Ya han aparecido las primeras imágenes oficiales de la nueva adaptación al cine de ‘Anna Karenina’ que está llevando a cabo Joe Wright, el director de ‘Expiación’ (‘Atonement’) o ‘Hanna’, entre otras. En estas primeras fotos podemos descubrir el aspecto que presentarán en pantalla los tres actores principales del reparto, Keira Knightley, Jude Law y Aaron Johnson (‘Kick-Ass’, ‘Albert Nobbs’); la primera encarna a la protagonista, el segundo a su marido y el tercero a su amante. Por el momento no hay fecha de estreno pero se espera que la película llegue a los cines a finales de este año, a tiempo para lograr nominaciones al Oscar.

Puede que a muchos les resulte innecesario o aburrido que se haga otra película basada en la famosa novela de León Tostói, pero la forma en la que Wright ha adaptado el material es bastante peculiar y atrevida. Toda la película se ha filmado en un solo set, un teatro construido a las afueras de Londres, donde el mundo exterior está representado por trenes de juguete y casas de muñecas. Veremos cómo queda eso en pantalla, el cineasta inglés asegura que el motivo es reflejar con mayor precisión el tema de la novela: la búsqueda de una vida auténtica. Tom Stoppard firma el guion de ‘Anna Karenina’, en la que una aristócrata infelizmente casada se enamora de un joven militar, surgiendo entre ambos un apasionado romance que no podrán mantener en secreto, provocando un escándalo social de trágicas consecuencias. Vuelvo a recomendar la película de 1935 dirigida por Clarence Brown, con Greta Garbo y Fredric March. Es en blanco y negro, pero desde ‘The Artist’ eso ha dejado de ser un problema, ¿verdad?

Galería de fotos

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PD: Emily Watson, Matthew Macfadyen, Domhnall Gleeson, Kelly Macdonald y Michelle Dockery también intervienen en el film.

Vía | FilmStage

¿Por qué esforzarnos tanto por reprimir nuestros más básicos instintos naturales?

Desde el pasado viernes ya tenemos por fin en nuestras carteleras el esperado nuevo trabajo de David Cronenberg, ‘Un método peligroso’ (‘A Dangeorus Method’), un drama histórico que fue presentado en la 68ª edición del festival de Venecia, a principios de septiembre. La película, una coproducción de Reino Unido, Alemania y Canadá que ha necesitado el apoyo de hasta 14 entidades diferentes para reunir un ajustado presupuesto de 15 millones de euros, traslada a la gran pantalla una obra teatral de Christopher Hampton, ‘The Talking Cure’ (“La cura del habla”), basada a su vez en la novela ‘A Most Dangerous Method’ (“El método más peligroso”) escrita por John Kerr. Hampton se encargó también del guion de la película, que en un principio iba a estar protagonizada por Christian Bale y Christoph Waltz; otros rodajes lo impidieron (Cronenberg ha revelado que el dinero fue una cuestión fundamental para el segundo) y finalmente sus papeles acabaron en manos de Michael Fassbender y Viggo Mortensen. Keira Knightley completa el trío protagonista.

“Estructuralmente, la película es un ménage à trois“, ha dicho Cronenberg, que a sus 68 años sigue sorprendiendo por su lucidez artística. ‘Un método peligroso’ trata, efectivamente, sobre las conflictivas y apasionantes relaciones que se establecen entre Sabina Spielrein, Carl Jung y Sigmund Freud, aunque claro, solo los dos primeros llegarán a mantener contacto sexual. La película arranca a principios del siglo pasado presentando a Sabina (Knightley), una joven rusa internada contra su voluntad en un hospital psiquiátrico, donde se convierte en paciente de Jung (Fassbender). Gracias a la aplicación del psicoanálisis, Jung consigue ayudar a Sabina, creándose durante el proceso un poderoso vínculo que el joven psiquiatra, casado y padre de una hija, intentará mantener en un nivel profesional y amistoso; lo consigue durante un tiempo. Jung comunica sus progresos al admirado Freud (Mortensen), con el que también llega a iniciar una intensa relación, como de padre e hijo. Más adelante, Sabina, interesada igualmente en el estudio de las enfermedades mentales, se acercará también a Freud, con el que compartirá ideas y reflexiones pese a la oposición inicial de un celoso Jung. Puede entenderse por tanto esta historia como un peculiar ménage à trois psicológico, donde lo principal es el intercambio de conocimientos, experiencias y ejercicios mentales, sin poder evitar durante el proceso la creación de vínculos sentimentales o emocionales, subrayando las imperfecciones de estos brillantes pensadores.

‘Un método peligroso’ es la tercera película consecutiva en la que colaboran Cronenberg y Mortensen tras ‘Una historia de violencia’ (‘A History of Violence’) y ‘Promesas del Este’ (‘Eastern Promises’), y la última de momento ya que el actor no participa en ‘Cosmopolis’, próximo estreno del realizador (adaptación de una novela de Don DeLillo con Robert Pattinson y Paul Giamatti). Como ocurre a veces con las grandes interpretaciones, Mortensen no parecía una opción lógica para el papel, pero cuando se le ve en acción, de pronto parece haber nacido para interpretarlo, no se imagino uno a otro actor en su lugar. Sencillamente, desaparece y vemos a otra persona, auténtica, con sus propios gestos, movimientos y forma de hablar. Hay planos donde se notan los trucos del maquillaje, pero nunca se agrieta la formidable interpretación de Mortensen. El Freud de la película tiene sus mismos 50 años, y según Cronenberg, no se trataba de representar la imagen más habitual, un viejo severo y amargado por el cáncer, sino la de un hombre atractivo e ingenioso, tal como lo describen los textos de la época; asimismo, era esencial reflejar el carácter tradicional del creador del psicoanálisis, en lo que se refiere a su aspecto y el trato con los demás, lo que contrasta con sus inusuales y radicales ideas. El realizador ha reconocido su admiración por Freud, porque al igual que él, señala la decisiva importancia del cuerpo (y sus orificios) en el comportamiento adulto y las relaciones con los demás.

Jung, encarnado con precisión por el igualmente camaleónico Fassbender, se siente fascinado por las mismas ideas, le excitan intelectualmente. Pero no es como Freud, no puede evitar que aflore su educación religiosa, es más joven y por tanto más impetuoso y ambicioso (su voraz apetito está relacionado con su necesidad de conocimiento), y gracias a su esposa puede permitirse lujos que no están al alcance de su mentor, lo que también influye en su actitud; poco a poco sus propias ideas le encaminan en otra dirección, lejos de Freud, al que considera limitado, y con quien llega a enfrentarse agriamente (el tramo del intercambio de cartas es algo torpe desde un punto de vista cinematográfico, pero tiene su gracia al asemejarse a las discusiones que tenemos hoy en día a través del correo electrónico). No hay lugar para extremos fáciles en el guion de Hampton ni en la visión de Cronenberg, cuando es lo habitual en el cine, así que resulta de lo más estimulante conocer a estos protagonistas encarnados por Mortensen y Fassbender, de los que tendremos opiniones cambiantes a lo largo del metraje, conforme vayan reaccionando a los eventos de la trama y exponiéndose de una manera más abierta, íntima; parecen personajes de una sola pieza en sus primeras escenas, pero de manera progresiva se revelan como seres contradictorios, vulnerables, humanos.

En su afán por resolver los enigmas de la psique humana, los investigadores son también pacientes, objetos de sus propios estudios y experimentos. Es muy interesante cómo esta búsqueda e interacción de los protagonistas los va alterando y definiendo. Mientras Jung transita en cierto modo del orden al desorden, Sabina, el personaje al que da vida Knightley, parece evolucionar en un sentido contrario. Su “transformación” es necesariamente drástica a lo largo de la película, comienza como prisionera de un trauma infantil para luego dedicarse también al psicoanálisis, hasta el punto de plantear ideas que enriquecen las investigaciones y teorías de Jung y Freud. Personalmente, no tenía mucha confianza en la labor de la actriz, a la que he visto repetirse en demasiadas películas, forzando emociones y posando, pero esta vez se ha entregado por completo; Cronenberg vuelve a mostrarse habilidoso sacando el máximo partido a sus intérpretes. Knightley demuestra gran talento con un personaje complicado, deberían ser candidata al Oscar. Al parecer, hay quien cree que sobreactúa en las escenas del hospital, opinión que Cronenberg considera una reacción lógica ante la incomodidad de las imágenes; el canadiense ha aclarado que la película se ajusta a las descripciones de la histeria femenina realizadas por Jung. Desde luego ‘Un método peligroso’ es una película incómoda, cruda, perturbadora, de poderoso impacto, de las que no se olvidan.

Pese al envoltorio de convencional melodrama romántico, estamos ante un relato complejo y arriesgado, interesado por la condición humana, la enfermedad y la sexualidad, por la fina línea que separa al animal salvaje del hombre civilizado; Cronenberg en estado puro. La historia de ‘Un método peligroso’ es la de unos individuos fascinados por los resortes de la mente y el origen de la conducta, una pasión que traspasa la pantalla, con elementos básicos como una puesta en escena inteligente (ojo al juego de puntos de vista en los planos donde se analizan sueños, recuerdos o pensamientos), unos actores comprometidos (Vincent Cassel lo borda como Otto Gross, cuyo destino parece dar respuesta en cierta manera a la cuestión de la represión de los impulsos, y Sarah Gadon no desentona como Emma Jung) y un texto bien escrito (sin menospreciar otros aspectos de la producción, como la música de Howard Shore, inspirada en la ópera ‘Sigfrido’ de Wagner, o la deliciosa fotografía de Peter Suschitzky). La excesiva lectura en off y un cierto abuso de escenas cortas en diferentes escenarios (supongo que para resumir y recortar duración) son los únicos defectos destacables de una película apasionante, quizá la obra más redonda de Cronenberg hasta la fecha.

• Especial David Cronenberg en Blogdecine:

‘Stereo’

‘Crimes of the Future’

‘Vinieron de dentro de…’

‘Rabia’

‘Fast Company’

‘Cromosoma 3’

‘Scanners… su solo pensamiento podía matar’

‘Videodrome’

‘La zona muerta’

‘La mosca’

‘Inseparables’

‘El almuerzo desnudo’

‘M. Butterfly’

‘Crash’

‘eXistenZ’

‘Spider’

‘Una historia de violencia’

-¿Quiere decir unas últimas palabras?

-Sí. Estamos todos jodidos.

Desde que vi por primera vez a Humphrey Bogart en ese traje elegante, actitud chulesca, diálogos cínicos, secos puñetazos y disparos certeros, fumador e irresistible, adoro el cine negro. El moderno western. Los relatos de solitarios antihéroes, policías corruptos, femmes fatales, mafiosos, asesinos, ladrones y todo tipo de desesperadas criaturas que buscan redención en la implacable jungla de asfalto. La irrupción del polémico y plurirreferencial Quentin Tarantino, con sus ‘Reservoir Dogs’ (en la que destaca el sabor a policiaco hongkonés) y ‘Pulp Fiction’ (a polar francés), dieron un nuevo impulso a las historias criminales en la última década del siglo XX. Muchos intentaron seguir su estela, y quizá el más afortunado fue Guy Ritchie, aportando una estética próxima al videoclip a su descarnado retrato de los bajos fondos londinenses. El caudal de imitadores no ha dejado de fluir (aquí hemos tenido a Paco Cabezas con su ‘Carne de neón’) en un intento por seguir explotando una fórmula que parece agotada, que necesita reinventarse.

Pensé que ‘London Boulevard’ seguiría en esa misma dirección, es la impresión que daba el tráiler, y aunque hay similitudes con el trabajo de Ritchie (quizá inevitables al ambientarse en el mismo escenario), en realidad se trata de un enfoque más tradicional y romántico del drama criminal. La cinta, que inexplicablemente ha llegado a nuestras carteleras con un año de retraso, supone el debut como realizador del estadounidense William Monahan, guionista de ‘Infiltrados’ (‘The Departed’, por la que ganó un Oscar) y ‘Al límite’ (‘Edge of Darkness’), entre otras. En ambas participaba Ray Winstone, que aquí interpreta el papel del típico capo mafioso elegante y despiadado, un salvaje aparentemente civilizado. El chico malo que desea cambiar de vida lo encarna Colin Farrell y la chica de turno es Keira Knightley; Ben Chaplin, David Thewlis, Anna Friel, Eddie Marsan y Stephen Graham completan el interesante reparto de ‘London Boulevard’, una película fallida, realizada con buen gusto pero que no alcanza a materializar todo lo que se propone.

Resulta curioso que un profesional que se ha labrado una (todavía corta) carrera como guionista opte por adaptar una obra ajena en su primer trabajo como director, en lugar de apostar por una historia original propia. Con eso no quiero decir que esté empezando a desconfiar del talento creativo de Monahan... bueno, algo, sí. Basada en la novela homónima de Ken Bruen, ‘London Boulevard’ se centra en Mitchel, un hombre que ha pasado tres años en prisión por un violento incidente. No tiene ninguna intención de volver a pisar la cárcel (”me pone nervioso“) así que en lugar de volver a mezclarse en turbios negocios con sus viejos colegas, se interesa por una peculiar oferta de trabajo que le surge tras salvar a una chica de un atraco. Charlotte es una estrella de cine inmersa en una crisis personal, encerrada en casa ante el acoso de los medios de comunicación, que intentan convertir su vida privada en un morboso espectáculo público. La actriz necesita protección y Mitchel es el tipo adecuado para el puesto.

La entrada del expresidiario en la vida de Charlotte permite una jugosa comparación entre dos realidades que conviven en la misma ciudad, y las dificultades a los que ambos se enfrentan; los dos desean escapar de la trampa en la que han caído por sus propios errores, pero mientras que uno se lo juega todo (Mitchel siempre habla de sobrevivir), la otra solo esquiva molestos fotógrafos. Puede resultar un tanto forzado que una joven privilegiada como Charlotte llegue siquiera a plantearse meter en su casa a un completo desconocido con pasado criminal, pero en este Londres desesperado, cruel y desquiciado que retrata Monahan, de alguna manera se hace creíble, uno llega a pensar que no hay más que mirar a los ojos, o escuchar la voz, para descubrir si alguien es o no de fiar. Mitchel transmite confianza. Con los dos guapos de la película juntos, siendo cuestión de tiempo que ella pierda el miedo y acabe compartiendo cama con su guardaespaldas, surge el gran obstáculo para la paz de Mitchel.

El problema es Gant, el criminal que controla las calles. Un adinerado psicópata (cuyos traumas florecen ante sus atemorizadas víctimas) que se adueña de las vidas de todos los que cometen el error de hacer negocios con él, o tienen la mala suerte de cruzarse en su camino. Quiere apoderarse del alma de Mitchel, y no va a aceptar una negativa. Es interesante cómo el protagonista es una especie de “lobo bueno” que cuida a los más débiles de la manada, atacando a todo el que intenta abusar de ellos. Un punto débil que Gant intentará aprovechar, como buen villano. Monahan está inspirado dibujando a los criminales, creando sus peculiares personalidades y sus diálogos, pero fracasa con la subtrama romántica. Es demasiado evidente y filma con torpeza todas las escenas acarameladas de la pareja. Tampoco ayuda la falta de química entre Farrell y Knightley, quien vuelve a ofrecer su limitado repertorio de poses y miradas; a falta de ver lo que ha extraído de ella Cronenberg, me parece una de las actrices más sobrevaloradas del planeta.

Por su parte, y exceptuando las escenas que comparte con la inglesa, la labor del irlandés es impecable, demostrando una vez más que es un intérprete con mucho potencial. Los secundarios (cabe destacar especialmente a Thewlis y Winstone), la fotografía de Chris Menges y una estupenda selección musical contribuyen a maquillar los defectos y las arritmias de una película en la que se nota demasiado el paso de los minutos. La inexperta puesta en escena de Monahan (ojo a la escena en la que Farrell ataca a Chaplin cuando éste juega al billar), la inclusión de personajes a los que no se les saca partido (el policía, el paparazzi fanático o el cirujano) y lo incoherente de algunas situaciones (¿no debería ser más complicado llegar hasta Gant?), contrarrestan las virtudes de esta ingenua e insustancial ‘London Boulevard’. Es una de esas películas que valen para pasar la tarde, sin muchas exigencias, y que se olvidan enseguida.

Mark Romanek es el realizador de ‘Nunca me abandones’ (‘Never Let Me Go’, 2010). Romanek tiene una amplia carrera como realizador de vídeos musicales, para multitud de cantantes o grupos, entre los que se hallan David Bowie, Madonna, Nine Inch Nails o Johnny Cash, para quien filmó su inolvidable versión de ‘Hurt’. Su debut cinematográfico fue la interesante aunque fallida ‘Retratos de una obsesión’ (‘One Hour Photo’, 2002). Para su segundo trabajo elige la adaptación de la novela de Kazuo Ishiguro, a quien el aburrido James Ivory ya adaptó anteriormente en la muy conocida ‘Lo que queda del día’ (‘The Remains of the Day’, 1993), y en la más reciente ‘La condesa rusa’ (‘The White Countess’, 2005) en la que el escritor japonés escribió el guión. Al igual que su ópera prima, nos ofrece un film arriesgado, distinto, atípico, características que por sí solas no convierten en buena una película; sin embargo, Romanek ha sabido dotar de personalidad propia un trabajo casi minimalista, uno de esos films en los que la estética parece —subrayo: parece— ahogarlo todo.

Pero creo que eso sería quedarse en la superficie. Tan acostumbrados como estamos en estos tiempos a que el cine deslumbre, en la mayoría de los casos, con imágenes impactantes que nos dejen con la boca abierta, ‘Nunca me abandones’ supone todo un descubrimiento. Dejando a un lado la base literaria en la que se apoya, y que obviamente dispone de unas herramientas narrativas totalmente diferentes, Romanek se desvela como uno de esos artistas que parecen comprender como nadie el uso de la imagen. La puesta en escena del film lo es absolutamente todo, y con ella el director saca un enorme provecho de lo que, en apariencia, parece una simple premisa argumental. Con una capacidad terrorífica para la síntesis, Romanek demuestra que menos es más.

‘Nunca me abandones’ —título que, dicho sea de paso, no ayuda nada a invitar a ver el film, porque aquel que no sepa nada sobre la trama, y vea el reparto de jóvenes actores, pensará que estamos ante una comedia romántica o algo por el estilo— está ambientada en una realidad paralela a la nuestra. Sin saber si es el futuro o el pasado, la humanidad ha avanzado hasta tal punto que se fabrican clones, gracias a lo cual la esperanza de vida es de 100 años. Ese carácter atemporal, o indefinido, es uno de los aciertos del film, y no sólo porque proviene de la obra literaria, sino por la capacidad visual de Romanek de vestir la película con una aureola casi onírica, sin llegar a serlo. La cámara sirve como ventana a otra realidad, en la que dentro de un contexto de ciencia ficción, se habla del ser humano, o mejor dicho, del alma del ser humano. De su capacidad para amar, crear, soñar o aceptar el cruel destino que nos espera a todos.

Romanek marca una calculada distancia hacia los personajes centrales del film, un triángulo amoroso de drásticas y desesperanzadoras consecuencias. La frialdad con la que parece tratar la trágica historia de Kathy, Tommy y Ruth no es más que nuestro punto de vista, el de nosotros que, como espectadores y lógicamente seres humanos, somos retratados en el film como algo completamente deshumanizado —la terrible secuencia de Ruth en la mesa de operaciones haciendo su último trasplante es una buena prueba de ello—, y es precisamente la narración en primera persona de Kathy la que apoya aún más esa intencionalidad. Desde los muros del internado Hailsham, en el que vemos los primeros años de los tres personajes, lejanos al mundo y sin embargo con un destino que significa prolongarlo a costa de sus vidas cuando llegue el momento, hasta la granja en la que luego vive Kathy, el conocimiento que éstos tienen del mundo exterior, el real, es mínimo. Su educación y cuidado ha girado siempre en torno a lo que son, recipientes de órganos humanos destinados a salvar las vidas de otros.

Kathy, Tommy y Ruth no entienden ni ven la vida como lo hace el ser humano. Su conocimiento se reduce al poco trato que tienen con personas normales —el episodio de Sally Hawkins—, numerosos objetos traídos del mundo exterior —tratados con mimo por la cámara de Romanek, como representaciones del paso del tiempo—, o canciones antiguas. Su limitado aprendizaje y crecimiento, marcado por sus cuidadores, se ve perturbado por la necesidad imperiosa, innata, de amar y ser amado, y es ahí donde la película alcanza sus más altas cotas de expresión. Si los androides sueñan con ovejas eléctricas, los clones de Hailsham sueñan con cumplir su destino lo más lejano en el tiempo posible. Su única baza para sobrevivir es el amor, la única baza que posee el ser humano, y al igual que nosotros, la imposibilidad de conseguir dicho sentimiento —del que hay una clara prueba a través de los siglos en el Arte— se empareja con la imposibilidad de la eternidad. El recuerdo de sus vidas será el mismo que el nuestro, el olvido.

Carey Mulligan enamora literalmente a la cámara. El gran logro de su interpretación es comprender a la perfección esa calculada distancia emocional. Como clon criado y educado en ciertas condiciones de aislamiento, Kathy y sus amigos no saben relacionarse con el mundo exterior, el lugar donde irónicamente deberían vivir. No comprenden lo que ven y tan siquiera saben interpretar un simple menú en una hamburguesería. La actriz logra un crescendo dramático en su personaje y la interiorización de sus supuestos sentimientos está perfectamente plasmada. La contención de Mulligan —a Keira Knightley, lo peor de la cinta, la dejo a un lado, aunque su elección bien podría darse por sus no aptitudes dramáticas— sumada a esa cámara fría y lejana, da lugar a una atroz desolación, aquella que marca la existencia de los personajes incluso en sus momentos más tiernos. A la maravillosa declaración de amor en el bosque me remito, con un Andrew Garfield sorprendente, ese Tommy que siempre va un paso por detrás de sus dos compañeras femeninas. Sus gritos de rebeldía, señales de su incorformismo y no entendimiento, parecen los detalles más humanos de su personalidad. La rabia como posible tabla de náufrago, al igual que las silenciosas lágrimas finales de Kathy.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Nunca me abandones’, una vida insignificante y fugaz

Tras el lanzamiento del tráiler, ya podemos echar un vistazo al cartel de ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), el nuevo y esperado trabajo de David Cronenberg. Como podéis ver, se trata de un póster en italiano, y el motivo es que la película se proyectará por primera vez en el festival de Venecia, cuya 68ª edición arranca el próximo 31 de agosto. Lamentablemente, hay que esperar hasta el 25 de noviembre para que llegue a los cines españoles.

No me encuentro entre los quedaron entusiasmados con el avance, y el cartel es de lo más convencional y soso, parece que anuncia un corriente telefilm romántico, pero aun así, ‘A Dangerous Method’ sigue siendo uno de los títulos que más me interesan de la segunda mitad del año, habiendo visto ya ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’), que llegará a los cines españoles en septiembre. Recordemos que ‘A Dangerous Method’ es una adaptación de una obra teatral de Christopher Hampton (él mismo ha escrito el guion de la película), que partía a su vez de una novela de John Kerr (‘A Most Dangerous Method’) centrada en el conflicto que enfrenta a Freud con su pupilo Jung, causado por el tratamiento con el que se intentar curar a una joven con graves problemas psicológicos. En cuanto al reparto, está encabezado por Viggo Mortensen, Michael Fassbender, Keira Knightley, Vincent Cassel, Sarah Gadon y André Hennicke, entre otros.

PD: ‘Un dios salvaje’ (Polanski), ‘Caballo de batalla’ (Spielberg) y ésta. Los tres estrenos de 2011 (en España) que espero con más ganas.

Vía | Impawards

Tras su paso por los festivales de Toronto, Roma y Tribeca, se ha estrenado esta semana ‘Sólo una noche (Last Night)’ (‘Last Night’, 2010), de Massy Tadjedin, que plantea cómo una decisión tomada en un instante puede tener consecuencias para toda la vida. Keira Knightley y Sam Worthington interpretan a un matrimonio que discute y es asaltado por los celos, pero que se aferra a su relación. Una noche, él debe viajar por trabajo y la esposa permanece sola en la ciudad. Da la casualidad de que justo entonces, reaparece un ex, Guillaume Canet, que aún siente algo por ella. Mientras tanto, Eva Mendes, una compañera de trabajo de él desplegará todas sus artes de seducción.

La idea que quiere transmitir la película es la de que puedes estar felizmente casado y plantearse cometer una infidelidad. Es decir, que trata de apelar a cualquier tipo de persona emparejada, no solo a aquellas que tienen problemas en su relación o que ya han perdido el interés por el otro, en cuyo caso, caer en el adulterio no supondría ni una sorpresa ni un conflicto moral. La idea que se introduce para demostrar esto es la de la tentación. Se buscan dos situaciones que resultarían muy tentadoras: para ella está la del antiguo amor, aún no del todo olvidado. Para él hay algo más terrenal y consabido: la tentación de la carne en forma de una mujer extremadamente sensual. Esta manera de introducir la posibilidad de la infidelidad, sin recurrir a justificaciones como el excesivo retrato negativo de uno de los cónyuges o el drama recargado, es lo más novedoso de ‘Solo una noche (Last Night)’.

La directora debutante Massy Tadjedin, guionista de ‘The Jacket’, hace un gran trabajo de dirección de actores, gracias a lo cual el film se puede apreciar como un despliegue de buenas interpretaciones en diferentes registros. Keira Knightley, Sam Worthington, Guillaume Canet y Eva Mendes lo dan todo para esta noche de dudas y impulsos. Además, Tadjedin consigue que ‘Sólo una noche (Last Night)’ tenga un aspecto elegante y aparente, gracias a la oscura fotografía, a la elección de las localizaciones o decorados y a sus decisiones de realización. Es decir, la cineasta demuestra un pulcro gusto estético a la hora de poner en imágenes estos diálogos.

Teatro filmado

Esta cuidada dirección no palia la carga teatral que tiene la película, ya que la unidad de espacio y de tiempo —transcurre en una noche, salvo por algunas escenas del inicio y hay poco cambio de lugar—, sumada a la importancia que tienen los diálogos nos hace sentir que presenciamos una obra en lugar de un film. No tengo nada contra el teatro, cuando se trata de teatro, pero personalmente, el cine me gusta que sea más cine. Aprecio más que las cosas se dejen ver o se den a entender si ser dichas y que los diálogos no recarguen tanto los metrajes. Quien disfrute de algo parecido al teatro filmado, encontrará en ‘Sólo una noche (Last Night)’ una interesante opción.

Dentro de las películas muy dialogadas, también puede haber diferentes resultados. Existen algunos magníficos ejemplos en los que lo que se dice conmueve y afecta de forma excepcional. Sin embargo, encuentro ‘Sólo una noche (Last Night)’, de algún modo, artificial. Me parece que el tono no está conseguido, ya que esa elegancia y esa importancia que la película desea cobrar, hacen que la forma de hablar de los personajes sea muy poco realista. La directora incluye personajes con la única intención de que hablen del tena principal de la película, aunque no les incumba, como si fuesen sabios que se dedican a dar lecciones a los demás. Me refiero al de Griffin Dunne, actor que, por otra parte, me encanta. Esto resulta obvio y pobre, como si la creadora no confiaba en que la situación, por si sola, ya expresase todas estas ideas.

En la vida real, las personas no hablan tanto de una manera tan seria y profunda. Es decir: no se suele ir tan al grano en cuanto a los problemas y nadie tiene tan claro lo que siente o sueña como para hablar de ello abiertamente. Se eluden los temas, se miente, al otro o a uno mismo, cuesta expresar lo que se siente… Se habla de nimiedades para hacer pasar el tiempo o para disimular. Y unos diálogos escritos con auténtica maestría, habrían sabido hacer llegar los significados profundos a través de esas cotidianeidades.

El final

Como decía, la película transcurre a lo largo de una noche. Durante todo este tiempo, se está sosteniendo, de forma muy forzada, la incertidumbre de lo que podría ocurrir. Se estira el desarrollo para retrasar el desenlace lo máximo posible, aprovechándose del montaje en paralelo, como haría cualquier serie televisiva. Esta excesiva dilación de la tensión y esta suspensión de la resolución podrían tener un sentido si de verdad tuviésemos la duda de cómo van a comportarse al final, si hubiese una curiosidad que sostuviese el interés del espectador durante este tiempo. Sin embargo, no existe tal incertidumbre.

Por otro lado, la película acaba donde podría comenzar. Me resultaría mucho más interesante ver todo lo que puede o no ocurrir a partir del momento en el que la pantalla se queda en negro que lo que ha habido hasta ahí. Lo que nos ha contado, en mi opinión, es un preámbulo necesario, un planteamiento. Y la película está a continuación.

En cuanto al tema moral y a las cuestiones de pareja, que es lo de lo que se trata, el saber si realmente se acuesta o no con este hombre no es importante, ya que la infidelidad está cometida haya o no haya sexo. Si ella está enamorada de otro, da igual que no se acueste, pues ya está siendo infiel. Además, está jugando también con este otro hombre, con el que pasa toda una noche para finalmente decirle que no, lo cual no borda un retrato femenino especialmente halagador.

Conclusión

Es posible que nos encontremos ante una cinta muy adulta y sea yo quien no encaja en este tipo de cine, que no sea para mí. Reconozco que se le pueden encontrar alicientes a ‘Sólo una noche (Last Night)’ que yo no he visto. Por lo tanto, no quiero cargármela sin más ni decir que no la recomiendo. Como mi opinión y nada más que como eso quedan estas consideraciones y las siguientes estrellas. Si indico que no me gustó un film de este jaez y de una supuesta mayor categoría, como era ‘Closer’, puede servir como dato para imaginar si se compartirá o no mi opinión sobre la que nos ocupa.

Mi puntuación:

Como ya sabréis, los estrenos de cine se adelantan a mañana en nuestro país. Y aparte de ‘Resacón 2: ¡ahora en Tailandia!’ (‘The Hangover Part II’, 2011), que imagino que es la que iréis a ver la mayoría, también hay otras novedades sin tantas aspiraciones comerciales (y no por ello mejores ni peores, claro está). Una de esas producciones que no creo que lleguen a ser éxitos de público pero que pueden resultar interesantes es el drama romántico ‘Last Night’ (2010), titulada aquí como ‘Sólo una noche (Last Night)’ por los de Vértice Cine. En esta entrada tenéis el cartel y el tráiler para España de este film que ha escrito y dirigido Massy Tadjedin, siendo éste su primer trabajo como realizadora.

‘Sólo una noche (Last Night)’ es una coproducción entre Estados Unidos y Francia que gira en torno a la infidelidad en un joven matrimonio. Joanna y Michael son felices, parecen tenerlo todo, pero su confortable vida da un vuelco cuando la mujer cree presenciar algo entre su marido y una atractiva compañera de trabajo; con la semilla de la duda plantada en su corazón, Joanna comenzará a replanteárselo todo tras encontrarse casualmente con Alex, su primer amor. La película está protagonizada por Sam Worthington, Keira Knightley, Eva Mendes y Guillaume Canet, entre otros, siendo su principal gancho de cara a la taquilla, aunque no sé yo si el público que llena las salas sentirá curiosidad por ver a Worthington sin estar pintado de azul y a Knightley sin corsé, en una historia ambientada en la actualidad. Lo descubriremos la semana que viene.

PD: Clint Mansell firma la música. Él también tiene que comer.

Vía | Labutaca

¿Cuántas veces habéis oído esa frase de «no me acostaría contigo, aunque fuésemos los dos únicos seres humanos sobre la faz de la Tierra y tuviésemos que repoblar la especie»? No, no me refiero a que la hayáis oído dirigida a vosotros, sino en el cine y en la televisión.

Bueno, pues parece que más o menos de eso irá la película que podrían protagonizar Steve Carell y Keira Knightley. ‘Seeking a Friend for the End of the World’ (buscando un amigo para el fin del mundo) nos mostrará a la raza humana asimilando el inevitable hecho de que un asteroide nos va a liquidar. No me extraña que una pareja tan desigual surja solo en esas circunstancias.

Carell interpretará a un hombre cuya esposa, que ha huido aterrada ante la idea del fin del mundo, lo llama para pedirle que esté con ella en las últimas horas que les quedan. El viaje de este marido se verá complicado cuando su vecina, a quien encarnaría Knightley —si finalmente firma el contrato—, se une a él y durante el trayecto surgen sentimientos entre ellos dos.

Lorene Scafaria, actriz, compositora de canciones y guionista de ‘Nick & Norah: Una noche de música y amor’ (‘Nick and Norah’s Infinite Playlist’) y de ‘Man and Wife’, debuta como directora con esta película que se espera que tenga un tono romántico y cómico.

Es curioso que se haya comparado con ‘Last Night’ (1998), de Don McKellar, porque Knightley rodó en 2008 una película del mismo título, ‘Last Night’, dirigida por Massy Tadjedin, que probablemente se estrenará en nuestro país dentro de poco, pues acaba de aparecer en varios países europeos.

La producción de ‘Seeking a Friend for the End of the World’ comenzará en mayo, pero aún no hay fechas previstas ni para el rodaje ni para el estreno.

Vía Deadline.

Concluido su trabajo con ‘Hanna’, su primer film de acción, Joe Wright vuelve al drama de origen literario. El realizador inglés, nominado al BAFTA y al Globo de Oro por ‘Expiación’ (‘Atonement’, 2007), está preparando el que será su quinto largometraje, una nueva adaptación de ‘Ana Karenina’ (‘Анна Каренина’, 1877), el clásico de León Tostói. En principio, la idea es comenzar el rodaje este próximo otoño.

A falta de más nombres para el reparto, ya es seguro que Keira Knightley dará vida a la protagonista, y se sabe que Jude Law y Aaron Johnson (‘Kick-Ass’) serán los dos próximos fichajes; aunque se desconoce qué papeles les ha ofrecido Wright, se supone que son los otros dos principales, el marido y el amante de Ana, respectivamente. Supongo que no es casualidad que estos tres actores también nacieran en Inglaterra.

El dramaturgo Tom Stoppard (británico de origen checo) ha sido el encargado de escribir el guion de la nueva versión de una extensa novela, que ya ha sido llevada al cine y la televisión en numerosas ocasiones, siendo probablemente la adaptación más famosa la protagonizada por Greta Garbo y Fredric March en 1935. Para los que no conozcan el argumento, se centra en una aristócrata infelizmente casada que se enamora de un militar, surgiendo entre ambos un apasionado romance que no podrán mantener en secreto, provocando un escándalo social que marcará el destino de los amantes.

PD: Knightley protagonizó las dos primeras películas de Wright, ‘Orgullo y prejuicio’ (‘Pride & Prejudice’, 2005) y ‘Expiación’.

Vía | ComingSoon

A principios de 2009 os comenté que el guionista estadounidense William Monahan (ganador del Oscar por ‘Infiltrados’) estaba preparando su debut como director; ahora ya podemos echar un primer vistazo a lo que ha realizado. Ahí arriba tenéis el tráiler de ‘London Boulevard’, cine negro protagonizado por Colin Farrell y Keira Knightley. No está mal el vídeo, un caramelo para los que somos aficionados a las historias criminales, pero tengo que decirlo: huele demasiado a Guy Ritchie. No es del todo malo, a la española ‘Carne de neón’ también le pasa y es una película muy entretenida, pero parece que se está convirtiendo en una moda, con los mismos personajes, los mismos diálogos, la misma estética y los mismos giros, y eso ya no tiene nada de bueno. En todo caso habrá que comprobarlo, puede que sólo sea cosa del tráiler.

Escrita por el propio Monahan, que ha adaptado la novela homónima de Ken Bruen, ‘London Boulevard’ gira en torno a un criminal del sur de Londres que tras salir de prisión intenta dejar atrás su pasado atrás y comenzar una nueva vida, para lo cual se convertirá en el protector de una joven y famosa actriz; una decisión que le ocasionará más problemas de los que esperaba. Además de Farrell y Knightley, el reparto se completa con Ben Chaplin, Ray Winstone, David Thewlis, Stephen Graham, Anna Friel, Eddie Marsan y Jamie Campbell Bower, entre otros. La película estará en los cines a finales de noviembre en Reino Unido, por ahora no hay fecha para otros países.

PD: De la banda sonora se ha encargado el británico Sergio Pizzorno.