijo: “Phyllis y yo somos una sola”, las mujeres figuran prominentemente en la mente de Mann. Su objetivo es menos detectar relaciones lésbicas que reiterar la enorme divergencia entre la imagen pública y privada de Hepburn.

En su tercera parte, el libro describe la larga vida en el escenario de Hepburn después de que sus días de glamour en Hollywood habían terminado. “Las personalidades cinematográficas van y vienen, pero Khatahrine Hepburn tenía la intención que quedarse más tiempo”, escribe. “El único modo de hacerlo era convirtiéndose en una institución”. Si no hubiese decidido aparecer tan estratégicamente en ‘La reina de África’ (The African Queen) —o, en otros momentos, ‘León en invierno’ (The Lion in Winter), ‘Adivina quién viene esta noche’ (Guess Who Is Coming To Dinner) y ‘En el estanque dorado’ (On Golden Pond)—, su historia habría sido bastante más corriente.

Vía: Pan y cine