Vosotros sois la plaga…y nosotros la cura

-Agente Smith

La ciencia ficción (o, más exactamente, la ficción científica, que es una traducción más exacta y no un anglicismo), cuenta entre su cinematografía con pocas obras excepcionales, quizá porque domeñar sus códigos, su misma esencia, y al mismo tiempo crear algo original, personal, es algo extremadamente difícil, que muy pocos grandes artistas han podido convertir en algo único. Ahora bien, maravillas como ‘Hijos de los hombres’, ‘The Terminator’, ‘El planeta de los simios’, ‘Stalker’, ‘Metrópolis’ o ‘Soylent Green’ demuestran hasta donde puede llegar esta forma de poesía en su función de radiografía del presente y en la de profetizar el futuro.

Quizá sea necesario estar hecho de una pasta especial, además de la vasta cultura y observación analítica para cuajar un gran título de ficción científica. También creo que es necesaria una honradez a prueba de divismos y de búsquedas de éxitos económicos, y una gran dignidad artística para ir hasta el final. Dudo mucho que los ínclitos hermanos Wachowski reúnan ni una sola de estas condiciones, sino más bien algunas otras, directamente opuestas.

Realidades alternativas y profecías

Resulta muy interesante constatar hasta qué punto todos los relatos estructurados según la convención de “la búsqueda del héroe” repiten un cierto esquema hasta la saciedad. Esquema que tan solo un talento como George Lucas pudo fusionar con gran belleza en la fundacional ‘Star Wars’, y que en 1999 fue transcrito con algunas ideas interesantes por los proverbiales hermanos en un guión con bastantes posibilidades, recurriendo, eso sí, al clásico cuento de realidades alternativas. Pero vamos por partes.

La cosa empieza bastante bien, aunque tampoco sea nada excepcional. Una fugitiva de la justicia, aparentemente, es acorralada por la policía en un edificio, y después perseguida por los agentes, y por unos individuos con el aspecto clásico de pertenecer al FBI (aunque pronto veremos que esto no es así). Tras una persecución no demasiado lograda, aunque digna, por varias azoteas, la chica realiza un salto imposible entre dos edificios, para después lanzarse, casi volando, por una ventana. Uno de los supuestos federales realiza un salto similar para alcanzarla. La secuencia termina con la chica desapareciendo en el último segundo antes de ser aplastada por un camión (conducido, claro, por estos supuestos federales), mientras intenta “escapar” efectuando una llamada telefónica.

Digamos que este arranque promete una atmósfera, unos códigos y un frenesí que nos mantiene atentos a lo que sucede, a ver a dónde nos llevan los directores. El siguiente bloque es bastante peor. Nos presentan a una especie de hacker que durante el día tiene un puesto en una empresa informática. Neo (anagrama facilón de One, el único o elegido) está interpretado con absoluta falta de recursos por el paupérrimo actor Keanu Reeves. La cosa empieza a hacer aguas. Desde su aparición, es completamente imposible experimentar la mínima empatía por este individuo. Pero le vemos encontrarse con Trinity (una desaprovechada Carrie Anne-Moss, una actriz casi siempre muy interesante), tras un guiño al cuento de Lewis Carroll “Alicia en el país de las maravillas” (esos guiños se irán sucediendo durante la primera parte de la película). En su oficina, tiene lugar la primera secuencia absurda de una película que, incomprensiblemente, patina con la desidia de los cuentos mal armados: un tal Morfeo, al que Neo no conoce, le llama a su oficina y le insta a salir de allí porque sabe que vienen a buscarle. Neo, de manera risible, se pone en tensión tras escuchar las advertencias de un desconocido y hasta llega a intentar hacerle caso, saltando del edificio.

Soy consciente de que esto representa una primera prueba de fe para Neo, en teoría el elegido de una profecía que asegura que él salvará el mundo. Y también que, al fracasar (como Luke en Dagobah) comienza su aprendizaje hacia la comprensión de sus capacidades. Pero mientras Skywalker (interpretado con gran convicción por el siempre denostado Mark Hamill) queda creíble cayendo en sus miedos y sufriendo un doloroso fracaso, Neo, por una mala escritura y una peor dirección, queda ridículo, imposible de creer.

Regresa un personaje bastante interesante, el agente Smith, interpretado con gran fuerza por un estupendo Hugo Weaving (sin duda entre lo mejor de la película) para intentar adherirse a Neo, a lo que el elegido se niega. Detalles como este indican que los hermanos W. iban escribiendo sobre la marcha, pues guarda poca coherencia argumental que Smith intente primero ganarse a Neo, para luego pasarse tres películas buscando la forma de destruirle, más aún cuando incluso es capaz de borrarle para siempre la memoria.

Pero Neo tiene un destino y Morfeo (un inaguantable, pasadísimo, risible, Lawrence Fishburne, que a menudo demuestra su talento, no aquí) logra “despertarle”. En una secuencia bastante bien escrita, le saca de su hibernación, por así llamarla, y le explica la cruda realidad. Con la famosa frase “bienvenido al mundo de lo real”, concluye la primera parte, que pese a sus defectos, es bastante interesante. Los W establecen un tono y una atmósfera (con sus luces y sus sombras) y se disponen, una vez establecidos los cimientos, a culminar la historia.

Un desarrollo de autocomplacientes aficionados

El problema es que, a partir de aquí, lo (poco) que se había conseguido se echa a perder. Creo, sinceramente, que este mundo es en verdad una suave apariencia, que puede desmoronarse con un poco de esfuerzo y mucho coraje. Por eso me gustan las historias que indagan acerca de la mentira del mundo en que vivimos, sea en clave metafórica o directamente gráfica. Pero para cuando Neo acude a visitar al Oráculo, se han abandonado de forma incomprensible los rasgos científicos, para abrazar sin pudor los fantásticos.

Existen renombrados filósofos que han encontrado ideas de incontestable resonancia en el pequeño bloque que tiene al Oráculo (interpretado por la fallecida Gloria Foster) como protagonista. Yo debo ser lelo, o de necesitar una lobotomía, porque no encuentro nada de especial en él. La robusta mujer negra examina los ojos y la boca de Neo, llega a la conclusión de que no es el Elegido (luego sabremos que es un truco suyo para demostrarle que sí lo es…) y, finalmente, deja caer una advertencia: “vas a tener que elegir”. Y coloca a Morfeo en una mano y su propia vida en la otra. Sólo uno se salvará. Podría ser emocionante si Neo fuera ese héroe compasivo que nunca es, entre otras cosas por la incapacidad, ya citada, de Reeves para otorgar a su personaje algo más que un peinado molón.

Efectivamente, llegan los agentes, capitaneados por el brutal Smith, cogen a Morfeo (que se sacrifica porque cree en Neo) y se lo llevan. El último bloque de la película consiste en el inevitable intento de rescatar a Morfeo por parte de Trinity y Neo, un intento de crescendo más basado en el despilfarro de balas y destrucción que en auténtica capacidad de tensión y frenesí narrativos. Como no podía ser de otra manera, rescatan a Morfeo, y como no podía ser de otra manera, Neo se enfrenta a su destino y descubre su verdadera naturaleza.

No voy a profundizar, una vez más, en que Neo es un personaje que me parece falto de todo interés. Podríamos hablar, llegados a este punto, del punto de vista inherente a dos personalidades artísticas tan cuestionables como los Wachoswki. A fin de cuentas, en el arte, lo bueno es que puedes (y debes) ponerte en el lugar del artista. Me voy a permitir la licencia de hacerlo con algo de sorna, pidiendo perdón por adelantado: “somos Andy y Larry Wachowski, queremos forrarnos de pasta y hacer alucinar al espectador, de modo que vamos a plagiar esa idea de que las máquinas toman el control de la Tierra (que vimos en ‘The Terminator’), mezclada con una fusión de teorías mesiánicas y cultura cyber-punk, y vamos a triunfar”.

Puede parecer exagerado lo que digo, pero si estamos hablando de la destrucción de la humanidad, parece un tono descaradamente frívolo coger a tus personajes, unos luchadores que se sacrifican para que la raza siga adelante, y ponerles una ropa y un aspecto super cool, y unos movimientos de combate tan chulos, y unas frases tan forzadamente poéticas (algunas ridículas: “lo que te ha dicho es para tí...y sólo para tí”). Sobre todo, finalmente, queda un desarrollo de aficionado, que alimenta la idea de improvisación en la escritura y de soluciones incoherentes en la puesta en escena. Fijémonos bien en su endeble andamiaje: presentación, liberación de Neo, entrenamiento de Neo, encuentro con el Oráculo, salvación de Morfeo y revelación de Neo. No hay más. Y de todo ello, lo mejor la liberación de Neo.

Conclusión: floja acción, tristes continuaciones

¿Es este la gran acción que tantos defienden? A mí me parece una planificación digna de un videojuego de Play Station 2. Además, si el espectador se fija, resulta que Reeves es el intérprete menos adecuado para hacer acción. Quizá por sus múltiples accidentes de moto (porque en ‘Point Break’ no le pasa lo mismo), el caso es que Reeves es incapaz de mover el cuello. No bromeo. Presten atención. Corra, salte o se gire, su cuello permanece en la misma posición. Este lamentable actor no puede ni hacer creíble una patada. Sin comentarios.

En cuanto a las dos partes que siguieron a este éxito de taquilla, he de reconocer, no sin vergüenza, que jamás he podido verlas completas sin caer dormido, aunque esto fuera a las dos de la tarde. Prometo volver a intentarlo, para completar mi apreciación sobre la “obra magna” de los ínclitos hermanos W.

Terry Gilliam presentó su última película en el Festival de San Sebastián (tal como nos contó mi compañero Adrián), ‘El imaginario del doctor Parnassus’, y tuvo que referirse a la muerte de Heath Ledger, ocurrida antes del final del rodaje:

Suena horrible, pero esta tragedia mejoró la película. Si Heath no hubiese muerto, no sé cómo habría acabado y en qué hubiese quedado la historia.

Quentin Tarantino también pasó por San Sebastián para promocionar su nuevo trabajo, ‘Malditos bastardos’, y le preguntaron qué tal fue tener a sus órdenes a una estrella como Brad Pitt:

Trabajar con él es igual que hacerlo con otro actor, no te impone nada por ser una estrella. Hombre, a lo mejor tienes un poco más de consideración y si te pide venir a las once, accedes.

Otro de los que se pasearon por el Festival fue Atom Egoyan, que presentó ‘Chloe’ (podéis leer más sobre ella en el artículo que publicó Adrián al verla), una película marcada también por la tragedia (durante el rodaje, Liam Neeson, que protagoniza la historia, perdió a su mujer, la también actriz Natasha Richardson), y por el sexo. Egoyan reflexionó sobre esto último:

Muchas veces se identifica al sexo como una mera manipulación del clítoris. Es algo más. El sexo es también un momento secreto en el que poder contactar con otra persona.

Fernando Trueba ha terminado su nueva película, ‘El baile de la Victoria’ (podéis leer la opinión de mi compañero Adrián sobre ella), y está con ganas de hablar, y de atacar. Aquí se refiere a los medios de comunicación:

Habláis de Spiderman 9 como si fuera una gran novedad. Soy mayor, leo periódicos, y me cuentan que hay un señor que sube por las paredes. Ya hay programas infantiles para eso, no me trates como un subnormal.

Terminamos con San Sebastián por hoy. Javier Rebollo presentó ‘La mujer sin piano’, película protagonizada por Carmen Machi que al parecer es poco más que ella caminando una noche por Madrid tras dejar a su marido. El director se retrata:

Soy espectador antes que director y cuando voy al cine quiero que me hagan pensar.

En una reciente entrevista, la estrella Clive Owen ha sido sincero al hablar del tipo de películas que se hacen en Hollywood hoy día:

No son muy buenas. Y son películas que están patrocinadas y listas para arrancar. Te sorprendes de que haya gente que las pague. Empiezo a pensar que es cosa mía, que me estoy volviendo demasiado exigente.

Keanu Reeves se refirió recientemente a uno de sus próximos proyectos, la adaptación al cine de ‘Cowboy Beebop’. Según ha revelado, Peter Craig entregó un primer borrador del guión y era muy bueno, pero…

El estudio dijo: “Esta película es fantástica, pero va a costar medio billón de dólares”. Así que se está reescribiendo el guión.

Los hermanos Coen han hablado hace poco sobre la posibilidad de que ‘El gran Lebowski’ tenga una secuela, algo de lo que ha hablado John Turturro, que estaría encantado con la idea. Los Coen no piensan igual, pero sí tienen a Turturro en mente para una segunda parte de otra película, ‘Barton Fink’:

Se llamaría ‘Old Fink’. Le dijimos a Turturro que es una secuela que realmente nos gustaría hacer, pero no hasta que él haya envejecido lo suficiente como para interpretar al personaje.

Carlos Serrano Azcona ha dirigido ‘El árbol’, apadrinada por Jaime Rosales y Carlos Reygadas. El realizador, que dice hacer “cine adulto”, quiere que el público trabaje:

Creo que no hay que explicar todo. Si cierro mi película estoy imponiendo lo que yo pienso y quiero que el público complete la película a su manera.

Ojo a esto último. El actor Juanjo Puigcorbé se encontraba promocionando ‘El discípulo’, donde interpreta a Poncio Pilato, y cuando le hicieron una entrevista, estalló. Es muy amplio lo que os cito, lo sé, pero es que me daba pena recortarlo más, leedlo y lo entenderéis, el mismo actor terminó sus declaraciones diciendo que probablemente le sería más difícil trabajar después de soltar todo esto:

Hay unos amigos determinados del régimen, del anterior y del de ahora, unos con un gobierno y otros con otro, que están ocupando absolutamente toda la producción nacional. Esto está en manos de cuatro y esos cuatro se han hecho multimillonarios en muy poco tiempo. [...] La culpa de la situación del cine, del teatro y del mundo de la cultura en general no es de los actores jóvenes, sino de los amigos del poder que están ocupando con su influencia todos los puestos de audiovisual, medios técnicos, realización, producción, etcétera. Esto lo sabe todo el mundo de nuestra profesión. Nadie lo dice, pero alguien tiene que decirlo. [...] Aquí de lo que se trata es de hacer monopolios y cargarse a la competencia, entonces es cuando se hace dinero en este mundo de la cultura. Ahora mismo un productor suelto no puede hacer nada y menos ahora que van a quitar la subvención a las películas de menos de 2 millones de euros de presupuesto. Serán las televisiones, que son las que tienen dinero y lo publicitan, las que puedan operar.

PD: Otro dardo de Trueba: “Las televisiones en España han hecho tal labor de destrucción de la ciudadanía que harán falta siglos de educación para enderezarlo. Hay un gran interés político y económico en que la gente sea imbécil”.

Vía | Worstpreviews, Diariovasco, Lashorasperdidas, Larioja, Elpaís, nortecastilla, Adn, Elperiódico, Ideal

Estoy convencido de que si el cine norteamericano de género se hubiese limitado a repetir, sin más, las viejas fórmulas consideradas clásicas, no hubieran hecho otra cosa que reducirlo a un mero “cuento de la vieja”, con distintos elementos pero el mismo esquema. Es fascinante hablar y estudiar el trabajo de aquellos cineastas valerosos que, con una sensibilidad fuera de toda norma, transforman la apariencia de un arquetipo (en este caso, el policíaco) y le dan un ímpetu y una óptica que antes de ellos hubiera resultado impensable.

Y la prueba de que es cine personalísimo es que, a la hora de copiarlo, otros cineastas fracasan miserablemente. Son muestras de género que se sale del género. Un género en sí mismas. Creo que ‘Point Break’ (sugerente título para que luego nos lo traduzcan con el horroroso ‘Le llaman Bodhi’, que no pienso volver a emplear, queda avisado el lector) es una de esas muestras. Una extraña película de acción que se alza muy por encima de sus tópicos, para convertirse en una experiencia sensorial, cuyas no pocas virtudes se alzan muy por encima de sus numerosos defectos estructurales. Y todo gracias a su directora. Y es que lo más importante, siempre, acaba siendo la aportación del director.

Causa pánico pensar en esta historia firmada por alguien diferente a Bigelow. Si cualquier otro con menos personalidad y menos agallas que ella hubiera tomado las riendas, parece difícil que esta historia de surferos atracadores de bancos (!!!) hubiera llegado a ser nada más que un espectáculo dudoso sobre jovenzuelos cachas, tías buenas, robos y tiroteos. Y no sólo está Bigelow para conseguir el milagro (porque esto es un milagro), sino también James Cameron, que vio las posibilidades de esta historia en manos de su entonces esposa, le dio algunos toques al guión y ejerció de productor ejecutivo. Porque, seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo, pues aunque tiene algunas secuencias bien escritas (los momentos previos al penúltimo robo), no paso de correcto, y está plagado de clichés.

La razón principal de que esta película se mantenga en pie dieciocho años después, me parece, es, para empezar, la implicación emocional de la directora. Más que emocional, espiritual, diría yo, pero ya llegaremos a eso. Bigelow hace un alarde de coherencia y profundidad en su puesta en escena, demostrando que lo importante no es qué cuenta la historia, sino cómo se cuenta, cómo la mirada del director sublima, por decirlo de alguna manera, esa historia. Bigelow es un titán cinematográfico que antes del uso masivo de la infografía (y de los vergonzosos etalonajes digitales, y de los montajes sincopados donde nada se ve, porque no hay nada que ver) filma una de las películas de acción más dinámicas, intensas y estéticas de la historia.

Ahora, no hay película de acción donde no sólo la imagen (que hasta cierto punto, es comprensible que se retoque) sino los mismos elementos que la componen, estén modelados “después” del rodaje. Es decir, no son elementos que se filmen con la cámara. Pero en ‘Point Break’ todo lo que vemos está recogido con ella. Esto le puede parecer irrelevante a un aficionado al cine cuya cinefilia ha nacido con ‘El señor de los anillos’ (cuya magnífica segunda parte tiene en su mejores momentos de aventuras aquellos en los que no hay 15.000 guerreros creados por ordenador), pero la diferencia estriba en la sensación que se transmite al espectador.

El CGI es una herramienta más, pero no es un elemento capital de la puesta en escena. No tiene mayor importancia, ni menor ciertamente, que el atrezzo. El cine opera con realidades, y cuando los actores de esta película cabalgan una ola, saltan de un avión en pleno vuelo, o cuando el operador jefe (Donald Peterman, que aquí firma su mejor trabajo de lejos) captura un ambiente lumínico determinado en el mar, es el ambiente que, perfeccionado con algunos filtros y el uso de los objetivos (que pienso que debería estudiarse en las escuelas de cine) había en el rodaje. Por tanto la sensación es la de asistir a algo real. Y pocas veces se ha asistido a una aventura tan física y, al mismo tiempo, tan hipnótica y abstracta.

Sobre todo, pocas veces, o quizá nunca, se ha filmado el mar como en esta película. Esa es la primera identificación emocional de Bigelow a la hora de construir el relato (la forma) sobre la historia (el contenido). En el guión estaba escrito un diálogo, perteneciente al propio Bodhi: “no tienen ideas claras acerca del mar, por lo que nunca van a entender su lado espiritual”. Esto, que está en una página de diálogo, Bigelow lo hace realidad, con la complicidad total de Peterman, y juntos nos regalan bellísimas y también espirituales imágenes del mar.

Lo que intento explicar es cómo una directora convierte en imágenes un guión, y lo hace de forma plenamente cinemática. Es decir, con imágenes y sonidos, y no con herramientas literarias o teatrales. Pongamos por caso la secuencia de créditos, que aparentemente no es más que otra secuencia de créditos más, con dos acciones en paralelo que presentan al surfista (presumiblemente Bodhi) y al poli (un sorprendentemente sólido Keanu Reeves, intérprete muy limitado). Pero hay mucha más en esa secuencia de apertura de lo que quizás aparenta. Decíamos imágenes bellísimas y también espirituales del mar. Con el uso de la música (obra de Mark Isham, también lo mejor que ha firmado) y con ese montaje en paralelo, la altura plástica de las imágenes de las olas es algo más que eso, es algo espiritual.

Y esto es por las decisiones de puesta en escena de Bigelow. Primero, no se le ve nunca la cara al surfista, es casi siempre una sombra. Luego está la conexión física del agua, pues llueve en la prueba del poli. Con todos los elementos unidos, ¿no parece casi una secuencia onírica, poética? ¿No parece una expresión del interior de Utah, desconocido incluso para él, de su ansia espiritual, que le llevará a una aventura catártica? El mar, transformado en lluvia, parece llamar a Utah. Es decir, el destino está trazado para él.

Es esta identificación emocional profunda con un personaje bastante simple desde un punto de vista psicológico (eso que los puristas tanto buscan y defienden) lo que salva las lagunas, a menudo profundas, de un policiaco cuyos elementos precisamente policiacos son auténticos tópicos. Para Bigelow son sus héroes porque son personajes atados a la necesidad de adrenalina, que en este caso se obtiene gracias a deportes de riesgo como el paracaidismo, el surfimos, o a actividades fuera de la ley, como los robos de bancos. Lo sorprendente es que si Bigelow no hubiera potenciado esos rasgos emocionales, y se hubiera limitado a filmar las secuencias de acción como mejor pudiera, el resultado habría sido muy superior que el 99% de lo que los directores norteamericanos han ofrecido en el género de acción en las últimas dos décadas.

Allí donde otros fracasan, porque para ellos una experiencia estética no puede lograrse con otra cosa que no sea un mamotreto colorista, barroco, hiperrealista, Bigelow les da lecciones de puesta en escena, porque ella entiende bien cuál es su oficio. Toda su labor con los distintos elementos que conforman la puesta en escena, el sonido, la materia misma de la imagen, va en una misma dirección, de ahí viene el término dirección, y no de otro. Con su cuarta película como realizadora, y gracias, por decirlo de alguna manera, al mecenazgo de James Cameron, Bigelow se consolidaba como una personalidad cinematográfica de raza, y continuaba navegando por las procelosas (más aún para una mujer) aguas del cine de acción de su país

En Blogdecine:

• Kathryn Bigelow y la adicción

‘Jekyll’ es el título de la nueva adaptación de la famosa novela de Robert Louis Stevenson, cuya historia no necesitáis que os recuerde. El actor que interpretará tanto a Jekyll como a Hyde (supongo que éste lleno de maquillaje) será Keanu Reeves, quien sin duda se enfrenta al reto de su vida, interpretativamente hablando, porque igualar (ya no digo superar) a John Barrymore en ‘Dr. Jekyll y Mr. Hyde’ (sencillamente una de las mejores interpretaciones masculinas de toda la historia del cine) o Spencer Tracy en ‘El extraño caso del doctor Jekyll’ (no precisamente una de las mejores películas de Victor Fleming, pero con un Tracy prodigioso), tendría su mérito.

La productora negocia con Nicolas Winding Refn para que dirija la película, cuyo guión es obra de Justin Haythe, autor de los libretos de ‘La sombra de un secuestro’ y ‘Revolutionary Road’. La presencia de Haythe me parece lo único interesante de esta adaptación, que sin duda con la presencia de Reeves en el reparto será un éxito. A continuación un vídeo presentado por el mítico Christopher Lee en el que se da un repaso a los actores que han dado vida a ambos personajes, que en realidad son uno.

Vía | Comingsoon

Keanu Reeves sigue interesado en la ciencia ficción. El protagonista de la trilogía ‘Matrix’ o el remake (en mi opinión, penoso) de ‘Ultimátum a la Tierra’ será el protagonista de ‘Passengers’, un film romántico y fantástico que ha escrito Jon Spaihts.

La historia de la película transcurre en el futuro y se centra en una nave que transporta gente para colonizar un lejano planeta. La cuestión es que, durante el trayecto, algo sale mal y uno de los pasajeros despierta antes de tiempo, nada más y nada menos que noventa años antes de lo que debería. El hombre debe encarar la perspectiva de vivir el resto de su vida en soledad, hasta que le llegue el día de morir a bordo de la nave… Como más de uno habrá pensado (lo confieso, yo también), el tipo decide no aceptar lo que le espera y despierta a una bella mujer para tener compañía.

Personalmente, siempre me ha gustado ver a Keanu Reeves al frente de una película, a pesar de que ciertamente no gesticula demasiado y a menudo resulta frío y distante. Pero como Neo estaba perfecto y en títulos como ‘Drácula’ o ‘Constantine’ creo que lo hacía estupendamente. ¿Qué os parece a vosotros?

PD: ¿Os habéis enterado que un tío se ha pegado un tiro mientras veía ‘Watchmen’?

Vía | Scifiwire

‘Ultimátum a la Tierra’ es el título español de ‘The Day the Earth Stood Still’ (más o menos, “El día que la Tierra se detuvo”), el cual puede referirse a dos películas: o bien una de las películas básicas en lo que a ciencia ficción se refiere, filmada en 1951 por Robert Wise, o bien otro magnífico ejemplo del cine tan mediocre que se hace hoy en día, realizado por Scott Derrickson este mismo año y estrenado hace un par de semanas en nuestro país.

Por muy malas que sean las vibraciones, las críticas, las cifras en taquilla, siempre que me siento en la butaca espero lo mejor de la película que voy a ver. Pero entonces empiezan. Y es muy difícil que un arranque mediocre sea el primer paso de una buena película. El principio de una narración es crucial, pero parece que el hecho de haber metido ya al público dentro de la sala, sin esos euros tan preciados que cuesta cada entrada, es motivo suficiente para descuidar los primeros minutos de una película. Derrickson revela muy pronto que su producto no tiene nada que aportar, salvo quizá enfado para el espectador que pensaba que la obra de Wise podía ser actualizada con respeto y buen hacer.

Porque luego está el tema de los remakes. A priori, volver a ver la misma historia en otra película es algo que a nadie le interesa demasiado. Quedándome corto. Pero desde que Martin Scorsese mejorara la notable ‘Infernal Affairs’ (o ‘Juego Sucio’), la idea de las nuevas versiones dejó de ser una estupidez para muchos. No era la primera vez, ni mucho menos, pero lo reciente pega más fuerte. Sin embargo, lo cierto es que ‘The Departed’ (o ‘Infiltrados’) fue una de esas raras excepciones a la regla. Lo cierto es que el remake es una fórmula normalmente indeseable; como volver a freír las sobras de un plato que lleva tiempo en el frigorífico.

Hay que ser muy iluso para creer que el remake de ‘Ultimátum a la Tierra’ podía mejorar el original. Con otro equipo sí, pero con Derrickson y Keanu Reeves al frente (con todos los respetos para ambos), esto tenía todas las papeletas para, como mucho, resultar una insustancial pero entretenida versión moderna del clásico. Al final, ni eso. Se ha tomado el título, los nombres y las situaciones del film original para, a partir de ahí, crear otra torpe mercancía atiborrada de efectos especiales, con el único propósito de atracar las taquillas del mundo rico. Con invertir suficiente dinero en publicidad, cosa segura. La calidad de la película, ínfima, queda en un segundo plano, y resulta indiferente, pues como dicen todos, para eso ya está el clásico.

Pero una cosa es partir de la idea (aceptable hasta cierto punto) de que la versión nueva será inferior a la antigua, y otra muy diferente usar eso como excusa para cometer todo tipo de atentados cinematográficos, incluyendo un desprecio considerable a la memoria del aficionado al cine. Que los clásicos no los ve nadie, dicen, así que a filmarlos de nuevo, para las nuevas generaciones. No dicen para la gente que se niega a ver cine en blanco y negro (ésa para la que el cine mudo no es cine) o para los espectadores que sólo quieren acción y efectos especiales. No. Eso sería perjudicial. La mentira es que actualizan las obras maestras. Y lo peor no es que lo digan con descaro, lo peor es que hay quien se lo cree.

No todo es malo en ‘Ultimátum a la Tierra’; visualmente tiene escenas llamativas y si no has visto el clásico, puede que te resulte un producto correcto para pasar el rato (vale, ¡pero haz los deberes!). Podríamos decir que, en resumidas cuentas, han pasado un filtro, con el que han quitado todo lo inteligente del guión original, para poder rellenar los huecos con monigotes (personajes los llaman) y abundantes escenas en las que los técnicos de efectos especiales puedan demostrar su valía. O dicho de otro modo, con escenas que puedan recibir el calificativo de espectaculares y rellenen un trailer que resulte atractivo para el gran público. Es verdad que hay momentos espectaculares, pero el espectador que ve cine a menudo sólo se sentirá interesado durante un par de segundos, pronto se encontrará repasando las constantes incoherencias de la historia. Por ejemplo, lo de las arcas (¿qué pretenden hacer con esos bichos?) o lo que ocurre con el policía-obstáculo.

Personalmente, me parece una película aburrida, triste, preocupante. Sí, preocupante. ¿Qué pasa con el séptimo arte? ¿Esto es lo que vende? ¿Los clásicos olvidados y sus remakes en todas partes? Si esta cosa sobre un alienígena ecologista al que le gustan las hamburguesas es lo que se entiende por un buen producto cinematográfico hoy en día, apaga y vámonos. Klaatu debería venir realmente y dar un ultimátum a Hollywood, eso es lo que debería hacer. O nosotros, como público. En fin, si lo que buscas es buen cine, afortunadamente aún se hace; sinceramente recomiendo no dejar pasar ‘El intercambio’, para mí la mejor película de 2008.

‘Ultimátum a la Tierra’ ha acaparado toda la atención en la taquilla americana (y supongo que en el resto del mundo también) este pasado fin de semana. Una puesta al día, cambiando el mensaje antimilitarista por uno ecológico, y con míster sosainas Keanu Reeves al frente del reparto. La crítica no la ha acogido demasiado bien, algo por otro lado nada sorprendente. El público que ha votado en la Imdb, como siempre, algo más benevolente. Los que no sean amigos de los remakes innecesarios, pueden contentarse con el clásico de Robert Wise.

‘Nothing Like the Holidays’ es la otra novedad en el top ten taquillero. Se trata de un producto dirigido sobre todo a una audiencia hispana, y otra película más de ambiente navideño, algo muy propicio para estas fechas. Alfred Molina encabeza el reparto del film, en el que se narra la historia de una familia de Puerto Rico residente en Chicago, tratando de pasar su última Navidad todos juntos. La crítica la ha tratado un poco mejor que al exitoso remake, y el público, en la Imdb, ni fu ni fa.

Vía | Box Office Mojo

David Fincher, de quien este mes de Diciembre nuestro compañero Gabriel está realizando un excelente análisis de su obra, es para un servidor uno de los realizadores más interesantes del cine actual. Con una filmografía de lo más sólida, lo bueno del asunto es que tendremos Fincher para rato. Su nombre va asociado a un montón de proyectos futuros, y uno de ellos es ‘Chef’, que le llevaría a dirigir a Keanu Reeves (a ver si tenemos suerte y le convierte en actor). La historia versaría sobre un prestigioso chef que, por motivos personales, desaparece del mapa. Un día, recuperado de sus problemas, decide reunir a un grupo para recuperar la fama y admiración perdidas. En el grupo estará una joven mujer de la que se enamorará.

¿David Fincher dirigirá una película que suena a comedia romántica ñoña? No me lo creo. Algún punto oscuro tiene que tener la trama, o simplemente es otro rumor infundado. Además, de ser cierto, y dado que se trata de una producción Paramount, significaría que Fincher ha limado asperezas con los directivos de la mencionada productora, a los que se enfrentó por culpa del montaje de ‘El curioso caso de Benjamin Button’. Ya veremos cómo se desenvuelve todo, y sea como fuere, el hecho de que el nombre del director de esa obra maestra llamada ‘Zodiac’ se asocie a cualquier película, es razón más que suficiente para verla.

Vía | Worstpreviews

Ya queda menos para volver a recibir el importante mensaje de Klaatu. El remake de ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day The Earth Stood Still’) tiene como fecha de estreno el próximo 12 de diciembre. Aquí os traigo los tres posters que han salido a día de hoy de este film, que, por si no lo habíais notado (ejem), está protagonizado por Keanu Reeves.

Scott Derrickson ha dirigido esta nueva versión del clásico de ciencia ficción de Robert Wise. La historia, como sabéis, gira en torno a la llegada a la Tierra de una nave extraterrestre; de su interior salen dos seres, uno con apariencia humana y otro con forma robótica. ¿Cuál es el propósito de su visita?

Junto a Reeves, que según parece (por los siete minutos que vimos) vuelve a repetir su interpretación de Neo, tenemos a Jennifer Connelly, Kathy Bates, Jon Hamm, John Cleese, Brandon T. Jackson (‘Tropic Thunder’) y Jaden Smith (el hijo de Will Smith).

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Impawards

Como sabéis, se acerca el estreno del remake de ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day The Earth Stood Still’), aquel inolvidable film de Robert Wise. Scott Derrickson toma el relevo tras la cámara y, con los populares Keanu Reeves, Jennifer Connelly y Kathy Bates en el reparto, pretende contarnos de nuevo la misma historia, la de una nave que llega a nuestro planeta, con dos tripulantes a bordo, un inteligente ser de aspecto humano y un robot tosco pero de gran poder destructivo. Traen un importante mensaje…

El primer trailer que salió tenía muy buena pinta, así que tenía bastante interés por ver este nuevo vídeo que tenéis arriba, aparecido en la televisión norteamericana recientemente, que incluye unos siete minutos de la película. No os van a desvelar nada que no sepáis ya, así que dadle al play sin miedo. Personalmente, lo que he visto me ha parecido sumamente decepcionante; muchos efectos especiales, Reeves pensando que sigue en Matrix y una huida rodada de forma lamentable. Repito, es mi opinión. Espero leer la vuestra en los comentarios. ¿Han cambiado vuestras expectativas sobre la película después de ver esta muestra de 7 minutos?

Recordemos que ‘Ultimátum a la Tierra’ (‘The Day the Earth Stood Still’) llegará a los cines el próximo 12 de diciembre.

Vía | Worstpreviews