“¿Quieres un cigarrillo? Nunca se es demasiado joven para empezar” – Diácono (Dennis Hopper)

En los tumultuosos y en cierta forma fascinantes años noventa (en los que hubo de todo, bueno y malo) las aventuras creadas desde Hollywood fueron convirtiéndose en eventos mastodónticos cada vez más caros y dependientes del márketing para asegurarse la inversión y la aceptación del público masivo, aunque en pocos casos se alcanzó un consenso respecto a su alcance y su validez. Uno de los casos más célebres fue el de ‘Waterworld’ (íd, Kevin Reynolds, 1995), cuyo rodaje fue ampliamente publicitado como una cadena de desastres sin fin, y su estreno se vio oscurecido por multitud de prejuicios y comentarios despectivos, la mayoría provenientes de la prensa norteamericana, dedicada a derribar a la superestrella que por aquel entonces era Kevin Costner. Desgraciadamente, los prejuicios con películas bastante dignas y hasta notables se han ido generalizando en los últimos años (y ahora, con internet, muchísimo más) y han provocado un desprecio a todas luces inmerecido hacia obras que seguramente debían haber recibido otro trato, como le ocurre a esta película dirigida por el artesano Kevin Reynolds.

Las “razones” para vilipendiar esta más que interesante película de aventuras fueron tan peregrinas como que era un “Mad Max en el mar”, “una infantil película apocalíptica” o “una muestra del monstruoso ego de su estrella y productor”. Demasiado acostumbrado estoy a que se desprecien películas más que válidas sin emplear absolutamente ningún argumento (mientras se ensalzan sin rubor, y también sin argumentos, otras que no pasan de correctas, o que incluso son aburridísimas), pero debo confesar que acudí al cine sin ninguna esperanza de ver algo decente, y salí más que satisfecho con una aventura violenta, a ratos salvaje, luminosa, por momentos hasta dionisíaca, siempre divertida y con secuencias de acción memorables, que lograba un precario equilibrio entre la ciencia ficción y la fantasía, entre lo adulto y lo juvenil, y que aunque empleaba una serie de arquetipos del cine de aventuras, era capaz de no caer en los tópicos y no se daba demasiadas facilidades a la hora de crear espectáculo y asombro en el espectador. Y yo creo que muchos espectadores supieron agradecer un esfuerzo narrativo de aventuras como éste.

El director Reynolds nunca será un hombre célebre en la industria. A sus casi sesenta años, este tejano no posee una trayectoria demasiado larga, pero es un realizador más que sólido, aunque haya dirigido el peor Robin Hood de la historia (con permiso del horrendo de Ridley Scott). Pero en su ‘Rapa Nui’ (íd, 1994) se percibía a un cineasta con buen ojo, intenso y hasta épico, y en su valiente adaptación de ‘El conde de Montecristo’ (‘The Count of Monte Cristo’, 2002), aunque con sus sombras, daba muestras de su solidez y de su fuerza expresiva para el cine de aventuras. En el proyecto que hoy nos ocupa, parece ser que los problemas fueron muchos y casi insalvables. Al ser una producción con decorados tan enormes, con efectos especiales casi en cada plano, con muchos extras y complicaciones, Reynolds se vio al límite de sus fuerzas, y cuentan que en muchas secuencias hubo de ser ayudado por el propio Costner (aunque las mala lenguas hablan de enemistades y egos…). Sea como fuere, ésta película se sitúa bastante por encima de la media de aventuras, aunque sólo sea por su carácter casi suicida, y por proponer una peripecia sensorial tan vasta.

Un mundo devastado

Todos conocemos el trasfondo de la película: con el calentamiento global (que incluso en ese momento se veía como una especulación sin base científica, parece mentira) se derriten los polos y el nivel del mar sube drasticamente, inundando gran parte de la superficie terrestre. Así las cosas, con el derrumbe de la civilización y con la necesidad de vivir sobre barcos y ciudades flotantes, la humanidad se ha dispersado en tribus y grupos de bandidos, y se ha reinstaurado la ley del más fuerte. Como premisa inicial, me parece insuperable. Pero es que además, Reynolds, Costner y sus guionistas Peter Rader y David Twohy aprovechan esta idea para establecer una parábola ecologista respecto al mundo real, para hablarnos de la dependencia de nuestra tecnología hacia el petróleo, y para, de paso, desmelenarse en plan gamberro con los Smokers, la banda de forajidos más mugrienta y divertida que conozco, comandada por el villano más trastornado en bastantes años de cine, el inolvidable Diácono (Deacon en el original), una suerte de fusión entre un pirata, idealista, genial orador y líder espiritual, y tirano mefistofélico, parche incluído.

En oposición, claro, el gran héroe, al que se le da el nombre genérico de Mariner. Un tipo solitario, silencioso y hábil, que sobrevive por su cuenta, que nada debe a nadie y que, en su condición de mutante capaz de respirar bajo el agua, se sabe un apestado y un paria eterno en un mundo en que el salitre y la hipocresía (tan parecido al nuestro) lo devora todo. Como en muchos relatos de aventuras, será héroe a su pesar, cuando se descubra a sí mismo mucho menos cínico de lo que creía y capaz de sacrificar su tranquilidad por asegurar la supervivencia de otros seres humanos. Me parece bastante hermosa la relación de amistad que le unirá con la niña Enola (interpretada con gran valentía y astucia por Tina Majorino) y la compleja, sensual y difícil que mantiene con su madre adoptiva Helen (una como siempre sólida e interesante Jeanne Tripplehorn). Creo que Costner le echó bastantes redaños para componer y dar vida a este anti-héroe romántico, en la mejor tradición de aventureros que, como Conan, como Jubei, como Mad Max o Han Solo, terminan involucrándose en los problemas ajenos al margen de su propio beneficio. Aunque eso sí, se llevó muchos palos por esta interpretación y algunos comentarios insultantes y agresivos. No es el mejor héroe de acción pero cumple con eficacia.

Pero definitivamente el rey de la función es el añorado Dennis Hopper, más desaforado y salvaje que nunca, en un bombón de personaje que alterna entre lo grandioso y lo grotesco. Se nota que este genio de la interpretación histriónica se lo pasó en grande interpretando al villano de la función. Además él tiene las mejores frases, los momentos más divertidos y desaforados, y Reynolds le entrega la cámara sin ningún rubor para que se luzca en todo su esplendor. Por lo demás, el director narra con un gran sentido de la épica y la atmósfera, y sabe poner la quinta marcha cuando es necesario, y ofrecer también momentos tenebrosos y hasta románticos. Ayudado por una fotografía espléndida del gran operador Dean Semler (cuya irregular carrera no desmerece su buen gusto y su capacidad para usar el scope) y por un diseño de producción realmente meritorio de Dennis Gassner (diseñador que tiene maravillas en su trayectoria profesional, como ‘Camino a la perdición’ (‘Road to Perdition’, Sam Mendes, 2002) y otras), todos ellos entregados a proporcionarnos un viaje emocionante, con una conclusión agridulce y la sensación de haber visto un proyecto casi único, en lo bueno, que es bastante, y en sus partes más convencionales, que se le perdonan por el tremendo coraje con que está hecha.

Conclusión

Notable película de aventuras, emocionante, divertida y sorprendente, que no descubre ningún Mediterráneo ni propone cosas descabelladas narrativamente, pero que se ve más que bien las veces que haga falta y que, más de tres lustros después de hecha, soporta el paso del tiempo con entereza y vigor. Para la siguiente entrega de este ciclo, una aventura muy diferente, mucho más intelectual y psicológica, que pasó casi desapercibida en el momento de su estreno.

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Es obvio que todas los proyectos en los que se embarca Quentin Tarantino generan una gran expectación. Pero reconozco que con ‘Django Unchained’ parece que la cosa aún se ha disparado más. Puede ser la historia, puede ser el constante goteo de nombres que se vienen barajando para protagonizarla, pero el caso es que no cesa de acaparar atención.

Ahora es el nombre de Kevin Costner el que suena para acompañar a Leonardo DiCaprio en el lado de los villanos de turno. Costner es una estrella en claro declive desde hace años, pero no deja de tener un nombre de peso y si lo unimos al bueno ojo de Tarantino en sus castings, la cosa promete. Además es todo un especialista en sacar el máximo partido a estrellas cuyo esplendor parece quedar atrás. Y si no que se lo digan a John Travolta en ‘Pulp Fiction’.

Es por tanto el nombre de Kevin Costner todo un estímulo a sumar para los que admiramos a Tarantino. Eso sí, su papel es muy secundario pero parece una gran elección para convertir ‘Django Unchained’ en nuevo hit del director.

Vía | The Playlist

Después del palo brutal sobre el ánimo que supone ‘Inside Job’ —de la que conozco a gente que se ha tenido que salir, pero no porque no compartiese la idea, sino por compartirla demasiado y sentirse abrumada—, nos ha llegado, con mes y pico de retraso sobre la fecha inicial de estreno, ‘The Company Men’, la versión en ficción del tema que trata el documental.

Protagonizada por Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Chris Cooper y Kevin Costner, ‘The Company Men’, de John Wells, nos cuenta que Bobby Walker vive el sueño americano: tiene un gran trabajo, una hermosa familia y un deslumbrante Porsche en el garaje. Cuando la política de reducción de personal lo deja a él y a sus compañeros Phil Woodward y Gene McClary sin trabajo, los tres hombres se ven obligados a redefinir sus vidas como hombres, como maridos y como padres de familia.

La ficción no es necesariamente una manera peor de hacer llegar ideas u opiniones ni de demostrar realidades. De hecho, particularmente, si me dan a elegir, siempre escogería la ficción. Sin embargo, ‘The Company Men’ resulta una opción ligera en comparación con ‘Inside Job’, tan ligera que casi se podría decir que se queda en nada. Pero este film no pierde solo en una comparación, sino que ya me resultó algo blanda habiéndola visto antes que el documental de Charles Ferguson.

No quiero decir con ello que ‘The Company Men’ carezca por completo de carga crítica. Tiene la capacidad de indignar más de una vez, especialmente en su inicio. Obliga —o por lo menos a algunos nos ocurrió— a gritar insultos descarnados a la pantalla y, en algunos instantes, se convierte en una película de terror. Dirige varios reproches a las decisiones financieras y demuestra claramente, sin disimulos, que muchas veces los despidos multitudinarios son solo una de las maneras de ahorrar, no la única.

Es su final lo que hace que, en conclusión, la crítica no resulte excesivamente fuerte, a pesar de que el planteamiento sí había ido en esa dirección. (Spoiler) El happy ending, de alguna manera muy norteamericano en el sentido de que se plantea heroico y triunfal, me parece que impide que se perciba la crisis y que provoca que sea difícil entender cuál es el mensaje. Casi parece que les hubiesen dado una oportunidad de mejorar o de rehacer sus vidas… a casi todos, claro. (Fin del spoiler).

En su aspecto estético, ‘The Company Men’ resulta aparente, ya que su realizador hace una elección de planos que se podría calificar de «elegante». Eso, sumado a un gran diseño de producción y al renombre de sus intérpretes, nos completa el look de una gran película, mayor de lo que supone en realidad su contenido.

Personajes

En cuanto a los personajes, ‘The Company Men’ tiene la habilidad de presentar a tres o cuatro para mostrar con cada uno de ellos una actitud diferente ante el despido, que no adelantaré para no destripar el contenido.

Sin embargo, ya que se trata de un film de personajes, eché de menos que en el terreno psicológico hubiese habido una exploración más profunda, que reflejase con mayor acierto lo que siente alguien que lleva una gran parte de su vida en una empresa cuando tiene que tomar caminos distintos. El único personaje que sufre una ligera evolución es el de Affleck, pero falta valentía a la hora de presentarlo en el inicio como un auténtico capullo para desde ahí crear ese cambio. Debido a un tratamiento edulcorado en exceso, su orgullo masculino se queda corto con respecto al retrato que el autor supongo que ha intentado crear de partida para de ahí provocarle esa transformación.

Por otra parte, la empatía se me antoja difícil cuando veo el nivel de vida al que se habían acostumbrado estas personas y la cantidad de gastos superfluos e innecesarios que generaban. Tal es la exageración, que casi me hacía pensar que era lógico que llegase la recesión. Si se hubiese incluido entre los despedidos a personas de verdadero bajo nivel económico, considero que habría sido más fácil entender por lo que estaban pasando, claro que entonces ya no serían «hombres de empresa», traducción del título que aquí no se ha dado.

Conclusión

En definitiva, ‘The Company Men’ se queda a medias entre el film protesta y la película intimista sobre una crisis económica mundial que se transforma en una crisis personal. Es bastante frecuente, como recurso narrativo, poner una realidad o una idea en forma de historia humana que luego se extrapolaría a ese concepto global. En esos casos, no es necesario convertirla en otra cosa y dejar de lado la premisa inicial. Pero eso es lo que parece que le ha ocurrido a Wells, autor del guion de su película, durante la escritura. Sé que probablemente haya sido por responder a requisitos comerciales, pero me da la sensación de que se hubiese enamorado de sus personajes a medida que escribía y que hayan sido ellos y no el autor, quienes hayan tomado la pluma para terminar la película y para definirse a sí mismos, ambas cosas con excesiva complacencia. Que los personajes cobren vida en la escriturana supone una actitud comprensible y casi siempre positiva, pero que, si no se controla, puede acabar con las intenciones iniciales y llevar la película a otro terreno.

Otra crítica en Blogdecine | ‘The Company Men’, la crisis a medias tintas, por Alberto Abuin.

Mi puntuación:

Tarde o temprano la crisis financiera mundial iba a repercutir temáticamente en el séptimo arte. Hace poco nos llegaba ‘Inside Job’, documental que no deja títere con cabeza con respecto a la situación. Este ‘The Company Men’ (id, John Wells, 2010) nos llega con algo de retraso, y su argumento es claramente actual, pero al mismo tiempo atemporal. Quedarse sin trabajo es algo que puede suceder a cualquier edad y en cualquier situación. Es por eso que el film no incide en las causas de la crisis, sino en las consecuencias que ésta tiene sobre un grupo de hombres que, en cierto modo, representan distintas clases sociales. Por un lado dos ejecutivos con un tren de vida bastante alto, pero al fin y al cabo peones en una empresa, fácilmente prescindibles. Uno, 17 años en la misma, el otro, 30, toda una vida. La diferencia es abismal.

En otro ámbito tenemos al que está por encima de ellos, otro ejecutivo con un tren de vida aún mayor. Un personaje que a pesar de estar en contra de los despidos de la empresa, tiene que tragar con ello. Y por último, alejado de ese tipo de vida casi de millonarios, nos encontramos con un carpintero, representante de la clase media, del currante de a pie, al que también toca la crisis. Cuatro formas de entender la vida y los problemas que ésta saca al paso. Como maestro de ceremonias, John Wells, adaptando material propio, y que se estrena en la dirección de largometrajes con ‘The Company Men’, tras una fructífera carrera como escritor, y a veces realizador, de numerosas y conocidas series de televisión.

Precisamente la procedencia de Wells del mundo televisivo se nota en su ópera prima, que afortunadamente cuenta con una soberbia fotografía de Roger Deakins —el director de fotografía maldito, ya que parece que nunca le van a dar un Oscar, premio que se merece desde hace tiempo— que hace que el aspecto visual del film se aleje un poco del típico telefilm de sobremesa. No obstante, medios y primeros planos denotan cierta impersonalidad en la puesta en escena, porque quizá Wells se centra más en los personajes, uno de los aciertos del film. Si el resto de películas estadounidenses se pararan en los personajes, como hace ‘The Company Men’, otro gallo cantaría. No necesitamos análisis profundos del ser humano y su complejidad psicológica, tan sólo un mínimo de entidad en los protagonistas de las historias que circulan por delante de nuestros ojos. Y de eso aquí hay bastante.

Para ello Wells se codea con un elenco de actores realmente envidiable, sin duda lo mejor de la película, a excepción, naturalmente, de Ben Affleck. El actor, que en realidad debería dedicar más tiempo a sus habilidades como director, se esfuerza realmente por interpretar con convicción al personaje central de la historia. Pero lo cierto es que su personaje pinta mejor sobre el papel que en pantalla, está tan bien escrito y tiene su función tan bien diseñada, que no importa que Affleck sea un cara cartón incapaz de dotar de emoción a su rol. Sin lugar a duda el mérito es de Wells, y trata por igual al resto de personajes, aunque éstos ganan bastante al estar interpretados por actores mucho más solventes que Affleck. Desde unos más que perfectos Tommy Lee Jones y Chris Cooper, hasta un muy convincente Kevin Costner, actor que hace como los vinos, pasando por un olvidado pero siempre eficiente Craig T. Nelson, que aquí tiene el cometido de dar vida al insensible jefe de la empresa que para solucionar sus “problemas” pone en la calle a un montón de gente.

Y todos ellos respiran verdad, a pesar de que el interpretado por Tommy Lee Jones resulte un poco increíble. Dicho rol, demasiado bienintencionado, se empareja con el tramo final del film, incoherente con el resto de la película. Uno no tiene nada en contra de los finales esperanzadores, siempre y cuando el tono del film siga siendo el mismo, y no resulte o parezca impostado o metido a calzador. ‘The Company Men’ es muy realista la mayor parte de su metraje, y al final poco le falta para convertirse en un cuento de hadas en el que todo es de color rosa. Una forma demasiado fácil de compensar todo lo visto hasta ese instante, que si bien rehuye en todo momento la polémica, sin meter el dedo en la llaga de una crisis que afecta a demasiada gente, sí supone un film dinámico y entretenido, que nos habla de cosas tan importantes como la familia, los amigos y la humildad, aunque por momentos desprende cierta ingenuidad.

‘The Company Men’ ha pasado desapercibida, o casi, en los cines estadounidenses. Imagino que en nuestras pantallas está corriendo la misma suerte. Tal vez nadie quiere que le recuerden la penosa situación actual que tantos quebraderos de cabeza está dando en todos los campos. Muchos querrán ir al cine a ver historias fantasiosas, o simplemente que la ficción les haga olvidar su mísera existencia. La película de Wells establece un lazo entre ambas cosas, y tal vez ése sea su talón de Aquiles, al quedarse un poco en tierra de nadie. Con todo, propuesta más que decente en la más que alicaída cartelera cinematográfica

‘Thor’

Dirección: Kenneth Branagh. País: USA. Año: 2011. Duración: 121 min. Género: Acción, aventuras, fantástico. Interpretación: Chris Hemsworth (Thor), Anthony Hopkins (Odín), Natalie Portman (Jane Foster), Kat Dennings (Darcy), Idris Elba (Heimdall), Stellan Skarsgård (profesor Andrews), Ray Stevenson (Volstagg), Tom Hiddleston (Loki), Colm Feore (rey Laufey), Rene Russo (Frigga), Clark Gregg (agente Phil Coulson), Jaimie Alaxandder (Sif), Josh Dallas (Fandral). Guión: Ashley Miller, Zack Stentz y Don Payne; basado en un argumento de J. Michael Straczynski y Mark Protosevich; a partir de los personajes de los cómics de Stan Lee, Larry Lieber y Jack Kirby. Producción: Kevin Feige. Música: Patrick Doyle. Fotografía: Haris Zambarloukos. Montaje: Paul Rubell. Diseño de producción: Bo Welch. Vestuario: Alexandra Byrne. Distribuidora: Paramount Pictures Spain.

Sinopsis: En el centro de la historia está el Poderoso Thor, un poderoso pero arrogante guerrero cuyos imprudentes actos reavivan una antigua guerra. Como consecuencia, Thor es castigado a ser enviado a la Tierra, donde se ve obligado a vivir entre humanos. Cuando el villano más peligroso de su mundo envía a las fuerzas más oscuras de Asgard, Thor aprende lo que hace falta para ser un verdadero héroe, sobre todo cuando un temible villano de Asgard aparece en nuestro mundo con la intención de conquistarlo.

¿Qué podemos esperar?: Como mínimo un entretenimiento de primera, y que Marvel no le haya cortado las alas a Branagh.

‘Año bisiesto’

Dirección: Michael Rowe. País: México. Año: 2010. Duración: 92 min. Género: Drama. Interpretación: Mónica del Carmen (Laura), Gustavo Sánchez Parra (Arturo), Marco Zapata (Raúl). Guión: Michael Rowe y Lucía Carreras. Producción: Edher Campos y Luis Salinas. Fotografía: Juan Manuel Sepúlveda. Montaje: Óscar Figueroa Jara. Dirección atística: Alisarine Ducolomb. Vestuario: Adolfo Cruz Mateo. Distribuidora: Golem.

Sinopsis: Laura tiene 25 años, es periodista, está soltera y vive en un apartamento en México D.F. Después de una larga serie de aventuras amorosas sin futuro, conoce a Arturo. La primera vez que hacen el amor, los gestos de Arturo la conmueven profundamente. Entonces comienza una relación intensa, apasionada y sexual en la que se mezclan el placer, el dolor y el amor. Pasan los días, que Laura tacha uno a uno en un calendario, y el pasado de la mujer vuelve a surgir, acosando a Arturo.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta en la relación y demuestre que una situación de tres nunca es buena, al menos emocionalmente.

‘El vuelo del tren’

Dirección y guion: Paco Torres. País: España. Año: 2011. Duración: 80 min. Género: Drama. Interpretación: Patricia García Méndez (Blanca), Miriam García (Aran), Juan Motilla (Cometa), Julio Jordán (Super), Juan Martín (Talo), Viviane Araújo (Aamori), María Alfonsa Rosso (anciana), Yailene Sierra (doctora), Carla Antonelli (Aurora). Producción: Filomeno Martínez de Aspe, Juan de Chiclana, Carlos de Chiclana y Paco Torres. Música: Jesús Cayuela. Fotografía: Juan Carlos Lausín. Montaje: Marino García y Carlos Prieto. Vestuario: Eunice García. Distribuidora: Karma Films.

Sinopsis: Cuando le comunican a Blanca, una madre soltera, que su hija ha recaído en la leucemia y tiene que volver al hospital para seguir un tratamiento intensivo de curación, se da cuenta que debe entregarse en cuerpo y alma a su hija, para apoyarla en la lucha contra la enfermedad. Una lucha que llevará a madre e hija a un acercamiento compartido, donde Blanca descubre la forma de ayudar a su hija aprendiendo de los pequeños detalles, de la gente que sufre en la calle, averiguando que las cosas son lo que uno quiere que sean, convirtiendo la fragilidad en fuerza, y la adversidad y el dolor en esperanza.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta y ahuyente la leucemia a martillazos.

‘Fast & Furious 5’

Título original: Fast five. Dirección: Justin Lin. País: USA. Año: 2011. Duración: 130 min. Género: Acción. Interpretación: Vin Diesel (Dom Toretto), Paul Walker (Brian O’Conner), Dwayne Johnson (Luke Hobbs), Jordana Brewster (Mia), Tyrese Gibson (Roman), Chris “Ludacris” Bridges (Tej), Elsa Pataky (Elena), Joaquim de Almeida (Reyes), Gal Gadot (Gisele), Matt Schulze (Vincent). Guion: Chris Morgan; basado en los personajes creados por Gary Scott Thompson. Producción: Vin Diesel, Michael Fottrell y Neal H. Moritz. Música: Brian Tyler. Fotografía: Stephen F. Windon. Montaje: Kelly Matsumoto, Christian Wagner y Fred Raskin. Diseño de producción: Peter Wenham. Vestuario: Sanja Milkovic Hays. Distribuidora: Universal Pictures International Spain.

Sinopsis: Brian y Mia Toretto han conseguido sacar a Dom de la cárcel y han tenido que cruzar muchas fronteras para eludir a la policía. Pero ahora están acorralados en Río de Janeiro y no tienen otra opción que dar un último golpe si quieren recuperar la libertad. ¿De qué se trata? Reunir a un equipo de élite formado por sus amigos para realizar un robo imposible por valor de cien millones de dólares. Dom y Brian saben que su única posibilidad es dejar al descubierto el negocio del empresario corrupto que quiere verlos muertos. Pero no es el único que les sigue la pista, el agente Luke Hobbs nunca falla. Cuando le encargan que encuentre a Dom y a Brian, él y su equipo especial se lanzan a la caza. Mientras sus hombres siguen cualquier pista, Hobbs no tarda en darse cuenta de que no puede diferenciar entre los buenos y los malos. No le queda más remedio que fiarse de su instinto para acorralar a la presa… antes de que otro se encargue de matarla.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta a repartir mamporros a diestro y siniestro para que estos cabezas cuadradas sepan lo que es bueno.

‘La marca del ángel’

Título original: L’empreinte de l’ange. Dirección: Safy Nebbou. País: Francia. Año: 2008. Duración: 105 min. Género: Drama. Interpretación: Catherine Frot (Elsa), Sandrine Bonnaire (Claire), Wladimir Yordanoff (Bernard), Antoine Chappey (Antoine), Michel Aumont (Alain), Michèle Moretti (Colette), Sophie Quinton (Laurence). Guion: Safy Nebbou y Cyril Gomez-Mathieu. Producción: Michel Saint-Jean. Música: Hugues Tabar-Nouval. Fotografía: Éric Guichard. Montaje: Bernard Sasia. Dirección artística: Cyril Gomez-Mathieu. Distribuidora: Sherlock Films.

Sinopsis: Elsa, una mujer de mediana edad, recién divorciada y a cargo de su único hijo, Thomas, acude a recoger a éste a una fiesta de cumpleaños organizada en la casa de un amigo de la escuela. Entre todos los niños que juegan por la casa, Elsa repara en una niña de siete años cuya existencia la atormentará a partir de ese momento, cambiando la vida de su familia y la de los padres de la misteriosa niña para siempre.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta para descubrir que la niña en realidad se ha escapado de su planeta.

‘No tengas miedo’

Dirección: Montxo Armendáriz. País: España. Año: 2011. Duración: 89 min. Género: Drama. Interpretación: Michelle Jenner (Silvia), Lluís Homar (padre de Silvia), Belén Rueda (madre de Silvia), Nuria Gago (Maite), Rubén Ochandiano (Toni), Cristina Plazas (psicóloga), Javier Pereira (Víctor). Guion: Montxo Armendáriz; basado en un argumento de Montxo Armendáriz y María Laura Gargarella. Producción ejecutiva: Puy Oria. Fotografía: Álex Catalán. Montaje: Fernando Franco. Dirección artística: Julio Torrecilla. Vestuario: Nereida Bonmatí. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Silvia es una joven marcada por una oscura infancia. Con apenas 25 años decide rehacer su vida y enfrentarse a las personas, sentimientos y emociones que la mantienen ligada al pasado. Y en su lucha contra la adversidad, contra sí misma, irá aprendiendo a controlar sus miedos y a convertirse en una mujer adulta, dueña de sus actos.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta en el medio para impedir que ciertos hijos de puta hagan que el resto de hombres se avergüencen de serlo.

‘The Company Men’

Dirección y guion: John Wells. País: USA. Año: 2010. Duración: 104 min. Género: Drama. Interpretación: Tommy Lee Jones (Gene McClary), Ben Affleck (Bobby Walker), Chris Cooper (Phil Woodward), Kevin Costner (Jack), Rosemarie DeWitt (Maggie Walker), Maria Bello (Sally), Craig T. Nelson (James). Producción: Claire Rudnick Polstein, Paula Weinstein y John Wells. Música: Aaron Zigman. Fotografía: Roger Deakins. Montaje: Robert Frazen. Dirección artística: John R. Jensen. Vestuario: Lyn Paolo. Distribuidora: TriPictures.

Sinopsis: Bobby Walker vive el sueño americano: tiene un gran trabajo, una hermosa familia, un deslumbrante Porsche en el garaje… Pero cuando la política de reducción de personal les deja a él y a sus compañeros Phil Woodward y Gene McClary sin trabajo, los tres se ven obligados a redefinir sus vidas como hombres, como maridos y como padres de familia.

¿Qué es?: Una correcta película, por momentos muy dura, en otros demasiado bienintencionada. En breve, os hablo de ella. Si Thor me deja, claro.

‘Tokio Blues’

Título original: Noruwei no mori. Dirección: Tran Ahn Hung. País: Japón. Año: 2010. Duración: 133 min. Género: Drama, romance. Interpretación: Kenichi Matsuyama (Toru Watanabe), Rinko Kikuchi (Naoko), Kiko Mizuhara (Midori), Reika Kirishima (Reiko Ishida), Kengo Kora (Kizuki), Eriko Hatsune (Hatsumi), Tetsuji Tamayama (Nagasawa). Guion: Tran Ahn Hung; basado en la novela de Haruki Murakami. Producción: Shinji Ogawa. Música: Jonny Greenwood. Fotografía: Mark Lee Ping Bin. Montaje: Mario Battistel. Diseño de producción: Yen Khe Luguern y Norifumi Ataka. Vestuario: Yen Khe Luguern. Distribuidora: Vertigo Films.

Sinopsis: Cuando Toru Watanabe escucha casualmente el Norwegian Wood de Los Beatles, la melancolía y la nostalgia le hacen retroceder a su pasado como estudiante en el Tokio de finales de los 60. Toru recuerda a la inestable y misteriosa Naoko, la novia de su mejor amigo de la adolescencia, y el suicidio de éste, suceso que le distanció de Naoko durante un año hasta que se reencuentran en la universidad. Allí inician entonces una relación íntima que, sin embargo, se resiente por la frágil salud mental de Naoko, a la que internan en un centro. Al poco tiempo, Toru se enamora de Midori, una joven activa y resuelta. Indeciso, sumido en dudas y temores, experimenta entonces el deslumbramiento y el desengaño allá donde todo parece cobrar sentido: el sexo, el amor y la muerte.

¿Qué podemos esperar?: Que Thor se meta para que la adaptación de uno de los libros más vendidos y admirados en los últimos 25 años tenga un toque “distinto”.

Vía | Labutaca.net

Después de ponerse a las órdenes del alemán Wolfgang Petersen en su mejor película americana, ‘En la línea de fuego’ (‘In the Line of Fire, 1993), Clint Eastwood rompió por primera vez una de sus promesas más sonadas: que nunca volvería a ponerse a ambos lados de la cámara. Pero antes de hacer lo propio con ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993), el nombre del director estuvo asociado a uno de los proyectos más jugosos, y hasta cierto punto locos, que se han expuesto en un despacho de Hollywood. Se trataba de una nueva versión de ‘Los siete magníficos’ (‘The Magnificent Seven’, John Sturges, 1960), remake en clave de western de una de las obras maestras de Akira Kurosawa, ‘Los siete samuráis’ (‘Shichinin no samurai’, 1954), que recordemos ya bebía del western, debido a la admiración del director nipón hacia dicho género.

Semejante proyecto, que muy probablemente nacía del reciente éxito de ‘Bailando con lobos’ (‘Dances with Wolves’, Kevin Costner, 1990) y ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’ Clint Eastwood, 1992), requería de la unión de varias majors para poder financiarlo, y contaba en sus papeles principales con Eastwood, Costner y Tom Cruise. Nunca se le dio luz verde, pero sí llegó a plantearse, y a algunos se nos cae la baba de sólo pensarlo. Llama la atención que la película que reúne a la dos primeras estrellas mencionadas no sea un western, sino un thriller enmarcado dentro del subgénero denominado como Americana. El resultado es una de las obras mayores de su autor, llena de una dureza difícilmente soportable, sobre todo en su parte final, que en cierto modo evoca el final de ‘La jungla de asfalto’ (‘The Asphalt Jungle’, 1950), admirada obra de John Huston, junto con Eastwood, el director que mejor ha retratado a los perdedores en el cine.

‘Un mundo perfecto’ era en principio una película que iba a dirigir Steven Spielberg con Denzel Washington en el papel principal. No sería la única vez que el Rey Midas cediese uno de sus proyectos a Eastwood —sin ir más lejos su siguiente película, ‘Los puentes de Madison’ (‘The Brdiges of Madison County’, 1995)—, producto de la excelente relación que tiene ambos directores desde hace tiempo. Con Eastwood el frente del proyecto, éste seguía interesado en conservar a Washington en el reparto, lo cual hubiera añadido connotaciones raciales a la historia, pero la Warner impuso a Kevin Costner, que por aquel entonces gozaba de una mayor popularidad. Resulta irónico que el film no cubriese las expectativas comerciales que se esperaba del mismo, algo totalmente injusto. Un fracaso a todas luces inmerecido, pero que contentó a la mayor parte de la crítica.

El guión de John Lee Hancock —más tarde director de sandeces como ‘El Álamo. La leyenda’ (‘The Alamo’, 2004) o ‘The Blind Side’ (id, 2009)—, en la primera de sus dos colaboraciones con Eastwood, encierra una durísima historia de aprendizaje, en un marco de road movie y ciertos ecos del western. La influencia, reconocida por el propio guionista, está en la película ‘Los valientes andan solos’ (‘Lonely Are the Brave’, David Miller, 1962), extraño film admirado tanto por Hancock como por Eastwood. La historia de ‘Un mundo perfecto’ da comienzo con la fuga de dos presos, que en su huida toman como rehén al niño pequeño de una familia. Eliminado uno de los dos presos —en un contundente asesinato fuera de plano—, el preso que queda, Butch Haynes (Kevin Costner) y Phillip (T.J. Lowther), el niño secuestrado, serán perseguidos por el Ranger de Texas Red Garnett —Eastwood en un muy secundario pero vital papel—, y su equipo, a los que acompaña la psicóloga Sally Gerber (Laura Dern), no demasiado bien recibida por el hecho de ser mujer. Recordemos la época en la que la película está ambientada, los años 60.

Mientras muy inteligentemente Eastwood narra, a aveces con humor, a veces con algo de dureza, la entrañable relación de dos personajes a los que les une la falta de un padre que los abandonó siendo pequeños, y cuya odisea estará atada por lazos paterno filiales, se nos va preparando psicológicamente para algo en lo que Eastwood entrenaba hasta ese momento, y que a partir del presente film se convertiría casi en marca de la casa: los tramos finales de sus películas son puñetazos directos al estómago, en los que no suele haber ni la más mínima concesión al espectador, recordándonos lo cruel y dura que suele ser la realidad. Y más aún cuando el film da comienzo con una secuencia de carácter onírico —Butch tumbado en un prado al lado de una careta del fantasma Casper, con los ojos abiertos y sonriendo, para después cerrarlos, mientras un helicóptero le sobrevuela— que otorga al relato un toque de fantastique, algo con lo que Eastwood siempre jugueteó —y que alcanza su máxima expresión en su magnífica e incomprendida ‘Más allá de la dela vida’ (‘Hereafter’, 2010)—. Los ojos se cierran definitivamente al final del film, y Garnett, que se siente responsable de los actos de Haynes —fue quien medió para que fuera encarcelado largo tiempo por un delito menor, pensando que así se reformaría— espeta un doloroso “yo no sé nada, absolutamente nada”.

La infancia perdida, uno de los temas que más obsesionan a Eastwood, se cristaliza en los instantes más violentos del film, una violencia implícita que alcanza su cenit en la impresionante secuencia en la casa de la familia negra, probablemente la secuencia más violenta de la década de los 90 por la indescriptible incomodidad que emana. Se trata de la explosión psicótica de Haynes, que pretende acabar con lo que considera un mal padre, encontrándose con el inesperado disparo por parte de Phillip, ya anunciado en su primer encuentro en casa del segundo, cuando Haynes le pide que le apunte con una pistola. El mensaje no puede ser más claro: Haynes trata de borrar las huellas de la mala paternidad, y es él quien termina abatido por su pequeño compañero, que le considera como el padre que nunca tuvo. La agonía se extiende al exterior, cuando Haynes y Phillip terminan al pie de un árbol, y la policía ha cercado el lugar. Sin caer en el sentimentalismo barato, Eastwood consigue una emotividad fuera de lo común, sobre todo en el momento en el que Phillip le pregunta a Haynes si quiere que le disparen, estropeado salvajemente por el doblaje español en el que se cambia la frase por un ridículo “¿crees que quieren matarte?”. Sólo con el entendimiento por parte de Phillip de la drástica situación y las intenciones de Haynes, el emotivo abrazo del primero tiene un sentido completo y supone su primer paso de verdad hacia la madurez.

Kevin Costner nunca estuvo tan bien como a las órdenes de Eastwood en ‘Un mundo perfecto’, y el director no deja títere con cabeza al mostrar sin recelos hasta qué niveles puede llegar la estupidez humana —ese francotirador imbécil que recibe dos de los golpes más deseados en una película, o las distintas opiniones sobre lo que sería un mundo ideal en el que vivir—. Por el camino quedan alusiones a un país que estaba a punto de derrumbarse —el asesinato de J.F. Kennedy—, maravillosas metáforas sobre el paso del tiempo —un coche es una máquina del tiempo—, y cómo no, al lejano western —esa excelente secuencia nocturna a la luz de una hoguera, en la que Garrett y Gerber se sinceran—. Dos años pasarían hasta que Eastwood regresase por todo lo alto, superándose a sí mismo con una de las películas atemporales por excelencia del séptimo arte, y también gracias a Steven Spielberg, pero de eso hablaremos en el próximo capítulo de este largo especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

Kevin será capaz de comunicar la tranquila fortaleza de este americano rural, que crió al mayor superhéroe de todos los tiempos.

(Zack Snyder)

Bueno, padres adoptivos. Se sabía que Diane Lane había sido contratada por Warner Bros. y Legendary Pictures para encarnar a Martha Kent en la nueva película de Superman, y hoy ya se ha confirmado oficialmente que Kevin Costner dará vida a su marido, Jonathan Kent. Como sabéis, los Kent, interpretados por Phyllis Thaxter y Glenn Ford en el film que dirigió Richard Donner en 1978 (Eva Marie Saint fue Martha Kent en ‘Superman Returns’, vapuleada película que muchos queréis olvidar), se hacen cargo de Superman cuando llega a la Tierra siendo apenas un bebé, enviado por sus verdaderos padres ante la inminente destrucción de su planeta, Krypton. Martha y Jonathan serán fundamentales en la educación del chico al que llamarán Clark Kent, inculcándole los valores de justicia que luego defenderá con su disfraz azul y rojo.

Así las cosas, ya tenemos los tres primeros nombres del reparto de ‘The Man of Steel’ (en español, ‘El hombre de acero’), título oficial del reinicio de esta franquicia. Lane, Costner y Henry Cavill, que encarnará al superhéroe, son por ahora los tres protagonistas de la película que está preparando Zack Snyder y cuyo estreno está previsto para diciembre de 2012. El guion lo firma David S. Goyer y entre los productores cabe destacar la presencia de Deborah Snyder (esposa del director), Christopher Nolan y Emma Thomas (parienta de Nolan). Se rumorea que Viggo Mortensen podría ser el siguiente fichaje de esta superproducción, para dar vida al general Zod. Veremos si se confirma.

PD: Gracias a Luissss por el aviso.

Vía | HollywoodReporter

Cuando hace algunas semanas comenté mis impresiones acerca de ‘El último samurái’ (‘The Last Samurai’, Edward Zwick, 2003), algunos lectores pidieron inmediatamente que dejara también por escrito lo que pienso de una película que, en muchos sentidos, la anticipa y la prologa, por no decir que el filme de Cruise es casi como un remake de ‘Bailando con lobos’ (‘Dances With Wolves’, Kevin Costner, 1990). Diecisiete años después de la muerte de John Ford, veintitrés desde la de Anthony Mann, trece de la de Howard Hawks, diez de la de Raoul Walsh, ...para muchos el western, el género americano por excelencia, había quedado muerto y enterrado. Para otros, simplemente, se había metamorfoseado en las formas más modernas y violentas del cine negro o policiaco, con los jinetes convertidos en vehículos a cuatro ruedas y las praderas sustituidas por junglas de hormigón. Pero aún interesantes directores (como Eastwood, como Walter Hill, u otros) regresaban al western cada vez que podían y grandes estrellas, como Kevin Costner, se jugaban el todo por el todo en ambiciosos proyectos que intentaban recuperar sus esencias.

Primero y sobre todo: nadie le puede negar a Costner los redaños, la pasión y el coraje a la hora de debutar con un proyecto de estas características. Su capacidad de trabajo, su doble cometido de director y de protagonista absoluto, se merecen un respeto. Ahora bien, en segundo lugar no podemos situar, ni por asomo, a ‘Bailando con lobos’ entre los más importantes westerns de la historia. Ni muchos menos entre los westerns más interesantes. Se queda en un western aparente y aparatoso, lujoso y atractivo, con muchas buenas intenciones, pero que está muy lejos de las enormes pretensiones que le alimentan, y cuyas oquedades y arritmias son inmensas, propias de un director todavía cándido y quebradizo, un verdadero pigmeo en comparación con los imponentes grandes nombres de un género que ya sencillamente no es posible reproducir o imitar sin caer en el ridículo. Sólo cabe una nueva visión, una reelaboración, al estilo de Eastwood en ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992), pero Costner sencillamente es incapaz. El gran éxito de taquilla y en los Oscar de su cinta contribuyeron a inflar un globo con muy poco cine dentro.

Adaptación de la novela homónima de Michael Blake, llevada a cabo por él mismo, la intención de este relato es la de contar la compleja y trágica peripecia del teniente John J. Dunbar en lo que se llamaba la frontera india, a la que es destinado por petición propia después de hacerse un héroe en una de las últimas escaramuzas contra los sudistas en la Guerra de Secesión. Inicialmente desconfiado con los nativos, poco a poco irá enamorándose de su cultura, hasta renegar de su pasado como hombre blanco y convertirse en un sioux. Sobre el papel, la idea es interesante, y para llevarla a cabo, la superestrella Costner se rodeó de un equipo formidable de profesionales. Entre ellos el operador Dean Semler o el compositor John Barry, además de un cuidado diseño de producción del gran Jeffrey Beecroft. La dureza del rodaje elevó los costes, y Costner hubo de poner dinero de su bolsillo para seguir haciendo la película que él quería. Muchos esperaban, con el colmillo afilado, el fracaso del divo, y ya empezaban a llamar a su proyecto ‘Kevin’s Gate’, en alusión al legendario fiasco de Michael Cimino, ‘La puerta del cielo’ (‘Heaven’s Gate’, 1980). Poco podían imaginar su enorme éxito de taquilla en Estados Unidos y otras partes del mundo, y su riada de premios californianos.

Ñoñería y algunos buenos momentos

Esta supuesta resurrección del western comienza con un prólogo bastante épico, en la que un teniente yankee lucha de una forma bastante singular para que no le amputen la pierna que tiene muy malherida. La dureza de estos primeros momentos, su tono descarnado a lo Peckinpah, retornará en secuencias muy puntuales, pero diluidos en un conjunto sin fuerza, sin espíritu propio, que pretende homenajear el western desde una posición de veneración, en lugar de crear formas nuevas de ese género basadas en una mirada personal. Lo que, de todos modos, se percibe en este inicio es el excelente diseño de producción y la vistosidad escenográfica, que no van a desaparecer en ningún momento de la película. Pero también se percibe una manifiesta incapacidad para una puesta en escena interesante. La batalla subsiguiente es un desastre de planificación y de montaje, que ya empieza a indicar lo lejos que anda Costner de artistas capaces de crear ritmos y espacios con su cámara, como Peckinpah o Fuller. En esta secuencia, como en algunas otras de acción, Costner anda más cerca de la narración postmodernista de un Ridley Scott o un Peter Jackson: barullo y confusión.

Es decir, el sentido de la aventura y la acción de Costner se basa en un epidérmico montaje (muchos primeros planos, mucho teleobjetivo, acercamientos, ralentizaciones) para dar el espejismo de fuerza dramática, y le queda aparente y hasta atractivo en ocasiones, pero carece de la profundidad de los vigorosos y legendarios códigos del western, de los que simplemente puede hacer un remedo. Por debajo de todo eso, una apacible mirada a las grandes praderas de Estados Unidos. Convencido ecologista, Costner aprovecha el viaje hacia la frontera para filmar fastuosos planos de inmensos paisajes, que vestidos con la música de John Barry (un gran compositor), quedan todavía más fastuosos. Así mismo, el Fuerte Sedgwick, en la frontera, y el cercano campamento Sioux, son muy realistas (como realista es la vida y las conversaciones en su idioma nativo, dentro del campamento Sioux), pero enseguida Costner cae en la simpleza de idealizar en extremo la cultura Lakota, algunos de cuyos miembros en un principio parecen muy fieros, pero terminan siendo casi angelicales, en oposición a los demoníacos pawnees (encabezados por ese gran actor que es Wes Studi, en uno de sus primeros papeles).

Pero la simpleza y la candidez de Costner no se limitan en su acercamiento a los nativos, también se extienden a su contacto con la naturaleza, principalmente con el lobo que da nombre a la película, y al que él llama Calcetines. Da la impresión de que el ecologismo del cineasta es más una pose bienintencionada que un verdadero conocimiento y punto de vista crítico. Pese a todo, su grupo de actores salva ampliamente la quebradiza puesta en escena y personalidad de Costner. No solamente el impresionante Studi, también la maravillosa Mary McDonnell y, sobre todo, el formidable Graham Greene, cuyo personaje establece unos lazos de amistad con el de Costner, amistad que será uno de los aspectos más emocionantes de la cinta. Sin embargo, este imperturbable y analítico personaje termina desdibujándose un poco, y dando bastante menos de lo que se podía esperar, exageradamente emborronado por el protagonismo de Costner, que como actor estaría muchísimo mejor un año después en el magistral ‘J.F.K.: caso abierto’ (‘J.F.K.’, 1991) de Oliver Stone.

Conclusión

Irregular filme, que puede entretener pero que no creo que se pueda inscribir con honores en la gran tradición del western. Hace escasos días hablábamos de ‘Uno de los nuestros’ (‘Goodfellas’, Scorsese, 1990), y hace bastante más de ‘El padrino, parte III’ (‘The Godfather, part III’, Coppola, 1990), que fueron “vencidas” en los Oscar por esta película. Considerar que el balbuciente oficio de Costner es superior al magistral y compulsivo ejercicio de dirección de Scorsese, o al trágico y doloroso genio de Coppola, es un sinsentido tan enorme que hay que verlo para creerlo, pero así son estos premios. Dos años después, Eastwood ganaba a su vez el Oscar a la mejor película con otro western, infinitamente superior a este, que se puede considerar como una evolución de sus rituales, sus formas y sus mitos, reducidos a mero tebeo por Costner en ‘Bailando con lobos’.

Hoy he aplaudido. No suelo hacerlo, me parece algo absurdo si no está en la sala el director o alguien del equipo, pero no he podido contenerme. Hay grandes momentos en ‘Thirteen Assassins’, lo nuevo de Takashi Miike, especialmente dentro del segundo bloque del film, un auténtico baño de sangre. Si estáis en Sitges y tenéis la oportunidad de verla, no os la perdáis. Ya os hablaré de ella, ahora voy a recuperar dos producciones menos interesantes que pude ver ayer: ‘La otra hija’, de Luis Berdejo, y ‘Vanishing on 7th Street’, de Brad Anderson.

‘La otra hija’, señales en el bosque

‘La otra hija’ (‘The New Daughter’) se estrena el próximo viernes en salas comerciales, pero en Sitges la hemos podido ver unos días antes. No sólo eso, la película, dirigida por el español Luis Berdejo, forma parte de la sección oficial competitiva del certamen; esto es, es uno de los 21 títulos que se juegan los premios grandes. No lo entiendo. Quiero decir, artísticamente el film es un fracaso, el guión está lleno de absurdos y no hay imaginación en la puesta en escena; parece que quiera llegar al nivel del cine de M. Night Shyamalan, especialmente ‘Señales’ (‘Signs’) y ‘El bosque’ (‘The Village’), pero no lo consigue nunca (hay una escena sacada de ‘El protegido’ que demuestra la torpeza del film de Berdejo). Puede que haya otras motivaciones para incluir este producto en la sección más importante de Sitges 2010, pero no las conozco.

John Travis escribió el libreto de ‘La otra hija’ a partir de una historia de John Connolly; es un relato de terror centrado en una familia rota por el repentino abandono de la madre. El padre (un Kevin Costner bastante perdido) tratará de seguir adelante y se traslada con sus dos hijos, el pequeño Sam (Gattlin Griffith) y la adolescente Louisa (Ivana Baquero), a un enorme caserón, algo que como comprenderá más tarde, no debería haber hecho. Aparte del factor fantástico, es una decisión incomprensible de este hombre llevar a sus hijos a otra localidad y hacerles vivir en un lugar tan apartado, en medio de un bosque siniestro… pero bueno, no es lo peor del film, ni lo más ridículo.

Se entiende que en un film de este género, los personajes sean inicialmente muy desconfiados, que no acepten tan pronto que algo raro, fuera de lo normal, pasa a su alrededor. Pero hay situaciones que claman al cielo, es imposible seguir pensando que no ocurre nada extraordinario cuando la hija empieza a comportarse, desde que viven en la casa, poco menos que como un animal salvaje (nada, nada, son efectos de su primera regla). Tarda demasiado en reaccionar el protagonista, y es imposible no aburrirse con una narración tan vacía y esquemática, torpe a la hora de crear atmósfera, apoyado en unas relaciones inverosímiles entre los personajes (Costner y Baquero no convencen en absoluto como padre e hija).

Demasiado pendiente de los sustos baratos y muy poco afortunado a la hora de hacer creíble el drama familiar, Luis Berdejo (que dice que piensa en aprender, no en el producto final) fracasa con su primer largometraje, del que no obstante hay que salvar un último tramo emocionante, intenso, en el que no se cortan un pelo, con una contundencia que casi salva el mediocre conjunto. Como dije sobre la nueva de Carpenter, se deja ver, sin esperar nada e incluso sin prestar mucha atención a la pantalla. A menos que uno esté buscando conciliar el sueño, o reírse un rato con malas interpretaciones o situaciones absurdas, ya sabéis a qué me refiero.

‘Vanishing on 7th Street’, ¿existimos?

Había mucho interés por ver lo nuevo de Brad Anderson, director entre otras de ‘Session 9’ (por la que recibió el galardón al mejor director aquí en Sitges) y ‘El maquinista’. ‘Vanishing on 7th Street’ es otro relato de terror pero esta vez con un toque apocalíptico. La historia, escrita por Anthony Jaswinski, gira en torno a un misterioso apagón que hace desvanecer a la gente. Todos desaparecen entre las sombras, gritando, dejando sólo sus ropas en el suelo; sólo quedan cuatro personajes, que casualmente llevaban una luz consigo cuando todo quedó a oscuras. Dos hombres (Hayden Christensen y John Leguizamo), una mujer que ha perdido a su bebé (Thandie Newton) y un chico que ha perdido a su madre (Jacob Latimore) consiguen reunirse en el único sitio que parece seguro.

El clásico y eterno miedo a la oscuridad. Por capricho del guionista, las sombras van ganando terreno a la luz, sin razón alguna, y se van tragando a todas las personas que caen en ellas. Un luminoso bar atrae a los supervivientes, y así se relacionan, hablan de sí mismos y podamos conocerlos un poco mejor. Pero no hay nada que conocer, realmente, son personajes simples y aburridos, tópicos y poco creíbles. Como no se quiere explicar nada, para aparentar una mayor complejidad, para que cada espectador rellene los huecos con sus propias teorías, la mayor parte del film consiste en escenas donde la oscuridad persigue y trata de atrapar a los cuatro protagonistas. Y ya está. Es muy repetitiva, no emociona y llega a resultar indiferente lo que ocurre, sólo quieres saber el final, como la solución de un test o un jeroglífico. Probablemente te acabes riendo. Una película muy floja.

No paséis de largo, mirad el póster, mirad esas caras. Exactamente, son Kevin Costner, Chris Cooper, Ben Affleck, Maria Bello y Tommy Lee Jones. Y el tema es interesante, además. ¿No queréis saber en qué película se han metido? Ya decía yo, y por eso aquí os traigo el cartel y el tráiler de ‘The Company Men’, el primer largometraje del productor y guionista John Wells (‘ER’, ‘Southland’).

Escrita por el propio Wells, ‘The Company Men’ se centra en un año de la vida de tres hombres (Affleck, Cooper y Jones) que trabajaban para grandes compañías, hasta que la crisis financiera desestabiliza su mundo y se quedan fuera del juego; la película pretende narrar cómo cambia la vida de los tres protagonistas y sus respectivas familias una vez que su ordenado plan se viene abajo, y tienen que buscar otro empleo.

La trama no puede ser más actual, esperemos que el director haya sabido plantear bien la historia y no haya caído en los tópicos y las cursilerías del cine norteamericano más convencional. Por el tráiler no sabría decir, creo que podemos encontrar cualquier cosa. Aunque en Estados Unidos se estrena el próximo 22 de octubre, todavía no tenemos fecha para España. A ver si no tardan demasiado.

PD: Bello aparece en el cartel, pero no incluyen su nombre junto al de sus cuatro compañeros. ¿Descuido monumental o… machiiiiismooooo?

Vía | Impawards