He cruzado océanos de tiempo para encontrarte

Cuando medio mundo quedó encantado, y el otro medio no, con la vuelta de Francis Ford Coppola a la saga de ‘El padrino’, el famoso director ganador de cinco Oscars sorprendió con su siguiente proyecto, una adaptación de la mítica novela de Bram Stoker sobre el más conocido de los vampiros literarios y cinematográficos. La última adaptación oficial databa de 1979 a cargo de John Badham, y atrás quedaban las exploraciones de la Hammer, con Terence Fisher y Christopher Lee a la cabeza, y también las míticas creaciones de Tod Browning y F.W. Murnau, amén de un buen número de apariciones en películas no tan conocidas —hablamos de uno de los personajes de ficción más llevados a una pantalla de cine—, por lo que volver a un personaje tan tratado era, cuanto menos, curioso. Todo el mundo estaba expectante por saber si Coppola repetiría un fracaso del estilo de ‘Corazonada’ (‘One From the Heart’, 1982) —con el que comparte el hecho de haber sido rodadas íntegramente en estudio— o, por el contrario era un éxito.

‘Drácula’ (‘Bram Stoker´s Dracula’, 1992) terminó siendo uno de los más grandes éxitos de su director en una época en la que los avances en los efectos visuales empezaban a cobrar una gran importancia —recordemos que esta película está filmada entre ‘Terminator 2: el juicio final’ (‘Terminator 2: Judgment Day’, James Cameron, 1991) y ‘Parque jurásico’ (‘Jurassic Park’, Steven Spielberg, 1993), que todavía tienen el listón muy alto al respecto—. Coppola utilizó efectos bastante artesanales para así poder abaratar la producción, pues en Columbia no iban a dejar que se pasasen del presupuesto asignado, que al final quedó en unos 40 millones de dólares. El origen de la película se encuentra en el acuerdo que Winona Ryder y Coppola tenían por aquel entonces, debido a que la actriz no “pudo” protagonizar ‘El padrino, parte III’ (‘The Godfather, part III’, 1990) —fue sustituida por Sofia Coppola, para desgracia de muchos— y el director acordó con ella que le presentase un guión interesante en el que ambos pudiesen colaborar. Lo que en un principio iba a ser una miniserie de televisión dirigida por Michael Apted, terminó siendo la película que hoy todos conocemos. Afortunadamente.

La controversia con esta película surgió a raíz de su título original, ‘Bram Stoker´s Dracula’ —a punto estuvo de titularse ‘Francis Ford Coppola´s Dracula’, pero al propio director no le pareció una buena idea—, y de las declaraciones de su guionista James V. Hart —si echamos un vistazo a su currículum, comprobaremos que éste es el mejor trabajo de su carrera—, que aseguraba haber realizado una escritura totalmente fiel a la obra de Stoker. Absolutamente falso. Y ahí empezaron los problemas, pues numerosos fanáticos del libro, amén de literatos varios y autores teatrales conocedores profundos del original, aprovecharon para sacar sus colmillos y atacar sin piedad al film de Coppola, sin caer en la cuenta —ignorancia, lo llamo yo— que el medio cinematográfico posee herramientas muy distintas a las de la literatura. Además del hecho de que una cosa es la promoción de un film, y otra bien distinta el film en sí, prueba patente de que muchos espectadores juzgan una obra cinematográfica por cómo se la han vendido y no por lo que la obra es o les ha sugerido.

James V. Hart habló de más al afirmar esa fidelidad, pues a la vista está que no es así. Sin embargo eso no invalida para nada la película, la cual presenta unas novedades con respecto al original que también suponen una sorpresa al compararla con cualquier otra adaptación del mítico vampiro. Para empezar tenemos un prólogo, realmente fascinante, en el que vemos el origen de Drácula y su amor por su Elisabeta, su partida a la batalla y posterior reniego de la Iglesia, a la que representó siendo un feroz guerrero. Un prólogo lleno de fuerza en el que Coppola deja clara la intencionalidad teatral del relato, filmando una sangrienta batalla como si de sombras chinescas se tratase. Gary Oldman —en un papel para el que fueron considerados Andy Garcia, quien lo rechazó por el alto contenido sexual de la película, Gabriel Byrne, Armand Assante, Antonio Banderas, Viggo Mortensen y Jeremy Irons, quien a punto estuvo de iniciar rodaje—, Winona Ryder y Anthony Hopkins —que llega a realizar tres papeles en la película— protagonizan este pequeño segmento en el que se subraya el carácter romántico y sangriento de la historia. Amor y sangre unidos en un fatídico destino.

Destino que compartirán los mismos personajes siglos después. Oldman da vida a un Drácula envejecido a punto de trasladarse a Londres, y Hopkins y Ryder a personajes que bien podrían ser la reencarnación de Elisabeta —Mina Harker— o del hombre que condena el suicidio de aquella —Van Helsing—. Tres líneas narrativas que terminan confluyendo cuando Drácula en Londres deja mortales rastros de su existencia. El encuentro entre Mina y un Drácula completamente rejuvenecido gracias al poder de la sangre muestran a un Coppola muy inspirado que rinde homenaje al nacimiento del cine, el cual curiosamente coincidió con la publicación de la novela de Stoker. Imágenes del conde, cuya presencia parece recordar al Corleone de la saga más conocida de su realizador, paseando por las calles londinenses al ritmo de los fotogramas de un viejo cinematógrafo, y el posterior encuentro con su amada reencarnada poseen una fuerza arrebatadora que se repite en la escena del lobo, momento en el que Mina queda completamente fascinada por el conde, o la escena de la absenta, de una sensualidad y erotismo muy marcados. Al fin y al cabo ‘Drácula’ es una historia de amor y sexo.

Y siempre ha sido así, incluidas las versiones de Murnau, Browning o Fisher, a las que Coppola rinde sendos homenajes en diversos instantes del film. Pero esta vez se hace hincapié en el lado humano de Drácula, quien recordemos, fue humano una vez. Ese es otro de los aspectos que diferencian esta adaptación del resto. Drácula es un eterno enamorado entristecido, primero por la muerte de su amada, y luego enfurecido por el hecho de que la Iglesia, a la que tanto defendió, rechaza el alma de Elisabeta por haberse suicidado. Su maldición, provocada por él mismo, será vagar a través de los tiempos en busca de su amor perdido —la frase que inicia este texto me parece una de las más bellas jamás pronunciadas en una película, por todo lo que encierra y por ser un ejemplo perfecto de síntesis—, dejar muertes allá por donde pasa, encontrar a su amor, y con ello el perdón de Dios en un clímax lleno de lirismo. Nunca la muerte del vampiro más famoso de todos los tiempos estuvo tan cargada de belleza, y aunque los colores, y en parte los decorados, evocan a los mejores títulos de la Hammer, Coppola es capaz de crear algo nuevo con un material tan manido.

La música del polaco Wojciech Kilar, de gran épica en algunos momentos y terroríficamente íntima en otros, llena cada plano del film, y es capaz de transportarnos a esa especie de mundo onírico creado por Coppola, donde se funden cine, teatro y literatura con inusual equilibrio, algo que muy probablemente ha enfadado a los más puristas de cada arte. Nunca una actriz tan mediocre como Winona Ryder estuvo tan sensual y atractiva, Anthony Hopkins da vida a un Van Helsing tan temible como el conde Drácula, terriblemente conservador y puritano, y Gary Oldman hace la interpretación de su vida, logrando que sintamos al mismo tiempo fascinación y repulsión. Al respecto cabe citar la muy inteligente decisión de que Mina es la única, junto con el espectador, que ve al Drácula humano. El resto de personajes sólo lo ven como un viejo decrepito —Keanu Reeves, sin duda lo peor del film, dando vida a Jonathan Harker, en su visita al castillo en Transilvania, y cuya estancia es una muy barroca pesadilla—, o un monstruo, al que también da vida un Oldman lleno de maquillaje, obra y gracia de Greg Cannom.

Coppola se reunió con el equipo en su rancho, días antes de iniciar rodaje y entre otras cosas, obligó a los actores a una lectura de la obra de Stoker en voz alta, algo que les llevó dos días enteros. El famoso realizador quiso que sus intérpretes estuviesen perfectamente familiarizados con el material. El resultado, dejando a un lado alguna laguna narrativa —arreglada por la voz en off de Hopkins como uno de los narradores, algo que nunca gustó demasiado a Coppola— y el penoso trabajo de Reeves, es firme y por decirlo de alguna manera, vampirizador. Y he ahí uno de los grandes aciertos de Coppola realizador. Su puesta en escena logra una conexión única, y muy elegante, entre el poder vampirizador del cine —la escena de las sombras chinescas antes comentada— y su personaje. Porque ante todo no estamos ante el Drácula de Stoker, al cual sin duda reconocemos, sino ante el de Coppola, ante una reinterpretación del mito. Y nos ha seducido como lo haría el más grande de los vampiros, dejando claro que su existencia y su poder sólo tienen una razón de ser: el amor.

Vampiros de verdad en Blogdecine:

• ‘Nosferatu’
• ‘Dracula’ de Tod Browning
• ‘Sombras trágicas, ¿vampiros?’
• ‘Drácula’, de George Melford
• ‘Vampyr’ de Carl Theodor Dreyer
• ‘La marca del vampiro’ de Tod Browning
• ‘El regreso del vampiro’ de Lew Landers
• ‘Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Las novias de Drácula’ de Terence Fisher
• ‘Planeta sangriento’ de Curtis Harrington
• ‘I Vampiri’ de Riccardo Freda
• ‘La sangre del vampiro’ de Henry Cass
• ‘El beso del vampiro’ de Don Sharp
• ‘Drácula, príncipe de las tinieblas’ de Terence Fisher
• ‘Drácula vuelve de la tumba’ de Freddie Francis
• ‘El baile de los vampiros’ de Roman Polanski
• ‘Las amantes del vampiro’ de Roy Ward Baker
• ‘Lust for a Vampire’ de Jimmy Sangster

• ‘Drácula y las mellizas’ de John Hough

• ‘La mansión de los crímenes’ de Peter Duffell

• ‘El vampiro sangriento’ de Miguel Morayta

• ‘Drácula’ de John Badham

• ‘The Night Stalker’ de John Llewellyn Moxey

• ‘El ansia’ de Tony Scott

• ‘Noche de miedo’ de Tom Holland

• ‘Jóvenes ocultos’ de Joel Schumacher

• ‘La invasión de los vampiros’ de Miguel Morayta

• ‘El vampiro’ de Fernando Méndez

• ‘Déjame entrar (Let Me In)’ de Matt Reeves

• ‘Los viajeros de la noche’ de Kathryn Bigelow

El pasado mes de diciembre os adelanté que Keanu Reeves protagonizaría una nueva adaptación cinematográfica de ‘47 Ronin’, que iba a suponer el debut del realizador Carl Erik Rinsch (o Carl Rinsch, a secas). Ayer tuvo lugar la presentación oficial del rodaje, con la presencia de los dos mencionados, más las cuatro últimas incorporaciones de un reparto bastante llamativo. Los tenéis en la imagen, de izquierda a derecha, Rinko Kikuchi, Tadanobu Asano, Hiroyuki Sanada, Reeves, Kou Shibasaki y Rinsch, que sospecho que usa tacones.

Es probable que los nombres de los cuatro actores japoneses no os digan mucho, pero al menos los rostros os tienen que sonar. A Kikuchi la habéis podido ver en ‘Babel’ o ‘Mapa de los sonidos de Tokio’; Asano es uno de los intérpretes más populares de Japón, ha protagonizado títulos como ‘Ichi the Killer’, ‘Zatoichi’ o ‘Mongol’ y próximamente lo veremos en la esperada ‘Thor’ de Kenneth Branagh; Sanada encabezó el reparto de la aclamada ‘El último samurái’, y se está haciendo un hueco en occidente con trabajos en ‘Sunshine’ o ‘Speed Racer’; por último, Shibasaki ha participado en películas como ‘Battle Royale’ o ‘Llamada perdida’.

Como debe ser, ‘47 Ronin’ estará ambientada en el Japón feudal, si bien incluirá elementos fantásticos y una estética a lo ‘300’, a lo que hay que sumar que se filmará en 3D. La historia, reescrita para la ocasión por Chris Morgan y Hossein Amini, gira en torno a la misión suicida de cuarenta y siete samuráis, dispuestos a vengar la muerte de su señor. Habrá sangre. La fecha del estreno, 21 de noviembre de 2012.

PD: Rinsch, que pudo dirigir la precuela de ‘Alien’ (antes de convertirse en ‘Prometheus’), consiguió este trabajo gracias a su corto ‘The Gift’ para Philips. Lo tenéis a continuación, merece la pena echarle un vistazo:

Vía | Cinemablend

Keanu Reeves se ha ido de la lengua, y ya circulan por toda la red sus afirmaciones sobre los próximos proyectos de los hermanos Wachowski. El actor dio una charla sobre su carrera en la Escuela de Interpretación de Londres, como parte de la promoción de su nueva película, ‘Henry´s Crime’. Al parecer, los asistentes tuvieron unos minutos para hacer preguntas a Reeves, que se mostró muy atento con los alumnos, y no tuvo ningún problema en contestarles todo lo que le plantearon. Quizá, de saber que sus respuestas acabarían en Internet, se lo habría pensado un poco mejor. Lo más llamativo, la bomba, es que ha asegurado que Lana y Andy Wachowski preparan dos secuelas de ‘Matrix’, cuando todos dábamos la saga por concluida.

Reeves reveló que habló con los cineastas la pasada navidad, y le contaron que ya habían empezado a planificar y escribir ‘Matrix 4’ y ‘Matrix 5’. Según el intérprete, que se mostró muy entusiasmado con la idea de volver a dar vida a Neo, los Wachowski quieren filmar las dos entregas en 3D, para lo cual habrían solicitado consejo al gurú del tema, James Cameron; esto puede ser cierto, y tendría sentido (quiero decir, con el “boom” del 3D, es lógico que quieran rodarlas en ese formato), pero conviene tener en cuenta que los hermanos ya tienen un proyecto en 3D entre manos, la adaptación de ‘El atlas de las nubes’ (‘Cloud Atlas’), así que seguro que han hablado con Cameron, pero no por las nuevas secuelas de ‘Matrix’ (al menos, no solo por ellas). Por otro lado, Halle Berry, que será una de las protagonistas de ‘El atlas de las nubes’, dijo hace poco que la película iría en la línea de ‘Matrix’, en cuanto a imaginación y efectos visuales, así que ante todo cautela, puede que Reeves haya malinterpretado a los Wachowski. O no…

Otro de los proyectos que desveló Keanu Reeves es una nueva película sobre Robin Hood, lo cual no es menos llamativo ya que hace solo un año que Ridley Scott estrenó su versión del personaje. Al parecer, la idea de los Wachowski es trasladar al mítico arquero al futuro, y ya han vendido la historia a la Warner, que según Reeves, ha pagado una cantidad récord por el guion. También ha asegurado que Will Smith será el protagonista y que visualmente tendrá un impacto comparable al que tuvo ‘Terminator 2’ en su momento. Ahora la cuestión es, ¿será todo esto verdad? Ya veremos.

Actualización: Screenrant ha desmontado la historia. Reeves nunca dio esa charla, por lo que todo esto es falso (lo de Robin Hood es cierto, excepto la parte de Smith y la cifra récord). Mis disculpas, pensé que Ain´t It Cool News era un sitio fiable, no volveré a caer.

PD: Igualmente, comentó que ha hablado sobre la posibilidad de preparar ‘Bill & Ted 3’, que le interesa.

Vía | Aintitcoolnews

La imagen que tenéis arriba pertenece a ‘Los 47 samuráis’ (‘Genroku chushingura’, 1941) de Kenji Mizoguchi, una de las películas que han narrado el mítico relato de los cuarenta y siete fieles guerreros que, a principios del siglo XVIII, decidieron vengar la muerte de su señor. Hace tiempo que en Universal Pictures tienen la idea de realizar una nueva versión de la misma leyenda, con Keanu Reeves al frente del reparto, y ahora se ha confirmado que la película está definitivamente en marcha, hasta el punto de que ya se ha fijado una fecha para el estreno de ’47 Ronin’: 21 de noviembre de 2012. Con Reeves de japonés, atención, a menos que se lo inventen todo y trasladen la historia a otro escenario (¿un lejano planeta?).

Ya podréis suponer que la película que se está cocinando en Hollywood tendrá poco que ver con una visión más o menos realista de la leyenda. Al parecer, el film, cuyo guión ha escrito Chris Morgan, tendrá una estética actual, se mezclará la historia con elementos fantásticos al estilo de ‘El señor de los anillos’, y tendrá un tono épico-guerrero a lo ‘Gladiator’. Un cóctel explosivo el que están preparando, no hay duda. Por supuesto, está previsto que la película se estrene en 3D, aunque todavía no sabemos si se filmará con las cámaras adecuadas. Del asunto se va a encargar el debutante Carl Rinsch, hasta ahora realizador de videoclips y anuncios. Veremos a quién más contratan y qué sale de todo esto.

PD: Durante un tiempo, además de ’47 Ronin’, Rinsch sonó para dirigir la precuela de ‘Alien’ y el remake de ‘La fuga de Logan’.

Vía | ComingSoon.net

‘¡Oh! Lo siento Jack, no lo ha conseguido…”

- Howard Payne (Dennis Hopper)

Pasaron el otro día por un canal de televisión esta cinta de acción, y pude verla casi entera pese al cansancio de una dura y fría jornada. Creo que ver una película con fatiga o con sueño es una prueba excelente para valorar las verdaderas calidades de un filme. No solamente en el caso de que nos cautive, ya que a pesar del cansancio nos quedaremos pegados a la pantalla olvidándonos de él. También en el caso, como el que nos ocupa, en que visionemos de nuevo una cinta sin más pretensión que entretener, pues sus costuras y sus trampas se evidencian con mayor nitidez, así como las argucias y tretas del director para hacerlas pasar por ingenio y tensión, con el objetivo de que el espectador se divierta. Hacía mucho tiempo que no veía ‘Speed: máxima potencia’ (‘Speed’, Jan de Bont, 1994), puede que más de cinco años, y sin parecerme, como entonces, ninguna maravilla, sí que posee algunas virtudes que la sitúan un poco por encima de la desastrosa media del cine de acción actual, lo que no es poco.

Su director, el holandés Jan de Bont, fue un excelente director de fotografía tanto en su país natal como en Estados Unidos, firmando la iluminación de algunas películas de su compatriota y amigo Paul Verhoeven, así como dos exitazos como ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988) o ‘La caza del Octubre Rojo’ (‘The Hunt for Red October’, 1990), ambas de John McTiernan (a quien recordemos que Alberto Abuín está dedicando un especial). Debutó con esta aventura sobre un autobús que no puede bajar de 50 millas por hora, confirmando que gran parte del cine de acción norteamericano que llegó después de ‘Jungla de cristal’, bebe de sus fuentes de manera obvia, y que es muy difícil llegar al nivel al que llegó McTiernan. Porque el dominio de dos elementos tan dinámicos y complejos como el espacio y el ritmo es algo que muy pocos cineastas parecen alcanzar, más preocupados quizá por el aparato escenográfico o lo superficialmente vistoso.

Dicen que el guionista, Graham Yost, se inspiró sobre todo en la bestial ‘El tren del infierno’ (‘Runaway Train’, Andrei Konchalovsky, 1985), en la que dos fugados de una cárcel de máxima seguridad terminan subiéndose a un tren sin frenos que les transporta a una muerte casi segura. Sin duda, el tercer acto de esta odisea de explosiones y velocidad que es ‘Speed’, recuerda sobremanera a aquella película. Tercer acto de tres bien diferenciados: la aventura del ascensor, la tensión del autobús y el del tren ya mencionado. Tres partes que se antojan un tanto excesivas y que terminan por deslavazar una buena idea de base que quizá habría necesitado de un mayor poder de síntesis, que es lo que hacía grandes a algunos filmes de suspense de Alfred Hitchcock. En otras palabras: permanecer en el autobús toda la película. Pero de esta manera se aseguran explicarnos con un poco más de detalle el primer encuentro entre el villano Howard Payne y los policías Jack Traven y Harry Temple, mientras que en el tercio final se centran más en la relación entre Traven y Annie Porter. ¿Era necesario? Yo creo que no.

Despilfarro de dólares y un cierto buen gusto

La cosa está clara, y nadie se puede llevar a engaño: esto es un producto (pre)diseñado para consumo de masas, en el que los malos son malísimos, arteros y cabrones, y los buenos son fabulosos, guaperas, valientes y cachas. Y por supuesto una buena ración de super-policías, piruetas imposibles, explosiones de fuego de diez metros de alto, música cañera, etc… Al bloque del ascensor le falta un punto de tensión e ingenio, pero el bueno de Hopper (muerto hace pocas fechas) clava su papel de vengador dinamitero, además de soltar siempre las mejores frases de la función. El inexpresivo Keanu Reeves interpreta a un Traven de una pieza: diestro e inteligente, sin alma. No sabremos absolutamente nada de su vida, ni de su interior anímico. Les preocupaba que se pareciera demasiado a John McClane, pero terminaron por despojarle de toda humanidad. Cuando un poco más tarde se vea obligado a perseguir a un autobús antes de que active la bomba, y después a permanecer en el interior y no permitir que decelere, Reeves apenas moverá una ceja. Jamás nos creemos que tema por su vida o que vaya a fracasar en la misión.

En el interior de ese autobús, como no podía ser menos, un catálogo de arquetipos (no confundir con tópicos) que no funciona del todo mal, sobre todo gracias a un casting bastante apurado. Un latino enorme, un turista pelma, una asiática madura, un negro conductor, una chica simpática (muy natural Sandra Bullock, cómo cambia la gente…), un criminal a bordo (truco de guión evidente para malherir al conductor…), aderezados todos con diálogos bastante decentes. Será la fauna que vivirá la agonía de haberse subido al bus equivocado. Pero no siempre sentiremos con la misma intensidad esa agonía, que por otra parte hubiera precisado de un complejo y afinado ‘crescendo’. La mejor, Bullock, pero siendo la conductora improvisada del enorme objeto móvil, y una actriz bastante solvente, tampoco lo tenía tan difícil. Dispuestas así las piezas de este juego, con el maldito Payne apretando las clavijas por teléfono (¿cuántas películas de bombas y teléfonos se hicieron en los noventa?), sólo queda que el guionista y el director estén a la altura en la hazaña de mantener en movimiento el bus y en vilo al espectador, y no siempre lo consiguen.

Por lo menos de Bont no es un Michael Bay cualquiera, y habiendo sido un excelente operador, es capaz de narrar con bastante precisión y buen gusto. La estupenda fotografía de Andrzej Bartkowiak extrae del autobús, del fuego, del calor del asfalto, una considerable atmósfera y hasta cierta belleza plástica, mientras que la planificación del director, sin llegar a entusiasmar, es lo bastante sólida y alienta un montaje limpio y sin demasiados cortes, obra de John Wright (por cierto, otro habitual de McTiernan). Pero el dinamismo a veces está logrado más con trucos que con verdadera fuerza narrativa, y cae en arritmias enormes, y hasta en fallos técnicos garrafales. Un ejemplo entre muchos: ya activada la bomba, sucede lo que era inevitable, que es encontrarse con un embotellamiento, y se ven obligados a salir de la carretera, provocando el caos. Se agradece que este momento carezca de música, lo que añade más tensión y más fuerza. El autobús destroza varios coches de costado, decelerando y poniéndose en peligro, pero luego sale a otra carretera, y observamos el costado del bus perfectamente inmaculado, lo cual es imposible, pero era imprescindible que así fuera porque todavía queda el delirante momento del salto del ángel. Lo que es peor, ese momento desesperado tampoco deja huella en el ánimo de los personajes, también inmaculado…

En cuanto al salto, es el momento más estúpido de una película que podía haber dado mucho más de sí, si los guionistas y el director hubieran hecho bien su trabajo, y es una pena. No solamente es que el hueco es demasiado grande, sobre todo es que por mucho que se acelere, un bus no levanta el morro al caer al vacío, como hace aquí de manera tan zafia. Para rematarlo del todo, vienen de una curva inmediatamente anterior. Pero lo peor de esta secuencia, es que se evidencia más que nunca que los creadores apuestan más por el impacto visual que por una construcción de suspense. Se supone que es uno de los momentos cumbres del relato, y está exento de toda tensión. Pese a todo, se agradece la aparición de estupendos secundarios como Joe Morton o Jeff Daniels, que impregnan a la película de humanidad y verdad, así como dos o tres momentos bastante conseguidos, y que ‘Speed’ carezca de las pretensiones épicas o existencialistas de ciertas cintas de acción de hoy en día, que están mucho peor hechas incluso que esta.

Un año después llegaría ‘Jungla de cristal. La venganza’ (‘Die Hard: With a Vengeance’, John McTiernan, 1995), otra con teléfonos y bombas, que es muy superior a esta (y de la que nos hablará Alberto Abuín en pocas fechas). Sin embargo, ‘Speed’ es muy superior, a su vez, a su desastrosa secuela, esta vez con un barco, que fue un despropósito sin pies ni cabeza, y un fracaso en taquilla descomunal, dirigida también por de Bont. No es tan fácil hacer cine de acción, parece ser, y hacerlo bien. Para terminar, recuerdo que algunos protestaban de que el bloque del bus fuera tan largo…pero yo sigo insistiendo en que no es lo bastante largo. Es más, debería haber sido la película entera en su interior.

Rebecca Miller es una de esas autoras cuyo nombre no le dice demasiado al aficionado al cine, puede que al de la literatura sí, y aún así esta señora partiría con desventaja pues es muy probable que sea más recordada por ser hija de Arthur Miller o por estar casada con el ganador dos veces del Oscar, Daniel Day-Lewis, que por sus trabajos. Autora de cuatro largometrajes, en nuestro país sólo han conocido estreno los dos últimos incluyendo el que hoy nos ocupa y siempre con una más que limitada distribución, el gran mal de las películas pequeñas. Cintas como ‘La vida privada de Pippa Lee’ (‘The Private Lives of Pippa Lee’, 2009) tienen un bajo coste pero luego deben enfrentarse, en la mayoría de los casos, a estrenos tardíos y un rápido pase por las carteleras. Ni que decir tiene que muchas veces este maltrato por parte de las distribuidoras desemboca en un fracaso en las salas por lo que las productoras cada vez querrán arriesgar menos en films pequeños.

Esto tampoco quiere decir que todos estos films menores, por llamarlos de algún modo, posean una gran calidad. Puede que la mayoría —no me atrevería a decir todos, que luego me crucifican— sea muy superior a la interminable y pesada lista de blockbusters vacíos y sin sentido que nos llegan a lo largo del año, pero también hay excepciones. ‘La vida privada de Pippa Lee’ es una película que podría haber sido grande, memorable, y sin embargo una falta total de arrojo agua casi por completo un trabajo en el que Miller no pone demasiada pasión, quizá porque carece de ella.

Rebecca Miller adapta su propio libro, de tintes autobiográficos, narrando la historia de una mujer llamada Pippa Lee, casada con un hombre 30 años mayor que ella, un importante editor de prestigio. Un matrimonio basado sobre todo en el respeto mutuo, la tranquilidad y la amistad, que empieza a debilitarse cuando él cumple 80 años. Pippa no se siente feliz y algo en su interior despierta, el recuerdo de su vida de juventud, un pasado turbulento lleno de malas compañías, excesos y ganas de ser libre. Presente y pasado se enfrentan para dar solución a las inquietudes de una mujer que empieza a vivir de verdad en su etapa de madurez. Un drama en toda regla en el que parece haber espacio para un sinfín de temas, desde la diferencia de edad en una pareja, la juventud desperdiciada, las segundas oportunidades, lo poco que se conoce a la gente que está cerca, y traumas varios, entre otras cosas.

Pero lo que sobre el papel a lo mejor tenía un gran interés o era material suficiente para desarrollar un drama familiar de altura, sabe a poco en una película cuya factura remite en todo momento al típico telefilm por mucho que Miller intente escapar de ello mediante una estructura narrativa a base de flashbacks. En algún sitio leí que Pippa Lee bien podría haber sido uno de los personajes centrales de la serie de televisión ‘Mujeres desesperadas’ (‘Desperate Housewives’) —por cierto, yo lo dejé en la primera temporada, ¿me pierdo algo?—, el típico personaje femenino que tanto se lleva ahora. Una de esas mujeres resignadas a una vida que no soñaron, con un punto de rareza en su forma de ser, y con ganas de estallar frente a todo el mundo. Y así es, Pippa Lee se erige como lo más interesante de un film que termina cayendo en demasiados lugares comunes utilizando excusas argumentales bastante forzadas.

Y aunque Miller propone apuntes interesantes alrededor de su personaje, es gracias al excelente trabajo de la actriz Robin Wright Penn —pronto habrá que dejar de utilizar el apellido de Penn para referirse a esta preciosa mujer— quien realiza una de las mejores interpretaciones de toda su carrera. Uno casi llega a compadecerse de su personaje al que Wright viste con todo un muestrario de expresiones faciales y un saber mantener el plano que pocas actrices de hoy día son capaces de hacer. La pena es que Miller no ponga la misma entrega en lo que nos narra, dejando en manos de sus actores el verdadero peso del film, un mal muy extendido últimamente. La mayor parte de las situaciones planteadas carecen del más mínimo interés, ya sea por estar narradas con desgana o por quedarse en la superficie. Al menos allí los actores están fulgurantes. Todos menos uno.

Keanu Reeves es de lejos lo peor de la película, incluso por debajo del poco vigor de su realizadora. Lo de este actor es increíble, no es capaz de hacer creíble ni una sola de las escenas en las que sale, tal y como nos viene demostrando desde hace ya muchos años. Da igual que tenga que tenga que estar rabioso, o que tenga que besar y poner cachonda a una mujer, o se tenga que sorprender, el tío pone siempre la misma cara de palo para todo. Hay una secuencia de sexo entre él y Robin Wright que pone en evidencia las limitaciones del actor, insufrible donde los haya. Afortunadamente está Wright acompañada por gente como Alan Arkin, quien despliega toda su sobriedad en un personaje quizá algo maniqueo, y Julianne Moore, quien despliega toda su grandeza en un personaje muy secundario pero curiosamente mucho más interesante que otros más centrales. Por otro lado Maria Bello demuestra lo polifacética que puede llegar a ser, y Winona Ryder tal vez eche de menos otros tiempos mejores.

De agradable visionado ‘La vida privada de Pippa Lee’ transcurre sin sobresaltos, no aburre pero no entusiasma, todo en ella es demasiado amable, y lo poética que pretende resultar a veces —ese uso de la banda sonora que casi le da un carácter de cuento— no llega para elevar la película a donde quizá mereciera.

En verdad, no creo que una película necesite de actores shakesperianos para ser una importante película. Sí estaría bien que la película hablara de cosas importantes, y fuera una experiencia sensorial y emocional para el espectador. Y sí, muchas veces, se requiere de un intérprete, o varios, con los que seamos capaces de “conectar”, como se suele decir, anímicamente, para que él sea nuestros ojos, nuestros oídos y nuestra conciencia, trasladada a la pantalla. Sin embargo hay actores que por su mera disposición interior (nula) provocan una sensación de vacío y opacidad con la que no se puede establecer relación.

Reeves es uno de esos actores. O por lo menos lo es ahora, porque hasta 1992 se trataba de un profesional bastante interesante, que lidiaba con las promesas de entonces en convertirse en un buen actor, y que por razones indescifrables ha terminado poseyendo menos fuerza dramática que un peñasco en el fondo de un lecho. Siendo, como es, una de las estrellas norteamericanas más conocidas, creo que sin duda es el actor menos interesante, el peor, de todos los de su generación.

Su nombre significa “brisa fresca sobre las colinas” en hawaiano, y resulta irónico, porque esa brisa fresca es lo que tantas veces se echa en falta en sus trabajos, pues demasiadas veces da la sensación de que está en ausencia, limitándose a aparecer por el rodaje y soltando sus frases, sin el menor interés. Ha tenido una vida personal difícil, pues ha perdido a su mejor amigo (River Phoenix), a su novia y a su hija no nata, pero no estamos aquí para hablar de eso, sino de su trayectoria creativa, que empezó bastante bien, dio algunos títulos muy interesantes, y luego se hundió en una serie de decisiones a las que no supo aportar nada.

Una carrera meteórica…

Empezó bien, el efebo, pasando de comedietas intrascendentes, o de olvidables trabajos televisivos, a hacer ‘Las amistades peligrosas’, o la interesante ‘Te amaré hasta que te mate’. Poseía un rostro peculiar, muy dulce, un físico rotundo, y una mirada misteriosa. Esos rasgos físicos fueron espléndidamente explotadoso por dos talentos como Kathryn Bigelow y Gus Van Sant, en las primordiales ‘Le llaman Bodhi’ y ‘Mi Idaho privado’, a las que añadió su extraña y esquiva melancolía, y su enigmática presencia. Fueron sus dos mejores trabajos.

De ahí pasó a convertirse en el más insulso Jonathan Harker de la historia del cine, de la mano del genio Coppola, que confió en él para este papel, porque le convenció su dulzura de carácter y su profesionalidad. Por suerte salía poco en la película, y Coppola pudo extraer lo que pudo de él. Repitió con Van Sant en una de las menos destacadas películas de este realizador, ‘Even Cowgirls Get The Blues’, y trabajó con el siempre aburrido y autocomplaciente Kenneth Brannagh en la olvidable ‘Mucho ruido y pocas nueces’. Sin embargo los grandes jefes de Hollywood ya se habían fijado en su cara bonita y en su cuerpo de gimnasio y le ficharon para ‘Speed’, un digno espectáculo en el que Reeves no está del todo mal.

...para tan poca cosa

Convertido en estrella, a partir de ese momento, su carrera da más bandazos que un borracho al amanecer: participa en la extraña y casi matrixera ‘Johnny Mnemonic’, en la memez que va de melodrama latino ‘Un paseo por las nubes’, en la ridícula ‘Reacción en cadena’ (en la que ya comienza con sus kilos de más y sus barbas de abandonao…), en la espantosa ‘Pactar con el diablo’ (que quiere dar miedo y da risa), y otras cochambres, hasta que llega el gran éxito de ‘Matrix’, que es otra cochambre, pero esta vez muy cara y con mucho marketing.

Mientras tanto, ha ido perdiendo ese rostro efébico, sustituido ahora por otro que parece de esparto, mientras que sus numerosos accidentes de moto le inhabilitan para moverse con soltura en secuencias matrixeras de saltos y peleas (¿alguien se ha fijado que no puede mover el cuello?). Eso sí, prosigue en patrañas romanticonas, de esas que siempre atraen a algunas miles de atolondradas espectadoras, aunque ya no queda casi nada de su dulzura y su cuerpo danone. Pero es Keanu, dicen. Y sin la penosa sotana de Matrix todavía tiene algo.

Lo más destacado que ha hecho en los últimos años es el embolao de ‘A Scanner Darkly’, del ingenioso Richard Linklater. Por lo demás, ha reincidido en matrixadas como ‘Constantine’, en la que el abundante CGI maquilla su desinterés por su oficio. ¿Cómo es posible que tenga la misma cara de Neo que de romántico enamorado, de jugador de rugby, o de extraterrestre vengador? Ni un solo momento destacable, ni una secuencia inspirada. Reeves, que cuentan que es un tipo estupendo, muy agradable y educado, debe ser además, un excelente jugador de póker.

La Sci-Fi ha sido siempre un género muy del gusto popular, la idea de imaginar cosas más allá de las posibilidades actuales del ser humano como especie ha tenidos durante décadas soñando al espectador. Uno de los tópicos o clichés de este género es el de las visitas alienígenas a nuestro planeta, casi siempre con actitud amenazadora. Grandes clásicos como ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (‘The Invasion of the Body Snatchers’, Don Siegel, 1956), ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Robert Wise, 1951) o ‘E.T.’ (Steven Spielberg, 1982) permanecen en la memoria del cinéfilo como tres muestras del tema desde ópticas muy distintas. Lamentablemente no todo es como en esas tres joyas, y tanto ahora como hace años, se ha jugado con el género de forma muy poco original, en ocasiones demasiado atrevida, y siempre cayendo en ridículos insultantes.

‘The Brain from Planet Arous’ (Nathan Juran, 1957), ‘The 27th Day’ (William Asher, 1957) y ‘Ultimátum a la tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’, Scott Derrickson, 2008) son tres ejemplos muy claros de mala ciencia ficción. Las dos primeras son productos de serie B, de pocas pretensiones pero argumentos delirantes y realizadas en un momento álgido de la Guerra Fría. La tercera es el remake del famoso film de Wise, una producción de gran presupuesto llena de efectos visuales que cae en el ridículo por no tratar con seriedad y respeto un género al que parece ahora le están cogiendo algo de aprecio en la Academia de Hollywood con las nominaciones de ‘Avatar’ y ‘District 9’ a mejor película.

El cerebro que quería dominar el mundo

Nathan Juran había empezado en el cine trabajando como director artístico para directores de la talla de John Ford, en ‘¡Qué verde era mi valle’ (‘How Green Was my Valley’, 1941) —por la que ganó un merecido Oscar—, Anthony Mann, en ‘Winchester 73’ (1950) o Edmund Goulding, en ‘El filo de la navaja’ (‘The Razor´s Edge’, 1946). A principios de lo años 50 se pasó a la dirección, especializándose en westerns, thrillers, Sci-Fi y fantasía, dejando en estos dos últimos géneros alguna película simpática como ‘La gran sorpresa’ (‘First Men in the Moon’, 1964) y alguna joya como la muy imaginativa ‘Simbad y la princesa’ (‘The 7th Voyage of Sinbad’, 1958). ‘The Brain from Planet Arous’ fue realizada por Juran en 1957 firmándola con su primer apellido Herz, y en ella no se ve absolutamente nada del nivel de inspiración que muy pocas veces alcanzó.

El argumento es simple y llanamente delirante: un cerebro del tamaño de una calabaza gigante decide invadir la tierra el solito, mientras otro trata de darle caza para que no cometa más crímenes. Para ello invade la mente de uno de los científicos más famosos del lugar y así poder dar una muestra de su inmenso poder —puede provocar explosiones mucho mayores que las de una bomba atómica— doblegando así al ser humano a su voluntad. En plena caza de brujas de la era McCarthy, el temor más grande era tener al enemigo en casa, y al igual que en la famosa cinta de Siegel antes mencionada, la sustitución de la personalidad era el principio del fin del ser humano.

Juran narra todo con un ritmo torpe, a veces muy acelerado, dejando todo el peso de la función únicamente en dos cosas; por un lado la histriónica interpretación de John Agar, actor muy familiarizado con el género de la Sci-Fi en lo años 50 —desde ‘Tarántula’ de Jack Arnold hasta ‘Attack of the Puppet People’ de Bert I. Gordon—; y por otro, un enorme cerebro que es el delirio en efectos visuales, una gran masa sujeta por cables bien visibles que harían las delicias del peor Ed Wood. Evidentemente la película provoca risa y carece del mínimo encanto que adquieren este tipo de producciones con el paso del tiempo.

Poniendo a prueba al ser humano

‘The 27th Day’ fue realizada el mismo año que ‘The Brain from Planet Arous’, y dirigida por William Asher, realizador casi siempre ligado al mundo de la televisión. En ella se seguía la moda impuesta por films como ‘Ultimátum a la tierra’, versión 1951, en la que la invasión alienígena se produce para lanzar un mensaje al ser humano y que éste recapacite sobre su comportamiento tanto con sus semejantes como con el planeta Tierra. En este caso abducen a varias personas de distintas nacionalidades a las que los visitantes cargan con una gran responsabilidad: unas cápsulas que podrán ser utilizadas en cualquier coordenada del planeta para eliminar vida humana, con la peculiaridad de que dichas cápsulas caducan en 27 días.

En ‘The 27th Day’ se nota más claramente la época en la que fue filmada, pues los malos de la función son los rusos, tratados como auténticos animales que no merecen vivir en nuestro planeta. El sorprendente final —que hace ser al film un poco mejor que el anterior, pero sólo un poco— pone de relieve la enemistad que había entre americanos y rusos en aquellos años, dejando a los segundos como la mismísima esencia del mal. Evidentemente visto con la perspectiva que concede el paso del tiempo, esto produce más risa que otra cosa.

El sosainas de Gene Barry —de aquella muy de moda con films como ‘La guerra de los mundos’ (‘The War of the Worlds’, Byron Haskin, 1953) o ‘40 pistolas’ (‘Forty Guns’, Sam Fuller, 1957)— encabeza un reparto no precisamente en estado de gracia. De la inexpresividad de Barry pasamos al histrionismo de Stefan Schnabel, actor alemán que da vida al dirigente ruso más malo que el hambre. La labor de Asher no ayuda demasiado con una puesta en escena totalmente rudimentaria y falta de personalidad. Sólo la mencionada sorpresa final argumental, por original y arriesgada —aunque no tuvieran el valor de desarrollarla— salva a la película de ser un completo bodrio.

Un remake mal entendido

Pero las malas películas de Sci-Fi no se reducen sólo a films baratos, muchos de ellos desconocidos, no. También en las grandes producciones, sobre todo en las grandes producciones, se mete la pata hasta el fondo. Tal vez piensan que un gran presupuesto que permite vestir al film con una ensalada de efectos visuales llega para despistar al espectador. Es el caso de ‘Ultimátum a la tierra’, versión 2008, en la que se reescribe a la época actual lo narrado en el gran clásico de Robert Wise. Lo cierto es que el film de 1951 es muy bueno, pero algunos de sus elementos podrían haberse mejorado en la actualidad sin ningún problema, por ejemplo, sus efectos visuales. La versión actual goza de unos estupendos efectos visuales, pero lo curioso del asunto es que éstos carecen de fuerza por la desfachatez de la propuesta, su mal desarrollo y su peor desenlace.

En el film de Derrickson un extraterrestre llega a la Tierra para lanzarnos un ultimátum, como nos hemos portado muy mal con nuestro hogar van a exterminarnos pues no tenemos salvación como especie, y el inicio del film no está mal, creando incluso cierto suspense sobre la figura del alien. Pero ahí se acaba absolutamente todo, Derrickson no es capaz de sostener el interés ni un minuto más y todo se desmorona de forma harto previsible, aburrida y alcanzando niveles de una ridiculez increíble. Baste la observación final del extraterrestre, cuya decisión de salvarnos en el último momento viene dado por una estupidez muy gorda en el argumento —si llevan tiempo observándonos, ¿me voy a creer que nunca han visto amor entre nosotros?—, que tira por tierra la seriedad del tema por muy trascendentes que se pongan.

Ni siquiera los ojazos de Jennifer Connelly llegan para salvar la función, pues a la actriz se le nota totalmente perdida con un personaje sin ninguna posibilidad. A su lado, llama la atención el hecho de ver a Keanu Reeves en un papel que todos pensábamos le quedaría como anillo al dedo, pero no, el actor es tan rematadamente malo que ni siquiera sabe ser inexpresivo, algo que Michael Rennie hacía a la perfección el film original. Y como tercero en discordia, Jaden Smith, que va camino de convertirse en uno de los actores infantiles más insoportables de toda la historia del cine. Muchas caras conocidas, a las que hay que añadir la de Kathy Bates, y muchos efectos visuales de poderosa sensación déja vú, uno ya está harto de ver el fin de la humanidad en aparatosas, que no espectaculares, escenas en las que vemos ciudades enteras destruyéndose. Sólo faltaba una ola gigantesca.

Otra crítica en Blogdecine:

• Ultimátum a la Tierra sin memoria

Vosotros sois la plaga…y nosotros la cura

-Agente Smith

La ciencia ficción (o, más exactamente, la ficción científica, que es una traducción más exacta y no un anglicismo), cuenta entre su cinematografía con pocas obras excepcionales, quizá porque domeñar sus códigos, su misma esencia, y al mismo tiempo crear algo original, personal, es algo extremadamente difícil, que muy pocos grandes artistas han podido convertir en algo único. Ahora bien, maravillas como ‘Hijos de los hombres’, ‘The Terminator’, ‘El planeta de los simios’, ‘Stalker’, ‘Metrópolis’ o ‘Soylent Green’ demuestran hasta donde puede llegar esta forma de poesía en su función de radiografía del presente y en la de profetizar el futuro.

Quizá sea necesario estar hecho de una pasta especial, además de la vasta cultura y observación analítica para cuajar un gran título de ficción científica. También creo que es necesaria una honradez a prueba de divismos y de búsquedas de éxitos económicos, y una gran dignidad artística para ir hasta el final. Dudo mucho que los ínclitos hermanos Wachowski reúnan ni una sola de estas condiciones, sino más bien algunas otras, directamente opuestas.

Realidades alternativas y profecías

Resulta muy interesante constatar hasta qué punto todos los relatos estructurados según la convención de “la búsqueda del héroe” repiten un cierto esquema hasta la saciedad. Esquema que tan solo un talento como George Lucas pudo fusionar con gran belleza en la fundacional ‘Star Wars’, y que en 1999 fue transcrito con algunas ideas interesantes por los proverbiales hermanos en un guión con bastantes posibilidades, recurriendo, eso sí, al clásico cuento de realidades alternativas. Pero vamos por partes.

La cosa empieza bastante bien, aunque tampoco sea nada excepcional. Una fugitiva de la justicia, aparentemente, es acorralada por la policía en un edificio, y después perseguida por los agentes, y por unos individuos con el aspecto clásico de pertenecer al FBI (aunque pronto veremos que esto no es así). Tras una persecución no demasiado lograda, aunque digna, por varias azoteas, la chica realiza un salto imposible entre dos edificios, para después lanzarse, casi volando, por una ventana. Uno de los supuestos federales realiza un salto similar para alcanzarla. La secuencia termina con la chica desapareciendo en el último segundo antes de ser aplastada por un camión (conducido, claro, por estos supuestos federales), mientras intenta “escapar” efectuando una llamada telefónica.

Digamos que este arranque promete una atmósfera, unos códigos y un frenesí que nos mantiene atentos a lo que sucede, a ver a dónde nos llevan los directores. El siguiente bloque es bastante peor. Nos presentan a una especie de hacker que durante el día tiene un puesto en una empresa informática. Neo (anagrama facilón de One, el único o elegido) está interpretado con absoluta falta de recursos por el paupérrimo actor Keanu Reeves. La cosa empieza a hacer aguas. Desde su aparición, es completamente imposible experimentar la mínima empatía por este individuo. Pero le vemos encontrarse con Trinity (una desaprovechada Carrie Anne-Moss, una actriz casi siempre muy interesante), tras un guiño al cuento de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas” (esos guiños se irán sucediendo durante la primera parte de la película). En su oficina, tiene lugar la primera secuencia absurda de una película que, incomprensiblemente, patina con la desidia de los cuentos mal armados: un tal Morfeo, al que Neo no conoce, le llama a su oficina y le insta a salir de allí porque sabe que vienen a buscarle. Neo, de manera risible, se pone en tensión tras escuchar las advertencias de un desconocido y hasta llega a intentar hacerle caso, saltando del edificio.

Soy consciente de que esto representa una primera prueba de fe para Neo, en teoría el elegido de una profecía que asegura que él salvará el mundo. Y también que, al fracasar (como Luke en Dagobah) comienza su aprendizaje hacia la comprensión de sus capacidades. Pero mientras Skywalker (interpretado con gran convicción por el siempre denostado Mark Hamill) queda creíble cayendo en sus miedos y sufriendo un doloroso fracaso, Neo, por una mala escritura y una peor dirección, queda ridículo, imposible de creer.

Regresa un personaje bastante interesante, el agente Smith, interpretado con gran fuerza por un estupendo Hugo Weaving (sin duda entre lo mejor de la película) para intentar adherirse a Neo, a lo que el elegido se niega. Detalles como este indican que los hermanos W. iban escribiendo sobre la marcha, pues guarda poca coherencia argumental que Smith intente primero ganarse a Neo, para luego pasarse tres películas buscando la forma de destruirle, más aún cuando incluso es capaz de borrarle para siempre la memoria.

Pero Neo tiene un destino y Morfeo (un inaguantable, pasadísimo, risible, Lawrence Fishburne, que a menudo demuestra su talento, no aquí) logra “despertarle”. En una secuencia bastante bien escrita, le saca de su hibernación, por así llamarla, y le explica la cruda realidad. Con la famosa frase “bienvenido al mundo de lo real”, concluye la primera parte, que pese a sus defectos, es bastante interesante. Los W establecen un tono y una atmósfera (con sus luces y sus sombras) y se disponen, una vez establecidos los cimientos, a culminar la historia.

Un desarrollo de autocomplacientes aficionados

El problema es que, a partir de aquí, lo (poco) que se había conseguido se echa a perder. Creo, sinceramente, que este mundo es en verdad una suave apariencia, que puede desmoronarse con un poco de esfuerzo y mucho coraje. Por eso me gustan las historias que indagan acerca de la mentira del mundo en que vivimos, sea en clave metafórica o directamente gráfica. Pero para cuando Neo acude a visitar al Oráculo, se han abandonado de forma incomprensible los rasgos científicos, para abrazar sin pudor los fantásticos.

Existen renombrados filósofos que han encontrado ideas de incontestable resonancia en el pequeño bloque que tiene al Oráculo (interpretado por la fallecida Gloria Foster) como protagonista. Yo debo ser lelo, o de necesitar una lobotomía, porque no encuentro nada de especial en él. La robusta mujer negra examina los ojos y la boca de Neo, llega a la conclusión de que no es el Elegido (luego sabremos que es un truco suyo para demostrarle que sí lo es…) y, finalmente, deja caer una advertencia: “vas a tener que elegir”. Y coloca a Morfeo en una mano y su propia vida en la otra. Sólo uno se salvará. Podría ser emocionante si Neo fuera ese héroe compasivo que nunca es, entre otras cosas por la incapacidad, ya citada, de Reeves para otorgar a su personaje algo más que un peinado molón.

Efectivamente, llegan los agentes, capitaneados por el brutal Smith, cogen a Morfeo (que se sacrifica porque cree en Neo) y se lo llevan. El último bloque de la película consiste en el inevitable intento de rescatar a Morfeo por parte de Trinity y Neo, un intento de crescendo más basado en el despilfarro de balas y destrucción que en auténtica capacidad de tensión y frenesí narrativos. Como no podía ser de otra manera, rescatan a Morfeo, y como no podía ser de otra manera, Neo se enfrenta a su destino y descubre su verdadera naturaleza.

No voy a profundizar, una vez más, en que Neo es un personaje que me parece falto de todo interés. Podríamos hablar, llegados a este punto, del punto de vista inherente a dos personalidades artísticas tan cuestionables como los Wachoswki. A fin de cuentas, en el arte, lo bueno es que puedes (y debes) ponerte en el lugar del artista. Me voy a permitir la licencia de hacerlo con algo de sorna, pidiendo perdón por adelantado: “somos Andy y Larry Wachowski, queremos forrarnos de pasta y hacer alucinar al espectador, de modo que vamos a plagiar esa idea de que las máquinas toman el control de la Tierra (que vimos en ‘The Terminator’), mezclada con una fusión de teorías mesiánicas y cultura cyber-punk, y vamos a triunfar”.

Puede parecer exagerado lo que digo, pero si estamos hablando de la destrucción de la humanidad, parece un tono descaradamente frívolo coger a tus personajes, unos luchadores que se sacrifican para que la raza siga adelante, y ponerles una ropa y un aspecto super cool, y unos movimientos de combate tan chulos, y unas frases tan forzadamente poéticas (algunas ridículas: “lo que te ha dicho es para tí...y sólo para tí”). Sobre todo, finalmente, queda un desarrollo de aficionado, que alimenta la idea de improvisación en la escritura y de soluciones incoherentes en la puesta en escena. Fijémonos bien en su endeble andamiaje: presentación, liberación de Neo, entrenamiento de Neo, encuentro con el Oráculo, salvación de Morfeo y revelación de Neo. No hay más. Y de todo ello, lo mejor la liberación de Neo.

Conclusión: floja acción, tristes continuaciones

¿Es este la gran acción que tantos defienden? A mí me parece una planificación digna de un videojuego de Play Station 2. Además, si el espectador se fija, resulta que Reeves es el intérprete menos adecuado para hacer acción. Quizá por sus múltiples accidentes de moto (porque en ‘Point Break’ no le pasa lo mismo), el caso es que Reeves es incapaz de mover el cuello. No bromeo. Presten atención. Corra, salte o se gire, su cuello permanece en la misma posición. Este lamentable actor no puede ni hacer creíble una patada. Sin comentarios.

En cuanto a las dos partes que siguieron a este éxito de taquilla, he de reconocer, no sin vergüenza, que jamás he podido verlas completas sin caer dormido, aunque esto fuera a las dos de la tarde. Prometo volver a intentarlo, para completar mi apreciación sobre la “obra magna” de los ínclitos hermanos W.

Terry Gilliam presentó su última película en el Festival de San Sebastián (tal como nos contó mi compañero Adrián), ‘El imaginario del doctor Parnassus’, y tuvo que referirse a la muerte de Heath Ledger, ocurrida antes del final del rodaje:

Suena horrible, pero esta tragedia mejoró la película. Si Heath no hubiese muerto, no sé cómo habría acabado y en qué hubiese quedado la historia.

Quentin Tarantino también pasó por San Sebastián para promocionar su nuevo trabajo, ‘Malditos bastardos’, y le preguntaron qué tal fue tener a sus órdenes a una estrella como Brad Pitt:

Trabajar con él es igual que hacerlo con otro actor, no te impone nada por ser una estrella. Hombre, a lo mejor tienes un poco más de consideración y si te pide venir a las once, accedes.

Otro de los que se pasearon por el Festival fue Atom Egoyan, que presentó ‘Chloe’ (podéis leer más sobre ella en el artículo que publicó Adrián al verla), una película marcada también por la tragedia (durante el rodaje, Liam Neeson, que protagoniza la historia, perdió a su mujer, la también actriz Natasha Richardson), y por el sexo. Egoyan reflexionó sobre esto último:

Muchas veces se identifica al sexo como una mera manipulación del clítoris. Es algo más. El sexo es también un momento secreto en el que poder contactar con otra persona.

Fernando Trueba ha terminado su nueva película, ‘El baile de la Victoria’ (podéis leer la opinión de mi compañero Adrián sobre ella), y está con ganas de hablar, y de atacar. Aquí se refiere a los medios de comunicación:

Habláis de Spiderman 9 como si fuera una gran novedad. Soy mayor, leo periódicos, y me cuentan que hay un señor que sube por las paredes. Ya hay programas infantiles para eso, no me trates como un subnormal.

Terminamos con San Sebastián por hoy. Javier Rebollo presentó ‘La mujer sin piano’, película protagonizada por Carmen Machi que al parecer es poco más que ella caminando una noche por Madrid tras dejar a su marido. El director se retrata:

Soy espectador antes que director y cuando voy al cine quiero que me hagan pensar.

En una reciente entrevista, la estrella Clive Owen ha sido sincero al hablar del tipo de películas que se hacen en Hollywood hoy día:

No son muy buenas. Y son películas que están patrocinadas y listas para arrancar. Te sorprendes de que haya gente que las pague. Empiezo a pensar que es cosa mía, que me estoy volviendo demasiado exigente.

Keanu Reeves se refirió recientemente a uno de sus próximos proyectos, la adaptación al cine de ‘Cowboy Beebop’. Según ha revelado, Peter Craig entregó un primer borrador del guión y era muy bueno, pero…

El estudio dijo: “Esta película es fantástica, pero va a costar medio billón de dólares”. Así que se está reescribiendo el guión.

Los hermanos Coen han hablado hace poco sobre la posibilidad de que ‘El gran Lebowski’ tenga una secuela, algo de lo que ha hablado John Turturro, que estaría encantado con la idea. Los Coen no piensan igual, pero sí tienen a Turturro en mente para una segunda parte de otra película, ‘Barton Fink’:

Se llamaría ‘Old Fink’. Le dijimos a Turturro que es una secuela que realmente nos gustaría hacer, pero no hasta que él haya envejecido lo suficiente como para interpretar al personaje.

Carlos Serrano Azcona ha dirigido ‘El árbol’, apadrinada por Jaime Rosales y Carlos Reygadas. El realizador, que dice hacer “cine adulto”, quiere que el público trabaje:

Creo que no hay que explicar todo. Si cierro mi película estoy imponiendo lo que yo pienso y quiero que el público complete la película a su manera.

Ojo a esto último. El actor Juanjo Puigcorbé se encontraba promocionando ‘El discípulo’, donde interpreta a Poncio Pilato, y cuando le hicieron una entrevista, estalló. Es muy amplio lo que os cito, lo sé, pero es que me daba pena recortarlo más, leedlo y lo entenderéis, el mismo actor terminó sus declaraciones diciendo que probablemente le sería más difícil trabajar después de soltar todo esto:

Hay unos amigos determinados del régimen, del anterior y del de ahora, unos con un gobierno y otros con otro, que están ocupando absolutamente toda la producción nacional. Esto está en manos de cuatro y esos cuatro se han hecho multimillonarios en muy poco tiempo. [...] La culpa de la situación del cine, del teatro y del mundo de la cultura en general no es de los actores jóvenes, sino de los amigos del poder que están ocupando con su influencia todos los puestos de audiovisual, medios técnicos, realización, producción, etcétera. Esto lo sabe todo el mundo de nuestra profesión. Nadie lo dice, pero alguien tiene que decirlo. [...] Aquí de lo que se trata es de hacer monopolios y cargarse a la competencia, entonces es cuando se hace dinero en este mundo de la cultura. Ahora mismo un productor suelto no puede hacer nada y menos ahora que van a quitar la subvención a las películas de menos de 2 millones de euros de presupuesto. Serán las televisiones, que son las que tienen dinero y lo publicitan, las que puedan operar.

PD: Otro dardo de Trueba: “Las televisiones en España han hecho tal labor de destrucción de la ciudadanía que harán falta siglos de educación para enderezarlo. Hay un gran interés político y económico en que la gente sea imbécil”.

Vía | Worstpreviews, Diariovasco, Lashorasperdidas, Larioja, Elpaís, nortecastilla, Adn, Elperiódico, Ideal