Tras la magistral ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, Clint Eastwood, 1996) la sigiente película del realizador californiano sorprendió por varios motivos. Primero, él no aparecía como actor, algo que no ocurría desde su laureada ‘Bird’ (id, 1988), y segundo, se adentraba en un tipo de cine que hasta ese momento no había formado parte del universo de Eastwood. En realidad, al director/actor no le interesaba demasiado la historia, le habían ofrecido un guión y no le llamó demasiado la atención. Sin embargo, el destino a veces juega sus cartas de forma muy curiosa, y un campeonato de golf llevó al director de ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992) hasta Georgia, y enseguida le convencieron para visitar Savanah, la ciudad en la que se habían desarrollado los hechos recogidos en un libro, convertido en best selller, escrito por John Brendt y adaptado al cine por John Lee Hancock con quien Eastwood ya había colaborado en ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993).

Una vez en Savanah, ciudad que logró no ser arrasada por los norteños en la Guerra Civil, gracias a que sus habitantes convencieron a sus invasores con licores y fiestas, Eastwood oyó de la propia boca de los protagonistas la historia que se convierte en el eje central del film: el asesinato de un chapero a manos de su amante, un millonario conocido en la ciudad por su lujosa mansión en la que daba unas fiestas monumentales conocidas en todo el país. El director se sorprendió de la diferencia de opiniones y de cómo la historia cambiaba según quien la narraba. Ni corto ni perezoso comenzó su propia investigación sobre los hechos. El camino hacia la película ya empezaba a ser recorrido. El resultado, aunque estimable, no está, a mi parecer, a la altura de las grandes obras del cineasta.

‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (‘Midnight in the Garden of Good and Evil’, 1997) narra la historia de John Kelso —John Cusack en un personaje ofrecido primero a Edward Norton—, periodista que viaja a Savanah para cubrir la noticia sobre una de las famosas fiestas de Jim Williams (Kevin Spacey). Una vez allí ocurriá lo inesperado, un asesinato, y lo que en principio iba a ser una columna de opinión en un periódico irá tomando forma para un libro. Kelso conocerá poco a poco a los distintos y desconcertantes habitantes del lugar, dejándose impresionar por la magia del ambiente. Desde el propio Williams, que entre otras cosas guarda la daga con la que se mató a Rasputín, pasando por Lady Chablis, travesti que se interpreta a sí mismo, y que porporciona los no pocos momentos de comedia del film, o Luther Driggins —Geoffrey Lewis, antiguo colaborador de Eastwood y uno de los secundarios más conocidos de los 70—, ese hombre que lleva moscas pegadas a su cuerpo con hilos mientras amenaza con envenenar la ciudad. Un universo de lo más variopinto que podría terminar con el propio Kelso, quien para dormir se pone una grabación de bocinas de coches.

La película se divide en dos partes bien diferenciadas, algo que también ocurría por primera vez en la obra de Eastwood. La primera es simple y llanamente descriptiva, para que no familiaricemos con los extravagantes personajes que pululan por el relato, mientras que la segunda es un juicio en el sentido más clásico del término. En la primera Eastwood además de realizar un ajustado retrato de personajes sorprende por su abierto sentido del humor al dejar que Lady Chablis se desmelene protagonizando algunas secuencias verdaderamente divertidas como la de la visita al hospital. Sin embargo, creo que patina al introducir un amago de historia de amor entre Kelso y Mandy Nicholls —Alison Eastwood, que ya había colaborado con su padre en ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’, Richard Tuggle, 1984)—, por innecesaria totalmente pues rompe el ritmo de forma increíble. También por juguetear con el fantastico a lo David Lynch y de forma poco afortunada: ese hombre que pasea a un perro invisible, ya que si deja de hacerlo no cobrará.

La segunda parte recuerda a las películas clásicas de juicios, y en ese aspecto nada que objetar. Además de arrojar algo de misterio sobre el relato de forma que nuestro interés nunca decae. El actor Jack Thompson pone toda la carne en el asador dando vida al abogado de Williams, y Eastwood aprovecha para lanzar unos cuantos derechazos, sobre todo en lo que respecta a los prejuicios humanos y nuestra mala manía de juzgar a las personas por sus tendencias sexuales o rarezas, más que por las posibles atrocidades que han podido cometer. Sin embargo esos derechazos, que suelen formar parte de las películas de su autor, no llegan en ningún momento a causar polémica, ni siquiera contribuyen a crear debate. El principal problema radica en un Eastwood poco arriesgado, aunque no lo parezca, moviéndose siempre dentro de los límites de la corrección más académica. No quiero ser malinterpretado, ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ es una película bien dirigida y sobre todo bien interpretada, aunque estoy convencido de que John Cusack podría haberlo hecho muchísimo mejor. Pero sus limitaciones son evidentes. Eastwood no se adentra del todo en Savanah, por muy bien que la fotografíe Jack N. Green, quien es menos tenebroso que de costumbre, por lo que su retrato se queda a medias.

Aún así, sería injusto hundir esta película por el simple hecho de que Eastwood no juegue de verdad todas sus cartas. Hay momentos muy inspirados como la conversación final entre Williams y Kelso en la cárcel y que lleva a la mejor frase de la película: “La verdad, como el arte, está en los ojos de quien la mira. Tú cree lo que quieras, yo creeré lo que sé”. La forma de mostrar el asesinato dos veces es ejemplar, aunque a mi juicio luego se comete el error de enseñar la muerte de Williams como si de un acto sobrenatural se tratase. La ambigüedad y la duda hubieran quedado muchísimo mejor, pero Eastwood por alguna extraña razón prefiere condenar a Williams sometiéndolo a los caprichos de una ciudad no regida por las misma leyes naturales que las demás. En cualquier caso Spacey está soberbio, Jude Law empezaba y ya se hacía notar, y la banda sonora es absolutamente impresionante con canciones de Johnny Mercier, interpretadas por los propios actores o ese genio de nombre Brad Mehldau que reiventa el piano.

Dos años pasarían hasta el regreso de Eastwood con un film que guarda no pocos parecidos con el que hoy nos ocupa, y que es mucho más inteligente de lo que parece a simple vista. Pero de eso hablaremos en el siguiente capítulo de este eterno especial.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

• ‘Poder absoluto’

Varios días han pasado desde que vi ‘Cómo acabar con tu jefe’ (’Horrible Bosses‘, 2011), de Seth Gordon. Mientras en su momento el poso que me dejó no fue muy halagüeño, en el recuerdo se ha mantenido como una película simpática, de la que algunas escenas aún perduran en mi memoria. Por ejemplo, el momento en el que el personaje de Jason Bateman se pregunta de dónde saca la energía aquel a quien da vida Colin Farrell y, tras una pausa en la que todos los espectadores han contestado a la pantalla, expresa que ha caído. La forma de interpelar al espectador, sin hacerlo directamente, me pareció curiosa. Como esa, la película cuenta con varias otras escenas con humor y hasta alguna que consigue tensión. Valorándolas por encima en el conjunto, se puede considerar un film cachondo y que aporta lo que promete.

Tuve la desgracia, sin embargo, de ver la versión extendida de la cinta, que dura 106 minutos y en ella encontré demasiada benevolencia del montaje con las agudezas de sus intérpretes. No sé si la estrenada en salas, de hora y media larga de duración, cortará justo por lo que me pareció que le sobraba, pero de lo que estoy segura es de que me topé con la versión menos acertada para un público generalista.

Aunque se vea la película sin saber que numerosos momentos están basados en la improvisación de sus actores, este hecho no tarda en hacerse evidente para cualquiera. No tengo nada en contra de la técnica de la improvisación per se. Lo que ocurre es que su empleo debería combinarse con el de una depuración extrema en la sala de edición. Hasta los cómicos más ingeniosos tendrán instantes de duda u ocurrencias menos afortunadas que otras, por lo que, tras dejarlos explayarse, vendría bien recortar para quedarse con lo mejor de lo que han tenido a bien inventar. Esta versión extensa de ‘Cómo acabar con tu jefe’ se hace larga y pesada porque secuencias que no estaban del todo brillantes se deja que continúen más allá de su punto fuerte.

Esta permisividad con las salidas improvisadas podría ser, no obstante, idónea para los seguidores acérrimos de los protagonistas – Jason Sudeikis es muy célebre en EE. UU., gracias al ‘Saturday Night Live’ y seguro que cuenta con hordas de incondicionales–. Las situaciones a las que se otorga demasiado respiro, si se ven encarnadas por los cómicos favoritos de cada quisque, sin duda causarán adhesión. Por ello, tiene sentido que sea la versión editada en DVD y Blu-ray, ya que, la compra de películas es un acto de mayor compromiso que el acudir a una sala casi sin darle importancia a cuál estreno se elige de entre todos los disponibles. Por mi parte, si bien a Bateman sí lo encontré sembrado, no me ofrecieron la misma opinión Charlie Day y Sudeikis, pero no porque no los considere buenos actores. Sino porque una cosa es ser capaz de interpretar con gracia un personaje ya escrito, para lo cual no cuestiono las habilidades de ninguno de ellos –en las escenas que se nota que están escritas porque son necesarias para la trama, están perfectos–, y otra tener capacidades creativas explotables sobre la marcha. Puestos a tríos descerebrados y desastrosos, me quedo con los que protagonizan la serie ‘Workaholics’.

Secundarios principales

Se había comentado ya que mejor que estos tres están los secundarios. Cierto es que suponen el incentivo mayor de ‘Cómo acabar con tu jefe’, con autoridad. Nada que objetar al personaje de Kevin Spacey –curioso que sea muy parecido al de una película muy distinta, también recién estrenada– porque encarna muchas de las cosas que numerosos espectadores reconocerán de sus jefes y, gracias a ello, la empatía con la causa de los protagonistas no solo será inmediata, sino que conllevará una sensación de catarsis. Sin embargo, los otros dos están excesivamente pasados. El de Colin Farrell es muy cómico, por lo que compensaría su escasa credibilidad, si fuese el que más pone el punto estentóreo. Pero el de Jennifer Aniston va todavía más allá, superando incluso los tópicos del mal y, si bien consigue alguna gracia nada desdeñable, no funciona en el lado del reconocimiento y deja de ser creíble a los pocos minutos, lo que desemboca en que canse muy rápidamente. El personaje de Jamie Foxx, aunque comienza muy bien, casi como la mejor aportación de la película, en seguida se diluye.

No estoy en contra de sacar los pies del tiesto y de llevarlo todo al extremo, como hace esta película. Pero cuando he encontrado gratificante estas decisiones ha sido en productos muy concretos que, a base de salirse de la medida, han logrado resultados muy diferentes. En este caso, la explotación abusiva del absurdo no ha dado resultados más originales, sino que ha arrastrado la película al humor más infantilón y sin sustancia… aunque de nuevo, recuerdo que hablo de la versión larga y quizá para la corta se hayan borrado los momentos de menor fuerza.

Todo el mundo sabe, pues hasta lo mencionan los propios personajes, que el argumento de ‘Cómo acabar con tu jefe’ está tomado de ‘Extraños en un tren’, de Alfred Hitchcock, al igual que ‘Tira a mamá del tren’. De este punto de partida, que no hace falta decir que tiene potencial, se extrae demasiado poco. Apenas hay progresión argumental y, por ello, la llegada a cada punto de inflexión se dilata en exceso. Se desaprovecha, al mismo tiempo, la mofa que se podría hacer de ellos tres al demostrar que les falta lo principal de esa ecuación para que la policía no los asocie a los asesinatos: ser desconocidos. El guion podría haber ido más allá en muchos de los aspectos y en casi todos ellos se queda corto.

En conclusión, diría que recomiendo la versión extendida de ‘Cómo acabar con tu jefe’ únicamente a fans de los tres protagonistas –no de los secundarios– y que a casi cualquier otra persona le sugeriría la reducida. La larga no ofrece, simplemente, más de lo mismo y por lo tanto, una mejor relación cantidad precio. Lo que hace es romper el ritmo general y sumir la película en una sensación de marasmo y de dejadez que, al final, pesa en la sensación global que ha causado el film. La estructura también se resiente con este montaje, ya que se hace aún más evidente que el argumento cuenta con pocos sucesos. En la versión breve no dudo de que tampoco encontraríamos una gran comedia ni un film completamente acertado, pero quizá sí una posibilidad más real de pasar un buen rato. Por una vez, cuando lea eso de “a mí me pareció muy graciosa”, sí podré responder con razón la frase manida y absurda de “no habremos visto la misma película“.

Otras críticas en Blogdecine:

• ‘Cómo acabar con tu jefe’, el valor de los secundarios, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Cómo acabar con tu jefe’, exceso sin riesgo, por Alberto Abuín.

Mi puntuación:

La opera prima de J. C. Chandor, ‘Margin Call’, que se estrena esta tarde, es una producción independiente con aspecto de superproducción de los grandes estudios y reparto estelar, compuesto por Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Zachary Quinto–que también produce–, Stanley Tucci y Simon Baker.

El desarrollo argumental de ‘Margin Call’ es escaso: se vende como un thriller, pero de nuevo nos encontramos ante una película más moral que investigativa. Con ello no reprocho que no pasen cosas o que lo retratado no tenga importancia, pues las dimensiones socioeconómicas de lo expuesto son colosales. No seré yo quien desvele más de la cuenta si digo que recrea las 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008, pues la frase está tal cual en los reportajes e información promocional de la película

Sin embargo, la pana está toda cortada desde el principio y lo que vamos a observar son otras cuestiones. Con el titular no aludo únicamente a la obvia reacción en cadena y en espiral que ocurrirá como consecuencia a lo que se planea en la cinta, sino también a todo el minutaje del film, que consiste, más que en desplegar una información o dar con ella, en observar cómo reacciona cada persona –más poderosa que la anterior y, por lo tanto, interpretada por una estrella más rutilante–ante esas fatídicas noticias que conocemos desde el principio y qué decisiones toman tras estas reacciones. La película tiene un aire ligeramente teatral, no solo porque los actores sean una de las bazas principales, por la unidad de tiempo y de lugar o porque todo se base en diálogos, sino principalmente por la forma en la que se van desmadejando las emociones y va creciendo la tensión ante el inminente e inevitable desenlace.

Aunque haya bajones de intensidad a modo de descansos, quizá introducidos para permitir o fomentar la reflexión, el film contiene algunos momentos de gran fuerza –basados en los aspectos personales y en la plasmación de los conflictos éticos –, que superan a los más bajos y componen un poderoso conjunto, que machaca, como lo hicieron ‘Inside Job’ y otros documentales sobre el asunto.

¿Cómo habríamos actuado, de encontrarnos en esa situación?

‘Margin Call’ trata sobre culpas y expiaciones. Cada vez que nos llega la noción de que un personaje de pro estuvo del lado de los nazis, se suscita una ola de justificaciones, que dejan las opciones de quienes vivieron la coyuntura mojados hasta las trancas, entre la obediencia y las ganas de salvar el culo. En esta película, excepto en las posiciones más altas, los personajes se sienten ante una disyuntiva muy similar: sabiendo que actúan contra sus conciencias, poco pueden hacer y, además, la justificación de que ocurrirá en cualquier caso –los despidos masivos ya se estaban produciendo antes de esto–, pero provocado por otras corporaciones, les excusa casi por completo. Morir matando parece ser la consigna y, ante la imposible supervivencia, se podría estar cerca de comprender que se adhieran al ataque. Verlo todo desde lejos y, sobre todo, a toro pasado, nos hace siempre pensar que nuestra decisión habría sido la correcta, pero ¿qué haríamos de haber estado allí y entonces? La película consigue perfectamente trasladar el dilema de sus personajes al espectador.

Pero el film no es biempensante y, aunque se pone principalmente de parte de quienes tienen dificultades para optar por la salida fácil, también deja espacio a un par de hombres con visiones más realistas, si bien más egoístas. El personaje de Irons y el de Bettany se justifican en dos momentos y sus explicaciones no carecen de argumentos razonados. Chandor, que también ha escrito el guion, nos ofrece todos los puntos de vista para no crear un panfleto facilón y carente de capacidad denunciadora precisamente por inclinarse demasiado en una opinión. A este autor le interesan más las personas que retrata que el mensaje que, no por ello, queda en modo alguno alterado.

Más enfocada y efectiva que ‘The Company Men’, no por ello resulta más ardua o complicada, ya que facilita a cualquier persona, por poco que entienda de economía y finanzas –si es que alguien entiende de eso, e incluyo aquí a los economistas–, a comprender a grandes rasgos lo que precipitó el desplome de Wall Street de forma tan clara que a cualquier le podría dar la sensación de saber qué habría que hacer y de desear estar allí para llevarlo a cabo y evitar el desastre.

Conclusión

Cuidado con los deseos, que se pueden cumplir. Es lo que nos ha ocurrido tras pedir nuevos géneros y nuevos telones de fondo para las películas. Ahora tenemos uno de actualidad: las películas sobre la crisis, sobre esta crisis de ahora. Por desgracia, el contar con estos films significa que lo que hay detrás también lo estamos viviendo. De todas estas propuestas, ‘Margin Call’ puede ser una de las más acertadas o interesantes, ya que no se limita a dar una explicación económica para todos los públicos, sino que cala en las psicologías de las personas que estuvieron detrás de aquella situación. Sostenida durante una noche, en un escenario casi único y centrada en la forma de reaccionar de cada uno de los que van surgiendo, sin más información para aportar a lo largo de sus minutos que la ya dada al inicio, no deja, a pesar de ello, de mantener la tensión y de calar muy hondo en el espectador, ya sea porque el sentir de los personajes se transmite con eficacia, gracias a espléndidas interpretaciones, o porque nos hace retomar el enfado y temor ante el mundo en el que vivimos.

Otra crítica en Blogdecine:

• Berlinale 2011: ‘Margin Call’, la tragedia de los tiburones, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

- ¿Por qué te llaman Motherfucker Jones?

- Hace tiempo entré en la habitación de mi madre por la noche, estaba desnuda sobre la cama…

El inicio de este diálogo es una clara muestra de lo que plantea ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’, Seth Gordon, 2011). Nada más oír esa frase cualquier buen pensador —sobre todo un mal pensador, por la mala leche que inunda nuestros cerebros— enseguida se ha hecho una imagen en su cabeza de lo más delirante y atrevida. El complejo de Edipo convertido en burla en el buen sentido de la expresión, y cuando parece que se va a llegar hasta las últimas consecuencias con el chiste, el final del diálogo termina suavizando el atrevimiento y osadía iniciales. Esto está ocurriendo con la mayor parte de las comedias actuales provenientes de Hollywood, donde parecen querer convertirse en los paladines de la comedia irreverente, por así llamarla. Nombres como el de Judd Apatow encabezan este movimiento, y el resto intentan seguir el mismo camino.

La película de Seth Gordon sigue todos los parámetros de una comedia salida de la factoría Apatow, con una muy ligera ventaja sobre ellas: no es una película larga. Creo que las comedias actuales pecan de ese defecto en general —alargamiento innecesario de los gags, repetición y epílogos demasiado bienintencionados—, y sin embargo, aunque ‘Cómo acabar con tu jefe’ no cae en ese defecto, sí vuelve a dar gato por liebre en cuanto el delirante planteamiento es paulatinamente suavizado según avanza la trama, hasta llegar a una conclusión en el fondo muy políticamente correcta. Un error muy común que no queda ni subsanado por lo que mi compañero Juan Luis Caviaro dice que es lo mejor de la función, los secundarios. Ellos terminan siendo la película.

Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell dan vida a los muy especiales jefes que los protagonistas del relato quieren eliminar, cada uno por muy diversas razones. En el caso de Spacey y Farrell estamos ya acostumbrados a su camaleonismo, y en esta película es una delicia comprobar como bordan sus roles, un jefe cabrón de altos vuelos que no duda en reírse en la cara de su subordinado al enterarse de cómo llamaba éste cariñosamente a su amada abuela recientemente fallecida, y un jefe adicto a la cocaína, que heredó el puesto por herencia al morir su padre —breve aparición de Donald Sutherland—, personajes odiosos donde los haya. El caso de Aniston llama más la atención por dar vida a un personaje alejado de su habitual registro, yo diría que en las antípodas. Esa dentista que acosa sexualmente a su ayudante no tiene desperdicio, y reconozcámoslo, muchos quisiéramos una jefa así.

Si bien los actores están fantásticos —todo lo contrario que los tres insoportables protagonistas, Jason Bateman, Charlie Day y Jason Sudekis— sus roles terminan derivando a peor. La caricatura demasiado exagerada en la que termina cayendo el personaje de Kevin Spacey no hace justicia a un rol tan perfectamente dibujado en el inicio de la cinta. A Farrell no hay tiempo de saborearlo demasiado, y en el caso de Rachel, perdón, Jennifer Aniston, termina con algo que el sufrido acosado pudo haber hecho desde el principio sin necesidad de obsesionarse con asesinarla, medida un tanto exagerada que no siempre resulta creíble en el film. Donde creo que sí salen victoriosos en en la intrusión, nunca mejor dicho, del personaje al que da vida un divertido Jamie Foxx, una especie de consultor sobre asesinatos que consigue dinero fácil a través de los tres pringados protagonistas. Foxx no se sobrepasa en ningún momento y su personaje posee una cierta evolución, por cuanto empieza de forma muy misteriosa y termina revelándose como lo que es realmente.

Cuentan que el director dejó que los actores improvisasen gran parte de sus diálogos o actuaciones. Creo que se nota por momentos, sobre todo en lo que respecta a las intervenciones de Charlie Day, histriónicamente alejado de sus compañeros de aventuras, con instantes que rayan directamente el ridículo, como cuando está solo en el coche esperando, o el enfrentamiento final con su jefa. Momentos en los que el trabajo de dirección de actores no existe, en su lugar han puesto a un cómico gesticulante y gritón que nos aleja, al mí al menos, de su personaje. Lamentablemente, no hay término medio. Si Day destaca por su exagerada interpretación, sus dos compis parecen competir por ver quién de los dos es más soso. Mientras tanto Seth Gordon se esfuerza por salirse de la puesta en escena habitual de este tipo de comedias, esto es, sin personalidad. Lo consigue a ratos.

Así pues, comedia entretenida por momentos, y divertida en muy pocos, todos ellos recopilados en su primer tercio, cuando Gordon es capaz de controlar el material que tiene entre manos. Si una comedia, una buena comedia, es difícil de hacer, aún lo es más una comedia atrevida, osada e inteligente, con sus puntos exagerados. ‘Cómo acabar con tu jefe’ —por cierto, título que recuerda a una comedia similar, pero interpretada por mujeres, ‘Cómo eliminar a su jefe’ (‘Nine to Five’, Colin Higgins, 1980)— es efectiva durante su primera mitad, consiguiendo el milagro. Después su rápido descenso hacia las concesiones y lo trivial, termina estropeando el conjunto. Al menos nos deja un poco menos de imaginación para fantasear con Jennifer Aniston.

Retomamos el listado de los actores más camaleónicos de la actualidad para completar con los otros cinco que faltaban. Algunos ya los habéis apuntado en los comentarios del post anterior y seguramente otros merecen estar, pero hay que hacer una selección y es difícil descartar.

En cualquier caso, para realizarla se ha tenido en cuenta esa sensación de sorpresa con cada aparición de ellos ha generado, más allá del maquillaje y efectos especiales. Actores capaces de hacerte sentir sus personajes. Repasemos los restantes cinco actores mutantes.

Kevin Spacey

Este veterano actor de dilatada filmografía, un animal de la gran pantalla (y de los escenarios) es de los que siempre se han atrevido con papeles arriesgados, aunque para ello tuviera que reinventarse. No precisamente con exceso de maquillaje y sí con el talento de los grandes actores. Lo podemos recordar inolvidable como tullido en ‘Sospechosos habituales’ (1995), asesino sin escrúpulos en ‘Seven’ (1995), extraño en ‘K-Pax’ (2001) o un moderno Lex Luthor en ‘Superman Returns’ (2006).

Edward Norton

Otro de esos actores cambiantes que siempre demuestra que es capaz de más. Se ha sumergido en papeles muy diferentes y diversos, ya sea como secundario o protagonista. De los que se ha labrado con esfuerzo y reconocimiento su trayectoria. Lo hemos visto como joven abogado en ‘El escándalo de Larry Flint’ (1996), jugador en ‘Rounders’ (1998), fornido y radical en ‘American History X’ (1998), en transformación en ‘El club de la lucha’ (1999), como ladrón en ‘The Italian Job’ (2003) o como mago en ‘El ilusionista’ (2006).

Tom Hardy

Este joven actor británico cuenta con una filmografía variopinta, y aunque por su aspecto podría no parece capaz de transformarse sin cambiar mucho, lo cierto es que lo ha hecho en muchas ocasiones y de qué manera. Tom es uno de esos secundarios destacados, siempre cumplidor y de los no acumulan muchos clubs de fans (excepto de féminas), pero bien lo merecen. Repasando sus transformaciones podemos recordarle irreconocible en ‘Star Trek: Nemesis’ (2002), melenudo y delgado en ‘Minotaur’ (2006), de época en ‘María Antonieta’ (2006), extramusculado y bigotudo en ‘Bronson’ (2008), de boxeador en ‘Warrior’ (2011) y con un trabajo no muy extenso pero notable en ‘Origen’ (2010). Y eso sin contar sus abundantes apariciones en series televisivas donde esta cualidad mutante se hace aún más patente.

Michael Sheen

Un experimentado actor británico, que ha compaginado producciones pequeñas con alguna que otra aparición en blockbusters, pero siempre capaz de sorprender. No solo por tratarse de un actor notable (con algún que otro tropiezo) sino porque es capaz de sacarle partido a su inconfundible rostro. Lo hemos visto de aspectos tan dispares como en ‘El reino de los cielos’ (2005), como primer ministro británico en ‘The Queen (La Reina)’ (2006), implacable entrevistador en ‘El desafío: Frost contra Nixon’ (2008), como licántropo en la saga ‘Underworld’, como obstinado entrenador de fútbol en ‘The Damned United’ (2009), como vampiro en ‘La saga Crepúsculo: Luna nueva’ (2009) y de lo más futurista en ‘Tron: Legacy’ (2010).

Jared Leto

Este atractivo y mutante actor y cantante ha jugado a ser un auténtico camaleón humano en cada aparición en la gran pantalla. Casi tanto como en su vida personal, donde sus cambios de looks generan mucha expectación. Lo cierto es que sus transformaciones en el cine son muy notables y no podemos olvidarnos de él en esta lista por papeles como los de joven guaperas en ‘Donde reside el amor’ (1995), de joven tierno en ‘Leyenda urbana’ (1998), como soldado en ‘La delgada línea roja’ (1998), rubio oxigenado en ‘El club de la lucha’ (1999), de yonki en ‘Réquiem por un sueño’ (2000), de tipo duro en ‘La habitación del pánico’ (2002), de época y peludo en ‘Alejandro Magno’ (2004) e increíblemente grueso en ‘El asesinato de John Lennon’ (2007).

Esta ha sido la lista de actores actuales, aunque hemos dejado atrás a viejas glorias como Robert De Niro, Anthony Hopkins o incluso John Malkovich que bien merecen considerarlos como verdaderos actores mutantes, quizás por obvios y porque igual merecen estar en otra lista, la que abarque a actores de todas las épocas. ¿Apetece una lista de actrices?

En Blogdecine | Diez actores mutantes: los más camaleónicos de la actualidad (I)

Un año después de que os informara sobre el anuncio del rodaje, aquí os traigo el tráiler de ‘Cómo acabar con tu jefe’ (‘Horrible Bosses’), protagonizada por los cómicos Jason Bateman, Jason Sudeikis y Charlie Day. Pero lo que más llama la atención son los nombres de algunos de los secundarios: Kevin Spacey, Jennifer Aniston, Colin Farrell y Jamie Foxx. Los tres primeros dan vida a los horribles jefes a los que se refiere el título (aunque no sé si muchos opinarían así de la jefa encarnada por Aniston) y el cuarto a una especie de asesor criminal, que aconseja a los protagonistas sobre la mejor manera de eliminar a sus odiados superiores. Una trama que puede dar mucho juego, y que en estos tiempos también puede provocar algún que otro lío peligroso, y es que como venimos comprobando hay gente que no sabe diferenciar entre ficción y realidad.

Dirigida por Seth Gordon (‘Como en casa en ningún sitio’, ‘Freakonomics’) y escrita por Michael Markowitz, Jonathan Goldstein y Francis John Daley, ‘Horrible Bosses’ gira en torno a tres amigos frustrados con sus respectivos empleos, que llegan a la conclusión de que la única solución para arreglar sus vidas es liquidar a esos jefes que les están amargando. La película estará en los cines de EE.UU. el próximo 8 de julio, y al parecer no llegará a España hasta septiembre, con el título de ‘Cómo acabar con tu jefe’. Desde luego el tráiler no es ninguna joya, pero el elenco es muy atractivo (no vemos a Spacey a menudo) y parece que al menos la propuesta servirá para mantenerle a uno entretenido durante hora y media.

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PD: ¿El personaje de Farrell no se parece demasiado al memorable productor que interpretó Tom Cruise en ‘Tropic Thunder?

Vía | Impawards

Irons: “Lo peor fue trabajar con Kevin Spacey”.

Spacey: “¡Él no se sabía los diálogos!”

Siguen llegando estrellas a la Berlinale 2011. Si ayer tuvimos la oportunidad de asistir a una rueda de prensa con los hermanos Coen y los protagonistas de la poderosa ‘Valor de ley’ (‘True Grit’, 2010), hoy, en la segunda jornada, todo giraba en torno a la visita del espectacular elenco de otra película estadounidense, ‘Margin Call’ (2011), la primera de la sección competitiva que se ha proyectado en Berlín (la anterior se presentaba fuera de concurso); Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany y Zacary Quinto juntos en la misma sala. Un lujazo.

Sobre la avaricia y la moralidad

En una escena de la ingeniosa y tensa ‘Margin Call’, que nos devuelve al año 2008, justo antes de que estalle la crisis financiera, el directivo interpretado por Simon Baker intenta hacerse una idea de lo que está a punto de ocurrir, no solo en su empresa sino en todo el planeta, para calcular las posibles soluciones, y sin terminar de creérselo del todo, suelta en voz alta un pensamiento: “Esto parece un sueño”; otro ejecutivo al que da vida Kevin Spacey le responde de inmediato: “No, creo que acabamos de despertarnos”. En más de una ocasión, el afortunado debutante J.C. Chandor, director y autor del estupendo guion, incide en la idea de un despertar. El de los depredadores que estaban ganando una salvajada, que se sentían los reyes del mundo, y que en un instante descubren que han matado a la gallina de los huevos de oro, que se les ha acabado el chollo. Mientras la firma se prepara para el hundimiento, y los jefazos traman un auténtico saqueo el personaje de Spacey llora por la inminente muerte de su amado perro, enfermo de cáncer. No creo que haga falta explicar el simbolismo.

‘Margin Call’ comienza con el despido de Eric Dale (Stanley Tucci), el jefe del departamento de previsión riesgos de una importante entidad financiera, al que tratan de una manera rastrera, inhumana, como si fuera un objeto que ya no sirve. Antes de abandonar el edificio, Dale deja un pendrive a uno de sus empleados, Peter Sullivan (Zachary Quinto), el único que se muestra afectado por su marcha, para que continúe un importante análisis que estaba llevando a cabo. Mientras sus compañeros se van de copas, Sullivan decide emplear la noche de un viernes (casualidad) para terminar el trabajo de su exjefe y lo que descubre es el abismo al que se dirige la compañía (y todas las demás dedicadas a la inversión); o en palabras de otro de los personajes, anticipa la llegada del silencio, del fin de la música.

Relato coral, apoyado en un sólido guion y un reparto extraordinario, ‘Margin Call’ es el emocionante retrato de las horas desesperadas que viven unos lobos que entran en pánico, y que deben decidir qué y quién se sacrifica para poder sobrevivir. Un film muy crudo, y crítico con el sistema capitalista. Desde su mismo arranque se representa a (casi todos) los protagonistas como seres egoístas, solitarios y avariciosos, que ganan tanto dinero que no saben qué hacer con él, pero que aun así, lo desean, y cuanto más, mejor, siendo irrelevante a quién perjudique, porque es un juego de supervivencia, y gana el más fuerte. Dicho esto, Chandor no ha escrito personajes simples, tienen alma, son cercanos, creíbles, y claro, están interpretados de manera inmejorable, por lo que no les deseas ningún mal (al menos a los personajes principales), aun siendo los “malos”. Punto flaco de ‘Margin Call’: dura demasiado, se dan demasiadas vueltas sobre los mismos puntos para subrayar las ideas que se quieren transmitir. Aun así, una película notable.

Rueda de prensa de ‘Margin Call’

La rueda de prensa estuvo marcada por el buen humor, pese a que se habló de la crisis, la avaricia y la moralidad (o falta de ella). Por fortuna, aunque hubo alguna pregunta tonta (inevitable), el encuentro resultó más interesante que el de la jornada anterior. El primero en intervenir fue Zachary Quinto, que apenas habló después, siendo eclipsado por sus otros compañeros, visiblemente más experimentados y relajados. El actor, al que le recordaron su trabajo en ‘Star Trek’ (2009), explicó cómo llegó a involucrarse en ‘Margin Call’, que es además su primer film como productor. “Unos amigos comunes me hablaron del proyecto, leí el guion, me gustó y a partir de ahí fue una sucesión de acontecimientos”, respondió, “es todo un honor haber participado y estar hoy aquí en Berlín presentando la película”.

Enseguida se empezó a preguntar por la humanidad de algunos de los personajes, por la visión de Chandor de los responsables de la crisis financiera. Spacey se hizo con el micrófono y dijo que habían intentado eliminar “lo malo”, presentando a los personajes como “gente normal con empleos normales que siguen órdenes”. El realizador le siguió cuando alguien planteó la avaricia de los banqueros e inversores; “No son más avariciosos que el resto, Estados Unidos es un país de avaricia, toda la cultura va enfocada a eso, y de ahí que falle… hablar de maldad es absurdo, no soluciona nada”. Bettany, tras un par de bromas (con una actitud muy similar a la de Brolin ayer), dijo que la gente puede llegar a ser muy hipócrita, que en el fondo todos intentan lo mismo: hacer el mayor dinero posible.

Irons se ganó los mayores aplausos de la rueda de prensa, si bien creo que se malinterpretaron sus palabras. Lo comento porque he leído en varios sitios que el actor acusó a los bancos de falta de moralidad y que por eso el sistema falla. No fue eso lo que dijo. Sí habló de falta de moral, pero para decir que es algo normal, que no tiene cabida en el mundo de las finanzas, tal como se ve en el film; sin embargo, añadió, seguimos haciendo juicios morales, porque lo necesitamos. Bettany le siguió al decir que como actores no juzgan a sus personajes, solo los interpretan. Un periodista le preguntó cómo había sido capaz de interpretar tan bien a su personaje, logrando que no resultara odioso; Spacey contestó por él diciendo: “Porque es un gran actor, hace muy bien su trabajo”. Tras las risas, Bettany intentó responder, pero no supo, y soltó una de las perlas del día: “La interpretación es como el sexo, es genial hacerlo, pero no hablar de ello”.

Otra cuestión fue sobre cómo está afectando la crisis al cine. Spacey respondió lo que ya sabemos, que es más difícil hacer películas ahora, y que los estudios no quieren arriesgarse. Aclaró que las películas independientes lo tienen muy complicado porque además de contar con menos copias, los cines las retiran a las dos semanas si no tienen buena taquilla. “No estoy en contra de las franquicias, pero por cada una estaría bien que lanzaran diez películas independientes”, sentenció. Por último, me llamó la atención una reflexión del director sobre lo que considera la mayor tragedia del capitalismo. Chador comentó que las empresas financieras se esfuerzan mucho por captar a los estudiantes más brillantes, que pronto quedan atrapados por las jugosas ofertas económicas; hasta que en algún momento resultan inútiles y son despedidos para ahorrar costes o desplazados por otros más jóvenes. Mantiene que todos hablan de un vacío en sus vidas, cómo ese trabajo les quitó tanto tiempo y tantas oportunidades. Todo por el dichoso dinero.

JL Caviaro, 11 de febrero, Berlín.

Al final, aunque parezca mentira, las fechas cuadran. Seguramente porque la épocas quedan influidas por las mentes creativas que viven en ellas, y no a la inversa. Pero poco importa. Que en 1999 confluyeran filmes como ‘Una historia verdadera’ (‘The Straight Story’, David Lynch), ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, M. Night Shyamalan) o ‘American Beauty’ (id, Sam Mendes) puede ser un azar, o la confirmación de que en el arte el azar no existe. Que a finales de los años noventa, y del siglo XX, la ficción audiovisual, sobre todo la norteamericana, encontrara estos, entre otros, iconos del fin de una era, es bastante ilustrativo. Pero lo es aún más cuando Alvin Straight (Fansworth) significa, de alguna manera, la defunción del western, cuando Malcolm Crowe (Willis) es todo un antihéroe del personaje del thriller clásico, y sobre todo cuando Lester Burnham (Speacy Spacey) en ‘American Beauty’ representa todo aquello que el cine clásico norteamericano (el más conservador, se entiende) ha querido siempre evitar: el hombre de mediana edad, hastiado, de miserable vida sexual, patético entorno familiar, gris vida laboral, y en conjunto la mentira del sueño americano.

Que, además, la película fuera dirigida por un británico de gran trayectoria teatral, el oriundo de Reading Sam Mendes, también tiene su ironía. Eso sí, el guión es de un norteamericano como Alan Ball, nacido en la muy sureña Atlanta, lo que es un dato importante. Entre ambos construyeron la certificación del fin de una Estados Unidos que durante tantas décadas se nos ha vendido (el que quiso lo compró) como un paraíso capitalista en el que sus criaturas siempre serán felices y sonrientes. No es la primera vez, ni mucho menos, que una película (norteamericana o no) indaga en los fantasmas y en las argucias de la ‘happy life’ estadounidense, pero pocas veces se ha hecho con tanta mala uva y con tanta lucidez, a través de una familia que de belleza tiene más bien poco, aunque su guionista y su director no tengan reparos a la hora de ofrecerles una cierta dignidad y una cierta redención. No es un filme perfecto, porque quizá tampoco quiere serlo. Es un zarpazo a lo políticamente correcto, al estado de bienestar y a la falsa moral.

No creo exagerar si digo que gran parte de la carga crítica de esta película proviene de la pluma de Ball, más que de la cámara de Mendes. El británico, desde entonces, intentó un ataque al belicismo y a la maquinaria militar norteamericanos con la fallida ‘Jarhead’ (id, 2005), y un nuevo estudio del vacío familiar y personal en la floja ‘Revolutionary Road’ (id, 2008), que está bien dirigida pero que hace añorar el trabajo de su debut como director en ‘American Beauty’. Estos filmes carecen de la potencia transgresora de aquella. Mientras que Alan Ball ha continuado indagando con gran éxito en la América más real y menos acartonada, con la inigualable serie ‘A dos metros bajo tierra’ (‘Six Feet Under’, 2001-05) y con la divertida parábola cultural y social de ‘True Blood’ (id, 2008-presente). Pero poco importa de quien sea el mérito, porque el guión y los diálogos de Ball son excelentes, y la puesta en escena y la dirección de actores de Mendes impecables.

La infelicidad como forma de vida

El centro dramático de este relato es la disfuncional familia, de clase media-alta, de los Burnham, que habitan en un suburbio cualquiera de Estados Unidos (el estado es indiferente para la historia, aunque la ciudad aparenta ser Chicago), cuyo padre es un oficinista aburrido y en crisis existencial, cuya madre es una fracasada vendedora de inmuebles obsesionada con el éxito y con guardar las formas , y cuya hija adolescente es una chica apocada y acomplejada físicamente. Cada uno de ellos se encuentra en un laberinto interior de difícil salida, y las soluciones que tomarán para salir de él, a cual más patética y desesperada, conducirán a un final impredecible, que llegará en admirable crescendo, y que dinamitará las convenciones sociales que tanto les asfixian. Entre tanto, una feroz y desprejuiciada descripción de un barrio que es como cualquier otro en cualquier país occidental del mundo.

Para Sam Mendes y Alan Ball, Estados Unidos es un crisol de frustraciones, de consumismo, de hipocresía, de sexo reprimido. Esos son sus temas, y los explotan hasta el final, sin concesiones. Si Lester (un estupendo Speacy Spacey, muy creíble como aburrido y fracasado hombre medio) se fija en la amiga adolescente de su hija (interpretada por una sensual Mena Suvari), y siente por ella una atracción irresistible, al menos eso le sirve para mover el culo, hacer ejercicio y preocuparse un poco más por su físico y su amor propio. Si Carolyn (una magnífica Annette Bening) engaña a Lester con la competencia, al menos vuelve a sentirse deseada de nuevo y vuelve a saber lo que es estar cerca del éxito. Y si la adolescente Jane (impecable Thora Birch) conoce al tipo raro de la clase, que resulta ser un traficante de drogas y un voyeur impenitente, por lo menos encuentra el amor y a alguien que la acepta tal como es.

En lo marginal o en lo inmoral radica, quizá, una forma de libertad o, al menos, una vía de escape a una existencia sin el menor sentido. Existe en esta película una cierta comprensión y dignidad a unos seres tan patéticos, especialmente a Lester, cuyas ensoñaciones con la rubia Angela poseen unas altas dosis de surrealismo y de transgresión, sin perder jamás la elegancia, y que luego volveremos a ver en muchos capítulos de ‘A dos metros bajo tierra’. La espléndida fotografía de Conrad L. Hall, que le valió un merecidísimo Oscar, se encarga de transmitir con gran sutilidad, y siempre con el uso del color y la iluminación, el estado anímico preciso en cada momento. La compleja gama de emociones y conductas que los personajes experimentan en este viaje, es siempre nítida, y siempre esconde una segunda intención ulterior, que se irá desvelando progresivamente, como el secreto del personaje de Suvari, como lo que es capaz de hacer el padre de Ricky (interpretado por el gran Chris Cooper) por recuperarle, como la redención final de Lester…

Dijo Sam Mendes que daría cualquier cosa porque su carrera fuera la mitad de lo que fue la carrera de Billy Wilder, mientras Speacy Spacey afirmó que su verdadero maestro había sido Jack Lemmon. En verdad hay mucho, y de lo mejor, de Wilder en los vericuetos formales y en la feroz anarquía de un relato que, sin embargo, cierra de una forma tan hermosa y tan lírica, con la muerte como el espejo final en el que vemos lo mejor de nosotros mismos. Una muerte que nos acerca un poco a la obsesión por ella que Alan Ball cristalizaría en la citada serie sobre una familia de funerarios. Y aunque el amargo final podría haber sido, o eso es la sensación que a mí me da, bastante más salvaje, lo cierto es que, al menos, hemos sido capaces de vernos en un espejo que exige una feroz lucha con nosotros mismos.

Conclusión y escena predilecta

Es una, en muchos sentidos, admirable película, aunque sus leves arritmias y una cierta propensión a no dinamitar todos los conceptos que trata, terminan rebajando levemente su alcance. Con ella Sam Mendes debutaba inmejorablemente, aunque luego su carrera ha dado bastante menos de lo que se esperaba. Mi escena favorita es aquella en la que el personaje de Chris Cooper besa a Speacy Spacey, con la esperanza de comprender por qué ha perdido a su hijo (en lugar de, como decían algunos, expresar su homosexualidad, lo que no tiene sentido en un momento tan terrible para él). Los ojos de Cooper delatan su dolor y su incomprensión de forma absoluta.

Quedaos con este título: ‘Margin Call’. El actor Jeremy Irons, siempre una buena razón para acercarse al cine, es la última y lujosa incorporación del drama ‘Margin Call’, actualmente en su tercera semana de rodaje. Irons, que interpretará al director de la importante entidad financiera sobre la que gira el film, encabezará un estupendo reparto en el que también figuran Zachary Quinto, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Stanley Tucci, Simon Baker y Mary McDonnell (a quien nunca olvidarán los fans de ‘Battlestar Galactica’). No está nada mal, ¿eh?

‘Margin Call’ es el primer largometraje que dirige J.C. Chandor, autor también del guión. La historia de la película transcurre en un banco de inversiones de Nueva York durante unas frenéticas veinticuatro horas, en medio del colapso de Wall Street en 2008. La premisa suena interesante, y si hay tantos actores conocidos en el reparto es de suponer que el guión es bueno… O eso espero. Por el momento no hay fecha para el estreno, pero debería estar lista para principios de 2011. O finales de este año, si aspiran a colarse en los Oscars.

PD: Si os lo estáis preguntando, ‘Wall Street: El dinero nunca duerme’ se estrena en España (¡por fin!) el próximo 8 de octubre.

Vía | Deadline

No estamos programados, Gerty. Somos personas.

La gran triunfadora de Sitges 09, ‘Moon’, se estrenó en los cines españoles el pasado viernes 9 de octubre, un par de días antes recibir los premios a la mejor película, actor, guión y diseño de producción en el Festival catalán. Duncan Jones, que hasta ahora sólo era el hijo de David Bowie, debuta en el cine con una inteligente, reflexiva y claustrofóbica historia, llena de homenajes, sobre un astronauta que debe trabajar durante tres años en la Luna, hasta que llegue su relevo y pueda por fin volver a la Tierra, a casa, con su mujer y su hija.

Al igual que otras populares películas recientes, como ‘Náufrago’ o ‘Soy leyenda’, ‘Moon’ se basa prácticamente en la labor de un único actor, Sam Rockwell, que debe soportar el peso de la película, atraer al público y mantenerlo interesado, entretenido, durante una hora y media. Una película, una historia, un actor. Para que funcione es imprescindible contar con un excelente intérprete. Y Rockwell lo es. Lo vuelve a demostrar aquí, por si alguien todavía tenía dudas. Contar con este actor es uno de los grandes aciertos de Jones, y lo más sobresaliente de la película, una de las mejores del año.

No recomiendo seguir leyendo este texto si no se ha visto la película. Es algo que no suelo hacer, revelar aspectos importantes de la trama en mis críticas, pero en este caso me parece necesario romper la norma. En realidad, no creo que puedan considerarse “spoilers“, puesto que el propio Duncan Jones no quiso sorprender a nadie con el giro más relevante de la trama (lo dijo en la rueda de prensa en Sitges, que prefería desarrollar la “sorpresa” a dejarla para el final), de hecho, está en el tráiler de la película y me consta que se ha revelado en la prensa, pero bueno, no es menos cierto que yo lo desconocía cuando vi la película y creo que así la disfruté aún más, sabiendo lo menos posible. Repito, no leáis más si no habéis visto el film.

Como dije, la película se centra en la vida de Sam Bell en la Luna. La primera escena es muy interesante, bastante reveladora de su existencia y su trabajo allí. Vemos al hombre en una de esas cintas mecánicas para correr. ¿Qué otra imagen os viene a la cabeza? Yo pensé automáticamente en una rata de laboratorio, que se mete en una de esas ruedas para hacer ejercicio, frenéticamente, pareciendo desde fuera que intenta escapar de la jaula, sin posibilidad alguna, repitiendo siempre el mismo recorrido, siempre entre rejas. Sam Bell está viviendo algo parecido, sólo que aún no lo sabe.

He leído por ahí que, con ‘Moon’, gira en torno a la clonación. En realidad esto no es cierto, aunque como el propio director llegó a decir, la película está abierta a todo tipo de interpretaciones; una fórmula muy facilona y al mismo tiempo muy inteligente, porque así no sólo no te ves forzado a explicar tus intenciones, sino que permites que cualquier espectador se quede satisfecho con su propia visión de la historia. En cualquier caso, Sam Bell es un clon. Y esto plantea interesantes reflexiones. Pero lo más importante, y lo esencial de la película, es que Sam debe enfrentarse a dos dilemas: por un lado, todo lo que creía, todo lo que le habían dicho, es una gran mentira; y por otro lado, es un ser artificial que va a ser eliminado, una vez que acabe su misión.

Por eso, más que una película sobre la clonación, ‘Moon’ es una película sobre un ser humano que se plantea el sentido de su existencia, el sentido de la vida, la diferencia de lo orgánico y lo artificial. Hay claros homenajes a ‘2001’ o ‘Naves misteriosas’ (‘Silent Running’), pero en este sentido hay que acordarse de ‘Blade Runner’, esa mágica obra de Ridley Scott. Sam Bell (cualquiera de los Sam Bell a los que da vida un impresionante Sam Rockwell) tiene tres años de vida y en caso de sufrir un accidente o estar en peligro el trabajo que realizan en la Luna, será sustituido por otro clon, que hará exactamente lo mismo que él. En realidad, la idea de la clonación permite a Jones experimentar con otra posibilidad, que era la que más le fascinaba, y era que un hombre “viejo” pudiera interactuar con una versión “joven” de sí mismo.

De este modo, en ‘Moon’ tenemos a un Sam Bell desgastado y cansado, pero experimentado, que conoce a un Sam Bell fresco y enérgico, pero torpe. Y entre los dos intentan saber qué demonios pasa en la Luna, por qué están allí y cuál debe ser el camino que deben recorrer juntos, pero al mismo tiempo, y esto es sumamente interesante, son dos personas diferentes, dos egos distintos con sus propias ideas y sentimientos, y les cuesta llevarse bien al principio, enfrentándose sin remedio, porque su forma de ser es así, tienen ese carácter difícil; en el fondo, están mejor solos que en compañía. Si un Sam Bell ya tiene problemas para relacionarse, dos puede resultar un completo desastre. ¿Qué pasaría si tuvieras que interactuar contigo mismo, podrías soportarte?

He mencionado ‘2001’. La referencia a la mítica película de Stanley Kubrick es obligada, no sólo por momentos que parecen calcados (el viaje estelar, con el rostro de Rockwell iluminado por múltiples colores) sino por la presencia de un robot, una inteligencia artificial, que es, durante mucho tiempo, la única compañía del protagonista. Al igual que HAL, GERTY tiene información confidencial que no puede revelar y una voz extraña, amigable, que hace sospechar de sus verdaderas intenciones, al relacionarse con Sam Bell. Kevin Spacey da voz a este robot y lo hace estupendamente, porque da ese toque inquietante que necesita el personaje.

Si a lo largo de este texto he hablado sólo de las virtudes y los aspectos más fascinantes de la película, es porque Duncan Jones consigue su propósito de entretener, inquietar y hacer pensar. Es ciencia ficción de la de antes, con una estética muy poderosa y una historia que mantiene el interés todo el tiempo, incluso aunque ya sepamos cómo va a acabar. Se te queda en la cabeza y conforme la vas pensando, más te gusta, más te quedas con los aciertos y menos importancia le das a los errores o los elementos menos logrados.

El principal error que le veo a ‘Moon’, además de que no me convence del todo la reacción de Sam Bell al ver a su clon, es que Jones bebe demasiado de otras películas, y no aporta gran cosa, no te da nada que no hayas visto antes, exceptuando claro, a Sam Rockwell multiplicado. Con eso nos quedaremos probablemente, en el futuro, con la soberbia interpretación de Rockwell. Pero lo mejor es que siempre podremos volver a ‘Moon’ para encontrar una historia entretenida, muy bien realizada (ojo, costó unos miserables 5 millones), hecha con cariño y buen gusto, a lo que hay que añadir que cuenta con una banda sonora de Clint Mansell, por lo que ya sobran razones para defenderla. Lo dicho, una de las mejores películas de 2009.