‘I´m Still Here’

Director: Casey Affleck

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Antony Langdon, Carey Perloff, Larry McHale, Casey Affleck

Sinopsis: Polémico documental (o mejor dicho, aparente falso documental) que sigue la transformación de Joaquin Phoenix de actor a cantante de hip-hop. Tras “Two Lovers”, el actor declaró estar cansado de actuar, que abandonaba el mundo de la interpretación, y que en el futuro se dedicaría en exclusiva a su faceta de cantante. En sus escasas apariciones en los medios, un casi irreconocible Phoenix mostraba, además, un comportamiento cada vez más extraño y poco sociable, y siempre su cuñado y gran amigo Casey Affleck solía estar cerca con una cámara para rodar lo que pasaba. Dada la naturaleza de algunas imágenes, que incluyen desnudos frontales masculinos, consumo de drogas y Phoenix teniendo sexo oral, todo parecía ser real.

Crítica en Blogdecine:

• ‘I´m Still Here’, el eclipse de Joaquin Phoenix

‘El último bailarín de Mao’

Director: Bruce Beresford

Intérpretes: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Chi Cao, Alice Parkinsonç

Sinopsis: Basada en una historia real, la película cuenta la vida de Li Cunxin, rescatado a los once años de un pequeño pueblo de China por delegados culturales y enviado a Pekín. Allí comienza un increíble viaje vital que le llevará a pasar años de entrenamiento brutal para convertirse en uno de los mejores bailarines del mundo, aclamado como un héroe de la China comunista y, más tarde, despreciado por traidor.

Crítica en Blogdecine:

• Seminci 2010 | ‘El último bailarín de Mao’ clausura la semana de cine vallisoletana

‘Extraña ilusión’

Director: Edgar G. Ulmer

Intérpretes: Jimmy Lydon, Warren William, Sally Eilers, Regis Toomey, Charles Arnt, George Reed, Jayne Hazard, Jimmy Clark, Mary McLeod

Sinopsis: El joven Paul padece cada noche un extraño y recurrente sueño en el que se entremezcla la imagen de su madre enamorándose de un hombre peligroso con la fantasmagórica visión de la muerte de su padre en accidente de coche. Con la ayuda de un amigo psiquiatra, Paul irá desentrañando el oculto significado de su pesadilla nocturna, solo para descubrir el terrible secreto que se esconde tras la muerte real de su padre. Lo que en principio había sido tomado como desafortunado accidente se torna en terrible y trágico crimen.

Contenido adicional:

• Película: ‘Moon over Harlem’ (1939) de Edgar G. Ulmer
• Presentación de la película a cargo de Bertrand Tavernier (2010).

• Libreto exclusivo con un texto de Christian Aguilera.

‘Harry Brown’

Director: Daniel Barber

Intérpretes: Michael Caine, Emily Mortimer, Charlie Creed-Miles, David Bradley, Iain Glen, Sean Harris, Ben Drew, Jack O´Connell, Jamie Downey

Sinopsis: En un suburbio inglés sumido en el caos, donde las drogas son moneda de cambio y las armas reinan en las calles, Harry Brown, un ex marine retirado, malgasta sus últimos años jugando al ajedrez con su amigo Leonard en un mugriento pub. Pero cuando éste es salvajemente asesinado por una banda, Harry saldrá de su letargo para dar rienda suelta a su personal día de furia.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Harry Brown’, Michael Caine cogió su fusil

‘Las dos huérfanas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Dorothy Gish, Joseph Schildkraut, Frank Losee, Katherine Emmet

Sinopsis: Louise Girard es una huérfana aristócrata que fue abandonada a las puertas de un convento después de la muerte de sus padres. Es acogida en casa de Girard, un pobre hombre, y crecerá con Henriette Girard, su hermana adoptiva. Cuando ambas llegan a la edad adulta se dirigen a París en busca de un futuro mejor. Allí Henriette suplanta la personalidad de Louise y se casa con un aristócrata. Louise se casa con el Chevalier de Vaudrey que es el único que cree en ella. Estalla la Revolución francesa y ambas se vuelven a ver unidas por las circunstancias. Presenta a un Danton y un Robespierre totalmente corruptos a los que los que menos les interesa es el bien del pueblo. La desorganización y la injusticia son atribuidas como parte fundamental de esta revolución, totalmente al contrario de la loa que hace él mismo a la Guerra de Secesión.

Buena oportunidad para rescatar una de las joyas del cine mudo, y por ende de toda la historia del cine., aunque sólo sea por su importancia en la misma. Los extras del DVD incluyen ‘Dos en la guillotina’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Las dos tormentas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Richard Barthelmess, Lowell Sherman, Burr McIntosh, Kate Bruce

Sinopsis: Anna Moore es una joven que va a visitar a Bostón a su acaudalada tía para que ayude a su familia a salir de la pobreza, pero una vez allí un hombre rico la engaña con un matrimonio falso para poder aprovecharse de ella. Cuando Anna se queda embarazada se destapa el engaño y es abandonada a su suerte.

Otra perla del señor Griffith, repitiendo con su actriz fetiche, la mítica Lillian Gish. El DVD trae los extras ‘El poder del hielo’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Los ojos de Julia’

Director: Guillem Morales

Intérpretes: Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao

Sinopsis: Belén Rueda da vida a Julia, una joven que padece una enfermedad degenerativa de la vista y que está perdiendo visión progresivamente. Cuando su hermana gemela, Sara, ciega a causa de la misma enfermedad, aparece ahorcada en su casa, Julia se niega a aceptar que se trata de un suicidio y decide investigar por su cuenta lo que ella intuye es un asesinato. Conforme vaya descubriendo la terrible verdad que rodea los últimos días de la vida de su hermana, Julia irá adentrándose cada vez más en un mundo de oscuridad, hasta que una serie de inexplicables muertes y desapariciones se crucen en su camino.

El Blu-ray trae el documental de cómo se hizo la película.

‘Los viajes de Gulliver’

Director: Rob Letterman

Intérpretes: Jack Black, Emily Blunt, Jason Segel, Amanda Peet, Billy Connolly, James Corden

Sinopsis: Lemuel Gulliver (Jack Black), un aspirante a escritor que trabaja como repartidor en un importante periódico de Nueva York, sueña con escribir libros de viajes. Toma entonces la decisión de navegar hacia al Triángulo de las Bermudas, pero una terrible tormenta lo arrastra hasta una isla pérdida que está habitada por personas diminutas, los liliputienses. Después de un comienzo no muy amistoso, el gigante Gulliver se convierte en fuente de inspiración y confianza para sus diminutos amigos. Así, bajo sus órdenes, los liliputienses consiguen una gran victoria sobre sus enemigos de la isla vecina. Sin embargo, Gulliver aún tendrá que saldar cuentas con sus propios defectos para poder salir, por fin, de su limitado mundo.

‘Siempre a mi lado’

Director: Burr Steers

Intérpretes: Zac Efron, Kim Basinger, Dave Franco, Amanda Crew, Donal Logue, Ray Liotta

Sinopsis: Charlie St. Cloud (Zac Efron) es un joven perdido en su pasado. Acosado por una tragedia familiar que le ata a su hogar en un pequeño pueblo costero, ha abandonado todos sus sueños. Pero cuando su antigua compañera de instituto Tess (Amanda Crew) regresa inesperadamente, Charlie se abre a la posibilidad de un nuevo amor. Ahora que Charlie se encuentra en la encrucijada de mantener la promesa que hizo a su hermano o seguir los impulsos de su corazón, ¿tendrá la valentía de dar de lado a su pasado e ir en busca de Tess antes de que sea demasiado tarde?

El Blu-ray tiene en sus contenidos extras un par de documentales sobre Zac Efron, escenas eliminadas y comentarios del director.

Vía | ZONA DVD

De vez en cuando el cine de Hollywood se parece al que un día fue, al menos en cuanto a sus productos industriales. Volvemos una y otra vez a los grandes géneros porque en ellos se asienta gran parte del aprendizaje narrativo desdenciente del teatro y la novela del siglo XIX. No es la única forma válida de hacer cine, pero en ocasiones es la más gozosa, la más universal. Y entre esos géneros ninguno hay tan polimorfo y apasionante como el cine negro, hijo bastardo del género inmortal que es el western, pues con él las praderas sin fin son asaltadas y violadas por conglomerados de metal, las fieles monturas que mutaban en centauros son sustituidas por automóviles y el revólver y el rifle se perfeccionan para dar lugar a la ametralladora, sin perder su funcionalidad. Sin duda, si hay un género vivo, siempre vigente, siempre posible, es el cine negro, pues es capaz de narrar la sordidez pasada, presente y futura del hombre.

Y una de las mejores, más compulsivas y feroces películas de cine negro que hemos tenido la suerte de ver en las últimas dos décadas es ‘L.A. Confidential’ (1997), que aún con sus defectos es un ejercicio retro muy notable, repleto de detalles e ideas perturbadoras y de secuencias formidables, que llegó a cuestionar muy seriamente el Oscar a la mejor película al ‘Titanic’ de James Cameron y que, con toda probabilidad, será la película por la que se recordará dentro de cincuenta años al artesano a menudo impersonal Curtis Hanson (Nevada, 1945), quien por una vez en su carrera (carrera que cuenta con algunas películas estimables, todo sea dicho) rozó la maestría con esta historia de policías tan violentos, ambiciosos y viciosos como los propios criminales a los que persiguen.

Hanson, al alimón con Brian Helgeland (un estimable guionista de cine negro, que ha demostrado su talento en títulos como el ‘Mystic River’ de Clint Eastwood), adapta con muy buen criterio la excelente y demoledora novela de James Ellroy (Los Angeles, 1948), quien en 1990 escribió más de seiscientas páginas de sordidez, virulencia, deseo, traición, polícias que son gángsters y prostitutas que saben amar y que sólo quieren que las quieran. De esa novela, de las mejores policiacas que leí en mi vida, Curtis Hanson deduce una aventura fílmica que huele y sabe a cine de siempre, pero puesto al día, equilibrando de manera admirable lo que en ella existe de clasicismo y de contemporáneo, tanto en la forma como en el fondo, con una puesta en escena enérgica y poderosa, y un grupo de actores en verdad formidable.

Tres policías

La intrincada e inolvidable novela de Ellroy queda reducida a la historia de tres policías, muy diferentes entre sí: el bestial e impredecible Bud White (un soberbio Russell Crowe), el amoral y frívolo Jack Vincennes (estupendo Kevin Speacy) y el arribista sin escrúpulos Ed Exley (interpretado por el gran actor que siempre ha sido Guy Pearce). Estos tres detectives pronto se enfrentarán al complejo caso de un múltiple asesinato que a su vez tiene que ver con una enrevesada trama del traspaso de poderes en los bajos fondos de Los Angeles. La historia es cualquier cosa menos simple, y los espectadores solo tendremos la ventaja de conocer los detalles del caso que cada uno de estos tres agentes conoce por separado para intentar no perdernos en este fango de pistas y personajes. En cuanto comiencen a trabajar juntos, la resolución del caso estará un poco más cercana, pero para ello será necesario que Bud White supere sus complejos de inteligencia (de físico no tiene ninguno, pues es un verdadero animal), Jack Vincennes se esfuerce por recordar la razón por la que se hizo policía (razón que afirma no recordar) y Ed Exley aprenda de una vez a trabajar en equipo.

Ninguno de los tres es protagonista por encima de los otros dos, si bien Exley y White representan dos opuestos que finalmente pueden ayudarse al otro. Compiten, además, por la misma mujer, un compendio de algunas de las más recordadas “femme fatales” de la larga lista que posee el cine negro, para erigirse en uno de los roles femeninos más fascinantes en veinte años de cine americano: la prostituta Lynn Bracken, interpretada de manera magistral por una Kim Basinger que por fin demostró a todo el mundo lo buena actriz que es, ganando de paso el Oscar a la mejor actriz en papel de reparto. Algunos de los mejores diálogos los sostiene Bracken con Bud White o con Exley, tipos duros a los que ella convierte en niños con una mirada o un susurro. Pero Bracken terminará siendo una víctima más, otra criatura solitaria víctima de las circunstancias, y capaz de perdonar y pedir perdón.

Curtis Hanson narra todo este material, tan sangriento y vertiginoso, con el mejor trabajo de cámara y de montaje de toda su carrera, y con una dirección de actores increíblemente afinada, que no sólo alcanza a este cuarteto de actores superdotados, pues también se extiende a una serie de secundarios en estado de gracia, como Danny DeVito, David Strathairn, Ron Rifkin, James Cromwell, y media docena de formidables intérpretes, que impregnan de vida y de verdad la pantalla. Por si eso no bastara, la música de Jerry Goldmisth, a quien se daba por acabado, vuelve a vestir una película negra como no lo hacía desde ‘Chinatown’ (id., Polanski, 1974), dotándola de un ritmo y una intensidad indescriptibles, afinando aún más a los personajes, preparando y sugestionando al espectador como sólo un grande de su oficio puede y sabe hacer. El fabuloso director de fotografía Dante Spinotti y el inspirado montador Peter Honess terminan por redondear una factura perfecta.

Sólo con esa factura el climax de esta película, que es un regreso a los códigos de aventura del western más puro, podía quedar tan emocionante y tan catártico. Pocas veces en el cine ha sido tan doloroso y tan físico un tiroteo. Pero es que aquí los tiros, los golpes, la sangre, duelen de verdad. Sorprende que una película tan física y tan intensa resulte a la postre tan elegante, tan contenida, y en la que todas las secuencias de acción están narradas con gran limpieza y claridad expositiva, muy al contrario del cine de acción al uso, en el que el estruendo y la imposibilidad de ver nada son la norma. Con destreza, con mucho ritmo, Hanson entra en el último tercio de la película a velocidad de vértigo, y nos entrega veinte últimos minutos de infarto, en los que sus personajes dan lo mejor de sí mismos para encontrar una redención y un futuro que hasta entonces no merecían.

Conclusión y escena predilecta

Importante película norteamericana de los años noventa, consciente de sus limitaciones y de sus deudas, pero que es capaz de describirnos a cuatro personajes estupendos, en conflicto consigo mismos y con el mundo. También es capaz de armar un suspense y una acción tremendamente poderosas, sin concesiones, que llega a poner los pelos de punta por su veracidad y su emoción. Cine negro de altura. ¿Mi escena favorita? Exley creyendo que habla con una prostituta parecida a Lana Turner, cuando en realidad es…Lana Turner.

El pasado trece de marzo se estrenó en España ‘Lejos de la tierra quemada’ (‘The Burning Plain‘), una película cuyo máximo interés reside en que es la primera película de Guillermo Arriaga. Hasta ahora, este hombre se había dado a conocer por firmar los guiones que dirigía el también mexicano, pero mucho más famoso, Alejandro González Iñárritu. Como es de sobra conocido, la sociedad que ambos formaban, y que tan buenos resultados estaba dando, se fracturó tras ‘Babel’, cuando el guionista se rebeló y se quejó de la posición que tenían los escritores en el cine, donde el director se lleva todos los honores.

Así que Guillermo Arriaga fue por libre, tomó uno de sus guiones y lo dirigió, convirtiéndose esta vez, de forma indiscutible, en el autor de una película. El máximo responsable del producto final; la persona que ha creado la historia y la ha trasladado a la pantalla, controlando todo el proceso. Y no me tiembla la mano al escribir que a Arriaga le ha salido el tiro por la culata. Ya no hay ninguna duda, porque está solo, y a falta de ver lo que ha hecho Iñárritu por su cuenta (‘Biutiful’, con Javier Bardem), parece evidente que fue la mano de éste la que aportó mayor valor a las películas en las que ambos participaron.

Personalmente, creo que ‘Babel’ es un ejemplo perfecto de película fallida. Una historia a gran escala, con temas universales que nos interesan a todos, muchos personajes (algunos de ellos interpretados por estrellas, que siempre ayuda), y gente de talento por todas partes, delante y detrás de las cámaras. Sin embargo, no deja de ser un drama artificioso, muy bonito pero también muy hueco. Y ‘Lejos de la tierra quemada’ es como ‘Babel 2’, pero en pequeño y sin ninguna chispa. Como si Iñárritu le hubiera dejado la batuta a Arriaga, que cree que eso de dirigir es muy fácil, y se limita a imitar las maneras del primero, intentando hacer algo parecido con una historia de corte similar (pero bastante más modesta). Y no le sale.

Ya sabemos que tanto la una como la otra, lo mismo que ‘Amores perros’, ’21 gramos’ o ‘Los tres entierros de Melquiades Estrada’, vienen del mismo sitio, de la misma cabeza pensante. Y habría que estar realmente tocado del ala para no darse cuenta, porque Guillermo Arriaga no deja de repetirse, logrando un inevitable cansancio en quien intenta descifrar qué rayos quiere contar este hombre con esas formas tan rebuscadas, cuando en realidad todo es de lo más simple. De hecho, gran parte de la culpa de que ‘Babel’ no fuera mejor, estaba en el guión, porque volvía a jugar sobre lo mismo, llevando las cosas un poco más al límite por eso de querer hacer una película mayor.

En ‘Lejos de la tierra quemada’ se da un paso atrás, no sólo por las pretensiones o el presupuesto del proyecto, sino también porque es el primer largometraje de su autor, y eso es algo que hay que manejar con cuidado. Pero estaba decidido a superar un reto, a volar solo, a reivindicarse. Desgraciadamente, no entrega algo nuevo, sólo repite lo que el público conoce, quizá para convencerle de que ésa es su marca de fábrica. Que eso que vieron se parece a esto sencillamente porque estaba él detrás. Una reivindicación en forma de película anodina, aburrida, que no aporta nada.

Así que, otra vez, nos encontramos con una película desordenada, en la que el espectador debe ir uniendo piezas para dar sentido a la narración, y comprender a los personajes y sus acciones. El problema es que en ‘Lejos de la tierra quemada’ no hay nada que nos haga querer hacer ese esfuerzo, la historia carece de interés, los personajes no parecen tener nada inteligente que decir, y todo sucede de una forma tan aleatoria, absurda, tan ilógica, que ver la película puede llegar a convertirse en una experiencia realmente tediosa. Supongo que cada uno tendrá su forma de verlo, y es comprensible que el señor Arriaga tenga sus teorías, pero a mí me parece que fracturar de esta forma la narración debería estar más justificado.

A menudo, mi padre, un verdadero cinéfilo, me comenta que le llega a molestar que se hagan tantas películas que no siguen un orden lineal de los acontecimientos, que no sean capaces de mostrar una narración de estilo clásico, quizá por temor a parecer corrientes y faltas de originalidad. No puedo dejar de darle la razón, y es que el montaje, me parece, no debería distraer de lo que sucede en la pantalla, sino todo lo contrario, facilitar la narración. Es imposible entrar en el drama de esta forma. Si se rompe la ilusión, la magia de una historia falsa recreada, el espectador no puede concentrarse en ella, y se pierde el vínculo, se evade; la película falla.

No obstante, la película puede verse como una curiosa secuencias de bonitas postales desordenadas, y si no has visto nada de lo anterior que ha escrito Arriaga, seguramente te inquietará la forma en que está estructurada (luego ordena la historia y descubrirás que un gato lavándose después de comer es un acontecimiento bastante más complejo). Sin duda, aparte de ser el debut de este guionista, la película cuenta con el gancho de un reparto encabezado por Charlize Theron, Kim Basinger, Joaquim de Almeida, John Corbett y Robin Tunney, entre otros.

La mala noticia es que ninguno de ellos está realmente aprovechado, salvo que consideres que sacar desnuda a la primera en varias ocasiones es ya suficiente aprovechamiento. Theron sigue creyendo que alejarse de su imagen de guapa modelo, llorar y mirar al horizonte la convierten automáticamente en una gran actriz, cosa que no es (por el momento); pero no hay que menospreciar su esfuerzo y reconocer que, por lo menos, intenta hacer cosas diferentes. Por lo demás, destacar la negativa labor de Jennifer Lawrence, que interpreta a la protagonista en su adolescencia y que no es capaz de hacer creíble ninguna escena, especialmente cuando se quema el brazo o va de perturbada sexual. Los mejores, Basinger y Almeida, que salen poco y cumplen con sus superficiales papeles.

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‘Lejos de la tierra quemada’, drama contemplativo

Lejos de Iñárritu

Guillermo Arriaga debuta en la dirección con ‘Lejos de la tierra quemada’ (‘The burning plain’), que se estrena este viernes, 13 de marzo. La protagonizan Charlize Theron, Kim Basinger, Joaquim de Almeida y José María Yazpik.

Sylvia es la dueña de un restaurante. Está acostumbrada a tener relaciones esporádicas con hombres y le gusta infligirse dolor físico. Mientras tanto, en México, un fumigador que tiene una hija sufre un accidente grave, pero no mortal, con su avioneta. Santiago y Mariana son dos adolescentes que ven trastocadas sus vidas porque el padre de él y la madre de ella han muerto en un incendio mientras hacían el amor a espaldas de sus respectivos cónyuges.

Resulta paradójico que el guión sea la parte que menos conseguida está de este film. ‘Lejos de la tierra quemada’ narra una historia que no tiene demasiada importancia por sí sola y es, en teoría, el juego estructural que crea el guionista mexicano lo que debería dotarla de interés. Sin embargo, considero que la forma en la que está dosificada la información, lejos de apoyar la historia y hacer que se transmita mejor, lo que hace es perjudicarla por completo.

Durante la mitad del metraje desconocemos la relación entre unos personajes y otros. No tiene sentido guardarse esta información, ya que su revelación no supone una sorpresa, simplemente da al espectador la sensación de atar cabos. Cuando la conocemos, ya podemos ver hacia dónde va a dirigirse la trama. Y a partir de ese momento, todo lo que ocurre parece que estuviese repetido porque ya lo sabemos. Por lo tanto, tendría sentido que se supiese desde mucho antes o que se reservase la solución hasta un instante más cercano al final.

Las diferentes tramas se ordenan en paralelo unas con respecto a otras. Este montaje divide en momentos demasiado pequeños las historias, por lo que volvemos a ellas para ver fragmentos que no nos aportan nada. Es lo mismo que ocurre con algunas series de televisión en las que se vuelve a alguna de las tramas paralelas únicamente para que no las olvidemos, no porque en ellas vaya a suceder algo significativo.

Los demás aspectos de esta película están muy bien tratados: desde una fotografía muy plástica, con encuadres bonitos, logrados tanto en los exteriores abiertos de los campos, como en los interiores urbanos; hasta un montaje parsimonioso, pero que se puede intuir que busca a propósito la lentitud y no es el culpable del tedio que produce la película, ya que éste proviene de la construcción del guión. Arriaga utiliza el fuego de forma recurrente para representar la destrucción y es este elemento visual lo que da fuerza al film más allá que los sucesos o los sentimientos.

En general se puede decir que es una película muy bella y probablemente lo más bello son sus actores, aunque esto, más que algo positivo, puede verse como una observación negativa que sólo se hará si estamos contemplando rostros guapos en lugar de ver personas o personajes, que es lo que deberíamos encontrar en las películas. Las interpretaciones de los actores son correctas, aunque quizá se vean algo frías. Esta falta de cercanía es posible que no se deba tampoco a los propios intérpretes, sino que sea la desesctructura lo que nos esté alejando de la posible empatía que podría surgir de las historias.

Por encima de los adultos hay que destacar a los actores adolescentes: Jennifer Lawrence y J. D. Pardo. Ellos son quienes están más convincentes y quienes más ternura nos producen. Su pequeña narración es la que más nos interesa. Yazpik sería el siguiente en autenticidad, con esa cara que parece que está siempre rogando. Este actor tiene uno de los momentos más elocuentes de la película, lo cual es aún más meritorio porque en ese instante él se queda mudo.

Detrás vendrían los tres más célebres. Joaquim de Almeida quizá su único problema sea que conocemos su nacionalidad y no podemos creérnoslo como mexicano, aunque sea por lo evidente que se hace que el español no es su lengua materna –algo similar sucede con Danny Pino, a quien hemos visto frecuentemente hablar inglés en ‘Caso abierto‘—. Kim Basinger está muy agarrotada durante toda la película. Es cierto que en parte su papel lo requiere, pero la interpretación en general no llega a ser redonda. No sé si se busca que despierte antipatía adrede, pero el caso es que no es fácil ponerse de su parte. Charlize Theron tiene un personaje muy atormentado y por ese motivo debe estar siempre mostrando que dentro de ella habita una gran tragedia. Incluso con lo que le esconde, creo que su dramatismo es exagerado.

Concluyo que ‘Lejos de la tierra quemada’ es una película con un tono demasiado dramático y con unos juegos de estructura que únicamente pueden entenderse como capricho de Arriaga para mantener su marca de autor, pues no benefician en nada a la historia. La película se contempla gracias a su belleza, pero no se entra en ella, no atrapa ni hace sentir.

Más información en Blogdecine sobre ‘Lejos de la tierra quemada’.

Mi puntuación:

El aclamado guionista Guillermo Arriaga (‘Amores perros’, ’21 gramos’, ‘Babel’) decidió dar el salto a la realización con ‘The burning plain’ o ‘Lejos de la tierra quemada’ como se ha titulado en España y a su paso por la Mostra de Venecia y Toronto logró una excelente acogida que cumplió la enorme expectativa de su debut.

Se trata de un nuevo drama con tintes románticos en el que convergen varias historias de forma circular, en la misma línea de sus premiados guiones y para el que ha contado con Charlize Theron y Kim Basinger como grandes estrellas, además de un reparto internacional completado con Jennifer Lawrence, John Corbett, Brett Cullen y Joaquim de Almeida entre otros.

‘Lejos de la tierra quemada’ nos narra la historia de una madre, Gina (Kim Basinger) y su hija Silvia (Charlize Theron) que intentan remontar una relación tormentosa. Según los primeros comentarios que recibió en Venecia, Arriaga ha entrado con excelente pie en la realización y ha continuado su enorme sensibilidad ahora como director, con gran poderío visual. Además de contar con unas buenas interpretaciones de sus dos bellas protagonistas femeninas. Sin duda, uno de los próximos estrenos más esperados (de momento nos tenemos que conformar con el trailer italiano), que llegará a las pantallas españolas el próximo 13 de marzo.

Actualización (19-02-09): hemos sustituido el cartel internacional por el español (que no está nada mal).

Vía | Wide Pictures

Es curioso cómo una película puede envejecer muchísimo de repente. Desde que salió a la luz en 2005 la magnífica ‘Batman Begins’, reinvención del conocido superhéroe por Christopher Nolan, es casi imposible ver ‘Batman’, aquella película de 1989 de Tim Burton, sin tener una cierta actitud retrospectiva. Las comparaciones son inevitables, claro. Tanto en la música, la dirección, los actores y el guión. ¿Fue mejor la primera película? ¿Era realmente necesario que Nolan empezase desde cero con el mítico personaje de DC Comics? Casi por unanimidad, se entiende que el director británico ha hecho un gran favor al hombre murciélago al darle otros matices, comenzando desde el principio y por consiguiente ignorando lo que hizo Burton, y se encargó de hundir Joel Schumacher. Cuatro entregas que de repente, hay que dejar a un lado para apreciar las virtudes de las dos nuevas, especialmente ‘El Caballero Oscuro’, que está logrando un éxito casi sin precedentes.

Y lo cierto es que ‘Batman’ es una película que se ha olvidado quizás demasiado pronto. Tanto para los seguidores de los cómics como para los incondicionales de Tim Burton (que los hay, y muchos). Mucha gente enterró a Batman al contemplar horrorizados la porquería hortera que resultó ser ‘Batman & Robin’. Lo dieron por perdido. Y es por eso que ‘Batman’ ha dejado, por lo general, un sentimiento de indiferencia entre los espectadores que en su momento la vieron con mucha mayor predisposición.

Michael Keaton interpreta a Bruce Wayne, un magnate que vive en la soledad de su mansión, a las afueras de la tétrica ciudad de Gotham, y asistido permanentemente por el leal Alfred (Michael Gough), el mayordomo de la familia. Obsesionado por el asesinato de sus padres, cuando él era un crío, decide poner al servicio de la ciudadanía su poderío físico y su tecnología para combatir a los mafiosos y emerger como figura pública. En esto, que el alcalde confía en el fiscal Harvey Dent (Billy Dee Williams) para que los malhechores dejen de campar libremente por Gotham. El gángster Grissom (Jack Palance), asustado, ordena a su mano derecha, Jack Napier (Jack Nicholson) para que sabotee una planta química de su propiedad, por la que pueden implicarle. En realidad, quiere traicionar a Napier, ya que sabe que sale a escondidas con su novia Alicia, y da un soplo a la policía para que acuda a la fábrica. Por otro lado, las cada vez más frecuentes apariciones de Batman, provoca el interés del periodista Alexander Knox (Robert Wuhl) y la fotógrafa Vicky Vale (Kim Basinger), ésta última de un modo muy especial… Napier, que termina acorralado en la planta química, cae a un pozo de ácido y así se constituye el villano principal: el Joker.

Al por entonces joven Tim Burton le cayó la breva con esta película de éxito mundial, e hizo lo que le dio la gana con Batman, cosa que se nota enseguida. En la línea del tono sombrío y bizarro del que hizo gala en ‘Bitelchús’, el director ofrece un blockbuster oscuro, muy bien dirigido y con unas interpretaciones muy correctas. Gracias a la fotografía de Roger Pratt, impacta muchísimo visualmente (incluso hoy en día), y hace de Gotham una ciudad de aspecto gótico que ni el mismo Nolan ha conseguido, a mi parecer, igualar.

Mucho se habla de la legendaria interpretación del tristemente fallecido Heath Ledger como el Joker en ‘El Caballero Oscuro’, pero lo cierto es que esto no desmerece la entregadísima actuación de Jack Nicholson, a todas luces memorable, que da rienda suelta a su habitual histrionismo de una forma más acertada que nunca. Michael Keaton, a mi juicio uno de los actores de su generación peor tratados por la industria, aquí está más recatado y no exhibe todo su potencial. Kim Basinger, mientras tanto, hace su mejor interpretación ex-aequo con ‘L. A. Confidential’, pero tampoco es decir demasiado.

Lo que sin duda impide (entre otros defectos) que ‘Batman’ sea una obra maestra, es la torpe presentación del héroe (que hace el personaje del Joker esté muchísimo más logrado y mejor desarrollado) y el exceso de diálogos que merman el ritmo y hace que se eche de menos más acción. Seguramente el ajustado presupuesto explique que las escenas más trepidantes se cuenten con los dedos de una mano, y que los efectos especiales sean más bien risibles. Suerte que estaba por ahí Danny Elfman para crear unas melodías imponentes, un tema central inolvidable y en conjunto una banda sonora que destaca especialmente, ayudado también por las pegadizas canciones de Prince. No obstante, la película se hace muy entretenida. Sabe ser terrorífica cuando tiene que serlo (la secuencia de la presentadora de televisión o la del joven Napier matando a sus padres, por ejemplo), y el final no supone un bajón al resto de la historia.

‘Batman’ es una película que debería tratarse con más benevolencia. Es cierto que sus fallos son muy obvios, y que no alcanza el nivel de elegancia y calidad que ha impuesto posteriormente Christopher Nolan, pero es un título muy bien dirigido por Tim Burton, con algunos momentos excelentes y un Jack Nicholson soberbio, y que ha envejecido demasiado rápido. Además, hay que subrayar que se rescató para el cine a un personaje que estaba demacrado por la cutrez, y la barriga de Adam West, en una serie y un film de los sesenta que es mejor olvidar.

Desde el guión, el personaje debe tener matices y aristas, estar bien compuesto, mostrar una personalidad diferenciada y que atraiga, ya sea de manera negativa o positiva. A eso además hay que sumarle un intérprete con suficiente carisma como para darle vida. Y una buena dirección de actores. Al parecer, todos estos factores flaquean a la hora de componer hoy en día tipos femeninos.

Existen actrices maravillosas en nuestro tiempo, claro que sí, pero quizá no existen intérpretes femeninas con el carisma que tenían algunas de las clásicas. Si tomamos el género de la comedia romántica —que analicé en otro post que también estaba de capa caída— nos encontramos maravillosas encarnaciones como las de Katharine Hepburn en ‘La fiera de mi niña’, Barbra Streisand en ‘¿Qué me pasa, doctor?’, Diane Keaton en ‘Annie Hall’… no digo que todas estas actrices hayan desaparecido, pero ya no están en edad para determinado tipo de papeles. También es cierto que de personas que no nos imaginaríamos en un papel de ese estilo se pueden sacar interpretaciones muy interesantes, como la de Kim Basinger en ‘Cita a ciegas’ o la de Meg Ryan en ‘Adictos al amor’. Así que la dirección de actores entraría aquí para darnos una visión diferente.

Sandra Bullock, estandarte de las últimas comedias románticas, puede representar al tipo “vecinita de al lado” a la perfección y resultar simpática a la par que más guapa de lo que aparentaba, pero nunca será la mujer de personalidad torbellino que envuelva al hombre sin que pueda hacer nada al respecto y que acabe fascinándolo antes de que se dé cuenta.

Dejando a un lado la fascinación por la belleza externa, ¿cuántas veces os habéis enamorado recientemente de un personaje de la pantalla por su forma de comportarse? Probablemente desde alguno de los ejemplos que he citado arriba no ha vuelto a ocurrir.

En los géneros que no son la comedia romántica tenemos un claro exponente que sigue actuando, pero que ya rara vez es protagonista: Sigourney Weaver. Tanto matando alienígenas como de ejecutiva agresiva, fue un modelo de comportamiento para las que éramos niñas en los años ochenta que hoy en día no ha tenido reemplazo. Susan Sarandon en ‘Thelma & Louise’ hizo tres cuartos de lo mismo, en la década siguiente.

Como estudiaba Karelia, abundan las heroínas en el cine de hoy. Y no por ello encontramos buenos personajes femeninos. Casi todos los ejemplos recientes son de films pésimos y que no han hecho taquilla. Me da la impresión de que esto se debe a que el introducir a una protagonista femenina que sea capaz de dar caña no está movido por una visión igualitaria entre los sexos, sino por algo tan casposo como lo que antes hacía que se quedase detrás del héroe machito gritando: porque al público de los cómics y de los videojuegos en los que se basan —público eminentemente masculino— les erotiza ver a estas mujeres ligeras de ropa dando patadas. Sólo en ‘Alien’ y sus secuelas y en ‘Terminator’ y sus secuelas, las heroínas lo eran de verdad, no eran modelos de ropa de sex-shop. No es de extrañar, por lo tanto, la decisión de no hacer más films con protagonistas femeninas de este tipo.

Hoy en día, ¿qué ocurre? ¿Por qué no encontramos ni las divertidas féminas que convertirán en felices a hombres grises ni tampoco las mujeres que tienen por completo las riendas de su vida? No es que no haya films o series protagonizadas por mujeres, pues probablemente hay muchas más que antes. No hablo de la cantidad, hablo de la calidad.

Además de la ausencia de actrices como las mencionadas, el motivo está en la creación de personajes desde el guión. Y quizá esto no se nada más que un reflejo de la realidad. No sólo las mujeres, el mundo entero vive una época en la que parece que se ha retrocedido en lugar de avanzar con respecto a una serie de valores: el aspecto externo importa más que nunca, la superficialidad se extiende en todas las edades, la profesionalidad no es que desaparezca, es que se considera un defecto; la adolescencia dura hasta los treinta y tantos, los desequilibrios mentales están de moda, y el no tener nada claro, sino más bien nadar entre empanadas mentales, está a la orden del día.

Todo esto se refleja en los guiones y la mujer alocada y animada se convierte en una neurótica adicta a la medicina alternativa o al consumismo desaforado. La ejecutiva agresiva es una zorra manipuladora que machacaría a cualquiera por un avance profesional. ¿Es así la realidad y las películas lo único que hacen es reflejarla? Quizá.

El caso es que no tenemos personajes femeninos interesantes. Se podría decir lo mismo de los masculinos, pero con los de mujeres pasa algo muchísimo más grave que lo dicho hasta ahora: a veces son inexistentes. Estoy hablando ahora de todas aquellas películas que nos narran los hechos desde el punto de vista del hombre protagonista. No pasa nada, hay que elegir una perspectiva y ésta es tan buena como cualquier otra. El problema llega cuando, debido a que la mujer no es la que nos da su visión de los hechos, ella ya ni siquiera es un personaje. Se convierte en una cosa, en un objetivo que el hombre aspira a alcanzar, pero que por sí misma no tiene ideas, no tiene sentimientos, opiniones, pensamiento… Se convierten en estereotipos que sirven para simbolizar valores tradicionales o para representar la pérdida de libertad y la opresión que siente el protagonista masculino. Los personajes descritos en el párrafo anterior, aunque sean negativos, son preferibles para un film, ya que al menos, tienen virtudes y defectos, que es lo que tiene que poseer todo tipo humano en un guión.

Esto último ya no es un reflejo de la sociedad, pues las mujeres pierden más libertad que los hombres cuando tienen hijos y también pueden sentir miedo al compromiso a una atadura de por vida. Esto es simplemente una mala escritura de guiones, ya que el convertir a alguien en un símbolo no tendría por qué significar despojarlo de toda identidad. Los personajes no se pueden dejar vacíos, definidos únicamente por los estereotipos de su género, orientación sexual, procedencia, clase social… Es uno de los defectos más habituales en el cine superficial que nos llega hoy en día y afecta también a los personajes masculinos, pero más a los de mujeres.

Entraría aquí también otro fenómeno muy reciente, que no sólo ha afectado al cine, sino también a la literatura, por lo menos en nuestro país: la idea de que las mujeres escriben o dirigen para mujeres, mientras que los hombres crean para cualquier tipo de público. De este ardid comercial han aparecido los booms de escritoras que mostraban personajes femeninos descerebrados, politoxicómanos y atolondrados y que, para más inri, nos hacían creer que, al estar creados por otra fémina, era más reales que los que habíamos conocido hasta la fecha. Personajes como aquellos, y hablo más de literatura que de cine, habrían puesto el grito en el cielo de cualquiera si hubiesen sido fabricados por hombres.

Quedan excepciones, por supuesto, como habrá que decir siempre que se haga un estudio de este tipo, pero en general, estamos ante una crisis de personajes y especialmente en lo que se refiere a los femeninos.

Las pocas que son en teoría originales, es decir, que no le van a pagar a nadie derechos por haber plagiado, suenan a lo que ya hemos visto antes. ¿Qué ocurre? ¿No hay ideas? Pues no, ya lo hemos comentado anteriormente.

Pero vamos a lo que vamos: Bret Easton Ellis, autor de ‘American Psycho’, esa novela que siempre dije que no se podía adaptar al cine —años más tarde Mary Harron y Christian Bale se encargaron de darme la razón—, ahora verá otras dos de sus obras en la gran pantalla.

Una de ellas es ‘Los confidentes’ (‘The Informers’), que estará dirigida por Gregor Jordan, responsable de ‘Buffalo Soldiers’, y protagonizada por Kim Basinger, Billy Bob Thornton y Brandon Routh (‘Superman Returns’), a quien se puede ver en la foto.

De nuevo la falta de originalidad se hace patente y ese tipo de estructura que, como ya critiqué, tenemos hasta en la sopa, se repetirá en esta traslación del un libro de relatos: siete historias que se cruzarán por necesidades del guión, obra de Nickolas Jarecki, el hermano de Andrew, realizador de ‘Capturing the Friedmans’.

Lo que contará el film será que en Los Ángeles de 1980, a lo largo de una semana, circulan un productor de cine (Thornton), su mujer (Basinger), su amante, un vampiro (Brandon Routh), una estrella de rock, un secuestrador y una adolescente promiscua, que será encarnada por Ashley Olsen. No sé por qué no contratan a las dos y hacen como en ‘Padres forzosos’: si una se cansa de rodar, ponen a la otra. Completan el reparto Jon Foster, Austin Nichols y Lou Taylor Pucci.

‘Lunar Park’ será la otra. Lane Shadgett se está encargando de adaptarla. Aún no se conocen los nombres de los intérpretes o de la persona que se vaya a encargar de la dirección. Easton Ellis se convierte en personaje de esta novela y se presenta como un autor maldito en vida, odiado por distintos colectivos progresistas, adorado por sus incondicionales y desmenuzado implacablemente por la crítica. Se ha calificado como una magnética historia sobre una casa encantada propiedad de una familia de clase alta, donde comenzarán a producirse una serie de hechos terribles que al final desembocarán en una sobrecogedora realidad paralela.

Además de eso, Easton Ellis, hasta ahora alérgico a las tentaciones de la Meca del cine, ha cambiado de parecer y escribe el guión de ‘The Frog King’ (El rey rana). Serán las ganas de vengarse, pues esto es una adaptación de una novela de Adam Davies. La dirigirá Darren Star y, de momento, el único rostro confirmado es el del protagonista: Joseph Gordon-Levitt. Tratará sobre un escritor con un trabajo en una editorial, que se aferrará a lo único bueno que le ha ofrecido la vida: su novia, y tratará de que no se estropee la relación.

Fuente | Fotogramas

Hace tiempo que tenía ganas de publicar este post del que nos avisó Eva París (muchas gracias) de Diario del viajero y Papel en blanco, pero nunca encontraba el momento. Pero cuál podría ser mejor que un viernes por la tarde para degustar 10 magníficos streaptease de cine.

Divertidos, sexys, hablados, bailados, femeninos, integrales, míticos, masculinos … los hay para todos los gustos, por supuesto los comentarios también sirven para sugerir otros como favoritos.

La lista la realizó Sergei de Cinemaspop, según comentaba, aún a riesgo de quedar como el redactor más baboso o salido de su blog. Como creo que en Blogdecine este título (merecido o no) ya me pertenece, de perdidos al río, pasen y disfruten:

10. Suzanna Willis en El Club de los Monstruos (1980)

9. Rebecca Romijn en Femme Fatale (2002)

8. Robert Carlyle, Mark Addy y compañía en Full Monty (1997)

7. Demi Moore en Striptease (1996)

6. Natalie Portman en Closer (2004)

5. Paz Vega en Lucía y el Sexo (2001) Trailer del film

4. Sophia Loren en Ayer, Hoy y Mañana (1963)

3. Jane Fonda en Barbarella (1968)

2- Jamie Lee Curtis en Mentiras Arriesgadas (1994)

1. Kim Basinger en Nueve Semanas y Media (1986)

Tras ver el curioso póster, aquí tenemos el trailer de ‘Even Money’, un drama que gira en torno a las consecuencias de la adicción al juego, a través de tres historias cuyas vidas están al borde de la destrucción.

Dirige Mark Rydell y en el reparto tenemos a Forest Whitaker, Kim Basinger, Danny DeVito, Nick Cannon, Jay Mohr, Ray Liotta, Tim Roth, Kelsey Grammer y Carla Gugino. Lo cierto es que le tenía muchas ganas a esta película, pero tras ver el trailer se me han quitado casi por completo. No sé a vosotros, pero a mí no me gusta nada, de las que se ven en el sofá un domingo a las cuatro de la tarde…

‘Even Money’ | Ver trailer