‘La isla de las almas perdidas’ narra la historia de Lulú (Sara Langebæk Gaarmann), una chica de 14 años que acaba de mudarse con su madre y su hermano a un pueblecito de la costa. Se aburre tanto que ruega para que ocurra algo, lo que sea. Pero hay que tener cuidado con lo que se desea… De repente, el hermano pequeño de Lulú es poseído por el espíritu de un hombre que luchó contra el mal en el siglo XIX. Lulú deberá buscar ayuda en las dos únicas personas que creen en ella: Oliver, un niño rico, asustado hasta de su propia sombra, y Richard, un desilusionado científico de lo paranormal. Juntos se verán envueltos en una batalla contra las fuerzas de la oscuridad para descubrir los secretos escondidos en la Isla de las Almas Perdidas.

Quienes preferís ver los tráilers en v. o., con el enlace anterior podéis llegar a él. Más abajo se puede ver el póster.

Para decirlo de una buena vez y no demorar la lapidación que puede que venga a continuación: Lars von Trier es, en mi humilde opinión, el director más importante de las dos últimas décadas.

Aún me acuerdo de cómo casi salté en mi asiento del Yara cuando la vi, durante un festival de cine en La Habana. Recuerdo que pensé: “ah, ¿pero es que esto se podía hacer?”. “Esto” era en realidad, muchas cosas: saltarse los ejes (mejor dicho, ignorarlos olímpicamente), hacer toda la película cámara en mano como quería Glauber Rocha, usar video (fue Von Trier quien le dio respetabilidad cinematográfica al formato), obviar el raccord entre tomas e, incluso, en la banda sonora.

Para alguien que acababa de salir de la escuela de cine, fue una experiencia liberadora; aunque en mi mente desfilaron las incontables horas perdidas en discusiones sobre dónde colocar la cámara para no saltarse el eje, tratando de hacer un movimiento de cámara limpio o un corte certero entre planos.

Claro, no era nada que no hubiesen hecho antes los mismos Godard, Rocha, por mencionar tan sólo a dos. Sólo que en Von Trier, la propuesta no se quedaba en lo meramente formal, filosófico, ideológico, o narrativo; sino que ahora tenía aplicaciones prácticas. Vamos, que siempre rodar sin sets (como en Dogville) será más rápido y barato que construirlos; como también lo será rodar sin aparatosas luces HMI o pesadas cámaras de cine. Al final, nos decía Von Trier, lo que importa es la historia que se cuenta. Nada más.

¿Que la propuesta de Von Trier es un mero truco para vendernos sus películas? En Hollywood hay un viejo dicho que dice:

Si el cine es el septimo arte, el octavo es hacer dinero con el séptimo.

Es el secreto del éxito del cine estadounidense: hacer dinero es parte del arte de hacer cine. No sé de dónde habrá salido ese peregrino concepto de que es censurable querer vender tu película, querer que la gente compre boletos para verla –en realidad sí se de dónde salió: de los críticos. “Sólo un idiota no hace dinero con el cine”, ha dicho alguna vez Quentin Tarantino. ¡Ey, señores, despierten! ¡Nadie hace cine para perder dinero! Que si es censurable hacer lo imposible porque la gente compre tu película, habría que prohibir todo el cine de hollywood.

Si Von Trier se inventa un truco para vender determinada película es sencillamente porque hacer cine cuesta dinero, y mucho, y como artista tiene la obligación de recuperar la inversión y hacer algún beneficio.

Escribo todo lo anterior porque me he topado con un reportaje del Telegraph que arranca con una lista de los más sonados “trucos” de Von Trier: rodar un número musical con 100 cámaras, usar un software para determinar el emplazamiento de la cámara (lo que, según el reportaje, le costó tres preciosas horas de rodaje cierta tarde: el ordenador se empeñaba en hacer apuntar el objetivo hacia una pared, mientras el director se maldecía a sí mismo por tan estúpida idea y el resto del equipo temía por el futuro de sus carreras), sus peleas con actrices, la recompensa ofrecida a quien resolviera el enigma de El Jefe de todo esto o sus incontables fobias (viaje siempre con una cuerda a mano para en caso de incendio).

Pero el artículo habla también sobre sus próximos proyectos. De acuerdo con el diario, el pasado invierno Von Trier estuvo recluido en un psiquiátrico por una recaída en sus problemas de depresión y había jurado no volver a dirigir nunca más (conozco ese síndrome: depresión post rodaje se le llama y sobreviene cuando te das cuenta que la película que acabas de filmar no se parece en nada, para mal, a la que al principio te imaginaste).

Mas ahora, recuperado, está de vuelta. hizo un corto para el filme colectivo To each his own cinema (en el que cumple el deseo de todo director: matar a un crítico particularmente pesado) y escribió una comedia semi autobiográfica, Erik Nietzsche: the Early Years, sobre la transformación de un bisoño estudiante de cine en un despiadado hombre de negocios. Al mismo tiempo que continua con su proyecto de largo aliento iniciado en 1991, Dimension (una película sobre criminales, rodada en fragmentos de 3 minutos cada navidad en un ciudad europea diferente y a lo largo de 33 años), ya está trabajando sobre su nuevo proyecto. No se trata de Wasington, la tercera parte de su trilogía sobre Estados Unidos, sino de Antichrist, un thriller psicológico que deriva en un filme de horror, que será filmado el próximo verano en Alemania.

Dice Von Trier:

Mi intención es terminar la trilogía, pero no será mi próximo proyecto porque sea una obligación. Creo que el filme debe llegar por sí solo.

Según el productor de Antichrist, Meta Louise Foldager, el nuevo filme versará sobre el tema favorito de Von Trier: la crueldad entre los sexos.

Asegura el productor:

Los espectadores tendrán que adivinar quién es el Anticristo.

Dice la actriz Iben Hjejle:

Todas sus películas tratan de lo mismo, de cómo la gente mentirá y hará trampas para obtener lo que quiere de los demás, de lo difícil que es para la gente relajarse y estar unida.

Finalmente, vuelve sobre el tema de los retos técnicos, los dichosos trucos, que Von Trier se plantea en cada una de sus películas:

En cada película, él trata de poner un obstáculo técnico a sí mismo. Pero en realidas está más interesado en los personajes.

El reportaje concluye con la descripción de la vida en la productora de Von Trier, erigida en unas viejas barracas militares:

Algunos vistantes e internos han descrito el complejo de producción de Von Trier como un campo de concentración benigno. Cada mañana es izada una bandera negra al son de marchas militares. Cada viernes hay cantos comunitarios de himnos. Otros arcaicos rituales incluyen remojar los nuevos guiones en una taza de té que alguna vez perteneció al director Carl Theodor Dreyer. Y orinar sobre gnomos de jardín.

Vía | The Telegraph

En la tercera quinta entrega de esta saga, el aprediz de mago favorito de todos regresa a Hogwarts, para cursar su quinto año de Artes Ocultas y descubre que su credibilidad y reputación están en su nivel más bajo. Concretamente, se rumora que su enfrentamiento con Lord Voldemort no son más que patrañas. Para colmo, Harry tendrá que vérselas con la nueva profesora Dolores Umbridge, algo así como el fascismo hecho mujer.

En algún lado he leído que se trata de la película de Potter más oscura, aunque la mejor.

Henderson emprenderá una investigación que se transformará en un viaje iniciático hacia corazón de las tinieblas del mundo de la comida chatarra. Y lo que habrá de encontrar, definitivamente, no le gustará. Noticia: abstenerse quienes detestan el cine y el estilo de Richard Linklater.

Obras en casa, de Brigitte Roüan. Chantal Letelier, personaje interpretado por Carole Bouquet, bella abogada progresista, es una adalid de los derechos de los inmigrantes ilegales parisinos. Un día decide contratar al arquitecto colombiano, a quien le acaba de conseguir su permiso de trabajo. El joven arquitecto trae entonces a sus compatriotas indocumentados a trabajar con él. Y, desde luego, el choque de clases no se hace esperar.

Red Road, de Andrea Arnold. La directora de este filme tomó irrumpió en la escena cinematográfica mundial por la puerta grande. Primero, su cortometraje ‘Wasp’ ganó el Oscar. Luego, Red Road, el filme que hoy estrena en España, arrasó con los premios en cuanto festival, concurso o evento compitió, incluyendo el Premio del Jurado en el Festival de Cannes del 2006.

Se trata de uno de los resultados del último experimento de Lars von Trier, en el que varios directores debían hacer varios filmes con los mismos actores —interpretando los mismos personajes— y las mismas locaciones, en Glasgow. Etriquetada con frecuencia como una Rear Window tecno, el filme cuenta la historia de Jackie, operadora de un sistema de vigilancia que pasa sus días frente a un monitor, vigilando lo que sucede en las calles, pero emocionalmente desconectada de aquellas imágenes. hasta que un buen día, su pasado aparece en aquellas pantallas.

A partir de allí se desarrollará un drama thrilleroso de obsesión y venganza. Si yo fuera al cine este fin de semana, sería mi primera opción.

Barrio Cuba, de Humberto Solás. La penosa rutina de varios personajes se entrecruzan en la hermosa y derruida ciudad de la Habana, en tiempos de revolución.

Protagonizada por Jorge Perugorría, este filme del maestro Solás ha sido descrito como una historia de luchadores que se rebelan ante su incierto destino, pero al mismo tiempo el retrato de una país en un momento “en el que es muy difícil mantener la dignidad”, aunque vale la pena intentarlo y una declaración de amor hacia una de las más bellas ciudades del mundo, La Habana.

Los Líos de Gray, de Sue Kramer. Esta película se hizo famosa en la red por el beso lésbico entre dos de sus protagonistas, Heather Graham y Bridget Moynahan. Cuenta la historia de dos hermanos muy, muy unidos, interpretados por la Graham y Thomas Cavanagh, que terminan enamorados de una misma chica (Moynahan). Es la ópera prima como guionista y directora de Kramer. Y, como la apunta el colega Red Stovall, tal parece que se trata de un filme inofensivo:

La película no se arriesga ni lo más mínimo en ninguno de sus planteamientos. Estamos ante un film blando de cabo a rabo. Nada lo diferencia de cualquier estrenos tv de un domingo por la tarde, ni siquiera la mencionada secuencia lésbica.

Septiembres, de Carles Bosch. La nueva producción de Carles Bosch, el autor de Balseros, explora la vida carcelaria y las relaciones amorosas de ocho reclusos (cuatros hombres y cuatro mujeres) cuyas vidas se entrecruzan cada septiembre en el Festival de la Canción, organizado en la prisión de Soto del Real, en Madrid.

La sensibilidad a la hora de retratar estas historias de amor, le hizo merecer a Septiembres un premio especial del jurado en el Festival Internacional de Miami. Este fin de semana también me iría a ver este filme.

Hana, de Hirokazu Koreeda. A principios del siglo XVIII, el joven samurai Aoki Sozaemon viaja a Edo (el Tokio antiguo) para vengar la muerte de su padre. Pésimo con la espada y renuente a cumplir su misión, su paso por un barrio miserable de Edo hacer cambiar al joven, quien ahora aprecia la vida y comienza a cuestionar su misión y la pertinencia de la venganza.

Verdades Ocultas, de Baltasar Kormákur. A principios de la década de los 80, el investigador de una agencia de seguros Abe Holt (interpretado por Forest Whitaker, lo que acaso sea garantía de calidad), viaja a un remoto pueblo de Minnesota (en Minnesota, al parecer, todos los pueblos son remotos, además de problemáticos), para desentrañar un misterio.

Resulta que, según la policía, el consumado estafador Kelvin ha muerto en un accidente de tránsito mientras iba camino a visitar a su hermana Isold (Julia Stiles). Pero Holt no cree una sola palabra del reporte policíaco y va decidido a averiguar la verdad oculta en el asunto.

Next Door, de Pål Sletaune. Esta coproducción danesa sueca noruega, cuenta una historia con un transfondo de sadomasoquismo entre John y sus dos atractivas y retorcidas vecinitas.

Entre todas las cosas extrañas y retorcidas que sucedieron aquel verano newyorkino del ‘77 (apagones generales, saqueos, el furor por Studio 54, los asesinatos del Hijo de San), acaso la más extraña y retorcida de todas haya sido el auge del Cosmos, el más famoso equipo de balompié de Los Estados Unidos, y su jugador estrella, Pelé. Extraña y acaso no tan retorcida, porque en los Estados Unidos de entoces, pocos sabían de la existencia del llamado Deporte Rey.

Once in a Lifetime de Paul Crowder y John Dower cuenta la historia de la rara oncena, fruto de la obsesión de Steve Ross, entonces presidente de la Warner Bros, por popularizar el fútbol en suelo americano.

La suerte de Emma, de Sven Taddicken. La vida de Emma, una tierna solterona propietaria de una granja de cerdos (tan solitaria e inventiva que usa una motocicleta como consolador) cambia cuando, una noche, un automóvil lujoso se estrella cerca de su casa. Dentro del auto encuentra a Max, vegetariano, neurótico, melómano, quien le ha robado un montón de dinero a su astuto jefe. para Emma, quien además vive bajo la tiranía de su madre y acosa por los reclamos románticos de un agente de policía de la localidad, aquel es el hombre de sus sueños.

Pero no todo podía ser perfecto: Max, quien sufre un cáncer de páncreas en fase terminal, le quedan dos semanas de vida…

Ghost of Cité Soleil es un documental (algunas veces descrito como docu-drama, lo que no deja de confundirme), que está dando mucho de qué hablar.

Dirigido por Asger Leth —hijo del documentalista danés y por largo tiempo residente de Haití, Jørgen Leth (codirector, junto a Lars von Trier, de The Five Obstructions)—, su trama sigue de cerca la evolución de la rivalidad entre dos hermanos, dos chimeres (“fantasmas”, en francés), habitantes y jefes gangsteriles de la Cité Soleil, un barrio miserable de las afueras de Port au Prince, la capital haitiana.

Es justo en esos días cuando Bily y 2Pac, los hermanos protagonistas, se encuentran ubicado en aceras políticas opuestas: mientras uno se pone del lado del presidente depuesto, el otro se transforma en un ardiente opositor. Los dos hermanos, además, se enfrentan por el amor de Lele, una joven francesa, trabajadora humanitaria. Al parecer, los sucesos registrados en Ghost of Cité Soleil son tan tremendos que no falta quien se pregunte cómo es que algo así ha podido ser filmado y, lo que parece más asombroso, que sus realizadores hayan salido vivos del rodaje.

Con producción ejecutiva y música de Wyclef Jean —la frase “Esta no es una película de las de Hollywood”, con que se publicita el filme, es suya—, Ghost of Cité Soleil no pasa inadvertido y ha creado polémica. Tampoco falta quien la califica de mera propaganda política contra Aristide o simple “pornografía de la violencia”.

A pesar de todo, ya se habla en Hollywood de una versión dramática, protagonizada por actores de clase A.

Ghost of Cité Soleil | Página Oficial

El punto de arranque es realmente ingenioso, y logra captar la atención del espectador, ya que éste se identifica enseguida con muchos de los personajes que van desfilando por la película desde el comienzo, unos personajes que nos resultan muy cercanos, con unos “problemas empresariales” que también nos resultan muy cercanos, porque ¿qué persona que trabaje para una empresa más o menos importante, no ha pasado alguna vez por lo que aquí se narra? Y evidentemente no me refiero a todo el asunto del actor contratado, si no a la fuerte crítica que von Trier hace de las relaciones profesionales entre jefes y empleados, con todas las argucias legales que se cometen para joder literalmente al empleado, se le tenga o no aprecio, valga o no valga como profesional. Von Trier alude además al aspecto humano de estas relaciones, queriéndonos decir que en cualquier puesto de trabajo las cosas irían mejor si viéramos más allá de lo profesional, y fuéramos capaces de valorar al que está a nuestro lado, y en el caso de un jefe al que está por debajo de él, como algo más que un instrumento de trabajo. De la misma forma que un buen ambiente deriva en buenos resultados empresariales, vamos, que si hay buen rollito, todo marchará sobre ruedas. Algo con lo que un servidor siempre ha comulgado, pero pregúntale tú al jefe de una empresa grande, a ver qué opina, a ver si es capaz si quiera de decir los nombres de los que realmente le levantan la empresa.

Pero von Trier va más allá de todo esto, y en su tramo final, con una enorme carga de ironía, le da la vuelta a la tortilla de forma ejemplar, con lo que puede considerarse una resolución inesperada, y al mismo tiempo lógica y coherente con todo lo que se está narrando. Hasta entonces, el director danés nos sirve una comedia de situación, con esquema totalmente clásico, y llena de personajes carismáticos, cada uno con sus rarezas, gracias a las cuales quedan perfectamente dibujados, no necesitamos más datos. Esto, argumentalmente hablando, claro, porque en lo que se refiere a la forma, von Trier vuelve a hacer gala de su particular manera de rodar, desencuadrando algunos planos, fijanado la cámara en un punto que suele quedar lejos de un personaje, o un montaje sin continuidad aparente. Esto puede resultar cargante en algunos instantes, pero en otros hace avanzar una historia llena de diálogos interminables, y logra animar la función, por así decirlo. Por no hablar de su inicio y final, en los que el director habla literalmente al espectador, en una demostración más de lo enormemente egocéntrico que es von Trier.

Los actores están todos más o menos bien, aunque personalmente resaltaría al principal, Jens Albinus, quien logran transmitir en todo momento las dudas de su personaje y caerle bien al espectador, además de representar a la perfección lo excéntrico que puede llegar a ser un actor. También destaco la curiosa belleza de Iben Hjejle, cuyo personaje quizá toma alguna decisión un tanto incoherente. A esta actriz muchos podréis recordarla por haber interpretado a la novie de John Cusak en la estupenda ‘Alta Fidelidad’.

En definitiva, una buena película, a ratos muy amena y divertida. No está a la altura de los mejores títulos de su autor, pero desde luego es de lo mejor en la actual cartelera, llena de plagas bíblicas y pastores sin rebaño.

Según este concepto de rodaje, ha creado ‘El jefe de todo esto’ (‘Direktoeren for det hele’), que se estrenará el 23 de marzo.

Actualización del 28 de feb.: se ha adelantado el estreno al 16 de marzo.

La comedia ‘El jefe de todo esto’ nos habla del dueño de una empresa de tecnología, que quiere venderla. El único problema es que cuando fundó la empresa, se inventó a un presidente ficticio detrás del que podía resguardarse cada vez que era necesario tomar decisiones incómodas. Cuando los potenciales compradores insisten en hablar directamente con el presidente, no le queda más remedio que contratar a un actor en paro para hacer de “presidente”. El actor no tarda en descubrir que es un peón en un juego que pone a prueba su (inexistente) talla moral.

Página web oficial y trailer de ‘El jefe de todo esto’

”Una vez que el director de fotografía ha escogido la mejor posición posible para colocar la cámara desde un punto de vista artístico, un programa compila una lista de correcciones aplicables: inclinación, panorámica, enfoque, apertura, posición vertical y horizontal; hay otra lista de posibles correcciones para el sonido: filtros, niveles, etc, que se aplicarán cuando el técnico de sonido haya colocado los micros. Después de estudiar los diversos parámetros, el director, el director de fotografía y el técnico de sonido evalúan las modificaciones y pueden decidir descartar la toma. Pero cada vez que la cámara deja de rodar, la selección aleatoria según la fórmula Automavision© vuelve a realizarse. Para sacar el mayor partido posible de estos encuadres y tomas de sonido para la copia final, no se procesan las tomas, aparte de un simple montaje en el orden previamente escogido. En otras palabras, no se realizan cambios de colores, no se manipula la imagen ni se hacen mezclas de sonido, ya que el material se transfiere directamente a la copia final”.

En el caso de ‘El jefe de todo esto’ también se prohibió el uso de una iluminación que no fuera la propia del decorado exterior o interior.

Cada escena de ‘El jefe de todo esto’ está realizada de acuerdo con las reglas de Automavision© a excepción de cuatro pequeños insertos con los comentarios del director que no siguen las reglas.

El reparto está compuesto por Jens Albinus, Peter Gantzler, Iben Hjejle, Louise Mieritz, Mia Lyhne, Jean-Marc, BarrHenrik Prip, Casper Christensen, Sofie Gråbøl.

Hasta ahora, los confirmados son: Gus Van Sant, Wong Kar Wai, Theo Angelopoulos, Ken Loach, Michael Cimino, Wim Wenders, Lars von Trier, Amos Gitai, Abbas Kiarostami, Manoel de Oliveira, Chen Kaige, Hou Hsiao-hsien y Tsai Ming-liang. Abruma ver juntos tantos grandes juntos. También se barajan otros nombres que pudieran participar con sus trabajos: Emir Kusturica, David Lynch, Quentin Tarantino, los hermanos Coen y Dardenne y Nanni Moretti.

¿Qué tienen en común los cineastas arriba citados? Pues que han ganado la Palma de Oro, el codiciado premio del festival, en ocasiones anteriores. Los 30 cortometrajes serán estrenados en una gala que tendrá lugar el próximo 20 de mayo.

(Psst, psst: el artículo no dice nada sobre cuándo estarán disponibles en YouTube).

Vía | Anthony Kauffman Blog

Antes de realizar su primera película, ‘El elemento del crimen’, Lars von Trier hizo también unos cuantos cortos. Entre ellos se encuentra éste que os colgamos, ‘Nocturne’, su trabajo de fin de carrera en la escuela de cine de Copenhage.

Nocturne es un corto que suele estar en las antologías que se hacen sobre cortos europeos. ¿Lo importante del mismo? Que marca ya un estilo sobre lo que podríamos esperar del cineasta en sus primeros trabajos.

Una mujer no puede soportar la luz del sol. Tiene que estar el mayor tiempo posible en oscuridad, lo que le provoca angustia ante un viaje en avión que tiene que realizar en breve. Algunas imágenes son realmente impactantes.

Aviso: La versión que os colgamos es la original con substítulos en castellano.

En Wikipedia | Lars von Trier

Según parece, Von Trier ha escondido en su nuevo largometraje una serie de pistas visuales que, juntas, conforman un código que hay que descifrar. El pasatiempo se llama ‘Lookey’, una contracción del inglés ‘Look for the key’ (encuentra la llave, o la clave). El realizador ha aclarado que es ‘un juego simple en el que la película actúa a modo de tablero’. A eso añadió que ‘un ‘lookey’ es una perturbación visual que está fuera de contexto con el resto de la película y que, para los no iniciados, parece un error, aunque en realidad todos responden a un sistema único para cada film, que suele incluir entre 5 y 7 de éstos ‘lookey’’. Está claro que si hay alguien interesado en modificar la forma de hacer y ver Cine, ése es Lars Von Trier. Otra cosa será el resultado.

Vía | Terra

Esta vez, Von Trier reacciona contra sí mismo, contra su propio cine y, al mismo tiempo, contra el actual sistema de producción y el circo publicitario que se arma en torno a los filmes artísticamente relevantes.

Voy a intentar redefinir mis actividades profesionales para redescubrir mi entusiasmo original por el cine.

Reduciré el alcance de mis producciones en cuanto al financiamiento, tecnología, tamaño del equipo y, particularmente, el reparto; pero al mismo tiempo me gustaría aumentar el tiempo de filmación.

Deseo lanzar mis productos en una escala acorde con una mayor naturaleza estética de los filmes, y apuntando a mi audiencia específica. Por ejemplo, mis películas serán promocionadas de una forma menos glamorosa que la actual, lo que acaso también signifique que no tendrán estrenos mundiales en prestigiosos, exóticos festivales.

En lo que se refiere a la publicidad, mi intención es reducir su cantidad de forma notable, lo que será compensado por una mayor exploración a través de la prensa de calidad.

Vía | Variety

A Björk, la cantante protagonista de Dancer in the Dark, no le quedaron ganas de volver a trabajar con el danés. Nicole Kidman se negó a hacer Manderlay, segunda parte de Dogville, a pesar de que el director de Los Idiotas se lo rogó en una rueda de prensa en Cannes. Poco después del estreno de la cinta en esa edición del festival, alguien vio llorar desconsoladamente a Kidman en un baño.

En Manderlay, Von Trier sustituyó a Kidman por Bryce Dallas Howard (hija del director estadounidense Ron Howard), en el papel de Grace.

No obstante, la rubia actriz parece haber olvidado y estaría dispuesta a ponerse bajo las órdenes (¿tiránicas?) de Lars von Trier, una vez más.

Ambos trabajarían juntos en Washington, tercera parte de la trilogía americana.

Kidman rehusó participar en Marderlay por el temor de que el exigente calendario de rodaje le impidiera ver a sus hijos.