Después de la crónica del domingo 11 de octubre, la última del Festival, me dispongo a comentar seis películas más que también vi en Sitges, las últimas, que tuve que dejar fuera de los anteriores artículos porque me pareció que ya estaban suficientemente cargados. En este primer “asuntos pendientes” os voy a hablar de ‘Grace’, ‘Ip Man’ y ‘The Hurt Locker’; la primera me sorprendió negativamente, las otras dos me dieron justo lo que esperaba de ellas.

‘Grace’ fue primero un corto, que al parecer causó mucha controversia, y luego se ha convertido en el primer largometraje de Paul Solet. La historia se centra en una mujer que poco antes de dar a luz, tiene un accidente, y pierde a su hijo; sin embargo, ella decide continuar con el embarazo hasta el final, y sorprendentemente el niño nace vivo. El milagro se transformará pronto en una maldición, cuando descubra que su bebé no puede alimentarse con leche, sino con sangre.

Y toda la película gira en torno a esa imagen tan desagradable. Un bebé alimentándose de sangre. Bueno, en realidad, lo más desagradable es cuando la madre acepta que si quiere a su hijo vivo, y parece que eso es lo único que desea realmente, debe darle el pecho para que los muerda… Sí, vale, da asco, ¿y qué? Como suele ocurrir en estos casos, de cortos que se adaptan a largos, no se ha logrado desarrollar el guión de forma adecuada, resultando que la historia es insuficiente para mantener la atención durante una hora y media. Está lo que tenía fuerza en el corto, pero no hay nada más.

La película tarda mucho en arrancar, luego no deja de dar vueltas sobre la misma idea, y cuando parece que la cosa se anima, se acaba todo. Los actores tampoco destacan, interpretando personajes planos, estando todo tan centrado en resaltar la asquerosa relación entre la madre y el bebé, que además no progresa, no va a ninguna parte. En definitiva, una película aburrida e intrascendente, cuya única utilidad puede ser la de atemorizar a espectadoras que estén pensando en su primer hijo.

‘Ip Man’ era uno de los títulos que más me interesaban cuando llegué a Sitges. Dirigida por Wilson Yip, fue elegida la mejor película de la sección “Orient Express – Casa Asia” del Festival. No diré que no fue un premio justo, pues no vi otra mejor que crea que mereciera ese reconocimiento en su lugar, pero tampoco es menos cierto que no se trata de ninguna joya. Entretenida, pero a la que se le podía haber sacado más jugo.

La película se basa en el personaje real de Ip Man, más conocido por ser el maestro del mítico Bruce Lee, y se divide en dos partes, antes y después de la invasión japonesa. En un primer momento, asistimos a la plácida vida del protagonista, un hombre respetado y querido en su pueblo, que sólo desea perfeccionar su técnica de lucha (Wing Chun). Después, China es ocupada por Japón y nadie escapa al hambre y la miseria; en esas circunstancias, Ip Man pondrá en peligro su vida por defender el honor de su pueblo.

La fórmula Wilson Yip + Donnie Yen + coreografías de Sammo Hung no puede aburrir, sencillamente. El resultado sólo puede ser un espectáculo de artes marciales. Y así es, ‘Ip Man’ contiene secuencias de lucha impresionantes, imposibles de encontrar en las películas que nos llegan de Hollywood. Pero no hay más. Tenemos a Yen luchando y venciendo a todo el mundo con suma facilidad, porque es el mejor luchador, y nadie puede igualarle. Simon Yam y Lam Ka Tung están ahí pero no se les aprovecha, los focos son para las peleas. Si eso es lo único que buscáis, la película os encantará; si no, os faltará lo que a mí, algo de historia al margen de los puñetazos y las patadas.

Resulta increíble que ‘The Hurt Locker’ no se haya estrenado aún en nuestro país, cuando lleva más de un año terminada y en principio carece de elementos “venenosos” para la taquilla. Sin embargo, lo último de la directora Kathryn Bigelow sí se proyectó en el Festival de Sitges, una oportunidad que no podía dejar escapar. Después de verla, es aún más incomprensible que la película no haya llegado a los cines españoles, porque ante todo es un gran entretenimiento. ¿Cuál será el maldito problema? ¿Que no está protagonizada por un actor estelar?

Tras los batacazos de ‘K-19: The Widowmaker’ y ‘El peso del agua’, Bigelow regresa con fuerzas renovadas, narrando la historia de tres soldados norteamericanos, especialistas en desactivar bombas, en plena guerra de Irak. La adicción a la guerra, a las sensaciones de estar en combate, en peligro de muerte constante, es el eje central de la película, cuyo reparto está encabezado por un impecable Jeremy Renner, a quien acompañan Anthony Mackie, Brian Geraghty, Ralph Fiennes, Guy Pearce, David Morse y Evangeline Lilly (aunque los cuatro últimos intervienen muy poco, aviso).

Como señalaba mi compañero Adrián en su crítica de la película, ‘The Hurt Locker’ tiene grandes momentos aislados que no están bien entrelazados, correctamente integrados en una sólida e interesante historia, capaz de mantener al espectador entretenido durante dos horas (totalmente excesivas). Las secuencias de las misiones resultan tensas y espectaculares, pero son como episodios sueltos, y el material que los une no tiene la misma fuerza. Fallan las partes tranquilas, en las que deberíamos sentirnos cerca de los personajes. Aun así, una estupenda película, imprescindible para los aficionados al cine de acción.

PD: Un momento memorable de ‘Ip Man’. Uno de los malos reta al protagonista, pero la mujer de éste no quiere que pelee. El protagonista la escucha, no va a luchar. El malo se burla y le pregunta si tiene miedo de su mujer. Ip Man responde: “Los hombres no temen a sus mujeres, pero algunos las respetan”.

‘The Hurt Locker’ de Kathryn Bigelow aún sigue inédita en nuestras salas, y eso que ya hay mucha gente en la red que la ha visto, hablando maravillas de la misma. Su fama va creciendo poco a poco y en la taquilla americana ha hecho un buen puñado de pasta, teniendo en cuenta que ha tenido una distribución limitada; algunos incluso hablan de nominaciones en los próximos Oscars. Su guionista, Mark Boal, y la misma Bigelow volverán a formar equipo en un proyecto titulado ‘Triple Frontier’. Uno de sus productores será Charles Roven (‘El caballero oscuro’) y ha sido descrita como un film de acción y aventuras.

Al parecer el film versará sobre el crimen organizado que opera en la zona donde se unen Brasil, Paraguay y Argentina. Más acción para Bigelow, directora a la que algunos le deseamos el volver a estar en primera línea, después de haber disfrutado con gozadas como ‘Los viajeros de la noche’ (‘Near Dark’, 1987), ‘Le llaman Bodhi’ (‘Point Break’, 1991) o ‘Strange Days’ (1995). Durante tiempo tuvo que aguantar el estar a la sombra de James Cameron (fueron pareja) pero ha demostrado tener tanto dominio narrativo como él, además de un envidiable gusto por lo espectacular.

Vía | /Film

Tras los dos fiascos, los cuales lograron disminuir el prestigio que tanto le había costado conseguir de gran realizadora, que supusieron ‘El peso del agua’ y ‘K-19, The Widowmaker’, Bigelow regresa seis años después, habiendo dirigido apenas algunos episodios de la serie ‘Karen Sisco’ (que están bastante bien para una serie más que digna) y el famoso spot para Pirelli, protagonizado por Uma Thurman, ‘Mission Zero’, con su primera cinta de género bélico, ambientada en la guerra de Irak y que, como todos sabemos, aún no se ha estrenado en salas españolas a pesar de que, siendo de 2008, estamos a casi la mitad de 2009.

Si ‘El peso del agua’, un relato cuyo mayor problema residía en una estructura equivocada y un tema que no le parecía interesar mucho a su directora, por mucho que intentara cambiar de registro, y ‘K-19’ era el ‘Titanic’ particular de la directora, con un presupuesto muy holgado contando un famoso desastre militar ruso, eran claros fallos, este ‘The Hurt Locker’ tiene toda la pinta de un regreso a las mejores esencias de su máxima responsable. Un vigoroso filme de acción, cuyos pocos altibajos no empañan una desengañada, frenética e intensa descripción de la rutina del soldado.

La guerra de Irak, esa infausta vergüenza que fue posible gracias, entre otros, a cierto reaccionario hortera y con bigote que me avergüenzo de que haya sido mi presidente, comienza a originar, aunque con cuentagotas, realizaciones de directores importantes que intentan, con mayor o menor fortuna, acercarse a este evento que, como todas las guerras, tiene a sus falsos héores, a sus víctimas (siempre los más desfavorecidos, los olvidados) y a sus aprovechados. A la espera de que llegue un Mel Gibson patriotero y chusco que haga algo similar a la estupidez de ‘Cuando éramos soldados’, de momento todo lo que hemos podido ver al menos no tiende al ensalzamiento de la labor norteamericana.

La “nueva” película de Bigelow no se inscribe profundamente en una crítica feroz de esta guerra (como sí hace la excelente serie de HBO, cuál si no, ‘Generation Kill’), aunque una subterránea mirada compasiva a un país en ruinas y desgraciado está ahí, sin duda. Pero la directora regresa con toda la fuerza que le queda a su viejo tema de la adicción a la adrenalina, contándonos la historia de este desactivador de bombas, interpretado con gran fuerza y sobriedad por el siempre interesante Jeremy Renner, adicto a la guerra.

Porque la guerra puede ser una adicción, tal como advierte la leyenda con la que arranca esta historia. Una adicción que, como su propio nombre indica, puede controlar la vida de uno hasta ponerla en peligro. Esta es la única idea que guía toda la trama, una trama que para muchos, los pocos que la han visto, adolece de una profundidad nula en todos los personajes que no sean el principal, como si en el cine se pudieran dibujar los personajes más allá de lo que hacen o dicen. Y aquí Bigelow sabe muy bien por qué sus personajes hacen o dicen cada cosa, y sobre todo le importa.

Los combates en entornos urbanos alcanzaron una forma definitiva con la proverbial ‘La chaqueta metálica’, y fueron llevados al límite en ‘Salvar al soldado Ryan’. Bigelow coge el testigo quizá sabiendo que en cuanto a sorprender al espectador no podrá hacer gran cosa, pero opta por una puesta en escena que se acerca muchísimo al documental y a las imágenes de los telediarios, por lo que nos traslada a ese espanto con total inmediatez, sin medias tintas. Lo malo es que el guión pretende siempre mantener en lo más alto la tensión, sin saber, quizá, que el espectador tiene un límite, y que para que haya montañas, también tienen que existir valles.

De ahí se deducen las arritmias que Bigelow, con todo su talento, intenta salvar, sin conseguirlo, porque nadie puede mantenerse en el filo durante dos horas. Por eso ‘The Hurt Locker’ es sobre todo una película de grandes momentos, unidos entre sí por eslabones más o menos débiles. Pese a todo, la película va de menos a más, y en su último tercio termina por ser una lúcida reflexión de la existencia de algunos soldados cuya vida civil es una existencia gris y sin sentido, y cuyos momentos de lucimiento en la guerra son la única razón para seguir viviendo, aunque sea coqueteando con la muerte.

Con ayuda del estupendo operador Barry Ackroyd, sentimos la fragilidad de los cuerpos y la intensidad de los momentos muertos que preceden a la tempestad, gracias a unas imágenes que parecen captadas por un cámara privilegiado al que han dejado meter las narices en los asuntos, nunca nobles ni dignos de alabanza, de unos soldados hastiados, más preocupados, desde la guerra de Vietnam, de ir de salvadores rockeros del mundo que de morir con un mínimo de valentía en las venas.

Quizá el filme más viril de todos los suyos, con una testosterona desatada que impregna todos sus poros, supone el regreso a la senda correcta, o así lo veo yo, de una realizadora que nunca lo ha tenido fácil, menos aún cuando sus propias decisiones, por muy arriesgadas que sean, son equivocadas. Dos o tres secuencias de esta cinta de acción están a la altura de su dinámico talento, así como esas breves imágenes del mundo “civilizado”, que tanto dicen sin una sola palabra. En definitiva, una más que digna cinta bélica que todos deberían ya haber visto.

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• Kathryn Bigelow y la adicción

• Kathryn Bigelow y el mar

• Kathryn Bigelow y el amor

Cuatro años pasaron desde la aparición de aquella ‘Point Break’ (lo siento, me resisto a emplear el título español, el horrendo ‘Le llaman Bodhi’) y por fin la Bigelow, encumbrada como estaba por esa película como uno de los más grandes directores del cine de acción, pudo presentar nueva película, que en esta ocasión era una historia de ficción científica, género al que aportaría esta única película (de momento), producida por su ex-marido James Cameron, que a juicio de quien esto firma es el mejor director de cine de ficción científica de la historia, también co-autor del guión junto a Jay Cocks (responsable, por cierto, del libreto de ‘La edad de la inocencia’ o ‘Gangs of New York’).

La apuesta, llena de ambición, llevaría por título ‘Días extraños’, película que pasó sin pena ni gloria por las carteleras de todo el mundo, pero que ha perdurado como uno de esos filmes “agazapados”, por llamarlos de alguna manera (me resisto también a emplear el absurdo término “de culto”), que algunos defienden a capa y espada como un filme importante. Y es que, siendo un buen filme a grandes rasgos, adolece de algunos defectos que la impiden comvertirse en ese gran título que sin duda estaba llamado a ser. Esta vez la adicción es la del amor, y para hablar de ella Bigelow se introduce en los meandros atormentados de una relación fracasada.

Hay dos historias que conviven en las tumultuosas, a veces irrespirables imágenes de esta película extrañísima. Una es una historia criminal, con el racismo como desencadenante, y la otra es un triángulo amoroso de aristas impredecibles y dolorosas. Ambos relatos se desarrollan plenamente, y es mérito de los guionistas y la directora que no sólo convivan sino que se alimenten mutuamente, en un todo bastante equilibrado. El principal problema es que tanto en el arranque como en la conclusión ambas tramas, ambos hilos, se molestan el uno al otro para establecerse y finalizarse, respectivamente, y la película se resiente verdaderamente de ello.

El cine tiene leyes inamovibles, que sólo grandes personalidades, grandes temperamentos visuales, artísticos, pueden desafiar. Con todo su poderío visual, Bigelow no parece uno de ellos. Así, en un drama criminal, es una temeridad que suele pagarse muy cara el presentar el motivo del crimen a la hora de metraje. Si hubieran ordenado los episodios de forma que el nudo, el meollo de la cuestión, se le presentara al espectador a la media hora, o como mucho a los cuarenta y cinco minutos, el espectador no se sentiría tan descolocado, y no desconectaría de una trama que le exige demasiado. A fin de cuentas, esto es cine de género, y el tema debe ser presentado lo más prontamente posible.

Por desgracia no es así. y de este simple error nacen otros, inevitables, que acaban lastrando un relato que sin duda posee el suficiente ingenio y destreza para atrapar al espectador. Así, nos vemos inmersos en la hipnótica realización de Bigelow, que una vez más está muy por encima del guión sobre el que trabaja, y que de nuevo es la causa última de que esta película funcione. Hay tres grandes razones para considerar su trabajo como muy notable: 1. el trabajo con los actores, 2. el ritmo interno de las secuencias y 3. la atmósfera que impregna todo el relato.

Muchos dijeron en su momento que ‘Días Extraños’ (como luego la excepcional ‘Hijos de los hombres’) estaban claramente influenciadas por una película tan menor (aunque objeto de un culto, esta sí, desmedido e incomprensible) como ‘Blade Runner’, que al ser una ficción científica mezclada con cierto tono de drama criminal, y dotadas de una atmósfera asfixiante, sin duda tenían a la película de Scott como referente. Nada más lejos. Tanto Bigelow como el propio Alfonso Cuarón presentan una auténtica ficción científica, muy en el polo opuesto del falso lirismo preciosista de una estampita futurista que va de desesperanzada pero que se queda en cómic plano.

Así, ‘Días Extraños’, enclavada en el cambio de siglo, del XX al XXI (a pesar de que en realidad el siglo comienza en el año 1 de cada centuria, aunque eso es lo de menos) intenta contar el futuro de ahora mismo, en una gran ciudad (de nuevo L.A), corrompida hasta el tuétano, un verdadero estado policial donde manda el más fuerte o el más pillo. No hay el menor rastro, por parte de Bigelow, de un intento de crear un futuro vanguardista o de diseño, como hiciera Scott, sino más bien una mucho más honrada descripción de un entorno urbano que reconocemos como nuestro, como cercano y real. La atmósfera de este largo es la de la violencia y el odio descontrolados, demenciales.

No hay lugar para la esperanza, sino tan solo, quizá, para el recuerdo de un pasado que nos ayude a evadirnos. La idea, estupenda en su concepto, de los clips de memoria (según la historia, desarrollados por el gobierno pero descartados por su escasa dignidad moral, y así convertidos en objeto de venta en el mercado negro), no es más que un necesario mcguffin que funciona en el relato tanto a nivel emocional como narrativo, y que por eso es capaz de aunar ambas tramas, la criminal y la romántica, de manera natural. Estos clips no son sólo una visualización de experiencias propias o ajenas, sino también capaces de generar una experiencia sensorial y física casi total.

Aquí está la metáfora de la adicción del amor, que Bigelow maneja tan bien como esa adicción a la adrenalina desarrollada en su anterior realización, como una dependencia que convierte a sus víctimas en meros peleles incapaces de comprender que la vida sigue. Lenny Nero, en su patetismo, resulta conmovedor y hasta podemos compadecerle, pero al mismo tiempo es un ciudadano ilustre de esa ciudad desquiciada, en su rol de vendedor de clips ilegales, negocio en el que quizá es el “camello” más importante. Todo comienza, además, con uno de esos clips, que nos hace partícipes, literalmente, de un atraco frustado y de la muerte del propio dueño de la vista subjetiva (que aquí alcanza una perfección técnica abrumadora). Con este clip se establece el tono visual y también la atmósfera.

De este modo, Bigelow funde el contenido y la forma de manera ejemplar. Respeta siempre el ritmo interno de cada secuencia, aunque esta sea una experiencia subjetiva y grabada en la memoria, lo que es signo de una artista superdotada capaz de otorgar su valor a cada momento, al contrario de la mayoría de directores que filman igual una escena de amor que una persecución. Atmósfera, ritmo y actores. Tanto Fiennes, como Basset, como una sensacional Lewis, como la totalidad de los secundarios, sorprenden por la convicción con que afrontan su trabajo. Si el guión o la construcción de la historia flaquean o resbalan, ellos no lo hacen en ningún momento. Bigelow los dirige con mano de hierro, les contiene o les da rienda suelta, dependiendo de la necesidad.

Pero ahí queda la irregularidad del relato, aunque también algunos momentos inolvidables, como uno de los asesinatos más brutales de la entera historia del cine. Una vez más Bigelow no conseguía firmar una obra completamente redonda, pero seguía aportando secuencias magistrales que nadie le podía robar. Fracaso rotundo en taquilla, iniciaría un periplo profesional lleno de baches.

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• Kathryn Bigelow y la adicción

• Kathryn Bigelow y el mar

Estoy convencido de que si el cine norteamericano de género se hubiese limitado a repetir, sin más, las viejas fórmulas consideradas clásicas, no hubieran hecho otra cosa que reducirlo a un mero “cuento de la vieja”, con distintos elementos pero el mismo esquema. Es fascinante hablar y estudiar el trabajo de aquellos cineastas valerosos que, con una sensibilidad fuera de toda norma, transforman la apariencia de un arquetipo (en este caso, el policíaco) y le dan un ímpetu y una óptica que antes de ellos hubiera resultado impensable.

Y la prueba de que es cine personalísimo es que, a la hora de copiarlo, otros cineastas fracasan miserablemente. Son muestras de género que se sale del género. Un género en sí mismas. Creo que ‘Point Break’ (sugerente título para que luego nos lo traduzcan con el horroroso ‘Le llaman Bodhi’, que no pienso volver a emplear, queda avisado el lector) es una de esas muestras. Una extraña película de acción que se alza muy por encima de sus tópicos, para convertirse en una experiencia sensorial, cuyas no pocas virtudes se alzan muy por encima de sus numerosos defectos estructurales. Y todo gracias a su directora. Y es que lo más importante, siempre, acaba siendo la aportación del director.

Causa pánico pensar en esta historia firmada por alguien diferente a Bigelow. Si cualquier otro con menos personalidad y menos agallas que ella hubiera tomado las riendas, parece difícil que esta historia de surferos atracadores de bancos (!!!) hubiera llegado a ser nada más que un espectáculo dudoso sobre jovenzuelos cachas, tías buenas, robos y tiroteos. Y no sólo está Bigelow para conseguir el milagro (porque esto es un milagro), sino también James Cameron, que vio las posibilidades de esta historia en manos de su entonces esposa, le dio algunos toques al guión y ejerció de productor ejecutivo. Porque, seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo, pues aunque tiene algunas secuencias bien escritas (los momentos previos al penúltimo robo), no paso de correcto, y está plagado de clichés.

La razón principal de que esta película se mantenga en pie dieciocho años después, me parece, es, para empezar, la implicación emocional de la directora. Más que emocional, espiritual, diría yo, pero ya llegaremos a eso. Bigelow hace un alarde de coherencia y profundidad en su puesta en escena, demostrando que lo importante no es qué cuenta la historia, sino cómo se cuenta, cómo la mirada del director sublima, por decirlo de alguna manera, esa historia. Bigelow es un titán cinematográfico que antes del uso masivo de la infografía (y de los vergonzosos etalonajes digitales, y de los montajes sincopados donde nada se ve, porque no hay nada que ver) filma una de las películas de acción más dinámicas, intensas y estéticas de la historia.

Ahora, no hay película de acción donde no sólo la imagen (que hasta cierto punto, es comprensible que se retoque) sino los mismos elementos que la componen, estén modelados “después” del rodaje. Es decir, no son elementos que se filmen con la cámara. Pero en ‘Point Break’ todo lo que vemos está recogido con ella. Esto le puede parecer irrelevante a un aficionado al cine cuya cinefilia ha nacido con ‘El señor de los anillos’ (cuya magnífica segunda parte tiene en su mejores momentos de aventuras aquellos en los que no hay 15.000 guerreros creados por ordenador), pero la diferencia estriba en la sensación que se transmite al espectador.

El CGI es una herramienta más, pero no es un elemento capital de la puesta en escena. No tiene mayor importancia, ni menor ciertamente, que el atrezzo. El cine opera con realidades, y cuando los actores de esta película cabalgan una ola, saltan de un avión en pleno vuelo, o cuando el operador jefe (Donald Peterman, que aquí firma su mejor trabajo de lejos) captura un ambiente lumínico determinado en el mar, es el ambiente que, perfeccionado con algunos filtros y el uso de los objetivos (que pienso que debería estudiarse en las escuelas de cine) había en el rodaje. Por tanto la sensación es la de asistir a algo real. Y pocas veces se ha asistido a una aventura tan física y, al mismo tiempo, tan hipnótica y abstracta.

Sobre todo, pocas veces, o quizá nunca, se ha filmado el mar como en esta película. Esa es la primera identificación emocional de Bigelow a la hora de construir el relato (la forma) sobre la historia (el contenido). En el guión estaba escrito un diálogo, perteneciente al propio Bodhi: “no tienen ideas claras acerca del mar, por lo que nunca van a entender su lado espiritual”. Esto, que está en una página de diálogo, Bigelow lo hace realidad, con la complicidad total de Peterman, y juntos nos regalan bellísimas y también espirituales imágenes del mar.

Lo que intento explicar es cómo una directora convierte en imágenes un guión, y lo hace de forma plenamente cinemática. Es decir, con imágenes y sonidos, y no con herramientas literarias o teatrales. Pongamos por caso la secuencia de créditos, que aparentemente no es más que otra secuencia de créditos más, con dos acciones en paralelo que presentan al surfista (presumiblemente Bodhi) y al poli (un sorprendentemente sólido Keanu Reeves, intérprete muy limitado). Pero hay mucha más en esa secuencia de apertura de lo que quizás aparenta. Decíamos imágenes bellísimas y también espirituales del mar. Con el uso de la música (obra de Mark Isham, también lo mejor que ha firmado) y con ese montaje en paralelo, la altura plástica de las imágenes de las olas es algo más que eso, es algo espiritual.

Y esto es por las decisiones de puesta en escena de Bigelow. Primero, no se le ve nunca la cara al surfista, es casi siempre una sombra. Luego está la conexión física del agua, pues llueve en la prueba del poli. Con todos los elementos unidos, ¿no parece casi una secuencia onírica, poética? ¿No parece una expresión del interior de Utah, desconocido incluso para él, de su ansia espiritual, que le llevará a una aventura catártica? El mar, transformado en lluvia, parece llamar a Utah. Es decir, el destino está trazado para él.

Es esta identificación emocional profunda con un personaje bastante simple desde un punto de vista psicológico (eso que los puristas tanto buscan y defienden) lo que salva las lagunas, a menudo profundas, de un policiaco cuyos elementos precisamente policiacos son auténticos tópicos. Para Bigelow son sus héroes porque son personajes atados a la necesidad de adrenalina, que en este caso se obtiene gracias a deportes de riesgo como el paracaidismo, el surfimos, o a actividades fuera de la ley, como los robos de bancos. Lo sorprendente es que si Bigelow no hubiera potenciado esos rasgos emocionales, y se hubiera limitado a filmar las secuencias de acción como mejor pudiera, el resultado habría sido muy superior que el 99% de lo que los directores norteamericanos han ofrecido en el género de acción en las últimas dos décadas.

Allí donde otros fracasan, porque para ellos una experiencia estética no puede lograrse con otra cosa que no sea un mamotreto colorista, barroco, hiperrealista, Bigelow les da lecciones de puesta en escena, porque ella entiende bien cuál es su oficio. Toda su labor con los distintos elementos que conforman la puesta en escena, el sonido, la materia misma de la imagen, va en una misma dirección, de ahí viene el término dirección, y no de otro. Con su cuarta película como realizadora, y gracias, por decirlo de alguna manera, al mecenazgo de James Cameron, Bigelow se consolidaba como una personalidad cinematográfica de raza, y continuaba navegando por las procelosas (más aún para una mujer) aguas del cine de acción de su país

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• Kathryn Bigelow y la adicción

¿De dónde nace ese vacío que los personajes más vibrantes e inquietantes de la realizadora californiana Kathryn Bigelow necesitan llenar desesperadamente con una compulsión, con una adicción? Quizá ella misma sea una de esas personas incapaces de vivir una vida gris y rutinaria. Quizá se ha convertido en una de las directoras norteamericanas más importantes y conocidas, sino la que más, para alejar de sí ese vacío. Eso sólo lo sabrá ella. A nosotros nos queda su trabajo como directora, que ya tiene un recorrido de tres décadas, y que de momento se cierra con una de esas películas malditas (últimamente, demasiadas) que no acaban de estrenarse nunca.

Poseedora de un estilo poderoso, y de unos intereses bastante alejados de lo que suele esperarse de una directora (hay tan pocas, además), con historias pobladas por hombres, en las que la testosterona, la acción muy física, los temas heroicos y muy masculinos, Bigelow se erige como uno de los mejores directores del cine de acción de todos los tiempos, por el dinamismo y energía que laten en el corazón de sus imágenes. No es, sin embargo, dueña de una carrera todo lo brillante que podría haber sido. Pero poco importa. Más interesante es hablar sobre esa obsesión en torno a las adicciones que dominan y moldean las vidas de cierto tipo de personas. Curiosamente, los que ella convierte en sus protagonistas.

Cuando digo que su carrera no es todo lo importante que podría haber sido soy consciente de la dificultad que debe tener una mujer para dedicarse al tipo de cine que a ella le interesa. Y con todo ha dirigido una superproducción de gran complejidad (‘K-19’) y ha influenciado, no poco, al mejor y más destacado cine de acción y aventuras de los años 90, sobre todo con su pieza catedralicia ‘Le llaman Bodhi’, aunque seguramente ninguno de sus discípulos ha igualado su fuerza expresiva ni su deslumbrante dinamismo. Sin embargo no hay duda de que su carrera ha sufrido de una dispersión y una carencia de fluidez que han terminado por aguar, siquiera parcialmente, la aportación de esta gran directora.

De gran temperamento visual, no en vano una de sus pasiones es su excelente actividad como pintora, comenzó con una película codirigida con Monty Montgomery, que no ha envejecido nada bien, y que era poco más que un tímido inicio a base de clichés y lugares comunes, que sin embargo poseía una extraña y opaca belleza. ‘The Loveless’ tiene poco de Bigelow, pero ahí estan los primeros esbozos de una personalidad, Vance, cuyo violento carácter y obsesiva personalidad se hermana, aunque sea lejanamente, con otros personajes de la directora.

Por suerte para ella conoció al gran guionista Eric Red, y con él comenzó esa indagación, que dura hasta nuestros días, en torno a la adicción. Primero la adicción de la que hablaba la película que hizo con este escritor, ‘Near Dark’, que en España tuvo el bello título de ‘Los viajeros de la noche’), que más que una necesidad de la sangre, es una historia sobre la adicción a la vida, más allá de la muerte. Y que por ahora ha culminado con su bélica ‘The Hurt Locker’, que por contra habla de la adicción a la guerra, o lo que es lo mismo, la adicción a la cercanía de la muerte. Pero ella no habla de este tema, verdadero motivo de que se ponga a dirigir, de forma explícita.

Lo hace de forma sutil, mientras regala al espectador toda su batería visual y sonora, en sus habituales hipnóticas y frenéticas realizaciones. Todo ello puesto al servicio de la sensación última que le queda al espectador: la vida no es más que otra adicción. Sin respuestas ni falsas componendas, Bigelow se esfuerza, en sus mejores trabajos, por demostrar la precariedad de la vida, y ese impulso oscuro que nos hace mirar al borde del precipicio. Quizá por eso sus filmes menos logrados (‘K-19’ o ‘El peso del agua’) lo son porque en ellos no hay nada que ella pueda reconocer como suyo, como propio. Siendo portadoras de grandes valores narrativos, carecen de la densidad del gran cine de esta directora, de su conmovedora desesperación.

Sólo una gran artista podía coger una historia de surferos atracadores de bancos y hacer con ella una elegía de aventuras. O una historia sobre clips de experiencias personales y completar una lúcida reflexión sobre el poder de la imagen y la memoria, con sus lagunas no asumidas incluídas. Ajena a la perfección deseada en un gran maestro, Bigelow ostenta varias secuencias cimeras del cine de acción, esa denostada forma dinámica del drama que tan pocos consiguen dominar, pues eso del ritmo, como hablábamos hace poco, no es un elemento fácil de desplegar sin trucos o efectismos de salón. Es decir, está reservada a unos pocos virtuosos que nos asombran con su puesta en escena.

Si su Megan Turner (Jamie Lee Curtis) en ‘Acero Azul’ se enfrentaba a un loco cuya adicción al poder que se siente al empuñar una pistola, su último protagonista se enfrenta a su propia necesidad de ponerse a las puertas de la muerte, desactivando bombas en la pesadilla interminable de Irak. Por fin regresamos a esos tipos que, desde el Lenny Nero enamorado de una idea encerrada en un clip, no veíamos en su filmografía. La película, de la que hablaremos en breve, es una potente disección del nuevo estilo de guerra que ahora está de moda. La de las bombas aleatorias, los suicidas, las muerte a quinientos metros de distancia. Es una rara y feroz historia que ya debería haberse estrenado. Pero, la verdad, si las distribuidoras no están por la labor, los que ansiamos el trabajo de directores importantes y difíciles buscaremos otros circuitos alternativos para acceder a ellas.

Por fin regresa Kathryn Bigelow, directora dotada como pocos para el cine de acción. Baste recordar joyas como ‘Le llaman Bodhi’, ‘Los viajeros de la noche’ o ‘Días extraños’ para quedarse con la boca completamente abierta. Películas que, según pasa el tiempo, mejoran, dejando en evidencia a la mayor parte de cintas de entretenimiento que se han realizado en los últimos años (y no sólo de entretenimiento). ‘The Hurt Locker’ es el título de su nuevo trabajo, y los que la han visto se han deshecho en elogios. Hoy os presentamos su espectacular trailer. Lo malo del asunto es que no hay fecha de estreno en nuestro país, y por lo que parece, la cosa puede tardar.

Comparada con ‘Aliens’, en lo que respecta a tensión, la película sigue las andanzas de un grupo de élite americano que desactiva bombas en Irak. Jeremy Renner, Ralph Fiennes, Guy Pearce y David Morse son algunos de los integrantes de su reparto. El avance no ofrece nada nuevo, pero puede verse el enorme talento visual de una directora que merecería tener más suerte. ¿Podremos ver ‘The Hurt Locker’ en condiciones? ¿Los mononeuronales distribuidores de nuestro país serán capaces de hacer las cosas bien, o habrá que recurrir al famoso animal de carga? Luego se quejarán, como siempre.

Vía | The Movie Box

Somos bastantes los que esperamos como agua de Mayo el nuevo trabajo de Kathryn Bigelow, directora que nos dejó maravillas como ‘Los viajeros de la noche’, ‘Días extraños’ o ‘Le llaman Bodhi’. Ahora tras unos cuantos años sin dirigir cine, después del descalabro a todos los niveles que supuso ‘K-19. The Windowmaker’ (y eso que a un servidor no le parece una película tan mala como se intentó hacer creer). Ahora vuelve con un film de acción, en el más puro y estricto sentido de la palabra, ‘The Hurt Locker’, que algunos ya se han apresurado a comparar con ‘Aliens’ de James Cameron, pero ambientado en Irak. Si tenemos en cuenta que la Bigelow estuvo casada con el señor Cameron, y que algo se le habrá pegado, a lo mejor la comparación no es tan descabellada.

Desde luego, el póster es impresionante y muy efectivo. Nada de las caras de los actores, que es lo habitual en este tipo de productos (más bien en todos). El film que versa sobre una unidad de artilleros en la Guerra de Irak, está protagonizado por Jeremy Renner, Ralph Fiennes, Guy Pearce y David Morse, entre otros. ‘The Hurt Locker’ ha obtenido muy buena recepción crítica en la última edición del Festival de Venecia, el único sitio donde se ha proyectado. Aún se desconocen las fechas de estreno, tanto aquí como en los USA. Apañados vamos.

Vía | Las Horas Perdidas

El prestigioso Festival de Venecia ha hecho público la programación de los títulos que competirán en la sección oficial. en su 65ª edición, que tendrá lugar entre el próximo 27 de agosto y el 6 de septiembre. En este 2008, el cine italiano tendrá un importante protagonismo, tanto por la retrospectiva ‘Estos fantasmas: el cine italiano redescubierto (1946 – 1975)’, donde se hará un repaso a más de 30 títulos olvidados por la historia moderna, como por la importante aglomeración de títulos que participarán en las distintas secciones del certamen. Para eso juegan en casa.

Como es habitual, la Mostra reúne títulos de autores destacados junto con algunas premieres de producciones que acapararán toda la atención mediática del mundo cinematográfico durante la celebración. Así, los hermanos Coen presentarán su nuevo trabajo, ‘Burn After Reading’, que tendrá el honor de inaugurar la Mostra, y que genera una enorme expectación después del éxito de su anterior cinta.

Otra película que despertará mucha atención será el esperado debut del guionista mexicano Guillermo Arriaga con ‘The Burning Plain’, con Charlize Theron, Kim Basinger y Joaquim de Almeida, que optará al León de Oro.

Además en la sección oficial, donde participarán veintiún largometrajes de doce países, estarán los trabajos de reputados directores como el japonés Takeshi Kitano (con ‘Achilles and the Tortoise’), el francés Barbet Schroeder (con ‘Inju, la Bete dans l’ombre’) o los americanos Jonathan Demme (con la comedia ‘Rachel Getting Married’), Darren Aronofsky (con ‘The Wrestler’) y la (estupenda) directora Kathryn Bigelow (con ‘Hurt Locker’), que supone toda una alegría volver a verla en acción y de la que espero recupere el buen hacer en títulos memorables como ‘Acero azul’ o ‘Días extraños’.

Pero también habrá una interesante presencia de cine asiático: tres títulos japoneses en la sección oficial, y dos cintas de animación, nada menos que el nuevo trabajo de Hayao Miyazaki (‘Ponyo on Cliff by the sea’) y la cinta ‘The sky Crawlers’ de Mamoru Oshii.

La única y escasa representación española estará, fuera de concurso, con el largometraje ‘35 Rhums’, dirigido por Claire Denis y que está coproducido con Francia, y con el cortometraje hispano-franco-chino ‘Cry me a river’, de Jia Zhangke. Sabe a poco, sobre todo porque no habrá ninguna figura española ni títulos destacados en los que fijarse.

La Mostra otorgará el León de Oro de forma honorífica a realizador italiano Ermanno Olmi y el Jurado está presidido por Win Wenders y cuenta con los directores John Landis, Johnnie To y la actriz Valeria Golino, entre otros.

A priori, y al margen de la presencia italiana, el Festival tiene títulos interesantes, algunos muy esperados como el estreno mundial de lo nuevo de los Coen y comprobar si Arriaga logra alcanzar como director, el prestigio y la calidad que como guionista ha obtenido hasta el momento.

A continuación el listado completo de títulos que optarán al máximo galardón:

‘The Burning Plan’ de Guillermo Arriaga (EEUU), ‘Inju, la Bête dans l’ombre’ de Barbet Schroeder (Francia), ‘Il Papa di Giovanna’ de Pupi Avati (Italia), ‘The Wrestler’, de Darren Aronofsky (EEUU), ‘Birdwatchers’ de Marco Bechis (Italia/Brasil), ‘L’Autre’ de Patrick Mario Bernard y Pierre Trividic (Francia), ‘Nuit de Chien’ de Werner Schroeter (Francia/Alemania/Portugal), ‘Il Seme della discordia’ de Pappi Corsicato (Italia), ‘Inland’ de Tariq Teguia (Argelia/Francia), ‘Rachel Getting Married’ de Jonathan Demme (EEUU), ‘Teza’, de Haile Gerima (Etiopía/Alemania/Francia), ‘Paper Soldier’ de Aleksey German Jr. (Rusia), ‘Süt’ de Semih Kaplanoglu (Turquía/Francia/Alemania), ‘Vegas: Based on a True Story’ de Amir Naderi (EEUU), ‘Perfect Day’ de Ferzan Ozpetek (Italia), ‘Jerichow’ de Christian Petzold (Alemania), ‘Plastic City’ de Yu Lik-wai (Brasil/China/Hong Kong/Japón), ‘The Hurt Locker’ de Kathryn Bigelow (EEUU), ‘Akires to kame’ de Takeshi Kitano (Japón), ‘Ponyo on Cliff by the Sea’ de Hayao Miyazaki (Japón) y ‘The Sky Crawlers’ de Oshii Mamoru (Japón).

Vía | Abc y El País
Sitio oficial | 65 Mostra de Venecia

La afirmación de que ‘Días Extraños’ (1995, Kathryn Bigelow) es un peliculón no extraña a ningún apasionado de la ciencia-ficción, pero sí al gran público que por Dios sabe qué razón desconoce en su totalidad este film. Es curioso como todo el mundo conoce ciertos títulos del género y los considera automáticamente películas de culto en una serie de listas en las que, inexplicablemente, ‘Días Extraños’ se queda fuera.

Entonces cabe preguntarse: “¿Qué es lo que podría hacer que ‘Días Extraños’ no haya obtenido el mismo reconocimiento que otros títulos similares?” A esta película, a la que ya mencioné en mi especial sobre Philip K. Dick por atribuirle ciertas referenciales, le pesa demasiado el hecho de quedarse narrativamente a medias. Es decir, los conceptos que repasa, su carácter distópico, no es suficientemente descrito, y parece importarle mucho más el impacto de su propuesta que el argumento en sí, como también sucede con otro clásico análogo igualmente denostado, ‘Soylent Green’ (traducido aquí horriblemente como ‘Cuando el Destino nos Alcance’).

Esto puede dar la sensación al espectador de una falta de ambición abrumadora, no en cuanto a la ambientación, los escenarios o los aspectos técnicos, sino en la profundidad de una historia que está mucho más cerca de ser un thriller policíaco convencional antes que una realidad alternativa propia de la ciencia-ficción. Además, sus 130 minutos son a todas luces excesivos, y seguro que se le habría hecho un favor al film recortándole veinte o treinta minutos en escenas que no aportan mucho al desarrollo de investigación que sirve de eje a la trama. Algunos detalles contradictorios sobre el verdadero peso de la policía en este Los Ángeles pesadillesco, o que evite explicar coherentemente los avances tecnológicos mostrados, en favor de un retrato más superficial y menos sorprendente.

A partir de aquí, que ciertamente son excusas para intentar justificar el rotundo fracaso de público que sufrió esta película, puedo decir sin tapujos que todo lo que encuentro en ‘Días Extraños’ son virtudes, una detrás de otra. La película sigue al traficante Lenny Nero (Ralph Fiennes), un ex-policía de la brigada antivicio, que sobrevive vendiendo clips (mini-discs de realidad virtual) a pobres amargados que necesitan disfrutar de algo alternativo y placentero a la horrible existencia que les ha tocado vivir.

Su decadencia es evidente, y cuando tiene un rato libre, él mismo se enchufa uno de esos clips para revivir los viejos tiempos en los que era capaz de sonreír junto a su antigua novia Faith (Juliette Lewis), que ahora está con Philo (Michael Wincott), un mafioso-productor musical. Philo es el mecenas de Jeriko One (Glenn Plummer), un rapero que representa la revolución social, para liberar a la ciudadanía de la fuerte represión policial que sufren día tras día. El asesinato de Jeriko One conmociona a las masas, que ve cómo el fin del mundo se acerca, coincidiendo con la llegada del año 2000 (o 2K, como lo llaman en el film). Poco a poco Nero se ve envuelto en el asesinato de una forma cada vez menos tangencial y más directa, y va descubriendo horribles verdades ayudado por su amiga Mace (Angela Bassett).

‘Días Extraños’ podría dar una impresión de película del montón si no fuera por el excelente manejo de su mezcla de géneros (como ya he dicho, entre la película policiaca de serie B y la ciencia-ficción más sorpresiva). Está tan bien dirigida que uno se pregunta irremediablemente por el paradero de su directora, Kathryn Bigelow, que apuntaba maneras tras ‘Le llaman Bodhi’ y que lo último que personalmente le vi hacer fue ‘K-19’, una mediocre cinta de submarinos y guerra fría. El guión, obra de James Cameron (nada menos) y Jay Cocks, no cae en el error de coquetear con vacuas pretensiones, y va directo al grano, a tono con la personalidad intrínseca de la historia.

Actoralmente la película está totalmente apoyada en el talentoso Ralph Fiennes, que aunque ahora aparezca disfrazado de un Voldemort irrisorio, se nota mucho que en ‘Días Extraños’ estaba en la cumbre de su carrera (recordemos: ‘La Lista de Schindler’, ‘Quiz Show’, ‘El Paciente Inglés’...) y construye un personaje memorable. Su idiosincrasia inestable, a la vez débil y fuerte, infantil y fresca, patética y a la vez líder, hace que Lenny Nero sea protagonista absoluto trascendiendo la ambientación o el argumento. Algo ayudado sin duda por los numerosos planos que Bigelow ofrece a Fiennes, que es de esos actores que con sólo una mirada ya conecta con el espectador. Como ya sabemos, está secundado por Juliette Lewis, más preocupada por exhibirse que por ser creíble, y Angela Bassett que roza la sobreactuación pero hace un papel digno. Por lo demás, actores de la talla de Tom Sizemore, Michael Wincott, Vincent D’Onofrio y William Fichtner contribuyen divinamente a la calidad del conjunto, en papeles que les vienen como anillo al dedo. Y se nota.

No puedo dejar de halagar las escenas que simulan el ojo humano (cuando un personaje visiona esos clips), que van cargados de una maestría y una solvencia apabullantes, implicando totalmente al espectador y haciéndole sentir una experiencia única. Sólo por estas escenas, ‘Días Extraños’ merecería más renombre. Además, sus créditos finales, que he colocado después del texto, con música de Peter Gabriel y Deep Forest, son de lo mejorcito que he tenido la ocasión de ver, con su estilo clásico, basado en varias capas y fotografías en blanco y negro.

En pocas palabras: ‘Días Extraños’ es una de las mejores películas de ciencia-ficción jamás rodadas, con buen reparto, grandiosa ambientación y digno argumento. Qué esté tan infravalorada, que el público le diese la espalda de forma rotunda (costó 42 millones de dólares y recaudó 7) es algo que, después de ver la película, me apena enormemente. Una distopía muy recomendable, y apasionante para cualquier amante del género.