Parece que Will Ferrell se toma un descanso de tantos personajes excéntricos y alocados, para probar suerte con uno más realista y cercano. El protagonista de ‘El reportero’ (‘Anchorman’, 2004) y voz de Megamind (2010) encabeza el reparto de una comedia dramática independiente titulada ‘Everything Must Go’ (‘Todo debe irse’), de la que os traigo el cartel y el tráiler. Lo primero no es gran cosa, pero el avance no está nada mal, lo tenéis más abajo, ya me diréis.

Personalmente, me alegra ver a Ferrell en este tipo de películas, entiendo que las otras le divierten y le son necesarias, pero pasan los años y es un poco pobre que solo se hable de su trabajo en ‘Más extraño que la ficción’ (‘Stranger than Fiction’, 2006) para argumentar que, cuando se lo propone, puede interpretar. Es un poco lo que le pasa a Jim Carrey también, a veces da la sensación de que no se esfuerzan lo suficiente por demostrar su versatilidad, que se contentan con destacar como actores cómicos, y vivir de eso. Una labor que, por cierto, sigue sin valorarse lo suficiente, cuando la (buena) comedia es tan complicada o más que el (buen) drama. Pero bueno, lo ideal, creo yo, sería que un actor fuese capaz de moverse en los dos terrenos, sin acomodarse en el que se le da mejor.

El debutante Dan Rush escribe y dirige esta adaptación de un relato de Raymond Carver, ‘Why Don´t You Dance’, cuya historia gira en torno a Nick, un hombre que intenta superar su adicción al alcohol; tras la última recaída es despedido, y su mujer lo echa de casa. Nick se encuentra de un día para otro sin nada, sin trabajo y sin hogar, con todas sus cosas esparcidas por el jardín. Al principio intenta seguir su vida en esa parcela, como si fuese algo normal, pero unos amigos le ayudarán a ver que tiene que abandonarlo todo, dejarlo atrás, y empezar de nuevo.

Rebecca Hall, Laura Dern, Stephen Root, Michael Peña, Lesle Fisher, Glenn Howerton y Jason Spisak acompañan a Will Ferrell al frente de ‘Everything Must Go’, que de momento no tiene fecha de estreno para nuestro país. En Estados Unidos la podrán ver a partir del 13 de mayo.

PD: La película ha costado 8 millones de dólares. Se sabe que Ferrell ha llegado a cobrar 20 millones por algunas de sus comedias.

Vía | Elseptimoarte

“¡Soy una puta! ¿Dónde estoy? ¡Tengo miedo!”

- Nikki Grace (Laura Dern)

Creo que un verdadero artista no se define por su esmero a la hora de complacer a quienes acuden a ver su trabajo, ni siquiera a aquellos devotos que alaben su obra. Se define por su lealtad a sí mismo. En ese sentido, me parece dudoso que haya muchos directores, muchos artistas, a la altura de David Lynch. Las, escasas, excepciones podrían ser las de Zhang Yimou, Roman Polanski, Terrence Malick, Alfonso Cuarón, James Cameron, Michael Haneke, Francis Ford Coppola, Hayao Miyazaki, Wong Kar Wai y muy pocos más, verdaderos guardianes de un oficio que ya, a diez años del inicio del siglo, parece al filo de su extinción. Lynch, en la recta final de su carrera, cuatro años después de su irregular ‘Mulholland Drive’, lleva a cabo una verdadera bomba nuclear cinematográfica, la constatación final de que a Lynch le trae sin cuidado las expectativas, y que sólo sabe ser fiel a su propia personalidad.

Porque con su décimo largometraje, el cineasta de Montana se pasa por el forro conceptos tales como la trama, la progresión dramática, la construcción narrativa, el ritmo externo, la planificación visual convencional, el antaño venerado soporte del celuloide, para adentrarse con más tesón e inspiración que nunca en el fango de lo abstracto y lo onirico que tantos llaman de forma equivocada (a mi entender) experimentación, desacostumbrados como estamos a que las imágenes y los sonidos sean empleados de una forma tan libre y poética. Y Lynch se desenvuelve en ese fango con total naturalidad, marcándose un camino formal y unas reglas internas que jamás abandona, llegando a sus últimas consecuencias en su elaboración del cine más personal e inclasificable que quepa imaginar. Tras diez largometrajes y casi treinta años de carrera, Lynch lo consigue de una forma tan bella como extraña.

Aún así, no comparto la percepción habitual acerca de que esta película signifique un laberíntico galimatías sin el menor sentido, aunque sí es cierto que Lynch, en total complicidad con su montadora y productora (y esposa) Mary Sweeney, no tiene el menor interés en contar su historia del modo en que diez mil directores contaron las suyas antes que él, y no va a dar respuestas fáciles. Eso no quiere decir, necesariamente, que el visionado de ‘Inland Empire’ requiera de un manual de instrucciones ni de que el espectador necesite preguntarse a cada minuto qué simboliza cada cosa, o cuál es el enigma de cada secuencia, en lugar de dejarse llevar por el torrente de fascinación visual que propone este gran cineasta en las casi tres horas de metraje de esta película. La historia de una actriz cuyo papel en una película va haciéndose más real que su propia vida es quizá el poema definitivo de Lynch.

Portentosa Laura Dern

Y esa actriz en peligro no podía ser por otra que la maravillosa Laura Dern, que según las propias palabras del director es: “la mejor actriz con la que he trabajado en mi vida”. La cámara digital de Lynch construye una verdadera declaración de amor al talento y la belleza de esta mujer irrepetible, que está portentosa en un papel dificilísimo y es el verdadero corazón y alma de la película, a pesar de que probablemente su personaje no sea más que una proyección imaginaria de otra mujer, cuyos demonios interiores, cuya inseguridad y cuyos celos, inventan un alter-ego de sí misma, como estrategia para vencer a esos demonios. Otros tendrán otra explicación o teoría acerca de lo que nos quiere contar esta película, pero lo importante, creo, es el extremo placer sensorial que provoca la puesta en escena (el único baremo por el que podemos juzgar una obra, según el gran Jose Luis Guarner, con quien estoy completamente de acuerdo) de esta película, en la que obtenemos el aspecto visual y sonoro más elaborado, y no creo exagerar, de los últimos años.

Cuando aparecieron ‘Lost Highway’ o ‘Mulholland Drive’, muchos creyeron que eran incomprensibles, pero viéndolas hoy día no lo parecen tanto. Más bien bastante nítidas. Y creo que a poco que se observe ‘Inland Empire’ (cuyo título, por razones que se me escapan, debería ser escrito según su director todo en mayúsculas…) sin prejuicios y sin la intención de buscarle tres pies al gato, la película se revela de una claridad que desmiente el gusto por lo abigarrado, y se lanza de lleno a complementar (y superar) las oquedades de ‘Mulholland Drive’ proponiendo de nuevo el conflicto de una actriz perdida en un magma de imágenes, pero esta vez creada por otro personaje femenino que, como el Fred Madison de ‘Lost Highway’, está acosada por los celos más irracionales, y busca una salida a una existencia patética. Por ello, ‘Inland Empire’ es una obra maestra colosal, que aúna lo más siniestro y lo más luminoso de toda la obra de Lynch, dándole un nuevo sentido físico y espiritual al mismo tiempo, destruyendo cualquier filtro emocional o estético preexistente que pueda llevar el espectador consigo.

Abandonando para siempre el celuloide que antes defendiera a muerte, Lynch se pasa al digital (con una cámara Sony DSR-PD150, una cámara muy ligera y manejable), que para él, según ha dicho, ha resultado todo un hallazgo, pues con esa cámara, y con ese formato, se siente completamente capaz de hacer lo que le venga en gana. Y así lo hizo, en un rodaje que llevó varios años, y en el que iba improvisando según le inspiraba lo que iba filmando, algo a lo que los actores Laura Dern y Justin Theroux se acostumbraron muy pronto, capaces de estar a la altura del desafío que suponía trabajar con un artista tan impredecible y anárquico como Lynch. De hecho, logró que firmaran con un guión que no estaba completo de manera premeditada, pues Lynch no quería saber a dónde iba, sólo quería filmar qué se le ocurría, estrategia suicida para el grueso de cineastas del mundo, pero de la que Lynch sale vivo con maestría.

Lo hace con la ayuda de Dern, que además de guapísima (a sus 39 años) es capaz de regalar una galería de matices inalcanzable para muchas profesionales, y con una imaginación que convierte estas casi tres horas en un abismo que pasa como un suspiro, en el que cada distorsión de la imagen, cada eco sonoro, cada bruma y cada chirrido tiene una intención psicológica y emocional. Los sonidos creados en esta película podrían ser, creo, de los más elaborados y decisivos en varios años de cine. La importancia que Lynch le da al sonido queda establecida, de una vez y para siempre, especialmente en las imágenes del disco girando (auténtico tótem del filme) o en las transiciones que son como sueños dentro de sueños. Lo que sumado a que probablemente sea un ejemplo de cine anticomercial, pone a Lynch varias galaxias por encima de otros directores que emplean los sueños como arma narrativa quedando como meros escenógrafos (y me refiero al Nolan de ‘Origen’, aunque muchos quizá ya lo imaginaban), convierten a ‘Inland Empire’ en cine radical no apto para todas las mentes.

Conclusión a un largo especial

Si Lynch ha dicho que no piensa volver a filmar en celuloide, habrá que creerle, porque no suele hablar en falso. Esto significa que el futuro es tan incierto y resbaladizo como cualquiera de sus películas. Con su siguiente proyecto (cuyas particularidades ya nos contó Juan Luis Caviaro) quizá Lynch hable un poco de sí mismo en primera persona, en lugar de fascinarnos con su galería de luctuosos personajes, pero supongo que nunca sabremos de dónde nacen esas sombras, esos espejos infinitos que conforman su cine. Espejos que han hecho posible el cine más asombroso del último tercio del siglo XX, y parte del cine más importante del XXI, que a saber si nos trae algún cine importante.

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La cuarta película de Lynch había resultado todo un triunfo. Por un lado, había logrado salir airoso del fiasco de ‘Dune’. Por otro, había madurado su estilo en un paso de gigante. Finalmente, y a pesar de los descreídos, se había convertido en un autor consagrado. Su quinta película, ‘Corazón salvaje’, iba a convertirle, además, en autor estrella.

Esta película significa poner la quinta marcha en cuanto a salvajismo y radicalidad (la escalofriante ‘Carretera perdida’ significará poner la sexta marcha…). Regresan los freaks retorcidos y violentos de Lynch, y también las criaturas bondadosas y llenas de luz. Filme por tanto libérrimo, sugerente, absolutamente inclasificable, que convierte a ‘Terciopelo azul’ en una aventura ordinaria y clásica. Un Lynch desatado, una historia de amor ultraviolenta y ultraromántica, cine de autor sin concesiones.

Adaptación bastante libre de la novela de Barry Gifford ‘Sailor & Lula’ (cuya lectura recomendamos encarecidamente), a cargo del propio Lynch, que se enamoró de la historia pero le cambió el final y algunos elementos más, la película es una extraña “road movie” pasada por el particular e inimitable tamiz del director, que ya había dirigido el piloto de ‘Twin Peaks’ cuando empezó con este rodaje. De modo que estamos con un Lynch en lo más alto de su carrera, tanto profesional, como de éxito, como personal (salía con Isabella Rossellini).

El extraño camino a Oz

Podría describirse esta historia como la de dos adolescentes enamorados, cuyo amor se va a poner a prueba por toda serie de avatares, comenzando por la desquiciada madre de ella, Marietta (magnífica, brutal Diane Ladd) dispuesta a matarle a él con tal de seguir utilizando a su hija para lo que le venga en gana. A Sailor le da vida un a ratos entrañable, a ratos tenebroso, Nicolas Cage, y a ella una atractiva, sexy y maravillosa Laura Dern (hija de Diane Ladd), que repite con Lynch. Pero hay varios actores lynchianos apareciendo aquí y allá en la historia, como Crispin Glover, David Patrick Kelly o Grace Zabriskie.

Y la primera secuencia ya establece el tono y permite a los despistados salirse de la sala (o apagar el DVD): Lynch no engaña a nadie, y aquí avisa muy pronto de qué tipo de salvajismos (nunca mejor dicho) vamos a ver. De hecho la película estuvo a punto de ser calificada X en Estados Unidos por su violencia bestial y su tenebroso estilo. La secuencia de la tortura de Johnny Farragut (Glover) provocaba la deserción de algunas salas. Pero Lynch no cortó nada.

De hecho, esta película es impensable si se mutilan algunos de sus tramos. Toda ella es una irregular balada de jazz, densa, impredecible y críptica. Comienza como un sueño dorado para sus protagonistas (que sólo piensan en bailar, conducir, follar y hablar) y poco a poco se va tornando una pesadilla alucinógena, sobre todo a partir del inolvidable encuentro con el breve personaje de la preciosa Sherilyn Fenn, que ya había tenido una aparición importantísima en ‘Twin Peaks’.

Algunos de los personajes más monstruosos y fascinantes de Lynch se encuentran en esta película, y de todos ellos el más grimoso y abyecto es el Bobby Peru de Willem Dafoe, una caracterización extrema (imposible no acordarse de sus dientes) para la misma encarnación del mal. Pero también vemos nada menos que a Perdita Durango, interpretada por una enigmática Isabella Rossellini, y otros como el gran J.E. Freeman (que ese mismo año había protagonizado la esencial ‘Muerte entre las flores’ de los Coen) o la misma Zabriskie componen personajes muy extremos para una galería de secundarios poco menos que siniestra.

El estilo inimitable de David Lynch

Esta película es de las que dividen al personal. De las que enamoran definitivamente a los seguidores, o convencen a los detractores de que el cineasta en cuestión ha perdido completamente el norte. Yo me encuentro en el primer grupo, como puede el lector suponer, aunque eso no me impide comprender en parte las quejas del segundo. Lynch abandona todo academicismo, todo lugar común, y se entrega a una anti-narrativa radical, indivisible de lo que está contando.

Supongo que para muchos espectadores fue demasiado que Lula viera a su madre vestida de bruja mala, persiguiéndoles al lado de la carretera, como lo es que el perro atrape la mano mutilada y se la lleve, o que Marietta simule ser una gata con Farragut. Y es posible que en esta película Lynch perdiera parte de coherencia interna. Pero lo que perdió en eso, lo ganó en sugerencia, en misterio, en coraje, en lirismo.

Me parece difícil que alguien considere más lírica ‘Terciopelo azul’ que ‘Corazón salvaje’. Esta, con sus limitaciones, es más arrebatada, más apasionada que aquélla, sin ningún género de dudas. Lynch propone un repaso a los mitos más duraderos (y trágicos) de la cultura americana. No sólo Oz, sino también Marilyn Monroe, Elvis Presley, el cine de género. Lo homenajea todo y a la vez lo pone en duda.

Su extraño montaje, sincopado, aparentemente ilógico; su guión irregular y alambicado; su abstracción, el manierismo del diseño de producción. No resulta fácil acercarse a esta película. Recibió terribles críticas en Estados Unidos, pero en Cannes se alzó con la Palma de Oro. Hoy es una pieza esencial en el cine de su director. La más juvenil y salvaje de sus películas, la más irreal y la más romántica. La que de forma más emocionante mezcla una entrañable ingenuidad con una insidiosa maldad.

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La trilogía conformada por ‘Cabeza borradora’, ‘El hombre elefante’ y ‘Dune’ nos mostró al primer David Lynch. Un Lynch que ya en sus primeros pasos se había mostrado como un profundo conocedor del cine clásico, pero también como un hábil tejedor de atmósferas postmodernas, y capaz también de ser universal a pesar de la profunda autoría de sus propuestas. Concluida esta trilogía, Lynch emprende otra (todo esto a juicio de quien esto escribe, claro está), cuyo primer escalón es la extraña y fascinante ‘Terciopelo Azul’, de la que el propio Woody Allen, entre otros, llegó a decir que era la mejor película de ese año, 1986.

Debido al fracaso de ‘Dune’ (y a sus varapalos críticos) Lynch creía que Dino de Laurentiis no volvería a producir una película suya, pero se equivocó, pues al leer el guión de ‘Terciopelo Azul’ (un guión que tardó muchos años en gestarlo en solitario), de Laurentiis quedó maravillado y se dispuso a darle otra oportunidad. De este modo comenzó la difícil producción de esta obra maestra.

Esta es la primera vez en que Lynch se introduce en un mundo pesadillesco, provocado sobre todo por la presencia brutal de personajes fuera de la ley, además de desequilibrados mentalmente. Según sus propias palabras, la historia surgió de la canción de 1964 ‘Blue Velvet’, de Bobby Vinton, y luego una serie de asociaciones entre una oreja cortada y un mirón clandestino. Tardó mucho tiempo en unir las piezas, pero lo que más le interesaba era mostrar el nauseabundo subsuelo de una sociedad aparentemente idílica (imposible no acordarse de la bella ‘Twin Peaks’, que traza algo similar), en un viaje inquietante por parte de un hombre al que le puede la curiosidad.

La curiosidad mató al gato

Las primeras imágenes de esta película son inolvidables. Después de unos títulos de crédito muy elegantes, sobre una cortina de terciopelo azul, y con la música de Angelo Badalamenti (que trabaja por primera vez con Lynch, y de forma admirable, para una colaboración tan mítica como la que tuvieron en su día Alfred Hitchcock y Bernard Herrmann), pasamos a un fundido con el cielo azul (terminaremos también con el cielo azul), y algunas imágenes del bucólico lugar donde transcurrirá la acción, un lugar en el que los bomberos se pasean saludando con una sonrisa (más tranquilidad, por tanto, es imposible), para concluir con un hombre al que le da un ataque al corazón mientras riega su jardín.

Después, la cámara de Lynch se introduce en la tierra de ese jardín, y observa miles de insectos y cucarachas. Más expresivo imposible. De forma verdaderamente magistral ha unido los dos mundos: el aparente y luminoso, y el oculto y tenebroso. Y con ese acontecimiento, el hombre que sufre un ataque, un hecho casual, empieza la historia, pues será su hijo Jeffrey (estupendo Kyle MacLachlan, en su segunda película después de ‘Dune’...) el motor de la acción, al encontrar una oreja cortada y llena de hormigas (con la referencia ineludible de Luis Buñuel) que será el inicio de un terrible misterio en el que no va a poder evitar verse involucrado.

Jeffrey es un buen muchacho, responsable y trabajador, que se ve atraído por el lado oscuro de la existencia. Quiere paladear ese miedo y esa oscuridad, y va a obtener una buena ración de ello. Esta es una figura clásica del “filme noir”, el hombre inocente que se verá involucrado en una pesadilla por el morbo que una mujer, o un misterio, o ambas cosas, le producen. Pronto conocerá también a la hija del detective encargado del caso, la maravillosa Laura Dern (realmente, la actriz favorita de este director, a la que dedica una declaración de amor en cada película con la forma de filmarla).

Colándose en el apartamento de la bella y misteriosa cantante Dorothy Vallens (una sensacional Isabella Rossellini), Jeffrey iniciará una aventura en la que un gangster psicópata (formidable, inolvidable Dennis Hopper) le horrorizará con todo tipo de perversiones, sexo raro, violencia salvaje y, en definitiva, el mal absoluto que él ansiaba tanto conocer y que ahora va a sufrir en sus propias carnes. Quiere aprender cosas, aunque eso signifique correr riesgos. Su temerario plan casi le cuesta la vida, pero intentará mantener su inocencia, aún magullada, en el proceso.

Rasgos estilísticos

Con la complicidad total del operador Frederick Elmes, con quien ya había trabajado con resultados óptimos en ‘Cabeza borradora’, Lynch despliega una puesta en escena serena pero acerada, en la que son habituales los planos de perfil muy sostenidos, para luego convertirlos en planos frontales en los que el horror, o la belleza, de la situación, por fin se revela. La fotografía es muy hermosa y valiente, siendo capaz de aunar lo luminoso con lo tétrico, que es el tema de la película. Se advierte también un deseo de emular cierto cine del pasado, en la forma de fotografiar por ejemplo a Laura Dern, como si fuera una estrella de los años veinte.

Esta es la primera vez que nos adentramos en una de esas atmósferas lynchianas que le han hecho famoso y que han sido imitadas tantas veces. Entre todos los ambientes destaca, por voluntad inherente, el apartamento de Dorothy Vallens, principio y final de toda la trama. Es un apartamento en el que predomina un rojo inquietante, y con muebles lynchianos característicos que nos incomodan (y perdón por el chiste fácil) o nos extrañan. Ese apartamento es la puerta a otro mundo, y su fundamental armario (lugar de escondite y de perversión) se nos queda grabado en la retina.

Lynch se mueve como pez en el agua en esta historia enrevesada y maligna, y es capaz de construir la tensión y el suspense con gran habilidad. La película no es tan salvaje como ‘Corazón salvaje’, ni tan frenética como ‘Carretera perdida’, pero igual de tensa y extraña. Lynch opone, con la música y la planificación, a la dulce y tierna Sandy y a la trágica y sensual Dorothy como dos mujeres muy diferentes que le darán a Jeffrey aspectos muy distintos de la sensualidad y el amor. Los tres son personajes a los que Lynch comprende y respeta, y a los queda una oportunidad, al contrario que al asesino Frank, que no tiene posiblidad de redención.

Conclusión

Obra incontestablemente mayor de Lynch, que entra en una etapa de madurez y consigue su primera nominación al Oscar al mejor director. Tuvo que renunciar a parte de su sueldo, y se vio forzado a reescribir la historia para acortar gastos, pero obtuvo lo que quería: libertad artística total y acceso al montaje final. Este triunfo personal le consolidó como autor consagrado en Estados Unidos, y sus fabulosas críticas le otorgaron la confianza para zambullirse con más energía en ese universo retorcido que continuó indagando en años venideros.

Especial David Lynch

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Aquí tenéis la primera imagen de ‘Little Fockers’ (2010), nada más y nada menos que la tercera parte de ‘Meet the Parents’, aquella comedia en la que Ben Stiller no dejaba de hacer el tonto en casa de Robert de Niro. La película, titulada en España como ‘Los padres de él’ ‘Los padres de ella’, fue un gran éxito y tuvo una secuela, ‘Meet the Fockers’, en la que Dustin Hoffman metía mano a Barbra Streisand; aquí se estrenó como ‘Los padres de él’.

Robert de Niro, Ben Stiller, Barbara Streisand, Dustin Hoffman, Owen Wilson y Teri Polo regresan en esta nueva entrega, a la que se han incorporado tres importantes novedades: Harvey Keitel, Laura Dern y Jessica Alba. La película, escrita por John Hamburg y Victoria Strouse, y dirigida por Paul Weitz (‘Un niño grande’, ‘In Good Company’), se centra en las dificultades que deben superar los Follen cuando tienen su primer bebé. Imagino que el título es un pequeño spoiler, y que luego descubrirán que son gemelos, por lo que sus “tronchantes problemas” se multiplicarán.

La fecha del estreno de ‘Little Fockers’ es el próximo 30 de julio, aunque a los cines españoles no llegará hasta casi un mes más tarde, el 20 de agosto. Sospecho que esta vez a nadie le va a molestar el retraso.

PD: A ver cómo titulan aquí la tercera, se admiten apuestas: ¿‘Los niños de ellos’, ‘Los pequeños Follen’...? Ya veremos, siempre nos sorprenden.

Gracias al aviso de un lector, Necrid, nos enteramos que se confirma la puesta en marcha de una de esas secuelas que, a mi parecer, resultan totalmente absurdas, y que sólo sirven para que aquellos que mantienen (un poco ciegamente) que el cine hollywoodiense está podrido tengan otro ejemplo más para su discurso. Si ya sobraba la segunda parte de ‘Parque Jurásico’, ‘El Mundo Perdido’, aun estando dirigida por el genio de Steven Spielberg (estuviera o no presente en el rodaje), qué podemos esperar de una cuarta entrega. Y si además tenemos en cuenta que el argumento de la película va a girar en torno a dinosaurios alterados genéticamente para poder ser entrenados en el uso de armas… como diría mi compañera Beatriz, switch off and let´s go.

Al parecer, esta semana, la Universal Pictures ha comenzado oficialmente el casting para ‘Jurassic Park IV’ (‘Parque Jurásico IV), cuyo rodaje comenzará en Kauai, Hawaii, a finales de este mismo año; o sea, ya mismo. Sorprendentemente, Laura Dern ha confirmado que volverá a la saga recuperando su personaje de la Dra. Ellie Sattler. A Sam Neill, por el contrario, no le veremos en pantalla. ¿Qué apostáis, dignidad o pocos ceros en el cheque? En fin, seguiremos informando sobre esta cosa jurásica.

Vía | Bloody-Disgusting

Se trata de uno de esos primeros montajes que se realizan de cara a un trailer definitivo, y que nos llega gracias a los chicos de Las Horas Perdidas, que a su vez se lo agradecen a los de Manga Films, distribuidores de ‘Tenderness’, la nueva película protagonizada por Russell Crowe, que aquí se mete de lleno en un thriller de suspense en el que hace de policía que investiga cómo un chico ha podido cargarse a toda su familia.

El evento está dirigido por John Polson, y los que hicieron el trailer se han lucido remarcando que este tío ha dirigido ‘Fanática’ y ‘El Escondite’, y por lo que se ve en el trailer no parece que haya cambiado mucho su registro, asi que todos estaremos de acuerdo en que lo más interesante de esta película es su actor principal, acompañado para la ocasión por la siempre interesante Laura Dern. El film ya está terminado pero aún no hay fecha de estreno.

Actualización: debido a un error de la distribuidora española nos hemos vistos obligados a retirar el link a la página en la que estaba ubicado el trailer, que dicho sea de paso era sólo para uso interno. Pedimos disculpas por las molestias que esto pueda suponer.

Mucho se ha hablado sobre la última película de David Lynch pero me parece que son muy pocos los que han hablado habiéndola visto, y menos aún, casi nadie, los que han dicho algo sin haberla entendido.

Porque se supone que ‘Inland Empire’ no hay que entenderla. Algo así como lo que pasó con la apasionante ‘Mulholland Drive’. El motivo es que el propio Lynch deslizó a los medios de comunicación que no sabía lo que estaba rodando. Esto puede tomarse en serio o, como yo, en broma. Exacto, no creo que Lynch filmase esta película sin tener idea de conjunto e, incluso, sin saber el propósito de cada secuencia que rodaba. Pero está claro que es mucho más sencillo decir que no la película no va de nada y dejar reposar el trasero en el sofá, cómodamente, pensando en lo que se tiene que hacer al día siguiente, mientras pasan los minutos. Lynch no sabía lo que hacía, así que, ¿para qué esforzarme yo?

Bueno, es una actitud tan respetable como otra cualquiera. Pero creo que no es la adecuada. Por mi parte, me tomé el visionado de ‘Inland Empire’ como un ejercicio de destreza mental, como si se tratase de un gran acertijo cinematográfico, donde el director me quiere contar algo pero no lo va a hacer de un modo convencional, donde lo que se ve y se oye no es necesariamente lo que ocurre en la historia, sino sólo un instrumento más para componer una obra artística diferente, cautivadora. Así me lo tomé. Sin embargo, en mi papel, Lynch no me dio lo que esperaba. Supongo que, a veces, soy muy exigente.

Encontrar el argumento oficial de ‘Inland Empire’ es algo sencillo. Así, la película, teóricamente, gira en torno a la historia de un misterio y a una mujer en problemas. Ésta es, más o menos, la sinopsis que mi compañero Red Stovall puso en aquel post de los estrenos del día 23 de febrero y es lo mismo que aparece en otros sitios. Por cierto, a pesar de que se estrenó ese día, a Granada llegó hace muy poco y a Cádiz me consta que aterriza en breve (un único día). Independientemente de lo que pueda parecer la película, este sistema de distribución huele muy mal, ¿no? Sobre todo teniendo en cuenta que la infantil ‘Piratas del Caribe 3’, por poner un ejemplo, se estrenó en todas partes e incluso en 5 salas de un mismo multicines. Penoso.

Volviendo a la “trama” de Inland, mi compañero Carlanga reflejaba lo siguiente en otro post: Nikki, actriz casada, recibe la oferta de trabaja en una película dirigida por Kingsley. Su coprotagonista se llama Devon. Nikki interpretará a Sue, mientras que Devon será Billy. Terminan en la cama y comienzan a usar los nombres de sus roles en el filme. A partir de este punto, es imposible dilucidar si Nikki es Sue o Sue es Nikki. Imposible o innecesario, según se mire.

Sin embargo, la película de Lynch aspiraba a ser mucho más ambiciosa que todo eso. Se supone, vamos, viniendo de él. Porque ciertamente lo que vemos, lo que Lynch nos entrega, es muy decepcionante. Disfrazar la mediocridad de complejidad a través de un montaje errático y voluntariamente confuso es la salida del cineasta, que, seguro, debió sentirse igual que yo al ver que su obra no era más que un ejercicio de egocentrismo descontrolado. Mi compañera Beatriz, su “polémica” crítica, se refería a todo esto de la siguiente forma: “un pésimo montaje intentado dar coherencia y unidad lo que no la tiene y, al final, consiguiendo una obra farragosa y caótica”.

En realidad, la película es tremendamente sencilla. Toda la historia se explica fácilmente. Sólo tienes que coger la materia útil en medio de tanja paja audiovisual e imágenes supuestamente sugerentes (Lynch piensa eso), pero que sólo están ahí para despistar de la trama principal. Como lo de los conejos en el salón. Eso es un pegote que no tiene nada que ver con la trama. Sólo pretende generarte confusión. Y, ciertamente, lo consigue. Pero una confusión inútil y bastante facilona, como todo en este desastroso film. Pero vamos a lo esencial. ¿De qué va la historia de ‘Inland Empire’? De una actriz que se siente una puta, tanto dentro como fuera de la película, como mujer y como profesional del cine. Y punto. Es lo único que hay que entender. Pero claro, ¿cómo haces esto interesante? Liándolo todo y diciendo a todo el mundo que a ver si tienen narices de entenderla. Es tan sencillo como lo he escrito. Lo podéis comprobar viendo de nuevo la película. Si tenéis un estómago muy sólido y ganas de perder más el tiempo, claro. Supongo que habrá un publiquillo ahí fuera, de los que alquilan a Bergman para llenar las madrugadas solitarias, que pensará que hay mucho más, pero sólo tenéis que preguntarle para dejarlos mudos. Uno de sus ídolos ha caído y no lo van a aceptar fácilmente.

Lynch se rodea de actores de prestigio y calibre para su nada acertada incursión en el cine de autor más facilón, barato y onanista. De este modo, en la película vemos, con evidente cara de no saber lo que está pasando, a gente como Jeremy Irons, Justin Theroux, Harry Dean Stanton (protagoniza una escena de carcajadas) o Julia Ormond. De su labor, sólo puedo reafirmar lo que ya dijo Red Stovall en su elegante “crítica”, cuando comentaba que “al gfjgusdhf uisdhg dgiuh iusdhgh ghs huisdh gih sdgih uighih gfh dfhg gjhsdg”. Amén.

La principal protagonista, la que carga con todo el caos, es la estupenda Laura Dern, que espero haya aprendido la lección y borre el número de Lynch de su móvil. Si bien ‘Inland Empire’ supone redescrubir a una inmensa actriz, ella debe haberlo pasado bastante mal construyendo un personaje que va dando tumbos a lo largo de todo el metraje, siendo cosas muy diferentes cada vez, mareándose por gracia de un guión inexistente. Lynch perdió una buena oportunidad, a ver si se ha dado cuenta.

En definitiva, ‘Inland Empire’ es una tomadura de pelo, un fallido experimento de Lynch que no se sostiene en ningún momento. Dern se merece un premio por haber tenido que trabajar en este despropósito. Ella es lo único salvable de la experiencia decepcionante que nos ha entregado Lynch. Bueno, y lo de los conejos que hablan sin coherencia entre ellos. Eso es inolvidable. Lynch, péinate y vuelve a hacer cine como antes, hombre. No es tan difícil.

Black Snake Moan, de Craig Brewer. Christina Ricci es la fulana del pueblo. Ninfómana impenitente (o, mejor, dicho en los términos clínicos que se usan ahora: adicta al sexo), el personaje interpretado por Ricci se cruza en la vida de Lazarus (Samuel L. Jakson), cantante de blues devenido pío cascarrabias, después de ser abandonado por su mujer. El bueno de Lazarus se impondrá la tarea de “curar” la terrible afición de la tentadora y endemoniada damita. Y, para ello, ¿qué mejor método que el tradicional “encadenamiento”?

La Caja, de Juan Carlos Falcón. Al detestable Don Lucio, el personaje más odiado de un remoto pueblo de Las Canarias, el odio le perseguirá mucho más allá de su propia muerte. Su muerte súbita pone en aprietos a su mujer, quien no dispone del suficiente espacio para un velorio decente. Su vecina la sacará del apuro y el pueblo aprovechará la ocasión para cobrarse todos y cada una de las ofensas que Don Lucio perpetró en su vida.

La Caja está protagonizada por Angela Molina, Elvira Mínguez, Antonia San Juan y Vladimir Cruz.

La Muñeca del Espacio, de David Moncasi. La dama cuyo alias artístico da título al filme, es una trapecista que, a sus 84 años, aún conserva fuerzas primaverales para bailar y hacer deporte de forma compulsiva. Leyendo el argumento, me da la impresión de que no sólo se trata de una enérgica ancianita, sino que ademáas debe ser inmune a la osteoporosis y el reumatismo. Cuando los payasos de sus hijos (lo de “payasos” es literal: son payasos de un circo francés), rescatan un viejo número de la inquieta señora, la antigua Muñeca del Espacio viaja al vecino país acompañada de su nuevo amigo, un galán otoñal aficionado al tango.

Enemigos Íntimos, de Carlos Verdone. Esta seguro le gusta a cierta colega que yo me sé. Verdone (¿se trata del actor, Teresa?) dirige una trama de venganza, lucha de clases y amor filial. Achille De Bellis, director general de una gran cadena hotelera propiedad de su esposa Gigliola y su cuñado Guglielmo, despide a su empleada Annarita por ladrona, Orfeo, el hijo de la mujer, convencido de que se trata de un despido injusto, decide vengarse de Achille. Cuando amabas vidas colisionan de mala manera, ambos descubriran, vaya sorpresa, la amistad. Carlo Verdone, Silvio Muccino y Ana Caterina Morariu protagonizan.

La Ganadora, de Jane Anderson. Protagonizada por Julianne Moore, Woody Harrelson y Laura Dern, La Ganadora cuenta la historia real de Evelyn Ryan, una mujer que, para mantener a sus hijos, se inscribe en un concurso de escritura. Dado que todo el asunto se le da muy bien, comienza a participar en cuanto certamen se cruza en su camino. Es un filme del 2005, del que dicho sea de paso, no tenía ni idea de que existía.

¿Alguno de ustedes lo ha visto ya? Su título en inglés es The Prize Winner of Defiance, Ohio. Sólo espero que no sea un bodrio, pues el trío de protagonistas está integrado por algunos de mis actores favoritos.

La Soledad, de Jaime Rosales. La joven madre Adela, cambia su rutinaria vida en un bucólico pueblito del norte de León, por el bullicio y el ajetreo de Madrid. Allí trabará amistad con Inés, Carlos y la madre de Inés, Antonia, dueña de un pequeño supermercado de barrio. Pero la existencia de Adela conocerá un vuelco dramático cuando el autobús en el que viaja, se convierte en blanco de un atentado terrorista.

La película está protagonizada por Sonia Almarcha, Petra Martínez y Miriam Correa.

Entre Mujeres, de Jon Kasdan. Cuando es abandonado por ela mor de su vida, el escritor Carter Webb (Adrian Brody) cambia Los Ángeles por los suburbios de Michigan y, mientras cuida de su abuela enferma, trabaja en su próximo libro. Pero allí, donde menos se lo espera, encontrará las energías necesarias para un nuevo comienzo, al entablar amistad con sus vecinas Sarah Hardwicke (Meg Ryan) y sus hijas Paige (Makenzie Vega) y Lucy (Kristen Stewart).

Una resurrecta Olimpia Dukakis completa el reparto.

La Marca del Lobo, de Katja von Garnier. En la IMDb ponen una sinopsis escueta y reveladora de esta película: una licántropo —¿será correcto decir “licántropa”?— adolescente se debate entre el secreto de su familia y el amor por un hombre. También es perseguida encarnizadamente por su primo, jefe de una banda de delincuentes, mientras trata de llevar una vida normal trabajando en una tienda de chocolates. Agnes Bruckner, Hugh Dancy y Olivier Martínez son los encargados de llevar adelante esta historia de amor, colmillos y chocolate. El siempre certero Red Stovall ya nos ha advertido sobre esta película. Vade retro.

Bueno, ahora que la bromita ya ha pasado, vamos a hablar coherentemente. El pasado sábado en La Alternativa, programa conducido por nuestra particular Olga, en la sección ‘Sesión Numerada’, pude dedicar unas palabras a la última tomadura de pelo de David Lynch, un tipo más listo de lo que muchos creen, capaz de vivir en la actualidad única y exclusivamente de lo que su nombre provoca. Ay, qué penita que no vuelva a los tiempos de sus mejores películas, pero vamos, que todo el mundo tiene derecho a hacerse una paja mental y perderse en sus particulares obsesiones, faltaría más. Lamentablemente, la radio es la radio, y a veces no se dispone de todo el tiempo necesario para poder decir todo lo que a uno le viene a la cabeza, pero desde luego clarito queda.

‘Sesión Numerada’ (10-3-07, audio, mp3, 8´2 MB)