Pero Lars Von Trier no es un místico, aunque dedique sus mejores o más bellas imágenes a Andrei Tarkovski. Ambos comparten temas, qué duda cabe, pero los intereses y las agenas no podían estar en lugares más antagónicos. Las meditaciones filosóficas de Tarkovski son pausadas, no dan tregua a algo que pueda considerarse histérico, impactante, aunque sus películas estén dotadas de una belleza singular, tan atronadora como ese largo plano secuencia que desveló a tantos espectadores en ‘Sacrificio’ (Offret, 1986).

El argumento de esta película parece bastante sencillo: llegando tarde a su boda, Justine (Kirsten Dunst) se encuentra con el reproche de su adinerada hermana Claire (Charlotte Gainsbourg) a la postre la que ha pagado por toda la ceremonia. Casada con John (Kiefer Sutherland) y con un niño simpático, Claire trata de entender a su histérica hermana, depresiva, caprichosa, una publicista que parece desaprovechar todas sus oportunidades laborales.

Atras quedaban, decía, los tiempos de ‘Dancer in the Dark’ (id, 2000) o ‘Dogville’ (id, 2004), por poner dos ejemplos, contrastan con los de esta Justine, cuya arbitrario comportamiento es uno de los grandes hallazgos de un Von Trier que se resigna a que los personajes nos parezcan amables, simpáticos. Porque la película es arriesgada: a fin de cuentas se abre con un hermoso prólogo que explica la película mediante hermoso tableaux vivant, imágenes congeladas que nos contarán este apocalipsis en toda su insignificancia. Dicho entusiasmo compartido por mi compañero Juan Luis Caviaro y más escéptica ha sido Beatriz Maldivia.

La primera parte de la película juega con cortes deliberadamente cortos, como si Von Trier decidiera rodar una respuesta más o menos razonada a esa ‘Celebración’ (Festen, 1998) con la que Thomas Vinterberg asentó la otra pieza más o menos fundamental de ese Dogma 95 que tuvo mayor resonancia que hallazgos artísticos. La boda es también la mitad de Justine: sus caprichos, nuestro descubrimiento de dos padres a cada cual más estúpido, el ya enfermo Dexter (John Hurt) o la amargada Gaby (Charlotte Rampling, estupenda).

El plano final de la película es aterrador en estas circunstancias. Incluso la comprensión al niño se revela inútil. Ha dicho ya Kim Newman que este es el reverso del ‘Árbol de la vida’ (Tree of Life, 2011) y no podía estar más de acuerdo. Aunque para mí, la importancia de esta película de Von Trier no yace en que su mensaje nos dibuje un mundo misántropo, carnal, condenado frente a ese Dios salvador que encarna mártires en forma de vírgenes/amas de casa de suburbio tejano que presenta Malick. Para mí, la superioridad de esta película yace en que nos obliga a mirar y pensar zonas surbias y a encontrar su insólita, innegable belleza. Incluso tras el fin del mundo se nos hace muy complicado rebatir a Von Trier. Y ya conocéis la canción:

Ceniza a la ceniza.

Todo lo que rodea al cine del danés Lars Von Trier está rodeado de tanta polémica que al final lo que parece importar menos es la calidad de las películas que rueda. Aunque él tampoco ayuda a evitar las polémicas tontas con declaraciones como las que hizo sobre el nazismo en el último Festival de Cannes. Yo no soy uno de sus grandes fans, pero tampoco un enemigo de su cine. Simplemente, hay películas suyas que me gustan y otras que no, pero siempre procuro estar atento a ver qué es lo siguiente. Hace unos meses mis compañero Juan Luis ya os habló de ‘The Nymphomaniac’, la que va a ser su próxima película, aunque aún está por confirmar que Stellan Skarsgard vaya a participar finalmente en ella. Lo que sí sabemos ya es que su protagonista va a ser Charlotte Gainsbourg, en lo que supondrá su tercera colaboración con Von Trier tras ‘Anticristo’ y ‘Melancolía’.

Una de las cosas que más sorprenden de todo esto es el hecho de que Charlotte Gainsbourg parece la única actriz capaz de soportar las excentricidades de Von Trier. Basta recordar casos como el de Bjork en ‘Bailar en la oscuridad’, tras cuyo rodaje juró no volver a colaborar con él, o que Nicole Kidman iba a ser la protagonista de la trilogía que inauguró ‘Dogville’, pero de la cual se desentendió a la hora de rodar ‘Manderlay’. Además, el caso de ‘The Nymphomaniac’ es aún más especial, ya que es una película que va a explorar la sexualidad femenina desde los 0 hasta los 50 años a través de ocho capítulos diferentes. Alguno dirá que eso tampoco es para tanto, pero es que hay que sumar el hecho de que Von Trier va a rodar dos versiones diferentes de la película: Una explícita a la que podremos llamar película porno sin ningún tipo de problema (me huelo que esa es la motivación principal de su director para hacerla) y otro montaje más suavizado para conseguir una mayor difusión internacional.

Personalmente, tenía mis dudas sobre la viabilidad final del proyecto, pero una vez Gainsboug se ha unido al reparto creo que saldrá adelante aunque quizá tenga que recurrir a intérpretes desconocidos para el resto de personajes, aunque también ha sonado Willem Dafoe como candidato a unirse al reparto. Por ahora, no se sabe nada más, ya que aún se encuentra en la fase de escritura del guión. Eso sí, el rodaje está previsto que comience en el verano u otoño del 2012. ¿Tenéis fe en lo que pueda hacer Von Trier con esto?

PD: Os dejo con un, para mí, muy gracioso vídeo de ‘Muchachada Nui’ en el que parodiaban al singular director de ‘Dogville’.

Vía | Variety

Como si fuese la única capaz de predecir la hecatombe, Justine, el día de su boda, se comporta de forma errática y falsa. Sonríe sin sentirse feliz, pensando que los rituales sociales le devolverán la cordura, y se ausenta en cuanto le es posible para afrontar las imágenes que la asolan. Hemos visto esas imágenes, sueños o premoniciones suyas, en el arranque del film, a modo de ralentís casi detenidos, que forman cuadros de aparente estatismo, como los vídeos de Bill Viola, que cuelgan de las paredes de las galerías de arte, cuales obras pictóricas. La luz irreal de un eclipse ilumina la Tierra cuando el planeta Melancolía se acerca irremediablemente para devorar el que habitamos. Tras la ceremonia matrimonial, el segundo capítulo, dedicado a Claire, la hermana mayor y teóricamente responsable, nos muestra el mundo cuando ya los terrícolas son conscientes de la posible colisión y unos tratan de negarla, mientras otros no son capaces de abstraerse a su influjo.

‘Melancolía’ (‘Melancholia’, 2011), el último film del danés Lars Von Trier, que se estrenó la semana pasada, cuenta con Kirsten Dunst en el papel de Justine y con Charlotte Gainsbourg en el de Claire. Charlotte Rampling y John Hurt interpretan a unos padres que, con su comportamiento, pueden explicar con creces las extravagancias de sus hijas. Alexander Skarsgård y Kiefer Sutherland se reparten los papeles de los maridos, uno de ellos humillado y ninguneado por su recién nombrada esposa; el otro, representante, durante la mayor parte del tiempo, del único ápice de cordura y de sensatez que existe en la familia. Stellan Skarsgård como jefe de Justine, y Udo Kier, como planificador de la boda, completan el reparto de una película que no supera las limitaciones geográficas del hotel de lujo donde habita la familia de Claire y donde se celebra el casamiento para mostrar, durante dos horas y cuarto, las reacciones de estas dos hermanas ante el ocaso de nuestra existencia.

Propósito

Me mostré muy a favor de ‘Anticristo’, a pesar de que el final me resultó excesivo incluso para lo que se había planteado hasta ese punto. Sin embargo, en ‘Melancolía’ no encuentro ni la misma capacidad para hacer daño ni la habilidad para fascinar y sorprender de otros de los instantes de este film previo. La atracción que ejerce la película que nos ocupa, similar a la que sufren las órbitas de los planetas, es innegable. Pero gran parte de su halo se genera antes de que se vea la película, que ya se afronta con enorme curiosidad, no necesariamente en positivo, pero sí con la idea de que se hallará algo diferente, hiriente y, por todo ello, grande, aunque fuese como propuesta ominosa y sofocante. Así, esa seducción del film es externa al producto que, una vez visto, no supone una experiencia tan intensa como prometía. Sí, la cinta produce una gran angustia, pero esta llega contagiada por el frenético movimiento de la cámara antes que por la capacidad de trasladar el sufrimiento de las protagonistas.

El interés del segundo episodio, que está sumamente dilatado y comprende numerosas repeticiones de conceptos ya marcados, se podría hallar en el intercambio de las tornas, es decir, de los papeles: los que parecían locos ahora son los cuerdos y quienes creían que lo comprendían todo, se equivocaban. Lo que iba a constituir un espectáculo de hermosura incomparable, supondrá nuestro final, como si se tratase de una metonimia de la propia película que, tratando de ser devastadora, no puede evitar resultar muy bella en ocasiones.

Más allá de eso, me cuesta encontrar en él un análisis del comportamiento humano ante el inminente fin del mundo tal como lo conocemos y no sé si es una de las intenciones de Von Trier el ofrecérmelo. Si lo fuese, se me antoja que ha elegido a seres demasiado alejados de la normalidad –no solo por sus desquiciadas conductas, sino sobre todo por su existencia aislada y plena de lujos, que los separa de casi cualquier ser humano–, de los que puede interesar ver sus reacciones, pero que nunca servirían como ejemplo o representación del resto de la humanidad. Si, por el contrario, la propuesta pasa por observar la locura de estas dos mujeres y el drama en el que viven o que provocan, entonces, me sobraría la colisión interplanetaria, pues preferiría quedarme con sus costumbres y las del resto de los personajes para analizarlos aún más en profundidad. La cotidianeidad en sí misma les proporcionaría suficientes razones para dar salida a estas paranoias sin necesidad de un final de ciencia ficción. Comprendo que no es tal el componente de ficción científica, sino una mera metáfora –de ahí el nombre del planeta, padecimiento que sufre el propio director–, pero sigo considerándolo innecesario, al menos, su choque, ya que la amenaza podría estar presente sin conducir al inexorable final que se conoce al inicio de la cinta –no destripo nada que Von Trier no desease que el público supiese al comienzo–.

Puntos de vista

Von Trier da protagonismo a cada una de las hermanas durante dos largos fragmentos de los tres que componen ‘Melancolía’. Sin embargo, aunque las sitúa en el epicentro de su narración, no adquiere sus puntos de vista, sino que permanece en el suyo, en el de ese observador omnisciente. Por ese motivo, estos dos capítulos están rodados con la misma cámara nerviosa, fotografía abstraída y banda sonora arrebatada. Aunque se coloque en una tercera persona muy cercana, el autor no llega a situarse en la primera.

Ambas actrices resultan irreprochables en sus respectivos papeles y, a pesar de ello y de lo universal de la situación planteada, no logro en ningún momento sentir hacia ellas ni identificación, ni empatía, ni el más mínimo atisbo de realidad. Dunst, de quien el director ha declarado que representa su Alter Ego, cambia de humor sin cesar y se comporta como una auténtica arpía. De saber algo más de su conexión con la estrella que se acerca, podríamos sentir sus reacciones como catárticas, pero ya que nada de esto está brindado en la película –sí fuera de ella, en el material promocional–, lo que produce es desconcierto. Gainsbourg es tan frágil, tan víctima, tan poco independiente, que su personaje es incapaz de despertar ni lástima ni comprensión. Al menos, a mí, y entiendo lo subjetivas que son estas afirmaciones.

Conclusión

En definitiva, diría que, sin negar que contiene algunos momentos o hallazgos, hay más de ‘Melancolía’ en lo que se ha hablado y difundido de ella que en el interior real de la película. El visionado se tiene que completar necesariamente con lecturas y escuchas –no porque sea críptica o exigente para ser comprendida, sino más bien por incompleta– y esta literatura la enriquece de tal manera que la eleva casi hasta el nivel de un film diferente. Por algún motivo cuando pienso ahora en ella, mi opinión es mucho más favorable de la que tenía mientras la veía, pero es a esta a la que obedezco a la hora de puntuarla. Larga en exceso, no cumple para mí con ninguno de los propósitos que creo poder adivinarle, a pesar de que entiendo los motivos por los que a otros espectadores sí les ha funcionado. Hipnótica por instantes y quizá necesaria para cualquiera que no desee sentirse fuera de conversaciones o debates, ‘Melancolía’ puede ser una película que convenga ver. No obstante, en mi opinión, queda lejos de la fuerza que tenían trabajos anteriores de Von Trier y se puede apreciar más como aglomerado de imágenes impactantes que como conjunto vivo. El director quería hacer algo extraño y que no fuese bonito y es posible que solo haya logrado la mitad de estos dos objetivos.

Otra crítica en Blogdecine | ‘Melancolía’, el apocalipsis interior, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Mucho nos esperábamos del programa de proyecciones que se había anunciado para la 44ª edición del Festival de Cine Fantástico y de Terror de Catalunya en Sitges, pero parece que casi ninguno de los films se está manteniendo a la altura de lo anticipado, especialmente si nos centramos en las producciones españolas. Entre decepciones y reacciones de tremenda frialdad estamos encontrando casi todas las críticas a las cintas patrias que se han podido ver hasta la fecha.

Sabemos ya que Lars Von Trier ha decidido no conceder más entrevistas, conociéndose a sí mismo –como cantaban los ABBA–, porque una cosa es fomentar ese “que hablen de uno, aunque sea mal”, pero otra muy distinta son los odios y rechazos que se está granando el danés allá donde pisa. Con el tiempo, si la comunidad periodística consigue olvidarse de todo lo que dijo, se producirá la disociación, pero de momento, será difícil que las críticas aludan a su cine y no a su figura mediática y con eso en mente tenemos que tomarnos las que se pueden leer a continuación.

E. Rodríguez Marchante, para el diario ABC, dice que ‘Melancolía’ es “una cinta con ausencia absoluta de ilusión y de buen rollo. [...] su interés no se dirige hacia lo racional sino hacia lo irracional y emocional [...] ofrece un manojo de momentos y de imágenes irrepetibles”. En el mundo lo califican de un “Lars ladrador, poco mordedor” y apuntan que”‘Melancholia’ quiere ser, de nuevo, un ejercicio de vaciado pero le falta vértigo e incorrección.” En Cinemanía opinan que “‘Melancolía’ interesa sin necesidad de mutilar genitales, trascendiendo el fin del mundo con las habituales marcas de la casa von Trier“. En Aullidos son entusiastas, “una dirección increíble y, en general, un preciosismo absoluto se convierte en una de las películas del año”, aunque saben que “los enemigos de su cine (y de su persona) se encontrarán con una repetición aumentada de sus temas”. “El apocalipsis personal y colectivo que plasma Trier no me conmueve especialmente, pero durante más de dos horas me tiene en tensión, me introduce en la angustiosa trama”, concluye Boyero.

Sobre ‘Verbo’, de Eduardo Chapero-Jackson, en SciFi World, dicen que “una puesta en escena que no negaremos alcanza en ocasiones niveles impactantes”, pero luego añaden que produce “ vergüenza ajena por sus contenidos pseudofilosóficos del tres al cuarto, recitados con una grandilocuencia ridícula” y aseguran que “podría haberse llamado Verborrea”. No me inspiran expectativas mejores lo que explican desde La Información, aunque sean solo datos informativos: “Con la utilización de fragmentos del Quijote como si fueran las letras de un rap, Chapero-Jackson quiere transmitir una crítica velada a la educación actual”. En el 20 minutos conceden que se trata de una “Aventura de tintes fantásticos y que podría parecer de lo más convencional. Sin embargo, se convierte en una obra personal y fascinante. Imágenes muy trabajadas y fuertemente estilizadas [...] “. Carlos Pumares, desde La Razón no se anda con disimulos ni intentos de quedar bien: “Lo que ha creado es un engendro. El resultado final es insufrible, pedante, feo y monótono, por no hablar de la música con aire de sinfónica. Por mucho que se empeñe, el señor Chapero-Jackson no tiene ni idea de cine y de guión mucho menos.” Ana Rodríguez, en Diario del siglo XXI, tras darle varias de cal y alguna de arena, concluye que “Eduardo Chapero-Jackson ha apuntado alto, no cabe duda, y errado bajo, pero su film no deja de tener, entre sus muchos desconciertos, múltiples hallazgos de toda índole.”

En Blogdecine sobre Sitges 2011:

• ‘Eva’ es la película que inaugurará Sitges 2011

• Sitges 2011 | Programación del Festival Internacional de Cinema Fantástico de Catalunya.

• Crítica de ‘Attack the Block’, de Joe Cornish

• Crítica de ‘Intruders’, de Juan Carlos Fresnadillo.

• Sitges 2011 | Lo que la crítica ha dicho sobre ‘Eva’ y ‘Contagio’.

• Crítica a ‘Mientras duermes’, de Jaume Balagueró.

• Crítica de ‘Melancolía’

Vía | Diario del Siglo XXI, entre muchas otras publicaciones.

Lars von Trier es un tipo peculiar. Polémico, osado, inconformista, charlatán, genial, provocador, pretencioso, perturbado… Todo eso y mucho más se ha dicho sobre Von Trier, y a él parece encantarle. Parece que adora ser el centro de atención y que, aunque sea mal, se hable de él. Y para muestra, uno de los últimos carteles que han salido de ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), su último trabajo, en el que aparece retratado como si fuese uno de los protagonistas de la película, acompañado del recordatorio de su expulsión del festival de Cannes, donde fue declarado “persona non grata” después de unas declaraciones donde llegaba a decir que simpatizaba con Hitler (sacadas de contexto y sobredimensionadas por los medios de comunicación, ansiosos por llamar la atención y provocar debates de lo que sea). Eso sí, antes de que os lancéis a la yugular del danés por su egocentrismo al querer protagonizar un póster de su película, quizá deberíais echar un vistazo a los carteles de ‘El agente secreto’, ‘La soga’ o ‘Los pájaros’.

Recordemos que ‘Melancolía’ se centra en la difícil relación entre dos hermanas, mientras la órbita de un misterioso planeta lo dirige inevitablemente a chocar con el nuestro, una amenaza que no todos se toman de la misma manera. Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, John Hurt y Alexander Skarsgard, entre otros, protagonizan una película intensa y cautivadora; si queréis leer más podéis recuperar la crítica que escribí desde Cannes. Se estrena el próximo 4 de noviembre en España y espero que con suficientes copias para que pueda verse en más de dos ciudades. Es, sin lugar a dudas, una de las mejores películas del año.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: De paso os dejo el tráiler en v.o.s., por si no lo habéis visto aún:

Vía | ImpAwards

Esta tarde da comienzo la 36° edición del Festival de Cine de Toronto, prestigioso certamen que se completa con un importante mercado del audiovisual y una plataforma de lanzamiento para las novedades de la industria. La muestra, que se desarrollará hasta el domingo 28, y que, por lo tanto, convive con la de Venecia y comparte algunos de sus títulos, se diferencia de esta y de la mayoría de los certámenes mundiales en que en el canadiense los films no se presentan a concurso. En lugar de eso, las proyecciones forman parte de una importante serie de galas y presentaciones especiales. Lo que sí entrega es un premio del público, que el año pasado recayó en ‘El discurso del rey’.

La película inaugural, que se proyectará esta noche, será el documental ‘From the Sky Down’, de Davis Guggenheim (‘Una verdad incómoda’), que muestra la preparación del álbum ‘Achtung Baby’ por parte de la banda U2, veinte años después de su lanzamiento. Cameron Bailey, co-director del Toronto International Film Festival, más conocido por sus siglas, TIFF, ha informado de que es la primera vez que este evento se lanza con un documental.

Otros de los importantes estrenos mundiales que se podrán ver a lo largo de estos veinte días son ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), de Lars von Trier; ‘La piel que habito’, de Pedro Almodóvar; ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), de David Cronenberg; ‘Los Idus de marzo’ (‘The Ides of March’), de George Clooney; ‘Killer Joe’, de William Friedkin; ‘Peace, Love & Misunderstanding’, de Bruce Beresford; ‘Take this Waltz’, de Sarah Polley; ‘ W. E.’, de Madonna; ’360 ‘, de Fernando Meirelles; ‘Habemus papa’, de Nanni Moretti; ‘ The Descendants’, de Alexander Payne; ‘Coriolanus’, de Ralph Fiennes; ‘Trishna’, de Michael Winterbottom; ‘ Salmon Fishing in the Yemen’, de Lasse Hallström; ‘Twixt’, de Francis Ford Coppola; ‘The Lady’, de Luc Besson, ‘Albert Nobbs’, de Rodrigo García, de la que ya hablamos al anunciar que Glenn Close recibiría el Premio Donostia.

También se verán los documentales en 3D Into the Abyss , de Werner Herzog, y ‘Pina’, de Wim Wenders, dedicado, igual que la recientemente estrenada ‘Dancing Dreams’, a la bailarina Pina Bausch.

Buenos Aires en Toronto

‘City to City’ es una sección paralela completa dedicada al cine de Buenos Aires, que explorará las películas rodadas en la capital argentina a través de una selección de diez largometrajes, dos de ellos estrenos mundiales: ‘Caprichosos de San Telmo’, de la canadiense radicada en Buenos Aires Alison Murray, y ‘Tierra de los padres’, de Nicolás Prividera. El programa se completa con dos films independientes recientemente estrenados (‘Un mundo misterioso’, de Rodrigo Moreno, y ‘El estudiante’, de Santiago Mitre), títulos conocidos de los últimos años (‘El gato desaparece’, de Carlos Sorín, y ‘Mundo grúa’, de Pablo Trapero); trabajos aún inéditos (‘Vaquero ‘, de Juan Minujín; ‘Pompeya’, de Tamae Garategui, y ‘Las Piedras’, de Román Cárdenas), y un verdadero clásico, ‘Invasión’, de Hugo Santiago.

Además, el cine argentino estará presente a través de un encuentro-debate sobre la actualidad de la pantalla local y varias actividades especiales con la participación del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, que tendrá un stand propio en el gigantesco mercado de Toronto.

Vía | Página oficial del Festival.

Curiosamente, los dos cineastas daneses que más están dando que hablar en este momento van tratar un mismo tema en sus próximas películas: el sexo. Esta semana se ha sabido que tanto Lars von Trier como Nicolas Winding Refn ya han encontrado a los actores que encabezarán los repartos de sus nuevos y esperados proyectos.

Refn acudió al festival de Deauville para presentar ‘Drive’, y aprovechó para hablar brevemente de un thriller en el que lleva trabajando varios años. Se titula ‘I Walk With The Dead’ y el cineasta ya ha conseguido el compromiso de la inglesa Carey Mulligan (una de las actrices del momento, con la que ya trabajó en su último film) para uno de los papeles principales; en cuanto a la historia, lo único que reveló es que “tiene lugar en Miami y habrá mucho sexo“. Nos vale. En estos momentos, Refn tiene por delante el rodaje de ‘Only God Forgives’, en Tailandia, así que aún quedan al menos unos meses hasta que comience la producción de su thriller sexual.

Por su parte, Von Trier volverá a contar con uno de los rostros habituales de su cine, Stellan Skarsgard, en la película que tiene entre manos, centrada en el erotismo de una mujer, desde su nacimiento hasta los 50 años. El actor sueco, ocupado actualmente en el rodaje de ‘Los Vengadores’, confirmó que recientemente recibió una llamada del polémico autor danés en la que le dijo: “Stellan, mi próximo film será porno, y quiero que seas el protagonista“. Al parecer, Von Trier está todavía trabajando en el guion, titulado ‘Nymphomania’ (ufffff…), realizando extensas entrevistas a mujeres de su entorno. En Cannes ya dijo que quería filmar algo pornográfico y sugirió que quería volver a contar con Kirsten Dunst, pero ella no pareció interesada en absoluto, y después de lo que se montó tras la rueda de prensa de ‘Melancolía’ (‘Melancholia’), creo que podemos descartarla. En cualquier caso, solo con la firma del danés, la película generará expectación.

PD: ‘Drive’ y ‘Melancolía’ se estrenan en España el próximo mes de noviembre. Quien se las pierda tendrá prohibido hablar de la calidad del cine actual.

Vía | PressAssociation y Screendaily

“No hay nada más que ver…” – Selma

Lo primero de todo: este texto no es una suerte de reivindicación a la figura de Lars von Trier después de sus controvertidas declaraciones durante el pasado Festival de Cannes (por mí, como si dice que cada fin de semana viola a una monja, pues se ofende quien quiere, o a quien le interesa por motivos oscuros…). Ya nos contó Juan Luis desde el festival más importante del mundo lo que ocurrió, y que le gustó su última película, ‘Melancholia’ (2011). No es una reivindicación porque este gran director no necesita ya que nadie le defienda: eso ya lo hace él solo con sus películas. Y porque tenía pensado desde hace bastante tiempo escribir sobre la que con toda probabilidad es la cumbre de su cine, galardonada precisamente con la Palma de Oro y con el premio a la mejor actriz hace once años, y que se debería haber llevado el galardón por muchas polémicas infantiles que von Trier quisiera despertar, pues se trata de uno de esos filmes legendarios más allá del bien y del mal, parafraseando a Nietzsche.

‘Bailar en la oscuridad’ (‘Dancing in the Dark’, 2000) es uno de los filmes más bellos de los últimos tiempos y es algo más. Es un poema, cine revolucionario, que a diferencia de otras películas aupadas grotescamente a los altares por consenso divino, jamás ha despertado aquiescencias ni pactos de ninguna clase. Muy al contrario: se trata de un canto a la muerte capaz de alimentar desprecio, rechazo o desdén con tanta energía como convoca la vehemencia. Esto, para mí, es síntoma inequívoco de su juventud estética, pues ya dijo el gran poeta irlandés que cuando los críticos difieren, el artista está de acuerdo consigo mismo más que nunca. Y así es, realmente. Después de haber navegado por, y de haber traicionado, el voto de castidad del Dogma’95, von Trier era ya un artista más libre, lúcido, generoso y trágico que nunca, lo que se tradujo en uno de los melodramas musicales más sorprendentes, inclasificables y estremecedores que pueden verse en una pantalla.

Hacer una película musical como ‘Bailar en la oscuridad’ es lo más parecido a un suicidio sin purgatorio en el caso de cualquier otro director, pero von Trier, el loco, el repudiado, el maldito, es un puto genio, un bastardo con corazón de oro capaz de reconvertirse en cronista de toda la miseria del mundo, y de elevarla a los cielos con la voz de Björk. Filmada con cámaras de vídeo Sony (DSR-1P, DSR-PD100P, DSR-PD150, DXC-D30WSP) luego impreso en material de 35 mm. con un aspecto de 2.35:1 (para más datos, remito a ‘La dirección de fotografía (1)’), la imagen de esta obra maestra no puede ser más cutre desde un punto de vista escenográfico, superficial. Sin embargo, para quien sepa mirar (y no hay tantos como pareciera) la imagen de ‘Bailar en la oscuridad’ es de una belleza y de una altura estética indescriptibles, desoladoras, definitivas. Porque el cine es mucho más que un cuento mil veces contado. Es sueño y es perdón. Es juego de sombras que quiere ser música, secuencias como acordes, personajes como sinfonías.

Sin piedad

La historia es más o menos la que sigue: madre soltera inmigrante, checa, se instala en Estados Unidos y se pone a currar en trabajos de mierda para sacar adelante a un hijo descontento. Sabe perfectamente que en no demasiado tiempo va a quedarse ciega, y que la terrible enfermedad que la esclaviza es hereditaria y es muy probable que su hijo también la sufra. En semejantes circunstancias, su única salida espiritual es gozar con esos musicales que, según ella, mantienen proscritas la soledad, la miseria, la enfermedad y la muerte. Evasión. Opio. Pero por mucho que sueñe con esos sueños de celuloide, sabe que la vida, y la fatalidad, sigue su curso. Y Lars von Trier también lo sabe. Por eso un musical como este era necesario que algún día se hiciera, para cantar la mentira maravillosa que eran algunos musicales, y para hacer poesía con la verdad y el dolor que es la vida, esta aparición terrible que vino a sustituir a la Nada. Pero en lo terrible se esconde lo bello, y viceversa, y este cineasta es de los que saben impregnar una pantalla con eso, y sufriremos y lloraremos con Selma su atroz viaje, y sabremos que la música es el gran don de la vida.

Selma (una alucinante Björk, que encarna a la mujer vontrierana como no lo hizo ni siquiera la maravillosa Emily Watson de aquella bestial, descarnada, ‘Rompiendo las olas’, pues los ojos de esta cantante islandesa, su pequeño cuerpo y su voz, todo su ser, se erigen en expresión audiovisual inimaginable del melodrama moderno) mezcla los sonidos del mundo con su fantasía interior, y gracias a ello el mundo se convierte en un musical como aquellos que ella tanto ama. Y puede gritar sobre todo aquello que en la sociedad no se puede expresar. Y por todo esto este musical extraordinario es uno de los más grandes de todos los tiempos: porque por fin se funden en un todo forma y fondo, por fin se encuentra la excusa perfecta para convertir un drama social, una tragedia, en un espectáculo de canciones fúnebres, pues el punto de vista de la heroína es absoluto (la imagen es absoluta siempre), como debería ser siempre en el cine. Y la fotografía del grandísimo Robby Müller se hace arte con la imaginación de von Trier en cada encuadre, cada gesto.

Los preciosos secundarios interpretados por Peter Stormare (un hombre de corazón compasivo interesado por Selma), Catherine Deneuve (una compañera de trabajo y una amiga), David Morse (un patético hombre perdido, de un egoísmo monstruoso), apuntalan este discurso en contra de la pena de muerte, de la sociedad capitalista, del concepto de inmigración…y a favor de la disolución de fronteras, de la fraternidad, del perdón, del amor sin condiciones…en un estudio sobre el sonido (magistral cómo se mezcla el sonido ambiente con las fantasías musicales de Selma…), sobre los géneros del cine, sobre la puesta en escena más radical y más clásica a un tiempo. El profundo dolor que late en las imágenes de ‘Bailar en la oscuridad’ perturba y hiere…pero la clarividencia de su mirada ennoblece, dignifica y convoca lo mejor de nosotros mismos, en una lucha feroz contra el instinto de marcharnos de la sala o apagar el reproductor. Ya nunca se es el mismo después de ver esta película, puñetazo, obra de arte, o lo que sea.

Conclusión e imagen favorita

Obra maestra incomparable, que crece más y más a medida que se aleja en el tiempo. Sólo la he visto tres veces, pero es suficiente para que se me quede tatuada en la retina. Mi imagen favorita es la de esa mujer valiente lanzando sus gafas al río cuando viene el tren y diciendo que es mejor no ver más, nunca más. Imposible no llorar con esta película, pues se emociona quien puede, o a quien le interesa por motivos luminosos. Muchos dicen aún hoy que es una película tramposa, zafia, que juega al melodrama y a buscar los mejores sentimientos. Peor para ellos, no lamento que se lo pierdan.

Tras recuperar las encuestas, aquí os dejo también una nueva entrega de “frases de cine”, una sección que tenía algo abandonada. Creo que la selección que os he traído merece la pena, ya me diréis. Empiezo con unas declaraciones de Mel Gibson en una de las pocas entrevistas que concedió para promocionar ‘El castor (The Beaver)’, donde por cierto está sensacional.

Yo seguiré viviendo mi vida como lo he hecho siempre, nunca he cometido un solo acto de discriminación contra nadie. Hace un tiempo, en una entrevista televisiva en vivo, alguien me comentó que en una sesión de cine, cuando apareció mi nombre en los títulos, la audiencia se puso a silbar. Yo pregunté si todo el cine había silbado y el tipo me dijo que sí. Entonces le respondí que mi nombre solo aparecía en los créditos finales, y que para poder silbar, la audiencia tendría que haberse quedado durante toda la película. Creo que esta anécdota es elocuente sobre la diferencia entre lo que la gente dice de mí y la realidad.

Después de ‘Thor’ se ha estrenado ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’) y más adelante llegará ‘El Capitán América’ (‘Captain America: The First Avenger’). Han preguntado a Stan Lee por qué tienen tanto éxito las películas de superhéroes y ésta es su respuesta:

Los cuentos de hadas consisten en cosas extraordinarias: gigantes, brujas, trolls, dinosaurios, dragones y toda clase de cosas imaginativas. Entonces te haces un poco mayor y dejas de leer esos cuentos, pero no puedes dejar de amarlos. Las películas de superhéroes son como los cuentos de hadas para la gente mayor.

Ojo a esto. Shia LaBeouf ha hablado sobre ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’) y en concreto sobre la polémica sustitución de Megan Fox por Rosie Huntington-Whiteley:

Michael Bay filma a las mujeres de manera que estimule la sexualidad de los adolescentes. Es verano. Es el estilo de Mike. Y creo que Megan nunca se sintió cómoda. Es una chica a la que se sacó de una completa oscuridad, se la puso en un papel sexual delante de todo el mundo y se dijo que era la mujer más atractiva de Estados Unidos. Y le llevo mucho tiempo aceptarlo. Cuando Mike pide ciertas cosas, no hay tiempo para discusiones. Estamos en marcha. Y si Mike carece de algo es de tacto. No hay tiempo para pedir gentilmente que pongas tu culo en un ángulo de 70 grados. Rosie vino con su experiencia en Victoria´s Secret y se sentía cómoda con todo eso.

Hablando de “Mike”. En un reciente artículo dedicado al uso del 3D en la tercera entrega de ‘Transformers’, titulado “Encuentro de los dos titanes del 3D: Michael Bay y James Cameron” (!!), el popular director de ‘La roca’ (‘The Rock’) suelta esta perla:

Se me ocurrió la secuencia del rascacielos mientras estaba haciendo abdominales en el gimnasio. Es el sitio más raro donde se me haya ocurrido nunca una escena de acción.

Recupero a Gibson para dejaros otra de sus recientes declaraciones, creo que muy interesante:

Estoy escribiendo. Estoy escribiendo tres cosas diferentes. Estoy siempre escribiendo. Siempre hay una historia gestándose en mi cabeza. Me retiré de la interpretación durante ocho años e intenté tomar el rumbo que debí haber tomado cuando tenía 21 años. Pero no dio resultado. Nada cambió. No puedes volver a meter la pasta de dientes en el tubo.

Curioso lo de este actor. Jim Caviezel habló recientemente sobre Gibson y recordó cómo accedió a protagonizar ‘La pasión de Cristo’ (‘The Passion of the Christ’):

Mel Gibson, es un terrible pecador, ¿verdad? No necesita vuestros juicios, necesita vuestras plegarias. Me dijo “Nunca volverás a trabajar en esta ciudad de nuevo”. Y yo le dije: “Todos debemos abrazar nuestras cruces”.

Cambiamos totalmente de lugar y de tono. Atención a esto que cuenta el productor Miguel Ángel Toledo, que se ha pasado a la dirección con el thriller ‘La senda’. Ha costado 2 millones y medio de euros, y el motivo es la Ley del Cine…

Se podría haber rodado con menos dinero, pero no hubiera podido optar a unas subvenciones que se conceden a partir de unos mínimos económicos. [...] La clase media del cine español ha desaparecido por la voracidad de los grandes gastos. Es cierto que las pantallas de cine de este país no pueden soportar la exhibición de trescientas películas nacionales al año, pero se están destruyendo muchos proyectos que son bastante interesantes y que no están en condiciones de llegar a unos mínimos económicos… A partir de ahí, la pregunta está clara: ¿Habrían progresado directores como Almodóvar o Amenábar en las mismas circunstancias?

José Luis Garci, uno de los cinco directores españoles que han ganado un Oscar, repasó recientemente su carrera con cierta amargura:

He hecho 17 películas y me hubiera gustado hacer una buena, buena de verdad. No he sabido o no he podido. Ahora es muy difícil. A lo mejor valoro mal lo que he hecho, porque algunos dicen que les gusta mucho ‘El crack’ o ‘Tiovivo’... Pero a mí me hubiera gustado hacer una película como ‘Plácido’, de Berlanga. O un buen western.

Sobre la polémica piratería en España, Daniel Monzón apuesta por estrenar las películas de manera simultánea en los cines y en Internet:

Hay padres que no pueden ir al cine todo lo que les gustaría por sus obligaciones. Por ese motivo, creo que si ofrecemos los estrenos al mismo tiempo en el cine y en portales legales por la red, aumentaremos el número de espectadores sin duda.

Se habló del festival de Cannes por la visita de Brad Pitt, de Johnny Depp, por la polémica de Von Trier, el estreno mundial de lo último de Malick… Vicente Seva comenta el gran momento del festival de Alicante (es su director):

Concha Velasco cantando la ‘Chica ye-yé’. Esta mañana bromeaba con ella diciéndole que después de arrancarse en el escenario del festival de Alicante a cantar la canción con sus reconocidos 71 años, estaban pensando en cambiar el himno de la ciudad por esa actuación. Ella me respondió que si fuera así, le encantaría. Vino y demostró la gran estrella que es. Lleva cincuenta años siendo una estrella y sabe muy bien lo que hace y aquí nos ganó a todos. Con el trabajo que me costó que viniera, verla allí cantando, no se me olvidará nunca.

Hablando de Cannes. Lars von Trier quiso explicar sus comentarios sobre Hitler en la ya famosa rueda de prensa que le convirtió en “persona non grata” para los organizadores del certamen:

Cuando hablé sobre Hitler, lo que quise decir fue que podía imaginar lo que era para Hitler estar en el búnker, haciendo planes. No que yo haría lo que hizo Hitler. Aunque yo fuera Hitler, y debo ahora dejar constancia de que no soy Hitler, pero incluso si fuera Hitler, y hubiera hecho una gran película, Cannes debería seleccionarla.

Nicolas Winding Refn, elegido mejor director de Cannes 2011 por su intensa ‘Drive’, no quiso dejar pasar la oportunidad de referirse a su compatriota y hurgar en la herida:

Lo que pasa con Lars von Trier es que se está haciendo viejo y sus numeritos ya cansan. En realidad es muy provinciano: un chico del campo atrapado en un juego que le supera.

PD: Extraído del artículo mencionado sobre ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’: “En su primer papel como actriz, Huntington-Whiteley aparece con los ojos desorbitados y la boca abierta, con sus carnosos labios perfectamente contorneados”. Cine, sí.

Vía | WorstPreviews, LaRazon, ElDia, DiarioInformacion, LasProvincias, OrlandoSentinel, ElMundo, Hollywood.com, MexicoCNN, WashingtonPost

‘Drive’, la conciencia del escorpión

Si me preguntáis cuál es la mejor película de la sección oficial del Festival de Cannes 2011, o cuál creo que tiene más opciones de ganar la Palma de Oro, me lo tendría que pensar mucho, y no sé si podría responder con un solo título. Ahora bien, si la cuestión es decir qué película he disfrutado más, lo tengo muy claro: ‘Drive’. El nuevo trabajo del danés Nicolas Winding Refn (‘Pusher’, ‘Bronson’, ‘Valhalla Rising’) cuenta con Ryan Gosling como un conductor solitario, anónimo y parco en palabras que, como los violentos héroes del western y los thrillers de los 60 y 70, siempre está de paso, intentando no implicarse en la vida de los demás, hasta que ocurre algo y se ve obligado a actuar, desatando un baño de sangre. Tanto el director como el actor se pasaron por la Croisette para presentar la película, una fascinante y romántica salvajada.

Basada en la novela homónima de James Sallis, escrita para la gran pantalla por Hossein Amini, ‘Drive’ arranca en la habitación de un hotel de Los Angeles, con el protagonista hablando por teléfono (dando instrucciones específicas sobre su parte del trabajo) mientras se juega un partido de baloncesto entre Lakers y Clippers (los dos equipos de la ciudad). Con la banda sonora jugando un papel fundamental a la hora de crear la atmósfera y el estado de ánimo idóneo para cada escena (la tensión del partido se traslada al desarrollo de la secuencia inicial), la cuidada fotografía y la imaginativa puesta en escena de Refn (siempre abordando de manera diferente los fogonazos de acción, buscando la sorpresa y la emoción del momento, cuando lo habitual, tristemente, es la repetición y la excesiva exposición de imágenes espectaculares), uno se sumerge enseguida en este tenso cuento urbano de violencia y amor. Es sensacional la manera en la que se ha tratado el contraste que caracteriza la peripecia del conductor, un hombre que puede ser tan frío y brutal como tierno y bondadoso. Lo que puede sonar contradictorio e inverosímil se hace simplemente auténtico gracias a labor creativa del guionista y el realizador, y la convincente labor del carismático Gosling (en un papel que inicialmente era para Hugh Jackman), un héroe venenoso.

“¿Conoces la fábula del escorpión y la rana?”

Driver (Ryan Gosling)

El protagonista es un excepcional conductor que aprovecha su talento para ganarse la vida de dos maneras; por el día, cuando no trabaja en un taller, es un especialista de escenas de riesgo en películas de Hollywood; por la noche ofrece su volante para participar en actos delictivos, asegurando una infalible huida a quien le contrate. Su vida en L.A. parece cómoda, pero todo cambia cuando conoce a Irene (Carey Mulligan) en el ascensor del bloque de apartamentos donde residen (ojo a lo diferente que son las dos escenas en el ascensor). El conductor empieza a pasar tiempo con ella y su hijo, creándose un vínculo entre los tres (lo rápido que conecta con el pequeño hace intuir su problemática infancia); pero entonces el marido de la joven, Standard (Oscar Isaac), sale de la cárcel. Es interesante que, cuando a partir de aquí lo usual sería que se explotara la tensión entre los dos hombres (en el primer encuentro entre ambos saltan chispas), lo que ocurre es que el protagonista acepta su lugar y se convierte en una especie de protector de la familia. Cuando Standard le confiesa que tiene que formar parte de un peligroso robo para saldar sus deudas, el conductor decide ayudarle. Y da comienzo la espiral de violencia…

Cuenta Nicolas Winding Refn que tras reunirse con Ryan Gosling para discutir el proyecto (el actor le recomendó para el trabajo), éste lo llevó en coche de vuelta a su hotel; durante el trayecto se produjo un incómodo silencio, así que Gosling subió el volumen de la radio, y empezó a sonar una acaramelada canción pop, algo que iluminó al cineasta; el protagonista de ‘Drive’ sería un tipo solitario que por las noches escucha temas románticos como alivio emocional, mientras recorre la fría jungla de asfalto. Cabe destacar que pese al título, no se trata de una película centrada en persecuciones, aunque hay estupendas secuencias con coches, en las que prima más la tensión, la sorpresa y la emoción que la ruidosa espectacularidad. Es una clara apuesta por un cine de acción de la vieja escuela, directo y contundente, con la inspirada subtrama romántica para provocar el cambio en el protagonista, pero esto no significa que se descuiden los personajes. En realidad es uno de los puntos fuertes, un abanico de personajes arquetípicos construidos con inteligencia y humor, que cobran vida en manos de un elenco acertadísimo; a los ya citados hay que sumar Ron Perlman, Bryan Cranston, Christina Hendricks y Albert Brooks, en un papel sorprendente. ‘Drive’ es un festín audiovisual destinado a convertirse en título de culto.

Palmarés de la sección “Un Certain Regard” y nuevo capítulo de la polémica sobre Von Trier

Un día antes de que sepamos quién se lleva la preciada Palma de Oro de esta 64ª edición, ya se ha hecho público el palmarés de la (menos relevante) sección Un Certain Regard, cuyo jurado estaba presidido por el serbio Emir Kusturica. El premio a la mejor película ha sido ex aequo para ‘Arirang’ de Kim Ki-duk (habrá sorprendido a todos aquellos que se aburrieron o se marcharon antes de tiempo, pero ya dije que el film tenía cosas interesantes) y ‘Halt Auf Freier Strecke’ de Andreas Dresen; el premio especial del jurado ha sido para ‘Elena’ de Andrey Zvyagintsev y el de mejor dirección se lo ha llevado Mohammad Rasoulof por ‘Bé Omid é Didar’.

Por otro lado, hay un nuevo capítulo en la lamentable polémica protagonizada por Lars von Trier, que como sabéis fue declarado “persona non grata” por los organizadores del festival de Cannes tras las declaraciones que hizo la presentación ‘Melancholia’ (al director se le ha prohibido estar a menos de cien metros del Palais des Festivals, pero su película se mantiene en competición… aunque ya con mínimas opciones). El visceral cineasta se ha referido a lo ocurrido en una reciente entrevista, asegurando que nunca más volverá a asistir a una rueda de prensa. Dice que se emocionó e hizo el estúpido, pero que este tipo de decisiones políticamente correctas son peligrosas. También se ha referido a su compatriota Nicolas Winding Refn, que calificó de repugnantes las declaraciones de Von Trier. Respondió que conoce a Refn desde que era pequeño (el padre del director de ‘Drive’, Anders Refn, ha montado películas de Von Trier) y que… le jodan. Palabras textuales: “I´ve known him since he was a kid! Fuck him”. En fin, un enemigo más a estas alturas le debe dar igual. Lo que está claro es que, como dije en su momento, se ha sobredimensionado lo que dijo ante la prensa, que aprovechó para montar un escándalo que ha costado caro al director danés. Bueno, más bien al festival de Cannes. Porque ha perdido a una de sus grandes figuras.

PD: En el próximo artículo incluiré una lista con las películas de competición que más me han gustado, y el título de la que creo que va a ganar.