Confieso mi absoluta ignorancia e insensibilidad en esto del cine en particular, y en cuestiones más o menos artísticas en general. Y la confieso porque hay directores de un talento impresionante (eso dicen muchos, que es impresionante) pero que no comprendo, o que me resulta tan repugnante que me siento incompetente cuando lo alaban, o me resulta pretencioso hasta niveles inimaginables, pero que seguro que es una genialidad abrumadora que mi pobre intelecto y mi aún más pobre sensibilidad no pueden llegar a apreciar, mientras que muchos sí pueden y son capaces de conmoverse con el trabajo de directores como, por ejemplo, Darren Aronofsky.

Digo todo esto para que los lectores que enseguida se me rasgan las vestiduras, y que están dispuestos a proclamar mi incompetencia manifiesta con el colmillo bien afilado, se contengan un poco, y sean capaces de leer el artículo hasta el final (sin correr apresuradamente a dejar su indignación por escrito en un comentario), pues lo escribo también (y sobre todo) para aquellos que no están de acuerdo conmigo. Pues trabajar para que le halaguen a uno es algo tremendamente aburrido, y de eso ya saben demasiados redactores de internet, y demasiados directores de cine, encantados consigo mismos. Curiosamente…como Darren Aronofsky.

No existe, aunque pueda parecerlo, el menor rastro de cinismo en mis palabras. Yo sólo intento escribir sobre lo que hay alrededor de este cineasta, sobre lo que siento yo al ver su trabajo, y sobre lo que, al parecer, sienten muchos al verlo. Y con total sinceridad digo: no tengo ni pajolera idea de lo que escribo (aunque me gusta escribir sobre cine, eso también es cierto), porque muchos aficionados promulgan a los cuatro vientos la genialidad absoluta de este director. He de decir, también, que la mayoría (no todos, ojo) que le defienden como si fuera su hijo o su hermano, o como si cualquiera de sus peliculitas le hubiera cambiado la vida, son de ese tipo de cinéfilos que les nombras a John Ford o a Jacques Tourneur, y no tienen la menor idea de lo que les estás hablando. ¿Tiene importancia? Probablemente, no.

Otro rasgo de muchos (repito, no todos) de los aronofskyanos irredentos, es una admiración compulsiva por subproductos de la imaginación como ‘The Matrix’ o ‘Watchmen’. Cosa curiosa. También son del tipo de aficionados (no los llamaría cinéfilos, aunque algunos hay) que veneran cualquier cosita filmada por Stanley Kubrick o por Ridley Scott (excelentes directores que, bajo mi pueblerino, infame punto de vista, echaron a perder su talento por eso de estar encantados consigo mismos). ¿De qué estamos hablando? Estamos hablando de un patrón establecido, de una estela de opinión, de un filtro preexistente. ¿Que si tiene importancia? Quizá no.

Yo no estoy tratando de dilucidar quién tiene razón o quién no. Eso es lo de menos. Sólo digo lo que hay. Y lo que hay es que, en general (ya lo sé, soy un pésimo redactor hablando de generalidades…), hablas con aficionados que siguen este patrón, y te comentan cuestiones de fotografía, de escenarios alucinantes, de cámaras lentas hipnóticas. Estoy seguro de que las enseñanzas y las palabras de gente como Aristóteles o el mismo Cyrano (el real y el de ficción inventado por Rostand) son nimiedades, cuando hablan de la falsedad de los escenógrafos de lujo en contra de la poesía de los verdaderos artistas, en comparación con las sabias y contrastadas y cualificadas palabras del freak (el sabio de nuestro tiempo) con camiseta naranja de ‘A clockwork orange’, cuando me asegura, con una severidad que a mí me achacan cuando escribo, que Aronofsky es el supremo heredero de las imágenes boluminiscentes de Kubrick, y que su sentido visual es sublime. Eso es lo importante, digo yo…

Una carrera magistral

Como a mi ‘Pi’ me gustó bastante, o por lo menos me pareció una película razonablemente interesante, quizá no tengo derecho a hablar sobre ella. Conozco a muchos aronofskyanos que no han visto ‘Pi’, o que les parece poco destacable, en comparación, sobre todo, con ‘Réquiem por un sueño’. Revisándola (por cuarta, y última vez, espero) he de admitir, sin ambages, la genialidad de este cineasta. No tengo más remedio. Genialidad porque, habiendo construido un ambiente de sordidez tan notable (responsabilidad del operador Matthew Libatique y del diseñador de producción James Chinlund), con una profundidad emocional y tenebrosa tan enorme, Aronofsky, con su genio, sea capaz de convertir el relato en una historia moralista, en un sucio cuento de hadas, en el que quizá es el relato más moralista en torno a las drogas jamás filmado.

Genialidad también, cómo no, por dirigir de manera tan epidérmica a la bellísima y excelente actriz Jennifer Connelly. Actriz que ya había ofrecido desnudos, muy elegantes por cierto, en varias películas, y a la que él por fin desnuda en una fealdad indecible, y a la que somete al martirio de un espectáculo de sexo homosexual vomitivo, y que por fin termina vomitando a la cámara (literalmente…). Sin duda, debemos agradecer a Aronofsky el haber puesto tanto empeño en ello. Pero hay una buena colección de imágenes vomitivas en esta película, que certifican la genialidad y la extrema sensiblidad de este artista, pues más que profundizar en el estado anímico de sus personajes (¡zarandajas!) procura macharlos bien, sin escatimarnos la destrucción física de sus protagonistas, con todo lujo de detalles, para que lleguemos asqueados (pero contentos por su genialidad visual) a casa.

Autoconvencido (él y sus admiradores) de su genialidad, se dispuso a contar la búsqueda de la fuente de la vida, y pudo levantar un mega-proyecto en el que consiguió involucrar nada menos que a Brad Pitt y a Cate Blanchett. Si había sido capaz de contar la destrucción de la juventud a causa de las drogas, bien podía encargarse de esto, pero todo se fue al traste cuando ambas estrellas se desvincularon del proyecto (sin dar razones oficiales…ejem), y Aronofsky tuvo que cambiar todo el proyecto.

No importa, este artista siguió luchando por su idea, y del mega-proyecto pasó a uno más manejable (aunque eso sí, armado sobre tres momentos históricos paralelos: el año 1500, el año 2000 y el año 2500), para el que, menos mal, contó con Hugh Jackman y con su propia mujer, la estupenda Rachel Weisz, en sustitución de los antes nombrados. El resultado es uno de esos ejemplos máximos de “quiero y no puedo”, y por parte de los seguidores aronofskyanos del “defender lo indefendible”. Pobre Aronofsky (nadie puede negarle su sacrificio creativo), nadie comprendía su concepción del relato cruciforme, ni la necesidad de tanta parafernalia…

Sin embargo, hay cine en ‘The fountain’, que es cuando vuela a ras de suelo, y Jackman y Weisz, en el momento presente, se enfrentan a la muerte por cáncer. Sin embargo, Aronofsky está más allá de zarandajas terrenales, y tiene que maravillar a sus seguidores con globos dorados y planos cenitales. Para eso es Aronofsky.

Porque él también puede demostrar que se la da bien el drama social y urbano, y ahí está ‘The Wrestler’ para demostrarlo. No todo es jugar a ser Dios, un genio como él puede comprender a los desamparados, a los solitarios, a los patéticos perdedores del mundo. Eso sí, sin escatimar una buena dosis de carne destrozada, en preciosos planos detalles, con la sangre muy bien hecha. Para eso es un autor, para demostrar lo duro que es y las cosas terribles que puede enseñarnos. Él es un poeta de la calle, y los planos cenitales o aberrados puede sutituirlos por una cámara documental y nerviosa, para que los últimos exégetas recalcitrantes se enteren de una vez de su versatilidad, su coraje y su genio ilimitado.

‘The Wrestler’

Todavía no entiendo cómo mis compañeros de Blogdecine pueden haberla defendido así. Tanto Alberto, como Jesús, como Beatriz, vieron en ella grandes valores cinematográficos. Juan Luis, sin embargo, era algo más moderado en sus apreciaciones. Yo, personalmente, no veo en ella más que artificio, feísmo gratuito, exageración, mediocridad. Más o menos ‘Requiem por un sueño, segunda parte’, por mucho que Aronofsky vaya ahora de humilde y de realista. En mi opinión, una colosal tomadura de pelo disfrazada de cine profundo y sincero.

La frase:

“El único lugar donde me hacen daño es ahí fuera” – Randy ‘The Ram’ Robinson

‘Una mente maravillosa’

El cine norteamericano ha perpetrado varias jugadas como esta. Historias de superación personal, en plan grandes dramas íntimos, que elevan a categoría de espectáculo enfermedades terribles, como por ejemplo la esquizofrenia. Ron Howard, que se llevó el Oscar por esta patraña, fue abucheado, con toda justicia, en el Festival de Berlín, cuando la presentó a los medios. Russell Crowe, antaño gran actor, echa mano de todos los tics imaginables. Ni siquiera la inigualable Connelly salva el engendro.

La frase:

“Tiene que haber una explicación matemática para una corbata tan fea” – Nash

‘Watchmen’

Sobre un cómic interesante, aunque muy sobrevalorado, Zack Snyder plantea la peor película de superhéroes jamás filmada. Una grotesca parábola fascistoide sin el menor sentido de la aventura, sin acción, sin humor, sin personajes, sin secuencias. Sin nada de nada. La publicitaron en plan ‘El caballero oscuro’, y no fue ningún éxito popular. Ya dejé en mi crítica mis valoraciones sobre esta memez de espectáculo, uno de los mayores desastres de esta década.

La frase:

“Podemos hacer tanto. Podemos salvar este mundo…con el liderazgo apropiado” – Adrian Veidt

‘El patriota’

Mel Gibson es un buen actor, creo, pero no tiene sentido del ridículo. Verle pelear en la batalla final con una bandera norteamericana en las manos, es una de las imágenes más bochornosas que se recuerdan. Pero bochornosa es una película dirigida por un alemán, con ideas patrióticas de un infantilismo que asusta. Encima va de gran clásico y de cine histórico. Ni siquiera Ledger salva este horror. No entiendo cómo John Williams le puso música. Hace a ‘Watchmen’ una obra maestra…

La frase:

“He temido durante mucho tiempo que mis pecados me pasaran factura, y el precio es más de lo que puedo soportar” – Benjamin Martin

‘Matrix II’ y ‘Matrix III’

Ni siquiera muchos fans de la primera película defienden estas dos mayúsculas naderías, que van de profundas e importantes, aunque algunos todavía se ponen de uñas cuando se las cuestiona. Ya dejé mis impresiones sobre ellas.

La frase:

“Trinity, sé que puedes oírme. Nunca te abandonaré. No puedo. Te amo demasiado” – Neo

‘Terminator Salvation’

Lograron lo imposible, hacer una película aún más absurda y más estúpida que la tercera parte. Lo único positivo es que han anunciado que (de momento, siempre de momento) no van a destrozar más una saga que empezó con dos obras maestras y que ha decaído hasta límites insospechados. Nada de acción, nada de emoción, una película que podría haber filmado mejor un mono con parkinson. Lamentable. Aquí mi crítica, si les apetece leerla.

La frase:

“¿Sabes cuál es la diferencia entre nosotros y las máquinas? Nosotros enterramos nuestros muertos. Pero nadie te va a enterrar a tí” – Kyle Reese

‘La fuente de la vida’

Aronofsky se levanta cada mañana, se mira en el espejo, y ve a un artista incomparable. Se ama tanto que nos regala una paja mental que muchos defienden, pero que no hay por donde cogerla. Cuando la historia se centra en la muerte de ella y él hace lo imposible por salvarla, parece que hay algo decente, pero Aronofsky lo destroza todo con absurdos saltos temporales, y una imagen similar en ridiculez a la de Gibson con la bandera: el guerrero del año 1500 enfrentado al monje del año 2500. Hugh Jackman se deja la piel para nada. Cuentan que los abucheos en Venecia fueron escandolosos.

La frase:

“La muerte es una enfermedad. Como otra cualquiera. Y tendrá cura. Y yo la encontraré” – Tom Creo

‘Ágora’

Yo hace mucho que a Amenábar le veo el plumero, aunque otros le veneran. Es un gran realizador, de eso no hay duda. Pero con esta película, cuyos más de cincuenta millones de presupuesto no se ven por ninguna parte, consigue aburrir o, lo que es peor, dejar indiferente. Como su nombre tiene mucho tirón, ha tenido éxito. Weisz completamente perdida, como si estuviera en otra película, o de vacaciones. Una equivocación sobre la que ya hablé en Blogdecine.

La frase:

“Los cielos tienen que ser simples…pero no lo son” – Hypatia

‘La pasíon de Cristo’

No entiendo dónde está el interés de ver cómo machacan a un tipo, con todo lujo de detalles, y luego le crucifican, durante una hora y media. Muchos católicos dicen que es la película definitiva sobre Cristo. Yo, que soy un gran seguidor de este hombre extraordinario pero que abomino de las sectas (y la católica es la más asesina) allá por donde voy, creo que esta película es una estupidez como un piano. Un insulto. Una profanación. Gibson, gran católico, no tiene interés en Cristo. Tiene interés en la pasta y en el show bussines. Lamentable.

La frase:

“¿Qué es la Verdad?” – Poncio Pilato

‘Pearl Harbor’

En alguna parte he escrito que esta es la mayor idiotez jamás filmada. Sigo pensando igual. La cuarta realización de Michael Bay podría optar al trono de Peor Película de la Historia, por el dinero invertido, por las pretensiones enormes que tiene, y por la incapacidad absoluta de todos sus elementos. Aprovechando el tirón de ‘Titanic’, los responsables de esta deleznable cosa intentan montar algo parecido con la batalla que inició su andadura en la II Guerra Mundial de fondo. No sé quién me dijo que el sonido es impresionante. Pero hasta eso me parece mediocre.

La frase:

“Me alisté en el ejército para cumplir mi deber patriótico y… ¡para conocer chicos!” – enfermera Martha

‘Alatriste’

Ya hablé hace poco de ella. Nada que añadir.

La frase:

“Mucho acero es para derrocharlo tan de mañana, don Francisco” – Alatriste

‘Cuando éramos soldados’

Decía Gibson que estaba harto de esa visión cínica de la guerra de Vietnam, con los americanos en plan fiesteros y el vietcong metiéndoles caña, y que quería hacer una película que hablarar sobre el heroísmo americano en aquella guerra demencial. El caso es que aquí está. Sería chistoso si no fuera ridículo. Cine no ya ultraconservador en ideas y fondo, sino directamente reaccionario y belicista. La película cuenta una de las pocas batallas en las que los marines hicieron algo decente. No se puede tener mayor desverguenza.

La frase:

“Padre nuestro que estás en los cielos, antes de la batalla, todos nosotros nos acercaremos a tí a nuestra propia manera. Nuestros enemigos también, de acuerdo a sus propias creencias, rezarán por su protección y su victoria. Y así, nos inclinamos ante tu infinita sabiduría. Ofrecemos nuestras oraciones lo mejor que podemos. Rezo porque protejas al joven Jack Geoghegan. Úsame como tu instrumento en este infierno terrible de la guerra para velar por ellos. Especialmente por los hombres como este que está a mi lado, que merecen un futuro bendencido y enriquecido por tí. Amen.” – Teniente Coronel Hal Moore

‘Jose Luis Garci’s Movie’

Esta imagen podría pertenecer a cualquiera de las películas, salvo una que se hizo en B&N, que este director ha dirigido en la pasada década. Todas cuentan con los mismos actores, más o menos, tienen los mismos planos (calcados, deberíamos hacer un estudio sobre eso), misma decoración… Todas ellas un despropósito narrativo que sólo intelectuales como César Vidal saben apreciar…

Una frase entre muchas:

“Las maniobras del amor son más arriesgadas que el fuego cruzado”

‘Salvador’

Una película española que, entre ciertos sectores progres que se tragan todo panfleto izquierdista (o algo así) que se mueva, pues goza de ciertos parabienes. Pero lo cierto es que este tipo de insulto ideológico sólo podía hacerse en esta triste España. Para colmo, está muy mal realizada, con un estilo televisivo espantoso, y muy mal escrita, con diálogos incomprensibles. Y lo de la escena del ajusticiamento es pornografía.

La frase: “El problema es que el dinero está en los bancos” – Salvador Puig Antich

‘Beowulf’

Ochopocientos millones de dólares, o lo que cueste hacer la cosa esta, y no son capaces de dotar de expresividad, la mínima, al rostro de los personajes generados por ordenador. Zemeckis nos cuenta la legendaria historia del Beowulf como el que te pide la sal, es decir, con poquísima fuerza y dinamismo, y sobre todo con nula convicción. Esto no es ni aventuras ni nada, es un experimento carísimo que no lleva a ningún lado.

La frase:

“Si morimos será por la gloria, no por el oro” – Beowulf

Estas son solo algunas de las películas por las que creo que el cine de la pasada década se equivocó al transitar. Es mi punto de vista, personal e intransferible, y sé que a muchos algunas de ellas les parecen geniales, así que ahórrenme el colmillo envenenado.

Hugh Jackman es uno de los actores del momento. Dicen que es el hombre vivo más sexy del planeta; eso no lo sé, ni me interesa, pero sí que su popularidad ha subido de forma imparable y que ahora mismo es una de las estrellas más famosas, respetadas y queridas de Hollywood. Imagino que sabréis que anoche se pasó por el plató de ‘El hormiguero’. Tuve la suerte de verlo (si “mon amour” no revisara a diario el teletexto, ni me entero, odio la televisión) y de comprobar, otra vez, qué gran showman es Jackman. Como ya demostró en la pasada gala de los Oscars, el actor es cualquier cosa menos un “divo”, es extremadamente carismático y divertido, y es imposible no rendirse a sus pies.

El motivo de que Hugh Jackman acapare portadas y titulares estos días, así como de que estuviera ayer en el mencionado programa de televisión, es el estreno de la famosa ‘X-Men orígenes: Lobezno’, el próximo 30 de mayo abril, en España. En cierta manera, se completa un círculo en la carrera de este actor, nacido en Sidney (Australia) hace 40 años. A pesar de que ya llevaba tiempo dedicado a la interpretación, no fue hasta que encarnó a Lobezno en la primera ‘X-Men’ que su nombre empezó a aparecer en los medios y se le comenzó a catalogar de estrella. Aún era pronto, pero qué duda cabe que se le intuía un prometedor futuro. Por cuarta vez, Jackman se deja las garras largas y, tras una dura preparación física y estudiar a De Niro en ‘El cabo del miedo’, presenta su nuevo trabajo desde lo alto de una cima. Ésa a la que sólo pueden subir los actores con más talento y fortuna. Como pasó en el Kodak Theatre, todos le ríen, todos le adoran, todos le aplauden.

Hugh Michael Jackman, que es como al parecer se llama realmente, está en lo más alto de su popularidad, pero lo cierto es que su carrera como actor apenas acaba de comenzar, le queda mucho por delante (al menos, eso espero). El personaje de Wolverine, aparte de proporcionarle fama cuando más lo necesitaba, le ha permitido explotar su rostro versión más física y carnal, su etiqueta de sex symbol, y también de estrella comercial, taquillera, pero esto es sólo una parte del talento del australiano, un intérprete que, como debe ser, no deja que nadie entre en su vida privada (si todos los famosos hicieran lo mismo… ay).

Al igual que la gran mayoría de los seres vivos del planeta, descubrí a Jackman gracias a la espectacular ‘X-Men’ (2000) de Bryan Singer. No lo tenía fácil para encarnar a un personaje tan conocido como Lobezno, pero su dedicado esfuerzo y la facilidad para entender la esencia del papel dieron sus frutos; por méritos propios acabó siendo el rostro más reconocible y querido de los tres títulos de la rentable saga. En 2001 volvió a saborear el éxito (aunque bastante menor) en la entretenida ‘Swordfish’, donde repetiría con Halle Berry y quedaría patente su valía como futura estrella.

Pero Hugh Jackman es un tipo alegre y vitalista, y nunca faltan galanes en Hollywood, así que no tardó nada en embarcarse en productos menos violentos, más ligeros y románticos. Aquí cabe destacar ‘Kate y Leopold’, donde enamoraba a Meg Ryan en una de sus películas menos recordadas, aun cuando le supuso recibir una nominación a los prestigiosos Globo de Oro, la única que tiene hasta el momento (ninguna a los Oscars). En 2004 protagonizó lo que se suponía que iba a ser un rompedor producto fantástico, pero ‘Van Helsing’ no cosechó la recaudación esperada y las críticas la pusieron de mala para abajo. No es de extrañar que Jackman se tomara luego un año de descanso en lo que a cine se refiere y se centrara en el teatro (así se llevó un premio Tony).

Tras el fiasco de ‘Van Helsing’, y con la saga mutante como colchón mediático, Jackman toma tres de las mejores decisiones de su carrera, que en definitiva se resumen en ponerse a las órdenes de tres excelentes directores. Y es que en 2006, el australiano trabajó para Woody Allen, Christopher Nolan y Darren Aronofsky, ahí es nada. Su breve pero estupendo papel en la divertida ‘Scoop’ era el primer paso para lograr su madurez interpretativa, cosa que, a mi parecer, logra ya en la fantástica ‘El truco final (El prestigio)’, donde mantiene un memorable duelo con Christian Bale. Al igual que cuando se hizo con el papel de Lobezno, la suerte tuvo mucho que ver para que acabara participando en el rodaje de ‘La fuente de la vida’, que estuvo a punto de estar protagonizada por Brad Pitt. Finalmente, fue el australiano quien se quedó con el papel principal en esta (en mi opinión) preciosa historia sobre el amor, la vida y la muerte. A día de hoy, creo que es lo mejor que ha hecho Jackman como actor.

Han pasado ya tres años y realmente, o al menos es lo que a mí me parece, Hugh Jackman no ha logrado nada del mismo nivel. Su fama ha ido en aumento y no para de trabajar, pero la calidad de las películas (y de sus papeles) está por debajo de sus posibilidades, de lo que ha demostrado. Así, a falta de ver la última de Lobezno, nos encontramos con dos títulos de cuyo visionado estoy seguro que se ha arrepentido más de uno, ‘Australia’ y ‘La lista’. El primero debía ser un bombazo de taquilla y un acaparador de Oscars, pero finalmente sólo hizo algo de taquilla y mucho daño en la carrera de Nicole Kidman, la principal damnificada del “fracaso”. El segundo es uno de esos productos sin ningún sentido, que extrañamente siguen fabricándose, y vendiéndose únicamente por la entidad del reparto protagonista; un thriller muy torpe del que tengo pendiente hablar en los próximos días.

Dicho esto, todo esto, sólo me queda pedir a Jackman que cuide un poco más la selección de sus proyectos, que no se olvide nunca de que es un estupendo actor y, sobre todo, que nunca pierda ese contagioso sentido del humor.

PD: ¿Sabéis lo único que odio de Hugh Jackman? Que me hace sentir un completo vago por no ir al gimnasio. Sip.

Hace unos días os puse mi lista de las peores películas de 2007. Es momento ahora de hablar de lo mejor del año pasado. Que fue poco, pero intenso. Como dije entonces, ha sido más fácil preparar la lista de este post, puesto que el número de bodrios fue mucho más alto que el de films sobresalientes. Algo normal, por otra parte, hay que ganar dinero y para eso tienes que animar a mucha gente a ir al cine; ofrecerles lo que demandan. Sin embargo, establecer una lista de lo mejor del año no es sencillo. Uno pone más de su parte al hablar de lo que le entusiasma.

Tenía claras tres, aquellas cuyos posters adornan este post, pero entre las nueve restantes… la cosa estaba más complicada. Finalmente, descarté una sobre dos perversos jugadores y otra sobre un diminuto cocinero. Podrían haber estado, perfectamente, pero me di cuenta que no podía retirar ninguna de las otras para poner una de éstas. Por tanto, me quedo con los coreanos amenazados, el conquistador enamorado, los magos obsesionados, los esperanzados votantes, los soldados japoneses, los espectaculares espartanos, los investigadores infatigables, los hermanos desesperados, los amantes en peligro y, también, por último, con el gángster americano.

Sin más preámbulos, aquí tenéis las que considero las diez mejores películas estrenadas en España durante 2007:

• ‘The Host’

Dirigida por Bong Joon-Ho. Calificación: Increíble. Porqué: Por el gran resultado que obtiene el director coreano cruzando y mezclando géneros en su película. Terror, drama, comedia e incluso crítica social para una historia sobre una familia separada por la llegada de una amenaza en forma de bestia mutante (y, luego, de ejército norteamericano). Lo mejor: El ataque del monstruo a plena luz del día. Apropiado regalo para: toda persona que no tenga absurdos prejuicios cuando ve a un “chino“ o a un monstruo digital en pantalla.

• ‘La Fuente de la Vida’

Dirigida por Darren Aronofsky. Calificación: Fascinante. Porqué: En aquella rueda de prensa que dio Aronofsky en Sitges, comentó que cuando quiso levantar su proyecto le contestaron que no podía rodar eso, “un poema sobre la muerte”. Aunque no es todo lo que él quiso que viéramos, el resultado es de una belleza y una profundidad aplastantes. Y apostaría que salimos ganando con el cambio en el apartado de protagonista masculino. Lo mejor: El Dr. Creo por fin comprende y acepta cómo debe terminar la historia de su esposa. Apropiado regalo para: románticos y para los que no asustan con una película diferente.

• ‘El Truco Final (El Prestigio)’

Dirigida por Christopher Nolan. Calificación: Fascinante. Porqué: Porque Nolan es uno de los pocos elegidos que hoy día saben cómo manejar al espectador totalmente a su antojo. Por el reparto, de auténtico lujo. Y porque destroza a la patética ‘El Ilusionista’ en ese duelo de cine de magos que tuvimos hace meses. Lo mejor: Ese “abracadabra” que nos desvela el final de todo el misterioso espectáculo. Apropiado regalo para: personas que disfruten siendos soprendidas.

• ‘Bobby’

Dirigida por Emilio Estevez. Calificación: Obra Maestra. Porqué: Porque consigue que te emociones con todas y cada una de las numerosas historias que forman la película. Increíble de principio a fin lo que ha logrado el señor Estevez; mención especial también a los actores, todos magníficos. Lo mejor: El discurso final de Kennedy, en off. Apropiado regalo para: cualquier ser humano.

• ‘Cartas Desde Iwo Jima’

Dirigida por Clint Eastwood. Calificación: Obra Maestra. Porqué: Porque, sencillamente, es la mejor película que se ha rodado en muchos años. Y sí, ya sé lo que estáis pensando y quizá tengáis razón, mi gusto por lo asiático ha podido influir mucho en mi valoración del film. ¿Y? ¿No tiene cada persona sus propios condicionamientos a la hora de valorar una película? ¿Objetividad? ¿Eso qué memez es? Obra maestra impresionante de Eastwood. Punto. Lo mejor: Ken Watanabe pidiendo que le corten la cabeza. Apropiado regalo para: cualquiera que tenga un mínimo de aprecio por el cine (y por la vida).

• ‘300’

Dirigida por Zack Snyder. Calificación: Increíble. Porqué: Si has visto una imagen de la película o uno de sus trailers, ya sabes porqué. Visualmente impresionante. Posiblemente, la mejor adaptación cinematográfica (o al menos, seguro, la más espectacular) de un cómic realizada hasta el momento. Gerard Butler se sale. Lo mejor: Leónidas lanza su último ataque contra Jerjes. Apropiado regalo para: personas sin prejuicios, aficionados al cómic, a los videojuegos y al cine de entretenimiento al que le importa un caraj* la dichosa realidad (histórica o actual).

• ‘Zodiac’

Dirigida por David Fincher. Calificación: Fascinante. Porqué: Porque Fincher es uno de los grandes del cine actual y lo vuelve a demostrar con una película que no tiene nada que ver con nada de lo que nos había mostrado hasta ahora. Impresionante todo el reparto y cómo se nos traslada en el espacio/tiempo. Lo mejor: Toda la secuencia inicial que termina en el primer asesinato. Apropiado regalo para: toda persona que no se aburra viendo una película que dure más de dos horas sin que haya superhéroes, monstruos o rambos.

• ‘Cassandra´s Dream’

Dirigida por Woody Allen. Calificación: Obra Maestra. Porqué: Porque ofrece una perturbadora visión de hasta dónde podemos llegar, nosotros, seres racionales, cuando la situación se vuelve totalmente desesperada. Brillantes interpretaciones, dirección impecable, banda sonora de obligada compra y una trama que no deja de retorcernos el corazón hasta el último plano. Lo mejor: Toda la secuencia final en el velero. Apropiado regalo para: cualquier persona que no se deje influir por quién firma la película.

• ‘Deseo, Peligro’

Dirigida por Ang Lee. Calificación: Increíble. Porqué: Creo que todo se resume en ese primer (e impactante) encuentro sexual entre los protagonistas, donde Lee parece darle la mano al poético Wong Kar-Wai para luego darle un violento puñetazo entre ceja y ceja. Preciosa y fortísima película, con numerosos homenajes (¡grande Hitchcock!), para dejarse llevar en todos los sentidos. Lo mejor: El tenso y emocionante desenlace de todo el plan para asesinar al personaje de Tony Leung. Apropiado regalo para: mayores de edad (legal y mental) que puedan mantener la atención en la pantalla durante más de dos horas.

• ‘American Gangster’

Dirigida por Ridley Scott. Calificación: Fascinante. Porqué: Porque Scott consigue que nos metamos en la piel de dos personajes totalmente opuestos y cuyo destino, aunque no lo queramos, es que uno caiga para que otro triunfe. Brillante la forma y el contenido, especialmente teniendo en cuenta que llegamos a “querer” a un completo y despiadado criminal. Lo mejor: Frank Lucas sale de la iglesia y se encuentra a Richie Roberts. Apropiado regalo para: todo aficionado al cine de mafias y para el que quiere cine de acción sin necesidad de constante y “espectacular” acción.

La fuente de la vida (The Fountain)

Por fin sale a la venta en DVD esta sorprendente (en muchos aspectos) película de Darren Aronofsky que cautivó y horrorizó a partes iguales.

Una preciosa y fantástica reflexión sobre el amor, la vida y la muerte, que se presta a ser revisada en más de una ocasión.

Críticas del film en Blogdecine:
‘La Fuente de la Vida’, una genialidad enjaulada
‘La Fuente de la Vida’, la forma es lo que cuenta

Un puente hacia Terabithia

Película fantástica de los productores de Las Crónicas de Narnia: El León, La Bruja y el Armario, basada en una famosa novela de Katherine Paterson.

Según mi compañera Beatriz, resulta entretenida, aunque con un “pero” a tener en cuenta…

Sunshine

El nombre de Danny Boyle aporta un interés extra por esta historia de ciencia ficción en la que se nos muestra un futuro con serios problemas a causa de la extinción del sol.

A mi compañero Alberto le decepcionó, pero a Beatriz le gustó, a pesar de sus defectos.

Santa Claus 3

¿Algún enemigo no confeso y casualmente padre de familia? Este puede ser el regalo ideal para las próximas Navidades.

The Darwin Awards (muertes de risa)

Basado en unos premios reales (y muy macabros) que se conceden a las formas más ridículas de morir, este es un film que tuve que perderme forzosamente durante su estreno (no estreno, en el caso de Zaragoza) y que según nos cuenta Beatriz vale la pena por divertido y original.

¡Por fin podré comprobarlo!

Premonition (7 Días)

Pocas ganas tenía de ver esta película en la que Sandra Bullock da vida a una mujer que vive la muerte accidental de su marido antes de que ocurra, pero después de leer la crítica que le hizo Beatriz ya no me quedó ninguna.

El Cantante de Jazz

Un regalo para los amantes del cine clásico, presentado en una edición especial de 2 discos, que incluye entre sus extras un reportaje de como las películas se adaptaron al sistema sonoro.

Kebab Connection

Una historia de un aspirante a director de cine turco que sueña con realizar la primera película alemana de Kung Fu, mientras se enfrenta a una inesperada paternidad.

Una vez más Beatriz nos saca de dudas con su post: ‘Kebab Connection’, el oriente aún más próximo.

Más estrenos en Zona DVD

Era ‘La Fuente de la Vida’ una prueba de fuego para mí, la película que en mi caso inclinaría la balanza a favor o en contra de Darren Aronofsky, señor que me hizo vivir un verdadero suplicio con su espantosa ‘Pi’, pero que luego logró que colocara ‘Réquiem por un Sueño’ en mi estantería de dvds. Así pues, me dispuse con sumo interés a visionar su nueva película, un proyecto que le llevó bastante tiempo sacar adelante, y que en su momento estuvieron a punto de protagonizar Brad Pitt y Cate Blanchett, que curiosamente luego fueron pareja con problemas en ‘Babel’. De lo que no hay duda es de que el señor Aronofsky los tiene muy bien puestos, y le importa bien poco el resto de la humanidad, por así decirlo. Con su película, totalmente a contracorriente y arriesgadísima, demuestra algo que yo llevo defendiendo años: lo que importa en el cine no es lo que cuentas, sino CÓMO lo cuentas. Y ojo, no estoy diciendo con esto, que lo que se cuenta no sea importante, que nadie me malinterprete.

Pero decir “te quiero” es una cosa. La forma de hacerlo es lo que lo hace maravilloso, o rídículo, o cursi, o único, o mil cosas más. Aronofsky cuenta una historia de amor totalmente clásica y típica, pero la forma de hacérnosla llegar, de hacérnosla sentir, es muy diferente a lo que hemos visto hasta ahora. En manos de cualquier otro director más convencional, estaríamos ante un drama lacrimógeno más. Aronofsky nos sobrecoge con su película, más allá de lo que la narración convecional pudiera haber hecho con el material que se tiene entre manos. Aún así, no estamos ante un film perfecto, que quede claro, y tal vez, la causa haya sido que el director no ha tenido toda la libertad que quería.

La historia nos lleva a tres épocas distintas con tres personajes distintos, pero obsesionados por la búsqueda de la inmortalidad: un conquistador español, un médico del presente, y un viajero del futuro. La historia central es la del presente, y la que a mí más me llena. Perfectamente diseccionada e interpretada, alcanza momentos muy bellos, y es donde vemos todo el drama que los personajes principales viven, al mismo tiempo que sus obsesiones, temores y sentimientos. Las otras dos sirven como complemento a lo que el director nos quiere narrar, y a pesar de que casi todo casa perfectamente, hay algunos instantes mal explicados, probablemente producto de que el director no pudo hacer todo lo que quería. Aún así se las arregla perfectamente para condersarlo todo en poco más de hora y media, y que casi todo sea perfectamente entendible. Salir airoso de ese problema no era tarea fácil, y el director saca un notable alto al respecto. Cuánto lío mental se hubieran hecho otros.

Incluso, si queremos, podríamos decir que la parte del pasado es el planteamiento, la del presente, el nudo, y la del futuro el desenlace. Una forma sencilla y lógica de verlo. Pero lo cierto es que va más allá, siendo todas las partes como una sola, y en el que las interpretaciones filosóficas que de ello se desprende pueden ser numerosas. Esta singular historia de amor habla de la fuerza de ese sentimiento y de la aceptación de la muerte, esa compañera eterna que está a nuestro lado desde que nacemos, y lo hace sin ningún tipo de remilgos, reforzando gran parte de su argumento en una extraordinaria fuerza visual (sobre todo en la parte del futuro), que mezclada con una sublime banda sonora de Clint Mansell, es capaz de trasladarnos a cualquier punto espaciotemporal, porque al fin y al cabo, el amor no conoce de fronteras ni límites, ni sabe lo que es el ayer ni el mañana. Decir al respecto de la música, que ésta no sería lo que es si el señor Mansell no volviese a contar con la ayuda del genial Kronos Quartet, que ya colaboraron con él en su impresionante trabajo para ‘Réquiem por un Sueño’.

El trabajo actoral es otro de sus puntos fuertes. Creo que Hugh Jackman y Rachel Weisz nunca estuvieron mejor. Jackman cada vez es mejor actor y su inteligente decisión a la hora de elegir proyectos interesantes, le ayuda al respecto. Es capaz de transmitirnos todo el dolor y angustia de un hombre que no quiere aceptar la pérdida de un ser querido. Su personaje está en clara armonía con el de Rachel Weisz, una mujer que acepta su destino (el destino de todos nosotros), y en esa aceptación encuentra su fuerza, y el no querer perderse ni uno sólo de los segundos que le quedan por disfrutar del único bien que el ser humano debería apreciar sobre todas las cosas: la vida. Y en este caso, una vida llena de amor. Nunca pensé que una actriz como Weisz pudiera estar tan bien.

Supongo. Supongo, no. Creo firmemente que es una película que necesita más de un visionado, pero no para entenderla, que salvo algunos apuntes que le impiden ser una obra maestra, es fácilmente entendible, sino para sentirla una y otra vez, disfrutando de cine de primer orden. A veces, las grandes películas tienen fallos, como en este caso los comentados, o algún bajón de ritmo, pero de lo que no hay duda es de que ‘La Fuente de la Vida’ es la popuesta más arriesgada y original de este año. Un film prácticamente atemporal, algo que va en consonancia con todo lo que en él se narra. ¿Qué hubiera pasado si Aronofsky hubiera tenido total y absoluta libertad?

En Blogdecine:

• ‘La Fuente de la Vida’, una genialidad enjaulada

• ‘La Fuente de la Vida’

Dirección: Darren Aronofsky. USA, 2006. 97 min. Drama, Ciencia-ficción. Reparto: Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Mark Margolis, Sean Patrick Thomas. Sinopsis: Es la historia de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este filme intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquéllos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer.

CV opina después de verla: La vi en Sitges y ya os dejé aquí mi crítica, por lo que sólo me queda nombrarla como el estreno más importante del año tras ‘Cartas desde Iwo Jima’. Una maravilla. Que Darren Aronofsky siga haciendo películas, por favor.

• ‘La Maldición de la Flor Dorada’

Dirección: Zhang Yimou. China, 2006. 114 min. Drama, acción. Reparto: Chow Yun-Fat, Gong Li, Jay Chou, Liu Ye, Chen Jin, Ni Dahong, Qin Junjie. Sinopsis: China, siglo X; en la víspera del Festival Chong Yang, miles de crisantemos amarillos inundan el palacio imperial. El emperador y su segundo hijo, el príncipe Jai, regresan inesperadamente a palacio después de tres años en el frente. Su pretexto es celebrar las fiestas con la familia, pero teniendo en cuenta la fría relación que existe entre el emperador y su mujer, parece que esta visita encierra otras razones ocultas. Entre el glamour y la grandeza del festival se revelan desagradables secretos.

CV opina antes de verla: Siendo de Zhang Yimou, ya tiene uno la obligación de ir a ver la película, es un cineasta que nos ha proporcionado muchas horas de buen y singular cine. Si además le incorporamos los nombres de Chow Yun-Fat y Gong Li, pues… ¡maldita sea, hay que verla!

• ‘Premonition: Siete Días’

Dirección: Mennan Yapo. USA, 2007. 110 min. Thriller. Reparto: Sandra Bullock, Julian McMahon, Nia Long, Kate Nelligan, Amber Valletta, Peter Stormare. Sinopsis: La vida de Linda Hanson es perfecta hasta que recibe una devastadora noticia: su marido Jim ha fallecido en un accidente de coche. Pero al despertarse a la mañana siguiente, Linda descubre que su marido sigue vivo. En un principio, Linda cree que el accidente ha debido de ser una pesadilla… hasta que ocurre de nuevo. Algunos días Jim sigue a su lado cuando se despierta, pero otros debe enfrentarse a la realidad de haberse quedado viuda. Por alguna razón inexplicable, los días están desordenados. La traumática premonición de Linda desencadena una serie de extraños sucesos que alteran el tiempo.

CV opina antes de (NO) verla: Con ese póster tan lamentable y, sobre todo, el protagonismo de la penosa Sandra Bullock, ya tengo más que suficientes motivos para no pasar por taquilla para sufrir esta especie de episodio televisivo de suspense sobrenatural. Una cosa es ir a ver algo que “puede” estar bien y que merezca la pena arriesgarse, y otra muy diferente es entrar a ver algo que ya sabes de antemano que te va a fundir los plomos. Si no hay otra cosa que ver, se pilla uno un libro, que también entretienen.

• ‘Dame 10 Razones’

Dirección: Brad Silberling. USA, 2006. 82 min. Comedia dramática. Reparto: Morgan Freeman (él mismo), Paz Vega (Scarlet), Jonah Hill (el chico), Alexandra Berardi (señora de la mopa), Bobby Cannavale (Bobby), Anne Dudek (cajera), Kumar Pallana (Lee), Jennifer Echols (Tracy con una ‘e’), Leonardo Nam, Scott Norris, Jim Parsons (recepcionista). Sinopsis: Un célebre actor en horas bajas se ve obligado a aceptar un papel en un film independiente. Mientras se halla investigando su personaje como jefe de supermercado, se cruza con Scarlet, una de las cajeras.

CV opina antes de verla: El trailer ya me produjo curiosidad y la crítica de mi compañero Red Stovall me confirma que podemos estar ante de una de las sorpresas cinematográficas del año. ¿Será Paz Vega la nueva Miss Sunshine?

• ‘Adiós Bafana’

Dirección: Bille August. Francia, Alemania, Bélgica, Italia, Reino Unido y Sudáfrica. 2007. 117 min. Drama. Reparto: Joseph Fiennes, Dennis Haysbert, Diane Kruger, Faith Ndukwana, Terry Pheto, Lesley Mongezi, Zingi Mtuluza, Mehboob Bawa, Shakes Myeko. Sinopsis: Sudáfrica, 1968; 25 millones de negros están sometidos por cuatro millones de blancos gracias al brutal régimen del apartheid impuesto por el Partido Nacionalista en el poder. Los negros no tienen derecho a voto, a poseer tierras, a moverse libremente, a tener un negocio, una casa ni educación. Decididos a retener el poder, los blancos prohíben cualquier tipo de organización negra, exiliando o encarcelando de por vida a los líderes en Robben Island. James Gregory considera a los negros como subhumanos. Creció en una granja del Transkei y aprendió a hablar xhosa de niño, por eso es la persona ideal para actuar de carcelero de Nelson Mandela y de sus compañeros en Robben Island. Habla su idioma y puede espiarlos. Pero ocurre lo contrario. La influencia de Mandela hace que la lealtad del carcelero se incline poco a poco hacia la lucha de liberación de Sudáfrica.

CV opina antes de (quizá) verla: Película que a priori parece destinada a darle al televisivo Dennis Haysbert (‘24’, ‘The Unit’) una oportunidad para lucirse. Lo cierto es que eso no me interesa lo más mínimo y después de ver a Joseph Fiennes en ‘Man to Man’, donde estaba penoso, lo último que me apetece es volver a verlo en una pantalla de cine, por lo que en principio voy a dejar este título para los últimos lugares de la lista de “pendientes”. Además, aún tengo muy reciente ‘El Último Rey de Escocia’, que no fue precisamente apasionante.

• ‘I Love Miami’

Dirección: Alejandro González Padilla. España y México. 2006. 95 min. Comedia dramática. Reparto: Juan Luis Galiardo, Ofelia Medina, Jaime Camil, Adrian Alonso, Johnny Lozada, Alicia Machado, Fernando Carrera, Severino Puente, Francisco Paz, Rubén Martínez. Sinopsis: Víctima de un atentado interno, Fidel Castro sobrevive a un naufragio llegando, irónicamente, a las costas de Miami como un balsero cubano más. Ya en el exilio, camuflado, Fidel planea su regreso a Cuba para retomar el poder. Mientras lo intenta, conocerá la otra Cuba en Miami y a un grupo de personajes cubano-americanos que le cuentan su historia. El comandante vivirá un proceso de humanización en el ocaso de su vida.

CV opina antes de (NO) verla: Creo que mi compañera Teresa ya dijo todo lo que hay que decir al ver el trailer de esta cosa que no se entiende cómo ha conseguido ser financiada. Galiardo como Fidel en plan Bourne. Vale, cuéntame otra.

• ‘Los Abandonados’

Dirección: Nacho Cerdà. España, Reino Unido y Bulgaria. 2006. 96 min. Terror. Reparto: Anastasia Hille, Karel Roden, Carlos Reig-Plaza, Paraskeva Djukelova, Valentin Ganev, Kalin Arsov, Svetlana Smoleva, Anna Panayotova, Monica Baunova. Sinopsis: Tras el fallecimiento de su madre en extrañas circunstancias, Marie se ve obligada a regresar desde Estados Unidos a su país de origen en la Europa del Este. Al llegar le comunican que su progenitora le ha dejado en herencia una granja situada en las montañas, lugar que se cree maldito y donde vivió recluida los últimos años antes de morir. Intrigada, Marie decidirá acercarse a la hacienda y echar un vistazo por su cuenta, ajena al horror que allí se esconde.

CV opina antes de (posiblemente) verla: Me la perdí en Sitges y me lamenté bastante (más aún porque me tragué ‘Moscow Zero’), porque un amigo me comentó que le había gustado y que había sido una de las mejores películas de terror del festival (no es que esto fuera muy difícil, por otra parte, a fin de cuentas el terror se reservaba para cuando salías a la calle de noche y te veías rodeado de frikis). Si nadie me razona lo contrario, ésta será la que veré tras la de Yimou y la de Freeman.

• ‘La Telaraña de Carlota’

Dirección: Gary Winick. USA, 2006. 97 min. Comedia, fantasía. Reparto: Dakota Fanning, Gary Basaraba, Siobban Fallon Hogan, Kevin Anderson, Beau Bridges. Con las voces (en la versión original, claro) de: Julia Roberts, Steve Buscemi, John Cleese, Oprah Winfrey, Cedric The Entertainer, André Benjamin, Thomas Haden Church, Robert Redford, Kathy Bates. Sinopsis: La joven Fern rescata al cerdito Wilbur cuando está a punto de ser sacrificado por ser el canijo de la camada, y así éste se une a los otros animales de la granja. Wilbur se comporta de forma ingenua, o, al menos, eso piensan los otros animales, pero para Carlota, la araña que vive entre las vigas del establo, cabe la posibilidad de que se convierta en un amigo. Su amistad pronto demuestra ser auténtica cuando los otros animales dejan caer que los días de Wilbur están contados. Parece que sólo un milagro podrá salvarle la vida, pero Carlota, dispuesta a todo para ayudarle, teje palabras en sus telarañas para convencer al granjero de que Wilbur merece ser salvado.

CV opina antes de (NO) verla: ¿Motivos para no verla? No soy menor de 12 años, no voy a poder oír las voces originales de los actores famosos porque aquí doblamos todo, y no soy un pederasta con una muñeca hinchable que se llama Dakota. ¿Motivos para verla? Esto… eh… alguno tiene que haber… pues… ah… ¡ya está! Que un/a tipo/a que te caiga mal quiera ir al cine contigo, le llevas a esto y ya no te lo vuelve a comentar. O que tengas 13 años y vayas con tu primera novia.

• ‘Tuya Siempre’

Dirección: Manuel Lombardero. España, 2007. 109 min. Drama. Reparto: Flora Martínez, Rubén Ochandiano, Nancho Novo, José Coronado, Caroline Henderson, Andrés Gertrudix, Raynald Colom. Sinopsis: Lola y Alfredo sobreviven en los límites de la delincuencia atracando a los incautos que suben a Lola en su coche. El negocio se acaba cuando Alfredo es detenido. Surge para Lola la oportunidad de trabajar en un club de jazz donde la pareja conocerá a una serie de personajes muy distintos. En este grupo está: César, un fotógrafo poco hablador que sólo fotografía cadáveres para la policía; Nen, un joven músico que se está quedando ciego y no necesita ver para comprender la esencia de las cosas; Horacio, un músico cansado ya de vivir solo en los hoteles y en permanente gira, Gloria Cole, la cantante fija del local que busca un hogar para ella y para su hija; Franck, el bajista que combina el hedonismo con el crimen por una cuestión estética; y el inquietante Manuel Gay. Un mundo nuevo se abre para la pareja y la posibilidad de escoger. El conflicto surge cuando Lola y Alfredo parecen resueltos a seguir caminos distintos.

CV opina antes de (quizá) verla: Si leéis la sinopsis comprobaréis de qué pie cojea el film; tiene toda la pinta de ser la típica obra de un señor que aspira a proporcionarnos lecciones de la vida a cada instante y, de paso, soltarnos sus paraonias personales. Un buen número de personajes para que se intenten ganar el pan un buen número de actores, el sentido es lo de menos. Una excusa perfecta para que los fans del cine español pasen por taquilla, a cumplir con su benéfica labor. No os extrañe que salga más de uno comparando al director con algún supercrack norteamericano (antes y después de criticar a Hollywood, claro).

• ‘3055 Jean Leon’

Dirección: Agustí Vila. España, 2006. 93 min. Documental. Reparto: Robert Wagner, Dennis Hopper, Warren Cowan, Michelle Phillips, Paul Newman, Dan Tana, Robert Loggia, Eric Braeden. Sinopsis: Documental que profundiza en la singular personalidad de un español en el Hollywood dorado. Ceferino Carrión dejó España de polizón en un carguero. Cuando llegó a Los Angeles se llamaba Jean Leon, un hombre que se transformaba a sí mismo constantemente y que acabó regentando el restaurante más popular de Beverly Hills.

CV opina antes de (¿?) verla: Parece interesante, pero lo más probable es que sólo puedan verlo los “afortunados” que vivan en Madrid y Barcelona. ¿Saldrá en DVD?

• ‘La Línea Recta’

Dirección: José María de Orbe. España, 2006. 95 min. Drama. Reparto: Aina Calpe Serrats, Alejandro Cano, Blanca Apilánez, Ferran Madico, Sergi Ruiz. Sinopsis: Noelia aún no ha cumplido los treinta años. Vive en un barrio periférico de Barcelona. De noche trabaja en una gasolinera. De día reparte publicidad por los portales. No tiene tiempo libre. Noelia deja su trabajo nocturno. Abandona la casa que comparte con Rosa. Nunca se despide de nadie. No deja pistas ni huellas. No busca ni tiene amigos. Noelia es un personaje anónimo. Una más entre los miles de jóvenes de una gran ciudad. A su alrededor: Rosa, Lucas, Nico, el jefe… Todos con sus pequeños conflictos, sus pequeñas ilusiones, luchando por sobrevivir día a día.

CV opina antes de (NO) verla: No, me niego, no tengo ganas de soportar otra “qué perra es la vida y qué mal lo paso” más. Para eso abro la ventana y me pongo a mirar la calle. O me voy en bus por la zona pobre de la ciudad. Y por cierto, otra que recurre a los múltiples personajes con problemas muy variados. Otra más. Pues no. Allá tú, tu dinero y tu cuota de cine español anual.

Con su estreno aún pendiente en España (parece que, por fin, verá la luz el próximo 20 de abril), ya puede verse en los cines el trailer de ‘La Fuente de la Vida’ (antes del comienzo de la proyección de ‘El Último Rey de Escocia’), la última película del rara avis Darren Aronofsky, cuyo paso por diferentes festivales dejó un doble rastro de aplausos y abucheos, ambos con similar intensidad. La respuesta ante la película puede resumirse así, extrema, “o te encanta o la odias”, encontrando el director, según reveló en la breve rueda de prensa que dio en Sitges, precisamente lo que deseaba. Fue allí, en el marco del festival que antes estaba dedicado al cine fantástico y de terror, donde tuve la oportunidad de asistir a un pase de prensa gracias a Blogdecine, y disfrutar (porque a mí me tenéis que colocar en el bando de los que aplaudieron) de esta joya que ha dirigido Aronofsky. Una película que podría englobarse en el género de la ciencia ficción o de la fantasía, pero que, realmente, abarca mucho más, entrando en el mismo terreno que ‘2001’, de Dios, en lo que a búsqueda del sentido del ser humano se refiere.

La sinopsis de ‘La Fuente de la Vida’ (‘The Fountain’) indica que es una historia de ciencia-ficción que aborda la odisea de un hombre y su lucha a través del tiempo para salvar a la mujer que ama. Desde la España del siglo XVI hasta el profundo espacio del futuro siglo XXVI, el héroe de este film intentará encontrar el árbol de la vida, la entidad legendaria que otorga la vida eterna a aquellos que beben su savia, para intentar salvar la vida de su esposa enferma de cáncer. Realmente, y aquí entra un servidor en plan narrador, la película no va exactamente de eso. O quizá otro piense que sí. Depende de la interpretación que se haga de ciertos aspectos de la trama.

Darren Aronofsky goza de un prestigio envidiable si tenemos en cuenta su escasa filmografía. Antes de rodar la fuente, Aronofsky sólo había realizado dos largometrajes, ‘Pi’ y ‘Requiem por un Sueño’. Ambas películas arrastran una buena cantidad de fans en todo el mundo y son consideradas obras de culto. Aunque ‘Pi’ es bastante floja, con esa dura fotografía en blanco y negro que ha sido utilizada para darle más valor del que tiene realmente por el público entusiasta, la segunda, ‘Requiem’, es, definitivamente, otra cosa aparte. Realmente, es algo aparte considerando el Cine en general, resultando un film fresco, novedoso y con momentos memorables, donde el montaje y la banda sonora destacan extraordinariamente. Si algo llamaba la atención al ver su segunda obra, es que Aronofsky parecía haber “reinventado” su forma de hacer cine, o, quizá habría que decir, “evolucionado”. Esta idea vuelve a la mente al contemplar su última película, que sólo tiene en común con las anteriores el hecho de ser una obra nada convencional y generadora de respuestas muy diferentes en los espectadores. Algo que, como he dicho, Aronofsky comprobó complacido en cada festival donde pudo verse ‘La Fuente de la Vida’. De lo que no estaba nada contento, aunque se le veía con ganas de restarle importancia, a estas alturas, era de todo el caos que había supuesto la producción de la película, que en un tiempo iba a estar protagonizada por Brad Pitt y Cate Blanchett, y que estuvo a punto de acabar por no realizarse. Aronofsky reveló que había estado pensando unos meses, cuando todo parecía hundido, en otros proyectos; fue entonces cuando se dio cuenta de que tenía que hacer la película, como fuera. Esto implicaba arreglar el guión y dejarlo “producible”, cosa que hizo, recuperando el proyecto. De ahí el título de esta crítica y de ahí un poco el sentimiento, tras ver la película, de que podía haber ido más lejos, de que las limitaciones presupuestarias impuestas han impedido que la película pudiera volar hasta donde Aronofsky quería.

Hay bastantes motivos por los cuales ‘La Fuente de la Vida’ ha provocado y provocará reacciones de todo tipo (y aquí se incluye también la indiferencia, claro). Dejando a un lado “juegos” visuales más o menos discutibles, básicamente, el centro de la “polémica”, ineludible, radica en el tratamiento que da la película a la muerte, al fin de la vida. En la rueda de prensa a la que asistí, Aronofsky dijo que los productores habían calificado su guión como de “poema sobre la muerte”. Efectivamente, ésa sería una buena definición de parte de las intenciones del film, muy diferente a todo lo que vemos actualmente, y desde hace años, lo cual, al menos para un servidor, resultó una grandiosa noticia. Como señalaba el propio director ante los medios, la historia de la película, al centrarse en la muerte, toma referencias de muchos sitios, especialmente, de las diferentes religiones, al haberse preocupado tanto por esa circunstancia vital. He aquí el otro gran elemento de controversia en ‘La Fuente de la Vida’. Y es que tocar temas religiosos, o al menos acercarse a ellos, conlleva, desgraciadamente, el levantamiento instantáneo del mismo grupo de fanáticos de siempre. Como es algo que está ahí y no se puede evitar, por ahora, lo mejor es hacer oídos sordos en este aspecto. Ya comprobaréis las reacciones de algunos ante la parte final de la película.

Los protagonistas de ‘La Fuente de la Vida’ son Hugh Jackman, que probablemente realiza aquí su mejor trabajo hasta el momento, y Rachel Weisz, que aparece especialmente encantadora. Jackman es realmente quien carga con todo el peso del film, interpretando a un personaje que es tres a la vez, en diferentes épocas o mundos o realidades, y que hacen todo lo posible por encontrar esa fuente de la vida que salve a Weisz, en sus diferentes aspectos (o realidades); especialmente llamativa e impactante resulta la parte de Jackman como soldado colonizador, enfrentándose a los nativos americanos. Aronofsky dijo en la mencionada rueda de prensa que el actor estaba muy implicado en el proyecto y se le nota. Jackman está inmejorable, a un nivel similar al que nos ofreció en la fascinante ‘El Truco Final (El Prestigio)’. Especialmente inspirado en la parte final de la película, Jackman compone un personaje que son tres en realidad y a cuál más interesante, logrando un gran trabajo. Weisz participa menos activamente, aunque su presencia no deja de latir en todo el film, al ser el motor que mueve a los personajes de Jackman, y su trabajo es más que notable. Weisz, como he dicho, está radiante en la película, lo cual debe tener alguna relación con que, desde el rodaje, es la pareja de Aronofsky. Aparte de las dos estrellas, en el film vemos a gente como Ellen Burstyn (impresionante en ‘Requiem por un Sueño’), Sean Patrick Thomas o Donna Murphy, pero sus personajes apenas tienen relevancia, centrándose toda la historia en la pareja protagonista y sobre todo, como he dicho, en los papeles de Jackman.

En resumen, ‘La Fuente de la Vida’ es una extraordinaria aventura fantástica alrededor de la vida y la muerte, ofreciendo algunos de los momentos más inspirados que se han visto en los últimos años en una pantalla de cine. Una pequeña maravilla que, desgraciadamente, no ha podido ser todo lo que Aronofsky quería contar. Quizá haya que hacerse con el cómic. Personalmente, situaría a ‘Fountain’ al mismo nivel que la famosa ‘Requiem’. Y mucho cuidado, público, no se trata de una obra fácil, no es nada comercial, y requiere que el espectador se entregue por completo. Tenedlo en cuenta.

La primera pregunta estaba dirigida a conocer las diferencias entre el primer y fracasado proyecto de ‘The Fountain’, cuando Brad Pitt y Cate Blanchett iban a protagonizarla, y el que, finalmente, se ha llevado a cabo.

Aronofsky reveló que ‘The Fountain’ comenzó a tomar forma en 1999, para casi morir en 2002. El fracaso hizo que se tomara 7 meses de plazo para pensar en otros proyectos que realizar. Sin embargo, según sus propias palabras, una noche se dio cuenta de que no podía dejar de pensar en ‘The Fountain’, que se había colado en su sangre, y decidió que, definitivamente, ésa sería su próxima película, a pesar de los obstáculos.

Los obstáculos eran, por supuesto, económicos. ‘The Fountain’ era demasiado cara. Por tanto, lo siguiente que hizo Darren Aronofsky fue emplear 2 semanas y media en reescribir el guión. Básicamente, según declaró, se trataba de hacerlo más económico sin perder la intención y la historia inicial. Luego se lo presentó a los productores y recibió una curiosa respuesta: ‘ha pasado a ser de una película normal a un poema sobre la muerte’.

Aronofsky dedicó meses a rehacer el proyecto, pensando que, al final, le dirían que la película era imposible. Temiendo esto, sacó la novela gráfica de ‘The Fountain’. Dice el cineasta que no piensa dedicarse a este medio en el futuro y que sólo lo hizo como algo puntual, para aprovechar todo el trabajo realizado. Igualmente, aseguró que, a pesar de que la historia es similar, hay muchas diferencias entre la novela gráfica y la película, sobre todo visualmente.

Luego se le preguntó el porqué de ese cambio religioso en su cine, desde el judaísmo de ‘Pi’ al cristianismo de ‘The Fountain’.

Aronofsky rechazó que eso fuese así en cuanto a su última película, declarando que en ‘The Fountain’ hay referencias a múltiples religiones y creencias, hay influencias de todo tipo y si algo define al film es su espiritualidad. El director recalcó esto, diciendo que era lo más importante, evitando señalar más concretamente. De hecho, Aronofsky dijo que en la película se dan cita culturas increíbles completamente separadas por miles de años, pero en todas se trata la historia de la creación, cada una con sus propias convicciones respecto al origen de la vida: el primer padre, el árbol de la vida, buda, el hombre que se sacrifica por la vida de los demás, etc.

La tercera pregunta la hizo alguien que no se explicó demasiado bien y al que Aronofsky tomó un poco en broma. La cuestión iba dirigida hacia el género en el que se engloba, supuestamente, el cine de Aronofsky: el hiperrealismo…

Aronofsky: ¿‘The Fountain’ es muy realista? (risas) ¿‘Pi’ o ‘Requiem por un Sueño’ pertenecen a un único género?

Tras las risas de toda la sala, el cineasta explicó que no le gusta pensar en que sus películas se acoplen a un único género, ni cree que su cine sea hiperrealista. A cada película le corresponde un lenguaje. Luego indicó que a él le interesa contar una historia. Y le interesa una en particular en un momento concreto. Claro, especificó con una sonrisa en los labios, siempre que el dinero lo permita, a lo que añadió un pensativo ‘sólo espero conseguir inspiración para mi siguiente proyecto’.

Después, un periodista inglés recordó a Aronofsky las críticas recibidas en Venecia tras el visionado de ‘The Fountain’ y le pidió su opinión.

Como respuesta, el director habló del curioso caso de ‘Requiem por un Sueño’, que provocó en los críticos tanta admiración como odio. De hecho, dijo que en un artículo de la revista Variety se le aconsejaba ‘dejar el cine para ser sometido a terapia’ (risas). Luego preguntó si había alguien en la sala que hubiera estado en Venecia cuando se proyectó ‘The Fountain’; y lo hizo porque, aclaró, en muchos medios sólo han reflejado los abucheos del público, una manipulación que a Aronofsky no le ha hecho mucha gracia. Efectivamente, un periodista levantó la mano y dijo que al terminar la película hubo tantos abucheos como aplausos. El cineasta se vio complacido con la respuesta, al ser lo que le habían asegurado en su momento.

Según sus propias palabras, a él le gusta provocar esa dualidad tan radical, enfadar a unos y encantar a otros. Lo ve como una victoria, que cada espectador lo vea a su modo. Sólo le molestan las críticas, dijo, cuando afectan a todo el equipo de producción, que dedica tanto tiempo para crear una película. Volviendo concretamente a la pregunta del periodista, declaró ‘debe haber algo en la película que les ha dolido’.

Siguiendo en relación a ‘The Fountain’, aclaró que se tuvo contacto con personas al borde de la muerte para tener en cuenta todo tipo de percepciones individuales (infierno, resurrección…); incluso habló con curas y sacerdotes sobre la vida y la muerte. Esto vuelve a estar relacionado con la diversidad que Aronofsky ha querido imprimir a su última película.

Aronofsky: ‘La película no es para cínicos’; ‘no quiero entrar en política, pero… desde el 11-S ya nada es igual. Es como si hubieramos dicho: dejémonos de tanta superficialidad y pensemos lo que hacemos con el mundo’.

El cineasta continuo por esta senda planteando su punto de vista en cuanto al paso del tiempo y sus consecuencias. Dijo que cuando mira a su alrededor suele pensar: ‘Todo se habrá ido en 100 años’. Aronofsky: ‘Todo lo orgánico desaparece, en 100 años no habrá nada. Nuestros nietos mirarán atrás y se preguntarán: ¿qué cojones hicieron esta gente?’. Curiosamente, nada más terminar esa frase, sonó el timbre que anunciaba el comienzo de una nueva sesión en la sala de al lado. entre risas, Aronofsky dijo: ‘Oh, estamos en problemas. Ah, no, es que la clase ha terminado’ (risas).

El tiempo de la rueda de prensa se agotaba y la penúltima pregunta no pudo ser más desafortunada. Una mujer con acento sudamericano pidió a Aronofsky que hablara sobre sus próximos proyectos. La respuesta del director no pudo ser más contundente…

Aronofsky: ‘¡No! No. Hoy hablo sobre ‘The Fountain’. Mañana, ¿quién sabe? Lo siento’.

Por último, alguien desde el fondo preguntó al cineasta qué tal fue trabajar con Hugh Jackman, que interpreta un papel muy diferente a los que suele hacer.

Aronofsky, en plan autómata, respondió que Jackman se interesó mucho en el proyecto, principalmente porque las cuestiones que planteaba la historia eran cuestiones que él mismo se había hecho a sí mismo en muchas ocasiones. Trabajó mucho con Aronofsky para preparar el papel pero antes tenía que acabar un show que estaba haciendo en Broadway por lo que la producción se retrasó aún más. Básicamente, según Aronofsky, Jackman protagonizó la película porque tuvo un gran interés en los temas de la película.

Así acabó la rueda de prensa, con muchos aplausos y muestras de admiración hacia el realizador de ‘The Fountain’, que se mostró muy simpático con todo aquel que se le acercó. Por supuesto, no desaproveché la oportunidad de saludarle y pedirle un autógrafo. Sin duda, un tipo excelente, aparte de un cineasta extraordinario. En breve, publicaré la crítica de su magnífica ‘The Fountain’, casi (por poco) la mejor película vista en el Festival de Sitges.

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