En una secuencia de este apasionante, extraño, inclasificable ‘Kill Bill, vol. 2’ (íd, Quentin Tarantino, 2004), La Novia, también conocida como Black Mamba, y cuyo nombre real luego descubriremos, en una suerte de chiste grueso absolutamente desvergonzado, que es Beatrix Kiddo, efectúa un necesario alto en el camino para descubrir el paradero de su objetivo final. Decía el director que le gustaba pensar que si Willard se bajara del barco para tomar una cerveza en ‘Apocalypse Now’ (íd, Francis Ford Coppola, 1979) el tugurio de Esteban Vihaio (un sensacional Michael Parks, que había dado vida a otro personaje, muy diferente, en la primera película del díptico) no habría desentonado. Y es cierto. Más que un guiño cinéfilo, o un homenaje, que no lo son, esa secuencia es la constatación de que para Tarantino todas las películas se cruzan unas con otras, y de que la originalidad está en la mirada del director. Más que en ninguna otra de sus películas, en esta, que probablemente sea la más redonda de todas ellas, no hay un pastiche (esto es, la combinación de los elementos de otro artista) sino la creación total de un hombre que vive por y para el cine.

Con ella, Tarantino se situaba mucho más allá de lo que había logrado en la trepidante primera película. Todo lo que allí parecía un prólogo, o un capricho estético a mayor gloria de sus obsesiones cinéfilas (y de su capacidad, al parecer infinita, de reformular códigos de películas de serie Z para hacer con ello cine libre, refrescante e indómito) aquí posee la densidad de lo mitológico, la serenidad de la plenitud, el aliento épico y trágico de una grandísima aventura de la imaginación. Cine casi abstracto, soñado, imposible de definir en términos habituales, porque bajo su pasión y su mordaz ironía se puede rastrear una feroz descripción del espíritu humano, de lo que hay más valioso en él (la fuerza de voluntad, el sacrificio, la dignidad de la lucha) y más abyecto (la mezquindad nauseabenda del rencor, de la venganza, del odio gélido), todo ello mostrado sin el menor juicio moral (algunos llaman a eso cinismo, otros lo llamamos retorcida compasión) y siempre dispuesto para entretener, atrapar y ennoblecer al espectador, al que se le ofrece cine libre y sin complejos. Una aventura estética que, creo, todavía no ha sido valorada en todo su alcance.

‘Kill Bill’ es algo más que una sola película partida por la mitad, aunque también puede definirse así. La una es el espejo de la otra, y resulta interesantísimo constatar cómo su director propone un rompimiento consigo mismo, cuando en la primera parte, de alguna manera, es más el cineasta que todos más o menos conocíamos, para a continuación, con la segunda parte, abandonar todo divismo (aunque nunca su sentido del humor) y ser capaz de filmar con un ascetismo que admiraría Robert Bresson. ‘Kill Bill, vol. 1’ (íd, 2003) era nostálgica, pulp, climática, juvenil, desequilibrada y feroz. Sin embargo, ‘Kill Bill, vol. 2’ sorprende por su carácter sereno, casi plácido, otoñal, y es solidísima y redentora. Habiendo eliminado a dos de sus cinco odiados enemigos, eliminados de forma directa y sin complicaciones morales, La Novia, el gran samurái del cine del siglo XXI, pasará a encargarse del resto. Pero, confiada, fracasará miserablemente y sólo un genial giro del destino, y el recurso a los recuerdos más preciados, convertirán el fracaso en victoria. Es uno de los muchos rasgos que convierten a esta creación en algo absolutamente impredecible, insólito, que jamás se da facilidades a sí misma y que es la perfecta fusión entre cine de género extremo y cine de autor.

Disgresiones, narraciones, revelaciones

La línea recta que en la primera película representaba el viaje de la protagonista, en busca de venganza, aquí se va a volver una línea llena de curvas (y no me parecen por tanto azarosos esos planos en los que La Novia se acerca a su enemigo final salvando muchas curvas y zonas escarpadas), un camino en el que muchas veces va a necesitar dar varios pasos atrás para seguir adelante. Pero, además de eso, la ficción se nutrirá de varias disgresiones que para algunos son su condena, pero para quien esto escribe, y creo que para muchos más, enriquece sensiblemente el relato, ampliando sus márgenes por la vía de la evocación. Así, en una elección particularmente audaz y afortunada, Tarantino decidirá dejar de seguir a La Novia durante bastante rato para centrarse en el precioso personaje de Bud, el hermano de Bill. Un pobre diablo que ha abandonado un lugar de privilegio al lado de su poderoso hermano, y que malvive trabajando de gorila de un garito de mala muerte, y regresando cada noche a su vieja caravana en mitad de ninguna parte. Esta decisión, además de conceder por primera vez una gran humanidad a uno de los enemigos de La Novia, acrecienta muchísimo la sensación de amenaza y el halo de invencibilidad de ella, lo que a su vez provoca una sorpresa mucho mayor la penosa forma en que ella falla a la hora de liquidar a Bud.

Y lo que parecía casual y fugaz, el escenario de la caravana desvencijada, el tipo mugriento y alcoholizado, van a ser el corazón del relato, derivando en el entierro de la protagonista (sensacional la idea de permanecer como espectadores en el interior de la caja, y a oscuras, mientras oímos la tierra caer sobre la tapa de madera), y el posterior e impredecible encuentro entre Bud y Elle Driver, la conversación entre ellos, una nueva sorpresa y la batalla de zorras más salvaje que imaginar quepa. Pero, mucho antes, La Novia recordará su particular entrenamiento con Pai Mei, una especie de gran maestro de artes marciales tan feroz como cómico. Y a los parajes ancestrales de una China profunda (por cierto que fueron al país a filmar) el espectador opone que, mentalmente, todavía estamos atrapados en la oscuridad del ataúd. Todo ello es probablemente lo mejor, más emocionante, épico, exacto e ingenioso que Tarantino ha escrito y puesto en escena jamás. El relato se desperdigará, además, en una serie de narraciones (sobre todo dos inolvidables de Bill, una acerca de Pai Mei y otra sobre su admiración hacia el personaje de Supermán), y terminará encontrando su clímax en dos revelaciones máximas: la situación de Bill con la hija pequeña de ambos, y el secreto de un golpe invencible de artes marciales, resueltos de manera admirable por Tarantino, más enamorado de la condición de cineasta que nunca.

La puesta en imágenes de todo este intrincado (pero armado con precisión y sencillez) entramado de personajes, situaciones y sorpresas, por parte de Tarantino, alcanza un despojamiento visual asombroso. Le basta una fogata y una conversación para introducirnos en los misterios arcanos de las artes marciales chinas, le sobra el espacio minúsculo de un ataúd para extraer de él toda la fuerza expresiva de una situación al límite, emplea una caravana para mostrarnos odios infernales y un combate más sangriento y paroxístico imposible. Sin lujos ni excesos, Tarantino expone su visión de la aventura como un viaje no solamente físico, también sensorial, anímico y moral, y dirige a sus actores, a todos con mano maestra. Entre ellos vuela Uma Thurman, por supuesto, y David Carradine posee un encanto y una presencia imponente, pero Daryl Hannah borda el que probablemente sea el más malvado de todos los personajes modelados por Tarantino. Aunque, en mi opinión, el rey de la función es un Michael Madsen en estado de gracia, capaz de aunar patetismo, compasión, brutalidad, redención e ironía con una mirada o una frase de diálogo. No sólo está inmenso, es que la subrepticia historia de amor/odio con su propio hermano, la sensación de que ha elegido esa vida como expiación por sus deleznables actos pasados, y la preciosa idea de que aún conserva su espada Hanzo después de decirle a su hermano que la había vendido por una miseria, son trallazos de ingenio que quedan para siempre en la retina y que terminan de convertir a esta película en la obra maestra de aventuras que es.

Al final, se tiene la sensación de haber asistido a una generosa y humanista visión del género de aventuras en variante oriental, espléndidamente fotografiada por el gran operador Robert Richardson y con un montaje de la fallecida Sally Menke y una selección ecléctica de canciones, que no dan tregua, y que están diseñados para otorgar un dinamismo y una luminosidad muy lúcidas en medio de tanta sangre, tanto odio y tanta violencia. Con ella terminamos, creo, de forma insuperable este no demasiado largo, aunque sí creo que suficientemente denso, ciclo sobre el gran cine de aventuras y sus formas y variantes más reconocibles, perdurables, imaginativas, humanistas y vigorosas. Hemos repasado películas en las que el misterio de la jungla deviene en monstruosas formas que no son más que parábolas del deseo y de la muerte. Hemos conocido parajes místicos de vibrante y mágico colorido. Hemos soñado con héroes que no conciben la vida sin aventura, es decir: que su forma de vida es luchar y sufrir por sus ideales, sean estos equivocados o no (¿acaso importa?). Hemos viajado a parajes recónditos y despiadados del mundo, y hemos accedido a la concepción del hombre como un ser minúsculo que, sin embargo, puede escupir a Dios, oponerse a él y a los designios despiadados de la naturaleza, y salir triunfante, aunque muera en el empeño.

La muerte como moneda de cambio, el combate y la lucha como expresión de los tormentos y los anhelos interiores, la búsqueda de un mundo más justo y más libre, la reivindicación del espíritu humano, como diría Bodhi, en un mundo cada vez más gris y tedioso. Además de este ciclo, ya he escrito sobre numerosas y célebres películas de aventuras que, de algún modo, completan este ciclo sobre el cine más necesario, a un nivel emocional, que existe.

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“A veces es un personaje que quieres interpretar, o una historia que quieres contar. Otras, es simplemente pagar tus facturas”

El oficio de actor, pese a la fama que puede ocasionar en algunas excepciones, es muy ingrato. Por cada intérprete que llega a la fama, a la celebridad, al prestigio y a la inmortalidad cinéfila, miles se quedan en la cuneta del anonimato, en la de la mala suerte, o en la de la vocación frustrada. Cuando no en el más estrepitoso de los fracasos profesionales. Pero en el delgado interregno entre ambos grupos, también existen otros actores más que competentes, que de vez en cuando llevan a cabo trabajos formidables, los cuales no les garantizan mayor prestigio o notoriedad, quizá por falta de carisma mediático, por la carencia de un agente cinco estrellas o de simple buena suerte. Merece la pena reivindicar del olvido colectivo a algunos rostros magníficos, de cualquier cinematografía del mundo, que no son considerados (por cuestiones inexplicables) buenos actores a un nivel general, sino simplemente elecciones más o menos acertadas, que cumplen en eficacia y que no merecen mayores elogios. Quizá triunfar como actor sea, realmente, eso: cumplir con eficacia, divismos aparte.

Uno de esos nombres que siempre reivindico como una gran actriz es la norteamericana Daryl Hannah una guapísima actriz que, como tantas otras rubias (teñidas o no) han sufrido el mal llamado Síndrome Marilyn Monroe: el de la rubia y guapa a la que se considera mala actriz sin ningún fundamento. Durante los ochenta, cuando era una veinteañera esplendorosa, fue una de tantas actrices atractivas que gozaron de una popularidad efímera, a través de varios éxitos de público, aunque en su mayor parte fueran películas bastante olvidables. Pero, claro, durante los noventa, ya convertida en una treintañera muy interesante, su carrera decayó a toda velocidad, hasta convertirse en una secundaria esporádica, en una carrera sin ningún título destacable. Tuvo que llegar Quentin Tarantino, claro, para que, en su espléndida madurez de cuarenta y pocos años, Hannah se reivindicara a sí misma con el papel de su vida, muy alejado de lo que podría esperarse de ella. El mundo del cine, en todos sus ámbitos, está plagado de injusticias clamorosas.

Trayectoria gris, presencia luminosa

Llevemos a cabo un sencillo y divertido juego: a ver cuántos lectores de estas líneas pueden recordar los siguientes títulos, en el caso, improbable, de que hayan visto algunos de ellos. ‘Una pandilla de pillos’ (‘The Little Rascals’, Penelope Spheeris, 1994), ‘Los lazos que unen’ (‘The Tie That Binds’, Wesley Strick, 1995), ‘Discordias a la carta’ (‘Grumpier Old Men’, Howard Deutch, 1995), ‘Hi-Life’ (id, Roger Hedden, 1998), ‘Adicto a la velocidad’ (‘Speedway Junky’, Nickolas Perry, 1999), ‘Mi marciano favorito’ (‘My Favorite Martian’, Donald Petrie, 1999), ‘Enemigo de mi enemigo’ (‘Diplomatic Siege’, Gustavo Graef-Marino, 1999), ‘Cord’ (id, Sidney J. Furie, 2000), ‘Cowboy Up’ (id, Xavier Koller, 2001), ‘Jackpot’ (id, Michael Polish, 2001), ‘Dinero sucio’ (‘Run for the Money’, Predrag Antonijevic, 2002)...¿Ha habido suerte? Con una trayectoria tan gris, no es de extrañar que algunos dieran por sentado la falta de talento de Hannah, y que sus apariciones, magníficas, en ‘Una rubia auténtica’ (‘The Real Blonde’, Tom DiCillo, 1997), ‘Un paseo para recordar’ (‘A Walk to Remember’, Adam Shankman, 2002), ‘Conflicto de intereses’ (‘The Gingerbread Man’, Robert Altman, 1998) o ‘Memorias de un hombre invisible’ (‘Memoirs of an Invisible Man’, John Carpenter, 1992) no puedan cambiar esa apreciación.

Cuentan que de niña era tan tímida que le fue diagnosticado un principio de autismo, y que, al sufrir prolongados ciclos de insomnio, se aficionó al cine y comprendió que sólo sería feliz si se convertía en actriz. Nacida hace 50 años en Chicago, debutó con 18 de la mano de Brian De Palma en la obligatoria ‘La Furia’ (‘The Fury’, 1978) y cuatro años más tarde pudo interpretar uno de los papeles por los que siempre será recordada (aunque, en honor a la verdad, no se trata de un personaje con entidad): la bella replicante Pris, amante del protagonista y también replicante Roy Batty (Rutger Hauer). Esta aparición en ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982), y su antológica muerte, fue el preludio a una serie de papeles que intentaron llevarla al estrellato, como el de la sirena de ensueño en la muy floja, aunque icónica, ‘1, 2, 3… splash’ (‘Splash’, Ron Howard, 1984), un papel muy menor al que ella aportaba toda la belleza y luminosidad que emanan de su presencia en pantalla. Convertida en estrella, fue el principal reclamo de ‘El clan del oso cavernario’ (‘The Clan of the Cave Bear’, Michael Chapman, 1986) y compartió pantalla con Robert Redford y Debra Winger en la también flojita ‘Peligrosamente juntos’ (‘Legal Eagles’, Ivan Reitman, 1986).

Sus apariciones en ‘Wall Street’ (id, Oliver Stone, 1987) y ‘Magnolias de acero’ (‘Steel Magnolias’, Herbert Ross, 1989), pese a su esfuerzo evidente en pantalla, eran bastante más secundarias. Empezaba a intuirse que, pasado su momento de mayor esplendor físico, rozando ya la treintena, la suerte, los papeles o las películas más o menos interesantes o taquilleras, iban a empezar a escasear todavía más. En sus grises años noventa, sin embargo, a pesar de tanto título olvidable, aún pudo comerse con patatas a Antonio Banderas y Melanie Griffith en la anacrónica comedia ‘Two Much’ (id, Fernando Trueba, 1995), esperando con paciencia esos papeles importantes que parecían no llegar nunca, contentándose, como ella misma ha dicho muchas veces, con pagar las facturas trabajando en el oficio que más le gusta, comenzando su activismo político y ecológico, que ha provocado que la arresten unas cuantas veces. Incansable, anuncia cinco películas para 2011 (algunas se estrenarán en 2012). Esperemos que alguno de esos papeles esté a la altura de su talento.

Eso sí, para mí siempre será Elle Driver. Ella lo definió a la perfección: “¿Qué es más frío que el hielo?...Elle Driver’. Tarantino le dio el papel de su vida (¿regresará en la tercera película, convertida en una implacable vengadora de la humillación salvaje que sufrió a manos de Beatrix Kiddo?). Muchos no se podían creer que la a menudo angelical Hannah se transformara en una despiadada guerrera, armada con una katana. Ella demostró, por fin, lo gran actriz que es. Y se nota que se lo pasó en grande componiendo y dando vida a un personaje tan extremo. A su breve pero feroz aparición en ‘Kill Bill, Vol. 1’ (id, 2003), sumó la brutal e inolvidable de ‘Kill Bill, Vol. 2’ (id, 2004), en la que se enfrentaba, literal y metafóricamente, a la estrella de la función, una sensacional Uma Thurman. Para mí, mucho más inolvidable que su Pris o el resto de sus escasos buenos papeles. Hannah volando más libre y más bella que nunca.

Tarantino plantea este segundo volumen dispuesto a ofrecer el antídoto perfecto contra el veneno inoculado en el espectador con la novia y sus encuentros sanguinolentos. Su particular recorrido vengativo ahora queda explicado. Para ello Tarantino prescinde más del homenaje asiático para dejarse embaucar por el espíritu del auténtico spaguetti western para ofrecer la explicación de todo, para darnos a conocer la auténtica motivación de la protagonista para trazar a katana su único objetivo: matar a Bill.

Y si había un personaje misterioso del que no sabemos nada ese es Bill. Y para presentarlo adecuadamente Tarantino nos regala una de sus especialidades: la entrada en escena del villano. Bueno, aunque villanos en realidad son todos los que pueblan el díptico de Kill Bill, porque en esencia es un retrato del lado perverso, un análisis de los pensamientos, sentimientos e inquietudes de un asesino. Pero a lo que iba, conocemos, por fin, a Bill. Un asombroso David Carradine, a quien el director le otorga su particular homenaje dándole un personaje tan malvado como hipnótico.

En el flashback con sabor a añejo (por aquello del tono sepia de la escena), intuimos una parte esencial de la relación entre Bill y la novia. Es sólo el comienzo del conflicto. Luego comprobamos como ella continua con su cometido esencial en la vida, saciar su sed de redención. Conocemos nuevos personajes, y más a algunos de los que poco conocíamos (la sanguinaria y bellísima Elle Driver, una Daryl Hannah sorprendente).

Menos acción, más drama

Tarantino le da solución de continuidad al salvajismo del primer volumen, pero ahora se preocupa más de justificar cada gota de sangre. Ahora podemos entender los motivos, aunque ése es precisamente el suspense sobre el que se construye ‘Kill Bill vol. 2’. Conocer porqué Bill debe morir y la novia matarlo. Porqué se quiere vengar. Aquí Tarantino no tiene prisa, se adorna con escenas llenas de buenos diálogos, de acción (las menos, pero no menos intensas, buena prueba de ello es el enfrentamiento con Elle Driver), pero sobre todo dándole a la novia la posibilidad de expresar la fuerza que le mueve.

Tarantino logra momentos asombrosos: el encuentro de Bill y Budd, el entierro claustrofóbico, el capítulo oriental (y el más claro y evidente de todo el conjunto, imitando el estilo del cine de los Shaw Brothers) el apoteosis final, un duelo verbal que ilumina las zonas que aún quedaban oscuras. Pero también es cierto que enreda (digámoslo así) en momentos que aportan bien poco a la trama y que parece más un ejercicio de autocomplacencia. Véase la visita de Budd al club donde trabaja (clara admiración de Tarantino por este actor) o la de la novia al que le debe dirigir en última instancia a Bill, en un gran momento fílmico, pero de escasa aportación a la narración.

Los personajes: comprendiendo el mal

Con todo, Tarantino logra impregnar su estilo en cada personaje, en cada encuentro y en cada escena. Y también es fácil apreciar a la madurez como autor que se percibe. Gran dominio de la puesta en escena y sacando el máximo partido a sus ingeniosos y hábiles diálogos. Pero sobre todo, logra exponer el alma de los personajes. Algo complejo de conseguir. Aquí tenemos a la galería de villanos, despiadados, letales, como protagonistas y conocemos un poco qué motivaciones les arrastran. En el fondo, Quentin nos muestra su particular visión sobre la vida y la muerte (como bien queda patente en el encuentro con la hija y en el diálogo con Bill próximo al duelo final).

A través del viaje vengativo, en su segunda etapa, de la novia, vamos descubriendo sus emociones, su sentimiento. Todo ello ambientando en el salvaje oeste, en el desierto fronterizo, donde la temible culminación de venganza debe tener lugar.

Uma Thurman se postulaba en el primer volumen como una actriz polivalente, mostraba el enorme esfuerzo requerido para las escenas de lucha. Ahora, en el segundo volumen, nos vuelve a deleitar con ellas (los enfrentamientos y su adiestramiento con Pai-Mei, personaje recuperado nuevamente a modo de homenaje), pero también sabe dotar a la novia, a Beatrix Kiddo, de alma, de sentimientos (más allá de la ira) y de un sorprendente lado maternal.

De nuevo Tarantino sale airoso al mezclar tantos ingredientes pero de nuevo cocinados bajo su receta. El estilo Tarantino se convierte en un clásico y viendo en su conjunto ‘Kill Bill’ a nadie le cabe duda de que sabe narrar y filmar con un talento asombroso. Esta segunda parte que ahora nos ocupa es un buen ejemplo de todo ello, un gran ejercicio de estilo, con un resultado notable (aunque quizás no a la altura de ‘Pulp Fiction), especialmente si logramos fundir ambas entregas y valorar el díptico como una sola pieza cinematográfica.

En Blogdecine, especial Quentin Tarantino:

• Quentin Tarantino: sus inicios
• Quentin Tarantino: ...y llegó ‘Reservoir Dogs’
• ‘Reservoir Dogs’: el nacimiento de un estilo
• Quentin Tarantino: ‘Pulp Fiction’, la culminación de un estilo
• Quentin Tarantino: ‘Jackie Brown’, la menos tarantiniana, la más fascinante

• Quentin Tarantino: ‘Kill Bill: vol. 1’, acción y sangre a golpe de katana

‘Le llaman Bodhi’

1. Bigelow, que de repente está de moda, filmaba la persecución a pie más impresionante que recuerdo. En realidad está dentro de una secuencia más grande, que empieza con una persecución en coche a los ladrones de bancos con caretas de ex-presidentes, pero una vez Bodhi (el fallecido Patrick Swayze) se ve obligado a huir de Utah (Keanu Reeves, por entonces un actor decente), somos testigos de un asombro que dura más de dos minutos. Un empleo asombroso de la Steady-Cam (que debería estudiarse en las escuelas de cine) para una secuencia que es toda una coreografía insuperable.

2. También tiene los dos mejores robos de bancos que he visto, muy superiores al tan alabado (y que a mí me deja frío, sinceramente) robo que perpetra Robert DeNiro en la sosa ‘Heat’, de Michael Mann. El cine gélido y distante de Mann está muy lejos de la generosidad y la voluptuosidad narrativa de la Bigelow. El primero robo, al principio de la historia, es breve y brutal, sin música, seco y directo como un puñetazo. El segundo es una dilatación angustiosa del tempo. Mítica Bigelow.

‘Terminator 2’

Por supuesto, la escena por todos recordada es aquella, asombrosa, de la persecución del T-1000, conduciendo un enorme camión, sobre John Connor, que escapa como puede en una moto de pequeñas dimensiones, hasta que llega el T-800 y le salva en el último momento. Una secuencia de larga duración, que supone el Himalaya para el 99% de los directores de acción

‘Jungla de cristal’

John McTiernan siempre ha sido un buen director, y en los años ochenta encadenó tres estupendas películas. La tercera, esta, es una joya cuya acción no ha envejecido absolutamente nada, y que tiene varias secuencias de acción impresionantes, pero sobre todo esa en la que McClane, finalmente, y después de muchos esfuerzos, se ve obligado a bajar por el hueco del aire acondicionado. Toda una set-piece insuperable.

‘Kill Bill Vol.2’

Las mejores secuencias de acción no sólo son las mejor realizadas, como también es el caso aquí, si no las que cuentan más cosas sin olvidar a los personajes. Eso Tarantino lo cumple a la perfección en la larga secuencia de la caravana de Bud en la que éste se ve sorprendido por una serpiente venenosa, y después Elle es sorprendida por La Novia, iniciando una de las peleas más salvajes que se recuerdan, y es que duele sólo de verlo. El detalle del ojo, antológico.

‘Indiana Jones y la última cruzada’

La mejor de todas la de Indy, de lejos, y la que contiene mejores y más elaboradas secuencias de aventuras. Para mí, la evasión del dirigible, con el consiguiente enfrentamiento a los cazas nazis (primero en el aire, luego en coche, luego a pie…con inesperada resolución) está entre lo mejor que he visto jamás en el cine de aventuras. Impagable Sean Connery.

‘Aliens’

Hay varias, pero la huida frenética por los túneles del aire, con una inquietante luz roja que todo lo impregna, quita la respiración, por la soberbia combinación de la música, el montaje y el ritmo de los actores.

‘The Terminator’

Si una secuencia es un bloque temático, entonces en justicia la secuencia en la que la máquina asesina por fin encuentra a Sara y en la que Kyle la salva in extremis, duraría hasta que la policía los detiene. Es decir, más de quince minutos de secuencia, ahí es nada, en una de las mejores películas de todos los tiempos. Nunca se había visto que, mientras un coche va a toda velocidad, un personaje le cuente a otro detalles cruciales de la historia.

‘Apocalypse Now’

Imposible olvidarse de la Cabalgata de las Walkyrias, profusamente analizada en este artículo de hace algunos meses.

‘Tiburón’

En esta obra maestra, una vez salen en busca del tiburón para darle caza definitivamente, sería justo decir que todo es una enorme secuencia, pues no hay cambio de lugar, ni temático, y el tiempo transcurre sin grandes saltos o elipsis. Spielberg nunca fue tan poderoso y tan terrorífico, y ver a un tiburón gigante persiguiendo a los cazadores hasta que el motor del barco revienta, es algo mítico.

‘Centauros del desierto’

La obra cumbre de John Ford (con el permiso de ‘El hombre tranquilo’) concluye con un ataque final que, a día de hoy, sólo ha sido igualado, pero nunca superado. La historia se cierra con el suspense de la infiltración de Martin en el campamento indio, y el ataque frenético de los rangers, recogido en planos laterales a toda velocidad que aún hoy, con tanta pijada de los Bourne, impresiona muchísimo.

‘Ran’

El padre de la acción y la aventura moderna, parafraseando a Coppola, no es otro que Kurosawa, que en el ataque al castillo de esta película, logra lo que se llama un prodigio irrepetible, un trenzado de dinamismo y de horror, un fracaso de la raza humana, la más cruel de las criaturas. Kurosawa es el más grande.

‘Los siete samuráis’

Y para terminar, la secuencia del combate final en ‘Los siete samuráis’, que tardó varios meses en rodarse (ya que Kurosawa exigía, por ejemplo, que la lluvia respetara siempre el raccord de luz), y que como la anterior citada, es un logro colosal que muy pocos cineasta se han atrevido a desafiar.

Por supuesto que hay más escenas importantes, de películas espléndiadas, pero estas escenas de acción son las que revisiono una y otra vez.