Hoy da comienzo la 59ª edición del Festival de cine de San Sebastián o Donostia Zinemaldia. ‘Intruders’, de Juan Carlos Fresnadillo, es la película que inaugura el certamen, aunque se presenta fuera de concurso dentro de la sección oficial. La de clausura, también fuera de competición, será la francesa ‘Intouchables’, de Eric Toledano, Olivier Nakache. Tampoco compite, pero estará en la sección oficial ‘Albert Nobbs’, de Rodrigo García. Este estreno, como ya habíamos anunciado, se realizará para acompañar la entrega a su protagonista, Glenn Close, del Premio Donostia.

De lo que se presenta en la Sección Ofiical, me interesan especialmente, dos asiáticos: el coreano Kim Ki-duk y su ‘Amén’ y el japonés Hirokazu Koreeda, que trae ‘Kiseki’ (‘I Wish’). ‘Rampart’, el thriller con argumento de James Ellroy, de Oren Moverman, es la única candidata estadounidense, aunque de Norteamérica también se presenta la canadiense ‘Take This Waltz’, de la actriz Sarah Polley. Terence Davies presenta la británica ‘The Deep Blue Sea’, Mathieu Demy nos trae su ‘Americano’ y la argentina Ana Katz da a conocer ‘Los Marziano’. Otros de los títulos a concurso son ‘Happy End’, ‘Mundo injusto’, ‘Sangre de mi sangre’ o ‘El Skylab’, de la también actriz Julie Delpy, quien ya había dirigido otra película.

En competición, dentro de la Sección Ofiical, encontramos las españolas ‘No habrá paz para los malvados’, de Enrique Urbizu; ‘La voz dormida’, de Benito Zambrano, y ‘Los pasos dobles’, de Isaki Lacuesta, además de la co-produccción con México del ya ganador de la Concha de Oro Arturo Ripstein, ‘Las razones del corazón’. Fuera de competición, pero aún dentro de la Sección Oficial, se verá ‘Bertsolari’, de Asier Altuna. En ‘Made in Spain’ una larga lista de films españoles estrenados este año. El segundo film de Isaki Lacuesta en el certamen, ‘Cuaderno de barro’, se verá en Zabaltegi.

Se realizarán tres retrospectivas: una dedicada al director clásico Jacques Demy, otra sobre cine negro americano y la última, sobre cine chino de nueva generación, titulada ‘Sombras Digitales’.

En la sección Zabaltegi se presentarán las Perlas de Otros Festivales, donde se incluyen títulos como ‘The Artist’, ‘Le Havre’, ‘Shame’ o el documental de Martin Scorsese ‘George Harrison: Living in the Material World’. En Horizontes Latinos se podrá visionar cine iberoamericano y, para los amantes de la buena mesa, existe la posibilidad de degustar el ciclo Cine y Gastronomía.

El jurado de la Sección Oficial está presidido por la actriz Frances Mcdormand. Además de ella, lo componen los directores Guillermo Arriaga, Álex De La Iglesia y Bent Hamer; la directora de fotografía Sophie Maintigneux, y las también actrices Bai Ling y Sophie Okonedo.

Ya que no tenemos ocasión de cubrir personalmente el festival, invitamos a los lectores que ya nos han comentado que estarán allí a que utilicen el espacio de comentarios para contarnos lo que van observando, darnos sus opiniones con respecto a las películas que puedan ver y hablar de los famosos con los que se han encontrado.

Vía | Página oficial del festival.

‘Arirang’, descarnado autorretrato de Kim Ki-duk

¡¡Quiero hacer una película!!

(Kim Ki-duk)

Hay muchas formas de valorar una película. ‘Arirang’ hay que valorarla teniendo en cuenta la experiencia y el riesgo. Porque si no, si nos fijamos en cosas como la trama o una sofisticada puesta en escena, es poco menos que una basura. Y una tomadura de pelo que haya sido incluida en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes 2011. Yo reconozco que estuve a punto de levantarme de la butaca un par de veces antes de que transcurrieran quince minutos, incluso llegué a convencerme de que podría aprovechar el tiempo para escribir aquí, pero me alegro de haberme obligado a permanecer sentado y dar una oportunidad a un cineasta de la talla de Kim Ki-duk, aunque haya perdido la cabeza y haya presentado una cosa amateur que cuesta tomar en serio.

Todo lo que os diga es poco, y ya supongo que los seguidores del coreano no os lo vais a poder creer (es un realizador difícil y desconocido para la mayoría, por lo que la minoría que le respeta lo defiende con entusiasmo), o al menos no del todo, pero voy a intentarlo, voy a intentar expresar qué es ‘Arirang’ y qué ha pasado con su director, que llevaba tres años sin estrenar una película, viviendo como un ermitaño desde que hiciera ‘Dream’ (2008). Para empezar, Kim lo hace todo en ‘Arirang’ (2011). Solo aparece su nombre en los créditos, es el guionista (si es que hay un guion aquí), director, productor, fotógrafo, montador, actor… Todo. Algo no tan complicado como parece cuando lo que ha hecho es filmarse a sí mismo en su casa, con una Canon 5D Mark II, haciendo cosas tan sumamente interesantes como tomar café, peinarse, comer, pasear, defecar en la nieve, mirar al horizonte, enfocar a su gato, cantar o hablar solo. No exagero lo más mínimo. Y tampoco cuando mantengo que es una experiencia cinematográfica intensa, desgarradora, extravagante, inolvidable.

Iba a abandonar la sala antes de tiempo, como hicieron muchos invitados y acreditados, porque pensé que no tenía sentido ver a Kim Ki-duk haciendo cosas corrientes o mirando a la cámara en silencio. Eso no tiene ningún mérito. Pero solo es un aperitivo, por así decirlo, pues lo realmente interesante viene cuando el autor se desdobla y empieza a liberar todo lo que lleva dentro, todo lo que le ha estado oprimiendo hasta hundirlo en una fuerte depresión. A través de un simple plano y contraplano, Kim se interroga a sí mismo, se obliga a reflexionar en voz alta y aclarar sus ideas, sus conceptos, sus críticas, sus obras. ¿Qué es el cine? ¿Quién es Kim Ki-duk? ¿Por qué no está haciendo películas? ¿Por qué vive solo en una triste cabaña, en una solitaria colina? Todas estas preguntas y muchas más son formuladas y contestadas, más o menos, en ‘Arirang’, una especie de confesión o diario filmado, un cóctel que mezcla documental, drama, comedia y fantasía.

Sin duda sobran muchos minutos (escenas comiendo o cantando), pero es fascinante ver a Kim, que “interpreta” a tres personajes (el otro es su sombra, que también plantea cuestiones), desnudar su alma ante la cámara, abrir su corazón al espectador, de manera absoluta, dolorosa, humillante, suicida. Es un salto al vacío sin paracaídas por parte de un hombre que ha tocado fondo, que se declara perdido, desorientado, ansioso por volver a hacer películas (habla sobre un proyecto muy interesante que no consigue financiación) y ser considerado un director de prestigio. Admite que no sería nadie sin los certámenes de cine y en la presentación del film aquí en Cannes ha llegado a declarar: “Estaba dormido, pero Cannes me ha despertado“. Quiero añadir que Kim Ki-duk presentó su película al público y se quedó a verla hasta el final, esperando el veredicto de los asistentes. Hay que tener muchas agallas y/o estar algo majara para exponerse de la manera que lo ha hecho el coreano y además quedarse a presenciarlo. Los pocos que quedamos le aplaudimos durante varios minutos, y él no pudo reprimir las lágrimas. En definitiva, un plato muy especial, muy difícil, no apto para todos los paladares.

‘Polisse’, tenso relato policial

“Basada en casos reales”. Con este mensaje da comienzo ‘Polisse’, el nuevo largometraje de la actriz y directora francesa Maïwenn Le Besco (‘Pardonnez-moi’, ‘Le bal des actrices’), uno de los 20 títulos que compiten en la sección oficial de esta 64ª edición. Y es fácil entender el motivo, la autora abarca un tema muy delicado y lo afronta de la manera más directa y cruda que puede, pese a que he leído por ahí que el enfoque peca de simplista (en general, por lo que sé, a la prensa no le ha gustado la película). Quizá lo es, no estoy tan al tanto como para afirmar o negar tal cosa, pero me parece innegable que Maïwenn ha intentado retratar con honestidad y exigencia a personas que hacen un trabajo muy complicado, muy duro, que puede marcar y alterar de manera profunda a quien lo ejerce apasionadamente, con mayor compromiso del estrictamente profesional. Los “héroes” de ‘Polisse’ (que es “policía” en francés) son individuos entregados por completo a su empleo, lo que repercute negativamente en su vida privada. El guion de Maïwenn y Emmanuelle Bercot intenta reflejar el conflictivo mundo de cada personaje, el desequilibro que caracteriza sus vidas; realizado en su trabajo, frustrado en su casa.

Drama coral que juega a imitar el estilo documental, ‘Polisse’ se centra en los policías de la Brigada de Protección de Menores (BPM), tanto en su actividad profesional como en su vida personal, si bien la diferencia entre ambas realidades se vuelve a veces muy difusa. Maïwenn ofrece un mosaico de casos sobre posibles abusos, subrayando la dificultad de los protagonistas para conocer la verdad o encontrar una solución satisfactoria, lo que desemboca en constantes situaciones de tensión. Los enfrentamientos profesionales y privados que se van sucediendo nos permiten conocer mejor a los policías, interpretados con mucha autenticidad y convicción (la propia directora forma parte de un elenco que completan Karin Viard, Joeystarr, Nicolas Duvauchelle, Emmanuelle Bercot y Riccardo Scamarcio, entre otros). También destaca el trabajo realizado con los niños, que se muestran muy espontáneos, dando la sensación de estar asistiendo realmente a víctimas (presuntas) de crímenes sexuales. Maïwenn ha declarado que visitó regularmente la unidad que retrata para documentarse, llegando a filmar unas 150 horas basadas en los casos que más le impactaron. No le ha quedado una obra redonda, le sobra metraje (por ejemplo, la escena de la discoteca debía durar menos) y subrayado de las ideas importantes, pero consigue entretener y contiene algunas escenas de impacto.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 15 de mayo de 2011.

PD: Mañana es el gran día. ¿Vendrá Terrence Malick a presentar su nueva película?

Revoloteaba alegremente; era una mariposa muy contenta de serlo. No sabía que era Chuang Tse. De repente despierta. Era Chuang Tse y se asombró de serlo. Ya no le era posible saber si era Chuang Tse que soñaba ser una mariposa, o era una mariposa que soñaba ser Chuang Tse.” Zhuangzi o Chuang Tse, filosofo taoísta.

Ayer se inauguraba, en la Filmoteca de Madrid, la III Muestra de cine coreano, con la película ‘Dream’ (‘Bi-mong’, 2008), de Kim Ki-duk, una comedia romántica con toques fantásticos o de ciencia ficción, según se quiera ver, y reminiscencias de thriller, que habla de un hombre cuyos sueños son ejecutados por una sonámbula. Cuando ambos se dan cuenta de su conexión, tratarán de evitar dormir, pues las consecuencias de sus pesadillas son devastadoras.

Simbolismo

Una difícil, pero lograda mezcla de tonos complica ubicar ‘Dream’ en un género. El film tiene humor, pero su romanticismo es trágico. Con el componente fantástico ya presentado desde el inicio, la película se mantiene con los pies en la tierra en los primeros minutos, en consonancia con films más realistas de Ki-duk, como ‘El arco’, ‘Time’…, para más adelante dejarse arrastrar por una abstracción poética —que sí se encontraba en anteriores películas, como ‘La isla’— en una exquisita escena que transcurre en los pastos nevados y cuya interpretación sólo puede ser onírica y simbólica. A partir de ese momento, la convivencia de ambas propuestas se irá convirtiendo en una preciosa mezcla de fábula filosófica con historia de amor.

Con similitudes a los misterios de Hitchcock, ‘Dream’ se asemeja temáticamente, asimismo, a ‘Olvídate de mí’ (‘The Eternal Sunshine of the Spotless Mind’), de Michel Gondry, u ‘Origen’ (‘Inception’), de Christopher Nolan. Pero su aproximación contiene una mayor lírica y un romanticismo más exacerbado .

Fotografía y música

Las composiciones de planos nos regalan unas imágenes tan bellas que, si el ‘Dream’ hubiese sido sólo contemplativo, tendría atractivo suficiente. Con una elección de las localizaciones deliciosa, la película gana un aire de atemporalidad que se conjuga con el onirismo de su premisa. El juego con los colores que realiza Kim Ki-duk tiene un gran significado. Hacia el inicio, una adivina les dice que son los polos opuestos de un mismo ser, que el blanco y el negro son el mismo color. Ellos visten siempre de esta manera, ella es la reina blanca, mientras él parece un alfil negro. Pero la pérdida de la inocencia y de la falta de implicación en los hechos de Ran hará que sus ropas se tornen oscuras. Las profesiones de los protagonistas, artista caligráfico y diseñadora de moda, nos los muestran como seres creativos y desempeñan un papel importante en el avance de sus sentimientos. Los caracteres que él graba, los alfileres que ella utiliza… al final, sus instrumentos profesionales se convierten en herramientas de tortura.

La música está escogida con gran acierto y con la misma variedad de estilos que las escenas, adecuándose siempre a la necesidad emocional de cada secuencia. En ocasiones, la partitura podría responder a las necesidades de suspense del maestro británico. Otras veces, la banda sonora la componen las poderosas creaciones cantadas de Park Ji Woong, que nos elevan en intensos sentimientos.

Intérpretes y diálogos

Odagiri Joe y Lee Na-Young son los protagonistas casi exclusivos. El primero es un actor japonés que interpreta su papel en su lengua materna, aportando al film un nuevo componente de rareza que en otros relatos no habría tenido cabida. Con una profusión de diálogos mucho mayor de la que el autor coreano acostumbra a ofrecernos, los protagonistas tienen, no obstante, bastantes momentos de silenciosa elocuencia, admirable sello personal de Ki-duk.

Conclusión

La última película de Kim Ki-duk que vivió un estreno comercial en España fue ‘Aliento’. Le dedicamos cinco críticas en Blogdecine, pero ni ninguna entusiasta. Esta cinta, por el contrario, se sitúa para mí a la misma altura que ‘Hierro 3’, que podría ser mi predilecta del autor. De enorme intensidad de sentimientos y con un indiscutible componente poético simbólico, ‘Dream’ no es fácil de digerir y quizá no contente a públicos mayoritarios. Se debe saborear con calma, penetrando por completo en los sentimientos de estos dos peculiares personajes y disfrutando de sus rarezas.

‘Dream’ (‘Bi-mong’, 2008), de Kim Ki-duk apareció en DVD en marzo de este año. Además, se podrá volver a ver en el Cine Doré de Madrid el 4 de noviembre. El resto de la programación de la III Muestra de cine coreano se puede consultar en este enlace.

Mi puntuación:

La voz de Josemanuel Escribano entró en mi vida una hace un par de años, una noche que escuchaba la radio junto a la chica que primero me arrebató el corazón para luego entregarme el suyo. Ella me aficionó a un conocido programa llamado ‘La rosa de los vientos’, que se emite la madrugada de los sábados y los domingos en Onda Cero. La sección de cine de dicho espacio se titula “El callejón del escribano” y, evidentemente, está a cargo de Josemanuel (que no José Manuel).

Al margen de que coincidiera o no con algunas de sus valoraciones, desde muy pronto me pareció un crítico modelo, un referente a tener muy en cuenta, tanto por su discurso como por la honestidad y proximidad que desprenden sus palabras. Siempre hemos tenido la imagen del crítico elitista y pedante, amargado y arrogante; este señor es lo opuesto a eso. En resumen, es un profesional al que gusta escuchar, y eso, hablando de un crítico de cine, en mi opinión, es un gran logro. Por otra parte, agradecerle, también desde aquí, la amabilidad y el trato tan atento, desde que me puse en contacto para la realización de esta entrevista.

Licenciado en Ciencias de la Información, Josemanuel Escribano ejerce como crítico de cine desde 1973, tanto en revistas (“Interviú” e “Historia de Iberia Vieja”) como en radio (entre otras, Radio Nacional, Onda Madrid y Onda Cero). Su trayectoria profesional es amplia y variada, destacando su labor como editor de la revista “Contraluz”, realizador de publicidad, director de cortometrajes y “performances” (entre 1971 y 1989), director de la revista “Ágora”, realizador en TVE, guionista y editor de la web El Super Diez; es miembro de la Asociación de la Prensa de Madrid y Secretario General del Círculo de Escritores Cinematográficos.

• ¿Cómo llega a ser crítico de cine? ¿Entraba en sus planes?

Siempre me ha atraído el cine, como espectador desde chaval y con cierta vocación desde muy pronto, quizá influido por los jóvenes directores y críticos de la “Nueva Ola” del cine francés. En los años 60 viví en Sevilla y, aunque allí no había escuelas de cine, intenté dar mis primeros pasos como director de cortometrajes; pasos que se fueron concretando a finales de la década, cuando nos juntamos un grupo de amigos, fanáticos del cine todos, y empezamos a trabajar en guiones y proyectos más interesantes. En los años 71 y 72 dirigí mis dos primeros cortos y me trasladé a Madrid, donde seguí dirigiendo cortos y publicidad. Pero en 1973 edité y dirigí la revista “Contraluz”, que se vendía casi clandestinamente y por suscripción (la situación política era bastante convulsa, había una fuerte censura y no encontramos otra manera de hacerlo) y allí descubrí la faceta crítica, que me apasionó inmediatamente y que fui simultaneando al principio con la práctica; pero poco a poco pasó a primer plano (nunca mejor dicho) hasta llevarme a la dedicación exclusiva. En el universo del cine, hay que explicar, porque todo el tiempo (hasta el año 2000) he simultaneado estas actividades con la docencia como profesor de Literatura y Lengua españolas y Comunicación Audiovisual.

• ¿Comunicación audiovisual? ¿Hay aspirantes a cineastas entre sus alumnos?

He impartido la asignatura de Comunicación Audiovisual en un instituto; era una optativa de secundaria, por lo que, en principio, se debería suponer que los alumnos que la escogían tenían ya de entrada cierto interés. Pero eran muy jóvenes como para que tuvieran definida una clara vocación por el cine; ojalá haya sido así y en un futuro próximo surjan cineastas de aquellos alumnos, pero no se manifestaban en ese sentido.

• Se ha referido a la “Nueva Ola” del cine francés, ¿ahí está el origen de su pasión por el cine?

Sin duda. Ahora hace 50 años de las primeras películas de Truffaut, Godard, Rivette, y también Alain Resnais. ‘A bout de soufflé’, ‘Los 400 golpes’ y, muy marcadamente ‘Hiroshima, mon amour’ y ‘El año pasado en Marienbad’ me descubrieron un cine diferente, una forma muy distinta a la de las películas que había visto de chaval, cine americano sobre todo. Aquellas películas, de repente, me mostraban un cine cercanísimo, unas ideas nuevas, unas historias contadas de manera diferente y que me resultaron muchísimo más interesantes. El cine de Godard, tan rompedor; el Antoine Doinel de Truffaut, que lo acompañó toda su vida; las imágenes deslumbrantes, inteligentísimas de Resnais, y las películas de Agnés Varda, Louis Malle, después los “cuentos morales” de Rohmer… Ese momento, que es, sin duda, parte fundamental del cine moderno, me fascinó. Esas películas y el cine europeo en general: Visconti, Losey (que trabajaba en Inglaterra), Ingmar Bergman, Bertolucci, Michelangelo Antonioni con La aventura, El eclipse, Desierto rojo… Este cine y, desde luego, la “Nueva Ola”, me marcaron definitivamente.

• De los cineastas actuales, ¿cuáles son, a su juicio, los más interesantes?

Me interesa especialmente el cine español; porque es mi cultura y son las historias y los personajes más cercanos, y porque, desde luego, no puedo consentir que se diga que es “malo”. Es, por el contrario, bastante interesante, y hay en el panorama actual un grupo numeroso de cineastas de demostrada calidad; sobre todo, existen directores jóvenes que tienen un espléndido futuro. Baste ver, por ejemplo, la cantidad de cortometrajes que se ruedan cada año en España, con una dosis de talento muy llamativa. Y claro que se hacen también malas películas, ¿cómo no? Como en cualquier otra cinematografía, incluida la americana, que llena pantallas y consigue taquillazos frecuentemente; a veces con películas detestables.

Por otra parte, me interesan mucho las cinematografías menos explotadas o comerciales: me gusta mucho el cine de Aki Kaurismäki, de Wong Kar Wai, de Kim Ki-duk, de Nanni Moretti y los nuevos directores italianos, el cine europeo en general, los americanos independientes y, claro, los grandes maestros: Eastwood, Lumet, Allen, Scorsese, Coppola… Es imposible resumir; lo que hago es estar muy atento a la cartelera y no perderme lo que llega, de Fatih Akin a Tarantino, de Lynch a Nuri Bilge Ceylan, por ejemplo.

• ¿Cómo surge “El Super Diez”?

Surgió dentro del “Turno de noche”, en 1991, como una de las secciones del programa que a Juan Antonio Cebrián le pareció más interesante y divertida. De hecho, se ha mantenido siempre (junto con la crítica) a través de los años y los distintos programas de Onda Cero. Y en 2003 pasó a internet, donde publica (simultáneamente con la radio) la tradicional “lista de éxitos” acompañada de noticias y colaboraciones de otros colegas del análisis, el estudio cinematográfico y la creación literaria. “El SuperDiez” se elabora con una fórmula que combina la crítica profesional con la opinión popular (a través de las recaudaciones de las películas), es absolutamente objetiva y, a mi modo de ver, sigue teniendo el mismo espíritu de libertad, independencia y “artesanía” que aquella “Contraluz” de los años 70.

• ¿Tiene algún método (confesable) a la hora de redactar sus críticas?

Pues, sí; uno muy sencillo: lo primero, procuro que no pase mucho tiempo desde que veo la película porque con el aluvión que nos echan encima algunas cosas se me pueden olvidar… Si veo que, efectivamente, voy a tardar en escribir la crítica, suelo recoger algunas notas. A la hora de redactarla, comienzo siempre por un comentario acerca del director, que permita situar la obra dentro de su creación general, y también, cuando el autor no es muy conocido, para dar algunas claves significativas. Después trato de resumir el argumento o el tema de la película y paso a comentar los aspectos concretos de la misma desde mi personal punto de vista. Siempre tratando de no caer en el análisis simplista de separar los aspectos artísticos y técnicos (fotografía, música, ambientación…) del conjunto, y también tratando de aportar algún elemento de reflexión al posible oyente o lector. La crítica, creo, no es sólo un instrumento de confrontación de pareceres, sino también, y sobre todo, un género propio dentro de la literatura periodística.

• ¿Se fijó en alguien cuando empezaba? ¿Algún referente especial?

Me gustaba mucho el estilo personal y desenfadado de Alfonso Sánchez (TVE) y la calidad literaria y el conocimiento de César Santos Fontenla (diario Informaciones); después he seguido mucho, aun con alguna divergencia de criterio, al maestro Ángel Fernández Santos (El País). Y algunos otros, que no voy a mencionar, me han servido sobre todo para saber qué tipo de crítica no querría hacer, e incluso qué tipo de persona no querría ser. Modelos… y todo lo contrario: como en cualquier profesión, supongo.

• ¿Cómo es la relación entre los críticos? ¿Hay conciencia de grupo?

La relación entre los profesionales (de Madrid) es francamente buena, aunque también bastante superficial. Más que conciencia de grupo, que es de tono menor, existen ciertas “camarillas”, que se basan en afinidades ideológicas y, sobre todo, en supuestas “categorías” de los respectivos medios para los que se trabaja. En general, hay un buen número de colegas que nos vemos casi a diario en los pases de prensa, y que mantenemos una relación cordial: intercambiamos noticias de convocatorias, tenemos una correspondencia fluida y nos hacemos algún favor en un momento determinado, si hace falta.

• El público y la crítica, ¿enemigos irreconciliables? ¿No cree que a menudo esa división es poco natural, motivada por la pertenencia a uno de los dos grupos?

En efecto, es una división artificial, porque todos los críticos somos y deberíamos sentirnos, en primer lugar, público. Pero artificial o no, la separación existe: el público se empeña en que los críticos ven las películas “de otra forma” y que lo que contamos es poco interesante, cuando no incomprensible para la mayoría. Y seguramente tiene razón, porque todavía muchos colegas entienden su profesión como un púlpito o una forma de proyección personal, que parece más importante cuanto más oscura; como comentaba más arriba, creo que el ejercicio de la crítica debe estar al servicio del espectador, como un elemento más para su reflexión y análisis, aportando, desde luego, los elementos formativos que se pueda. Y creo que los críticos que se acercan más a esta postura son también los más aceptados por el público en general.

• Hace nada dejamos atrás el cine de 2008; en general, ¿ha sido tan malo como se pinta?

Creo que sí; este 2008 no nos ha traído la habitual media docena de grandes obras, esas que conmueven a la crítica pero también reconoce el público, y, lo que es peor, el tono medio ha sido muy bajo. Y en cuanto al cine español, de manera significativa. Habría mucho que hablar del tema (calidad general, cine español, crisis a distintos niveles…), pero como diagnóstico general, sí parece que el año no ha sido bueno, ni en calidad ni en recaudaciones. No creo que el primer aspecto sea especialmente preocupante: el año próximo veremos, con seguridad, estupendas películas españolas, europeas y, a lo mejor, también americanas y de otras latitudes más exóticas. Más complicada es la cuestión económica: las taquillas descienden sin cesar, y aquí sí que hay una evidente crisis, que obedece a múltiples causas; diversas, pero no desconocidas.

• ¿Cuáles cree que son las causas más importantes de ese descenso? ¿Es una batalla perdida, tienen las salas de cine los días contados?

No diría tanto; los cines han sabido siempre capear todos los temporales y ahora también se van a defender. Van incluyendo proyecciones digitales, el confort y la calidad de las salas aumenta sin cesar (y las que no, cierran), complementan la programación con la exhibición de óperas, conciertos y eventos deportivos… Se buscan la vida, en definitiva. Desde luego, hay dos realidades que empujan en contra: el precio de las entradas (importantísimo: a la gente le gusta el cine, lo que no quiere es pagar 7 euros por entrada; la prueba está en los millones de descargas ilegales de internet que se realizan) y la multiplicación de las “ventanas” que dan acceso a la imagen: internet, dvd, ya mismo los móviles… En cualquier caso, los grandes estudios, que dominan todos los sectores: producción, distribución y exhibición, procurarán crear grandes espectáculos que el público preferirá ver en pantalla grande, con calidad extra de imagen y sonido.

• Volviendo al cine de 2008, ¿qué películas destacaría por encima del resto?

Me han gustado mucho algunas de las estrenadas muy recientemente: ‘El intercambio’, ‘Gomorra’, ‘Il divo’, ‘My blueberry nights’... y otras anteriores como ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’, ’4 meses, 3 semanas, 2 días’, ‘No es país para viejos’, ‘Al otro lado, ‘Elegy’, incluso ‘Deseo, peligro’, que se estrenó a finales de 2007.

• ¿Alguna decepción importante, algún título o director del que esperaba mucho más?

Más que títulos o directores, señalaría que no ha sido un año bueno para el cine español (esperaba más de José Luis Cuerda, y sobre todo de Agustín Díaz Yanes) ni para un género que desde siempre me ha interesado mucho: el fantástico y el terror. Malísimas películas en este apartado, “remakes” totalmente innecesarios, y argumentos rozando la idiotez: una decepción, verdaderamente.

• Ya que lo menciona, ¿de dónde viene su afición por el género fantástico y de terror? ¿Cuáles son sus títulos o directores intocables?

El fantástico en general y el terror en particular, han sido siempre uno (o dos) de mis géneros favoritos, desde siempre. Pero, además, en unas cuantas temporadas del programa de radio tuvimos una sección “Zona Cero” con una crítica o comentario semanal de algún estreno; la verdad es que prácticamente cada fin de semana había uno y terminé por aficionarme del todo y desde entonces he seguido el género con bastante aplicación. Y es verdad que este año último ha sido malo. Claro que no puede haber a cada rato un “M el vampiro de Dusseldorf”, un “Drácula” o un (por acercarnos más en el tiempo) “2001” o un “Resplandor” de Stanley Kubrick, un “Alien” de Ridley Scott, otra “Noche de los muertos vivientes” u otra “Semilla del diablo”. Los grandes directores, cuando tocan el género, lo convierten en una maravilla.

Pero ahora hay otros títulos y otros directores de interés, de Sam Raimi y Cronenberg a los maestros orientales Hideo Nakata (“The ring”), Bong Joon-Ho (“The host”), Takashi Shimizu (“The grudge”)... y tantos otros, hasta los hermanos Pang cuando están en forma. Nada importante, como digo, en este año pasado; es más, lo que ha llegado, de oriente, y no digamos de América, ha sido francamente malo: previsible, infantil, desaliñado y algunas veces hasta ridículo.

• ¿Lo último que más le ha gustado del género?

Si tuviera que elegir una película de entre todas las últimas me quedaría seguramente con la de Joon-Ho, “The host”, del 2007: una joyita del género, original, divertida, con mucho ritmo… y, desde luego, terrorífica.

• Ah, pensé que diría ‘La niebla’, creo que fue de lo mejor de 2008…

Sí, por cierto, “La niebla” me pareció de lo poquito salvable del año, coincido contigo; no es que sea el colmo de lo original, pero la “versión” de Darabont del tema es de lo más sugerente. Y esa secuencia final, ¿eh? Es una pena no haberla visto (cosas de los distribuidores, que son… como son) en blanco y negro, tiene que ser estupenda.

Aquí tenemos el trailer de ‘Dream’, la nueva película del coreano Kim Ki-duk tras ‘Aliento’ (‘Breath’). El director no tiene demasiado éxito en su país, pero fuera, sobre todo en Europa, es considerado poco menos que un genio, algo que evidentemente es una exageración. Dicho eso, es innegable que su obra está llena de poesía y de escenas memorables, que es un director interesante, que refresca la cartelera.

‘Bi-mong’, que es el título original de la película, está protagonizada por el japonés Joe Odagiri y la coreana Lee Na-young. La historia se centra en un hombre obsesionado con la pérdida de su novia, que tiene una pesadilla en la cual él es la causa de un accidente de tráfico. El accidente se ha producido realmente tal como ocurre en el sueño, y la pista de la policía conduce a una mujer que padece sonambulismo. Realidad y sueño se mezclarán en una historia sobre el amor y el odio que siente una pareja.

Por el momento no hay fecha de estreno para nuestro país, pero llegará, aunque sea muy tarde.

Vía | SéptimoVicio

Recuerdo una anécdota que me contaron sobre Fernando León; al parecer, con motivo del estreno de su ‘Princesas’, un periodista le preguntó si le había influido el cine de Kim Ki-duk, a lo que el director español respondió con indiferencia “no sé quién es ése”. Hoy quizá no hubiese contestado lo mismo, y es que el nombre del director coreano se ha vuelto popular dentro de los aficionados al cine en España, muchos de los cuales parten de ‘Primavera, Verano, Otoño, Invierno… y Primavera’ para hablar de la obra del cineasta, dejándose en el tintero, involuntaria o voluntariamente, otros títulos tan poderosos como ‘Bad Guy’ y tan flojos como ‘La Isla’.

Kim Ki-duk es sin duda uno de los mayores representantes del cine asiático que tan bien parece venderse en este país; en este caso tenemos suerte, la de directores y películas interesantes que no llegan a España podrían llenar varios videoclubs. Terror, artes marciales y “cine de autor”, a eso parece reducido todo. Y como el realizador coreano encaja en esa tercera etiqueta a la perfección, pues ahí le tenemos, en nuestras carteleras, ya digo, un pequeño lujo (ya lo de versión original es pedir demasiado, ¿no?).

‘Aliento’ (‘Breath’) nos presenta a dos personajes, un condenado a muerte y una mujer de triste existencia. El primero intenta suicidarse y al aparecer en las noticias, despierta la curiosidad de la segunda; ésta, quien descubre la infidelidad de su marido, decide hacerse pasar por una antigua novia del condenado, una vez que éste es curado de sus heridas y devuelto a prisión. El alcaide de la prisión permite que ambos se encuentren mientras los espía con gran curiosidad…

Estrenada en nuestro país el pasado 4 de julio, ‘Aliento’ ha sido recibida de formas muy diversas, algo normal en este realizador, que no suele dejar a nadie indiferente. Lo que me sorprende es que con este título se le pretenda bajar del espumoso pedestal al que se le había subido, de forma rápida y prematura. Quiero decir, ¿es ‘Aliento’ una señal del declive de Kim Ki-duk? A mi modo de ver, rotundamente, no. Sólo otra obra de un cineasta que sigue interesado en las mismas cuestiones. ¿Es la peor? Tampoco. Hay en ‘Aliento’ poderosos momentos, mientras que ya me diréis que hay en ‘Wild Animals’ o ‘The Coast Guard’, por mencionar no todas las que considero inferiores a la que nos ocupa, sino las dos que peor me parecen de toda su filmografía.

Soledad, amor, desesperación, incomunicación, sexo, violencia… Todos los ingredientes de las historias anteriores de Kim Ki-duk vuelven a tener presencia en la última. ‘Aliento’ habla de dos almas solitarias que parecen destinadas a acabar sus tristes y muertas vidas así, solas. Ella es una mujer encerrada en su casa, con un marido dominante que la engaña y la desprecia; él es un preso que no soporta la idea de estar en el corredor de la muerte, y desea acabar cuanto antes con su asfixiante situación. Ambos personajes encontrarán alivio el uno en el otro, a partir de unos encuentros donde se juega con el paso de las estaciones. Una fingida relación previa da paso a una breve pero intensa relación real entre ellos.

Dice Kim Ki-duk que le gusta trabajar rápido, con pocos decorados, y con actores que no conoce. Quizá se fía mucho de su instinto a la hora de contar sus historias, o quizá quiere descubrir a esos intérpretes como lo debería hacer el espectador con los personajes que de la historia que se le cuenta. Los protagonistas de ‘Aliento’ son el taiwanés Cheng Chang (‘2046’) y los coreanos Ha Jung-woo y Park Ji-a. Destaca especialmente la expresividad de Chang a la hora de mostrarnos sus emociones, a pesar de que no habla en toda la película, y la gran interpretación de Ji-a, que si fuera norteamericana y famosa ya sonaría para el Oscar.

‘Aliento’ es cine sencillo, de emociones, con personajes casi sin vida, envueltos en una simple pero retorcida trama, que da lugar a momentos realmente memorables. Pocos serán los que tras ver esta película olviden cierta parte de su desenlace, tan impactante como el beso del “fantasma” que protagoniza ‘Hierro 3’, o la escenita del anzuelo en ‘La Isla’, o la “venganza” del padre de la protagonista en ‘Samaritan Girl’. No es lo mejor que ha hecho Kim Ki-duk, pero sí conserva la fuerza visual, tiene escenas emocionantes y el desarrollo de la acción se sigue con interés.

• Otras críticas en Blogdecine:

‘Aliento’, silenciosa indiferencia

‘Aliento’, Kim Ki-duk desciende a la mediocridad

Aliento es lo que necesita Kim Ki-duk

‘Aliento’, que tus acciones hablen por ti

La forma en la que el cineasta coreano Kim Ki-duk intenta conmover al espectador es muy especial. Desde la sorprendente ‘Hierro 3’ (una de esas películas que les gusta a todo el mundo), el director se ha hecho un hueco entre los más interesantes del panorama actual y con ‘Aliento’ podía tener en su mano la consolidación de su figura como un realizador dotado de regularidad, que lanza obras estimulantes y que nunca dejan indiferente.

Desgraciadamente, ‘Aliento’ es una obra menor, y eso se nota desde el primer minuto, donde vemos a cuatro presos en una celda comportándose de un modo poco convencional. Yeon (Ji-a Park) es una mujer engañada por su marido (Jung-Woo Haa) que ve en el telediario la noticia de que el condenado a muerte Jang Jin (Chen Chang) ha intentado suicidarse por segunda vez, y decide visitarle.

Es una sencillísima premisa que para colmo tarda en arrancar. La primera visita se produce en medio de una atmósfera profundamente silenciosa, casi mística. El preso no puede hablar porque tiene una herida en la garganta, a causa de su intento de suicidio, y ella es absolutamente lacónica. Los continuos silencios traen consigo, por supuesto, un arraigado simbolismo que dan cuenta del marcado tono oriental. Sin duda, Kim Ki-duk pretende transformar la sencillez de su argumento en un compendio de pensamiento mucho más amplio, donde nada sea gratuito. Tengo que decir desde ya que no lo consigue.

El problema que se encuentra el espectador es que no se siente motivado ante las reflexiones emocionales planteadas. Difícilmente puede ponerse en el lugar de cualquiera de los personajes, y ser cómplice de sus desconcertantes motivaciones. El marido, que disfruta siendo un cornudo y que acepta sin más la nueva situación de su matrimonio, torpedeada por un condenado a muerte que desconoce; la mujer, que ve en el preso el nuevo sentido de su vida a la vez que es consciente de que está tirando a la basura (como la camisa que cae mientras tiende) su antigua existencia; la niña, que está absolutamente de relleno y a la que ninguno de los dos tratan exactamente como hija. El preso, desde luego, es el arquetipo de la sosería. No es porque no pueda hablar, sino que sus movimientos parecen los de un animal que se mueve puramente por instinto. Rápidamente, por sus circunstancias extremas, se enamora de Yeon, pero no encuentra en ella el alivio que ella pretende. Además, está la subtrama de la relación de Jang Jin con un compañero de celda, en una relación presuntamente homosexual por la que el compañero estalla de celos cada vez que Jang Jin recibe una visita. En su justa medida, algunos de los comportamientos son demasiado esquemáticos, demasiado previsibles, de forma que no se definen unos personajes con la suficiente personalidad como para sostener la película en determinados momentos.

Están logradas, por su humor inherente, las escenas en las que Yeon empapela la habitación de visita con temas de las diferentes estaciones, como si Kim Ki-duk volviera a su película ‘Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera’. Estas escenas, junto a la SPOILER última canción que es cantada por la familia en una especie de resurrección emocional FIN SPOILER son el último resquicio de alegría en una película puramente melancólica y desesperanzadora.

Pero si bien el guión de ‘Aliento’ es flojo y no consigue su propósito, mucho estoy tardando en hablar del enorme talento visual que desarrolla el director a lo largo de la película, con unas escenas que parecen de cine mudo pero no por ello exentas de fuerza. El director sabe convertir lo banal, lo mundano en bello y atractivo. Hay planos arriesgadísimos, como todos aquellos en los que una especie de gran hermano carcelario (interpretado por el propio Kim Ki-duk) observa las visitas de Yeon a Jang Jin. Y lo mejor de todo es que funcionan. La discreta música de Myung-Jong Kim no acaba con las intenciones de ofrecer un cine cargado de silencios, de libre interpretación y de lirismo ante una historia sencilla.

Con un inicio que prometía mucho más, ‘Aliento’ es una película mediocre, poco digerible, a pesar de contener trazos muy logrados, en los que la primera media hora, inquietante y con un estilo único, se desvanece en algo redundante y escaso de interés. Esperemos que el virtuosismo detrás de las cámaras de Kim Ki-duk den para mucho más en la próxima ocasión, con mayor verosimilitud y mayor consistencia en el guión.

En Blogdecine:

• ‘Aliento’, Kim Ki-duk desciende a la mediocridad
• Aliento es lo que necesita Kim Ki-duk
• ‘Aliento’, que tus acciones hablen por ti

Ki-duk, sin embargo, vuelve a desplegar su habitual dominio visual, con imágenes impactantes, y su enorme capacidad para administrar los silencios. Son marca de la casa que vuelven a quedar patentes en ‘Aliento’. Al igual que con la presentación de nuevos personajes ambiguos, descarnados con el alma torturada y que rozan la locura, pero que, a excepción de la protagonista, se conforman demasiado unidimensionales, con escasa progresión que demuestran la flojedad de su definición en la escritura del guión, haciendo que el mensaje se diluya.

‘Aliento’, de título tan ambiguo como sus personajes, nos cuenta como la noticia de los intentos de suicidio de un preso condenado a muerte impactan a una joven escultora y ama de casa, que soporta una monótona situación en su vida, junto a su hija y la infidelidad evidente de su esposo. Llevada por un impulso se lanza a conocer al preso, con el que va teniendo distintos encuentros en los que intenta quitarle la idea del suicidio y le ofrece un respiro de vida, mostrándole su amor hacia él.

El dolor, la incomunicación, la reclusión y la opresión de la vacía vida cotidiana son algunos de los temas que se van deduciendo en los sorprendentes encuentros de la protagonista con el preso. Pero, conforme avanza la historia, con la, de nuevo recurrente, espléndida sucesión de las cuatro estaciones (que acaban siendo una especie de catarsis para ella, una venganza a la infidelidad sufrida), los personajes no terminan de definir sus objetivos, se estancan en la ambigüedad, resultando planos por momentos y, en ocasiones, demasiado forzados.

El preso, privado del habla, por las heridas autoproducidas en su garganta, sólo puede mostrar sus sentimientos con los gestos y la mirada, lo que ya reduce considerablemente su expresión (esforzadamente interpretado por el actor taiwanes Chang Chen, visto en ‘Tigre y Dragón’, que curiosamente no habla coreano). Y su relación con Yeon, en los sucesivos encuentros, se va convirtiendo en una especie de enamoramiento, como vía de escape a su recluída y opresiva vida en una pequeña celda que comparte con otros tres presos. Pero a la vez, tiene una relación indefinida con uno de sus compañeros de celda, que le profesa un extraño sentimiento homoerótico. Acaba resultado el personaje menos creíble, y cuyas motivaciones quedan poco definidas.

Otros personajes también resultan bastante fallidos, desde el marido infiel, absolutamente idiota y cuyas intervenciones y comportamiento son previsibles al máximo. Al igual que la hija de la pareja, una verdadera figurante, de relleno, que no aporta absolutamente nada. Y, por otro lado, el enigmático director de la prisión (interpretado por el propio realizador), al que intuimos como el voyeur que vigila con las cámaras de seguridad los encuentros.

Y es que Kim Ki-duk, al que se le acusa de dirigir películas exclusivamente para festivales y para la crítica europea que tan bien le trata, filma su película menos lograda (por cierto rodada en apenas dos semanas). Carece de emociones reales y renuncia a la verdadera capacidad de conmover que había logrado con ‘Primavera, verano, otoño, invierno… y primavera’ o con la sensacional ‘Hierro 3’.

En Blogdecine

• Aliento es lo que necesita Kim Ki-duk
• ‘Aliento’, que tus acciones hablen por ti

Kim Ki-duk, famoso especialmente por su preciosa ‘Hierro 3’, no para. Después de ‘Aliento’ (‘Breath’), que como bien sabéis llegó a los cines españoles (a unos pocos, al menos) el pasado viernes, el director coreano estrenará ‘Dream’, título internacional de ‘Bi-mong’.

Así que aquí os traigo los primeros posters de su nueva película, que está en fase de post-producción. Protagonizada por el japonés Joe Odagiri y la coreana Lee Na-young, la historia de ‘Dream’ vuelve a girar en torno al amor y a la comunicación de dos seres que estarán unidos por los sueños. Ojalá llegue pronto a nuestro país, lo cierto es que con este director no nos suelen hacer esperar demasiado.

Vía | Twitchfilm

Las crónicas de Narnia: El príncipe Caspian

‘The Chronicles of Narnia: Prince Caspian’, 2007. Dirección: Andrew Adamson. Intérpretes: Anna Popplewell, William Mosely, Skandar Keynes, Georgie Henley. Género: Aventuras y familiar. Duración: 2 horas 27 minutos. Sinopsis: Un año después, los Reyes y las Reinas de Narnia (los 4 hermanos Pevensie) regresan para descubrir que han pasado más de 1.300 años, calculados en tiempo narniano. Durante su ausencia, la Edad de Oro de Narnia ha terminado, y los Telmarinos han conquistado Narnia, dominado ahora por el malvado Rey Miraz. Los cuatro niños conocerán al joven Príncipe Casian, heredero legítimo al trono, que amenazado por su tío Miraz, trama su asesinato, debe esconderse. Con la ayuda del bondadoso duende, de un valiente ratón parlante llamado Reepicheep, de un tejón llamado Trufflehunter y de un Duende Negro, Nikabrik, los Narnianos, liderados por los poderosos caballeros Peter y Caspian, se embarcan en un viaje para encontrar a Aslan, liberar Narnia del yugo tiránico de Miraz, y restaurar la magia y la paz en el territorio.

¿Qué podemos esperar?: Dicen que es mejor película que la primera, lo cual no es un gran piropo, dado el desengaño que produjo la misma (salvo en pequeñas partes era muy aburrida). Parece que ésta al menos entretiene, lo mínimo que se puede pedir a estas producciones. De todas formas en la crítica de Beatriz os podréis hacer una mejor idea de lo que encontraréis.

Funny Games (2008)

‘Funny Games U.S.’, 2007. Dirección: Michael Haneke. Intérpretes: Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet Género: Drama y terror. Duración: 1 hora 51 minutos. Sinopsis: Anna, George y su hijo Georgie acaban de empezar las vacaciones en su residencia de verano. Mientras Anna prepara la cena, reciben la inesperada visita de dos jóvenes, Paul y Peter. Sus idílicas vacaciones pronto se convertirán en una pesadilla…

¿Qué podemos esperar?: El director Haneke realiza un remake norteamericano de su propia película homónima de 1997. Y la razón es que el público americano pueda ver lo que no se llegó a estrenar en sus cines. No comprendo el motivo por el que Haneke realiza un remake plano a plano de su original, y más cuando ahora hay infinidad de posibilidades para ver una película aunque no llegue a las pantallas. La verdad es que no es Hitchcock y eso tiene sus consecuencias. Mejor pillar el original. Podéis haceros una idea de la misma con las críticas de Alberto y Luisfer.

Aliento (Breath)

‘Soom’, 2007. Dirección: Kim Ki-duk. Intérpretes: Chen Chang, Jung-woo Ha, Kim Ki-duk. Género: Drama. Duración: 1 hora 24 minutos. Sinopsis: Un frío día de invierno, después de enterarse de que su marido tiene a otra mujer, Yeon se dirige sin pensarlo hacia la cárcel donde está encerrado Jin. A pesar de no conocerle personalmente, las noticias de sus intentos de suicidio emitidas por televisión hacen que su subconsciente la empuje hacia él. Jin no tiene visitas y, normalmente, rehusaría ver a un desconocido, pero al enterarse de que se trata de una mujer, acepta por curiosidad. Su primer encuentro no es fácil. Yeon le habla como si fueran amigos, pero Jin no se abre tan fácilmente. Jin se queda sorprendido cuando Yeon vuelve. Pero esta vez, ella ha decorado la sala de visitas con ampliaciones de fotos primaverales y con flores de plástico. Le espera vestida con ropa primaveral y le canta una alegre canción de primavera. Cada vez que le visita, Yeon lleva las estaciones al preso. Entretanto, Yeon le cuenta a su marido que también ve a alguien. Al principio, él no la cree, pero algo despierta sus sospechas. Por su lado, Jin empieza a aceptar a Yeon y a hablarle gracias a la devoción de la mujer, que aguanta estoicamente sus ataques de furia. Un día, el marido de Yeon la sigue hasta la cárcel y es testigo de una escena íntima entre el prisionero y su mujer. Celoso, la obliga a volver a casa e intenta separarlos. El día de la ejecución de Jin se acerca. Yeon y Jin están mucho más unidos de lo que cree el marido, más unidos que la vida y la muerte. Yeon, en su desesperación, consigue escaparse y ayudar a Jin.

¿Qué podemos esperar?: Es Kim Ki-duk y eso lo dice todo. El mejor estreno del día y de obligado visionado para sus fieles (entre los que me encuentro). De una anécdota, el director coreano siempre sorprende, aunque el peso de ‘Hierro 3’ termina lastrando en la comparación todas sus obras. ‘Aliento’, es una obra irregular, pero fascinante

Bienvenido a Farewell-Gutmann

‘Bienvenido a Farewell-Gutmann’, 2008. Dirección: Xavi Puebla. Intérpretes: Ana Fernández, Lluís Soler, Adolfo Fernández, Héctor Colomé. Género: Drama. Duración: 1 hora 46 minutos. Sinopsis: El departamento de RRHH de la farmacéutica Farewell-Gutmann ha perdido a su abnegado director, pero Lázaro, Adela y Fernando no lo echarán a faltar. Todavía caliente el cuerpo del difunto, sus sacrificados subordinados inician la carrera por la sucesión. La eficaz Adela está decidida a luchar por el reconocimiento que durante años el machismo de su jefe le ha estado negando. Lázaro, mano derecha del director, la desdeña profesionalmente, pero intenta acostarse con ella siempre que tiene ocasión. Fernando, perdido en su alcoholismo desde que le abandonó su mujer, no tiene la autoestima necesaria para creerse candidato. La llegada del excéntrico Lúger cambiará para siempre las relaciones entre ellos. El directivo ha venido de la central para elegir al nuevo jefe del departamento y poner orden.

¿Qué podemos esperar?: Película española, sin mucha publicidad que al menos ha tenido la oportunidad de verse estrenada. Tiene a Ana Fernández, y un buen elenco de secundarios, conocidos actores de teatro. Uno no sabe como reaccionar ante ella, pero las últimas películas españolas que sobre el mundo empresarial y sus problemas se han realizado, al menos no han defraudado.

Cómo cocinar tu vida

‘How to cook your life’, 2007. Dirección: Doris Dörrie. Género: Documental. Duración: 1 horas 34 minutos. Sinopsis: Doris Dörrie acompaña al maestro zen Edward Brown en sus conferencias y en sus clases de cocina para comprobar que cocinar, o mejor dicho, saber cómo cocinar, es cuestión de cuidarse uno mismo y cuidar a los demás. El filósofo, profesor y maestro zen nos enseña la sensualidad de hacer pan, la filosofía de los rábanos y la serenidad de las zanahorias para ofrecernos esta delicia culinaria que muestra la sabiduría que encierran sus consejos prácticos.

¿Qué podemos esperar?: Más sentido para un pase por televisión, gustará a los amantes de los comentarios que hacen los gurús. El problema es que para el gran público no todos son Al Gore.

El viaje de nuestra vida

‘Bonneville’, 2006. Dirección: Christopher N. Rowly. Intérpretes: Jessica Lange, Kathy Bates, Joan Allen, Tom Skerritt. Género: Road movie. Duración: 1 hora 33 minutos. Sinopsis: Cuando la vida que conoce Arvilla Holden da un vuelco, ésta recoge a sus dos mejores amigas y juntas parten de Idaho en un viejo Bonneville descapotable del 66. A lo largo de ese viaje por todo el gran Oeste americano, las tres atravesarán paisajes bañados de intenso sol, conocerán la aventura y a un simpático camionero que resulta ser un pretendiente incierto. No lo saben pero están haciendo el viaje de sus vidas.

¿Qué podemos esperar?: Actrices en el ocaso, y salvaje título en español, cuando el original hace referencia al coche en el que realizan el viaje. Suele dar buenas películas el género del road movie, pero viene con dos años de retraso, y eso no dice mucho a su favor si estamos ante una película americana.

Oh, Jerusalén

‘O Jerusalem’, 2006. Dirección: Elie Chouraqui. Intérpretes: Saïd Taghmaoui, JJ Feild, Patrick Bruel, Ian Holm. Género: Histórico y drama. Duración: 1 hora 40 minutos. Sinopsis: “Oh, Jerusalén” recrea la historia de la creación del Estado de Israel en 1948 a través de dos amigos, uno árabe y el otro judío. Contada desde diferentes puntos de vista, en el filme se mezclan valor, violencia, política y un fuerte sentido de la moralidad. Su historia les lleva desde las calles de Nueva York a la Tierra Santa, donde arriesgan sus vidas luchando por lo que creen.

¿Qué podemos esperar?: La película está basada en datos históricos extraídos del best-seller escrito por Larry Collins y Dominique Lapierre. Y eso es lo malo. Condensar en 100 minutos todo lo que cuentan y aburren en sus libros estos escritores, me parece una enorme labor de sintesis. La veo más como un serie para televisión. Al menos, es una realización francesa, con lo que tendrá más rigor que la americana.

Sangre de Cuba

‘Dreaming of Julia’, 2003. Dirección: Juan Gerard. Intérpretes: Harvey Keitel, Iben Hjejle, Diana Bracho, Gael García Bernal. Género:Drama. Duración: 1 hora 49 minutos. Sinopsis: Cuba, 1958. La revolución de Fidel Castro tiene todo a su favor. En el pequeño pueblo de Holguín vive el carismático Che, que además de cuidar de su familia y amigos, ayuda a los rebeldes. El nieto del Che, El Niño, junto a su adorada abuela Beta, va cada noche al teatro del barrio a ver interminables películas de Hollywood y se envuelven en su magia. Cierta noche ven una película en que una azafata llamada Julia, trata de aterrizar un avión lleno de pasajeros. Repentinamente la luz se va pues los rebeldes han volado la planta de luz del pueblo. Pasará un año antes de que la luz regrese a Holguín. Atrapado entre la lealtad hacia su familia, los tormentos causados por un primer amor y su amistad con Julia, la misteriosa rubia norteamericana, El Niño se enfrentará a un nuevo mundo de anhelos y pérdida de la inocencia, traición, desilusión y redención.

¿Qué podemos esperar?: ¿Algo del 2003 estrenado en el 2008? Está Harvey Keitel, e imagino que habrá apostado por este proyecto. Me provoca dudas, cierto, pero a lo mejor es de esas películas dormidas que merecen un repaso. Aunque la fecha de realización y su estreno, tiran para atrás.

Satanás (Perfil de un asesino)

‘Satanás (Perfil de un asesino)’, 2007. Dirección: Andrés Baiz. Intérpretes: Damián Alcázar, Blas Jaramillo, Marcela Mar, Teresa Gutiérrez. Género: Thriller. Duración: 1 hora 35 minutos. Sinopsis: Una mujer hermosa que roba a altos ejecutivos para lograr una vida mejor. Un sacerdote, enamorado apasionadamente de su ama de llaves y atormentado por cargar con el peso del secreto de una mujer de su comunidad. Un profesor, veterano de guerra, resentido con la vida y las circunstancias, que, de la mano de una de sus estudiantes, anhela salir del tedio de su vida. Pero ¿podrán sostener la presión de ser tentados por una prueba de sus más profundos deseos? Sus acciones tendrán consecuencias devastadoras.

¿Qué podemos esperar?: Lo cuenta mejor Beatriz en su crítica.

Visitante de invierno

‘Visitante de invierno’, 2007. Dirección: Sergio Esquenazi. Intérpretes: Santiago Pedrero, Sandra Ballesteros, Ana Cuerdo, Diego Alonso Gómez. Género: Terror. Duración: 1 hora 35 minutos. Sinopsis: Es la historia de Ariel Lambert, un joven de 20 años a quien, tras un trastorno psicológico, se le recomienda hacer reposo en un lugar tranquilo y apacible. En pleno invierno se muda con su madre y hermana a Villa Mar, un pequeño pueblo veraniego que en esa época del año se encuentra prácticamente desierto. Allí, poco a poco, Ariel descubrirá que en una casa cercana a la suya (supuestamente desierta) entran niños que no vuelven a salir jamás. Pero, ¿es real? ¿O sólo parte de la locura de Ariel? Habrá una sola forma de averiguarlo: Ariel deberá entrar en esa casa.

¿Qué podemos esperar?: Pues eso, de terror, y argentino. ¿Cuánto de psicoanálisis habrá?