Aquí os traigo el cartel español y el tráiler definitivo subtitulado al castellano de ‘Arthur Christmas: Operación regalo’ (‘Arthur Christmas’, 2011), una producción animada de los estudios Aardman y Sony Pictures Imageworks, que llega mañana a los cines de nuestro país. Se estrenó el pasado 23 de noviembre en EE.UU. y aunque de momento está obteniendo cifras más bien flojas para el tipo de producto del que se trata (lleva acumulados 25 millones de dólares), parece que la película está gustando mucho; en IMDb la consideran notable, en Metacritic le dan un 6,9 (los usuarios la puntúan con un 7,9) y en RottenTomatoes tiene un 92% de aprobación. También cabe señalar que es uno de los diez títulos nominados como mejor película de animación del año en los Annie Awards.

‘Arthur Christmas: Operación regalo’ es una comedia de acción y fantasía navideña que ha sido dirigida por Sarah Smith y Barry Cook, cuenta con música de Harry Gregson-Williams (en sustitución del anunciado Michael Giacchino) y las voces originales de actores tan conocidos como James McAvoy, Hugh Laurie, Bill Nighy, Jim Broadbent, Imelda Staunton, Laura Linney, Joan Cusack, Eva Longoria y Michael Palin, entre otros. Lástima que en España doblemos todo a nuestro idioma, habrá que esperar al DVD/Blu-ray para poder escuchar a ese interesante reparto.

Smith y Peter Baynham han escrito el guion de la película, que quiere responder a la siguiente pregunta: ¿cómo es posible que Santa Claus (o Papá Noel) reparta todos los regalos en una sola noche?. La solución al misterio es la operación secreta de alta tecnológica que se lleva a cabo en el Polo Norte. Pero en esa gran operación de reparto, accidentalmente se pierde uno de los regalos; entonces, es el hijo más joven de Santa, Arthur, quien se embarca en una emocionante misión a contrarreloj para entregar el último paquete antes de que amanezca y una niña se quede sin regalo en navidad. Puede dar mucho juego la trama, esperemos que la hayan aprovechado y no sea otra cosa infantil-tontorrona con muchos golpes, caídas y carreras frenéticas. ¿Pensáis ir a verla o sois de los que no soportan las películas con mensajes navideños?

PD: Del estudio Aardman veremos el año que viene una comedia de piratas, os recuerdo que ya podéis ver el tráiler.

Cuando echamos la vista atrás y vemos que la Academia de Hollywood premió como mejor película de 1998 a ‘Shakespeare enamorado’ (‘Shakespeare in Love’, John Madden, 1998) nos entristecemos un poco al pensar que fue el año de películas como ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg) —una obra maestra más de su director—, ‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, Terrence Malick) —una gran obra que gana con el paso del tiempo—, ‘Un plan sencillo’ (‘A Simple Plan’, Sam Raimi) —gran film noir que supone la cima de su director—, y cómo no, ‘El show de Truman’, (‘The Truman Show’, Peter Weir), film que en cierto modo profetizaba sobre el poder de los reality shows, que se erigía como una de las mejores cintas de su estimable realizador, amén de ofrecer uno de los mejores papeles de Jim Carrey, hasta aquel entonces enfrascado en un buen número de personajes llenos de tics y muecas.

Que las película mereció más nominaciones —sólo consiguió las de mejor director, mejor actor secundario y mejor guión— es algo que ya se sabía entonces y que el paso del tiempo ha ido confirmando. Recientemente en la sección Respuestas, uno de nuestros lectores, el avispado luisss, fue aplaudido al resumirla con una sola palabra: vida. Pocas veces debo estar yo de acuerdo con un lector, pero es una palabra que la define a la perfección. ‘El show de Truman’ es, a las puertas del 2012, mucho más actual y revolucionaria de lo que fue en el momento de su estreno. Un canto a la vida y una crítica sin cuartel al poder de la televisión y la lucha por las audiencias, pero sobre todo un retrato del ser humano con todo lo bueno y lo malo que tenemos, que es mucho.

El concepto de ‘Gran hermano’, tan conocido en nuestro país gracias a un penoso programa de televisión que, temporada tras temporada, ha ido lobotomizando a los espectadores tontos, proviene de la famosa novela de George Orwell ‘1984’, publicada en 1949, y que posee dos adaptaciones cinematográficas, ‘1984’ (id, Michael Anderson, 1956) y ‘1984’ (‘Nineteen Eighty-Four’, Michael Rsdford, 1984). Dicho concepto no se utiliza en la película pero su influencia está más que clara. No obstante, la idea de una vida de ficción paralela a la real tampoco es original —en realidad ¿qué es original y qué no?—; hay precedentes en la serie de televisión ‘Twilight Zone’ y en alguna que otra novela de Philip K. Dick —aún sueño con una adaptación de ‘Time Out of Joint’, cuya premisa argumental es simple y llanamente impresionante—. Andrew Niccol recupera la idea base para su libreto, y la premisa que propone aterra por su verosimilitud. Una empresa adopta un bebé al que convertirá en el protagonista del reality show más exitoso de la historia, todo un mundo creado para él, siendo totalmente inconsciente de que vive una farsa.

Considero un gran acierto en el libreto de Niccol el hecho de que el espectador sepa enseguida que Truman vive en un enorme plató —tanto que puede apreciarse desde el espacio exterior al igual que la muralla china—, y no juegue al suspense presentándonos ese detalle al final como si de uno de esos giros dramáticos de guión se tratase. A cambio se opta por descubrir la terrible verdad al poco de su inicio —no obstante, ese foco que cae del cielo, y la angulación de la cámara, simulando monitores, son suficientes pistas al respecto—, e impactar en el espectador simplemente con la premisa, que por sí sola ya resulta aterradora y capta nuestro interés. El film critica la curiosidad humana, el vouyeur que todos llevamos dentro, y ahí estamos frente a la pantalla, interesándonos por la vida de un pobre desgraciado al que no se le ha dado la oportunidad de elegir. Hay que alabar el trabajo de síntesis realizado en el guión, pues hablamos de una película que dura poco más de hora y media, y aúna en poco tiempo mucha información hábilmente dosificada.

Y es un acierto esa opción de la supresión del suspense porque resulta prácticamente absurdo. La vida de Truman no tiene nada de especial, y me refiero a la vida ficticia que vive desde su nacimiento. Weir y Niccol ya logran que nos involucremos en la historia porque reconocemos nuestro lado vouyeur, y porque en el fondo deseamos que Truman consiga su objetivo, salir de esa mierda de mundo —dicho sea de paso que sirve como alegoría de un mundo ideal, aunque controlado por un ser superior, un dios muy particular, llamado Christof— y por ende alcanzar el amor, representado en el personaje al que da vida una encantadora Natascha McElhone. Es ése el único y poderoso punto de inflexión en la historia, y que en cierto modo habla de la propia naturaleza del ser humano al creer en algo más que lo que vemos, a aspirar a algo mejor y por coherencia a luchar por nuestros sueños, sean posibles o no. Cualquiera de nosotros puede ser Truman, nos identificamos con él y no necesitamos protagonizar un reality show para ello. Sus miedos y temores son los mismos que los nuestros y la falsedad del mundo que le rodea es la nuestra propia, el querer disfrutar con los placeres y sufrimiento de los demás, olvidándonos de lo principal: disfrutar y sufrir por nosotros mismos. De sentir.

Por primera vez en la carrera de Jim Carrey, su histrionismo le queda a la perfección. Su actuación va acorde con todo el mundo en el que vive y en el que prácticamente es un producto más de marketing. La evolución de su personaje queda perfectamente captada en una interpretación llena de matices en la que el actor demuestra que es mucho mejor de lo que nos había hecho creer con sus papeles de payaso. Atención a la forma de saludar todas las mañanas a sus vecinos, la misma que usa al final con reverencia incluida y de connotaciones muy diferentes. Pocas veces se nos ha erizado la piel como el momento de la libertad de Truman, porque representa la nuestra propia. Por el camino queda un personaje odioso a cargo de una excelente, como siempre, Laura Linney, una arrebatadora música de Burkhard von Dallwitz y Philip Glass, y un Ed Harris glorioso. Todos al servicio de una puesta en escena de Peter Weir a base de planos que encierran a sus personajes en perfecta consonancia con lo que se cuenta. La liberación de Truman se produce fuera de campo, cuando la película ha terminado y el controlable espectador busca otro canal. No es difícil imaginar que Truman se encontrará con el amor de su vida. Y habrá sido su elección, porque el amor es, como la vida, una cuestión de voluntad.

Después del excelente sabor de boca que habían dejado ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, 1993) y ‘Los puentes de Madison’ (‘The Bridges of Madison County’, 1995) el talento de Eastwood no se hizo esperar con su retorno al género del thriller clásico con ‘Poder absoluto’ (‘Absolute Power’, 1996), película que en principio parecía uno de esos productos alimenticios con los que asegurar cierta taquilla para así embarcarse en proyectos más arriesgados —conviene recordar que su siguiente película sería la muy personal ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’ (Midnight in the Garden of Good and Evil’, 1997)—. Pero ya les gustaría a muchos productos comerciales tener la calidad de algunos como el que nos ocupa, en el que se pueden ver plasmadas todas las inquietudes de Eastwood como cineasta, un auténtico espectáculo cinematográfico lleno de matices, y en el que el director realiza un curioso estudio sobre la soledad.

El libro homónimo de David Baldacci llamó el interés del cineasta cuando la Castle Rock le ofreció el proyecto para coproducir con la Malpaso. En él se narraba la historia de un ladrón de guante blanco que era testigo de un asesinato cometido por nada menos que el Presidente de los Estados Unidos, el hombre más poderoso del planeta poseedor del poder del título. La adaptación cinematográfica es bastante fiel en unos tramos, pero en otros se aparta considerablemente. Suprime algún que otro personaje importante, relega a un segundo plano a personajes principales, y cambia por completo el final de la misma. Todo ello para ajustarse a las necesidades de Eastwood como cineasta, siempre interesado en turbias historias sobre la corrupción, y cómo no, adaptándolo a la imagen del Eastwood actor.

Para ello, el director, que se encontraba en uno de sus mejores momentos, sobre todo por el reconocimiento que estaba teniendo su obra a raíz de los Oscars recibidos por ‘Sin perdón’ (‘Unforgiven’, 1992), y que hizo que mucha gente abriese los ojos, echó mano de unos de los guionistas más prestigiosos de buena parte del cine actual, William Goldman. Ganador de dos Oscars de la Academia de Hollywood por los libretos de la magistral ‘Dos hombres y un destino’ (‘Butch Cassidy and the Sundance Kid’, George Roy Hill, 1969) y ‘Todos los hombres del presidente’ (‘All the President´s Men’, Alan J. Pakula, 1976), Goldman ha escrito los guiones de films tan conocidos como ‘Harper, investigador privado’ (‘Harper’, Jack Smight, 1966), ‘Un puente lejano’ (‘A Bridge too Far’, Richard Attenborough, 1977) o ‘La princesa prometida’ (‘The Princess Bride’, Rob Reiner, 1987), que adaptaba su propio libro. El escritor accedió a las indicaciones de Eastwood para realizar cambios en la historia, y llevarlo al terreno del cineasta.

De hecho Goldman quedó sorprendido por la petición de Eastwood, pues el escritor pensaba que el actor ser reservaría el papel del detective Seth Frank, al final interpretado por un excelente Ed Harris, que en el libro es prácticamente el protagonista. Pero el director de ‘Escalofrío en la noche’ (‘Play Misty for Me’, 1971) quiso que Luther Whitney, el hombre que se enfrenta nada más y nada menos que al Presidente de los Estados Unidos, fuese el personaje central de la película. Eastwood se pone en la piel de un delincuente, cosa que no hacía desde su última y gran colaboración con su mentor Don Siegel en ‘Fuga de Alcatraz’ (‘Escape from Alcatraz’, 1979). Un delincuente con ciertos valores; intenta recuperar el amor de su hija, cuya niñez se la perdió entre rejas —al respecto es sumamente emotiva la secuencia en la que ella, una espléndida Laura Linney, descubre que la case de su padre está llena de fotografías suyas—, y no soporta la hipocresía y falsedad del hombre más poderoso del mundo. Whitney ya ha visto demasiado, ya ha vivido demasiado, y a su modo desea un mundo mejor para todos.

El personaje presenta varias facetas. Al inicio es presentado como un amante del arte —paralelismos con ‘Licencia para matar’ (‘The Eiger Sanction’, Clint Eastwood, 1975)— con gran habilidad para el dibujo. Más tarde, en la oscuridad de su hogar, vemos a Whitney solo. Y luego le vemos haciendo lo que mejor sabe hacer, robar. El trabajo de fotografía de Jack N. Green en esta película es sorprendente. Colores cálidos para ciertas escenas, las más tranquilas; y penumbra para los instantes más íntimos, o de suspense. Baste citar la excelente secuencia inicial, la del robo y todo lo que acontece después. El momento de la persecución a Whitney por parte de dos agentes del servicio secreto —unos ajustados Scott Glenn y Dennis Haysbert—, en el que se utilizan los infrarrojos de las gafas de los perseguidores. O toda la claridad de la secuencia de la emboscada a Whitney en la terraza de un café. Con todo ello Eastwood juega al contraste, tal y como había hecho en algunas de sus mejores obras con Green, ‘El jinete pálido’ (‘Pale Rider’, Clint Eastwood, 1995 o ‘Bird’ (id, Clint Eastwood 1988).

‘Poder absoluto’ puede verse como la respuesta crítica —una crítica muy incisiva y dolorosa, a pesar del final feliz, sorprendente en la carrera del Eastwood director de esos años— a un tipo de películas que poblaron parte de la década de los 90, y que involucraban al Presidente de los Estados Unidos, casi siempre desde una perspectiva benevolente. ‘Independece Day’ (id, Roland Emmerich, 1996) —donde el presi era capaz de competir con Luke Skywalker—, ‘El presidente y Miss Wade’ (‘The American President’, Rob Reiner, 1995) —el hombre más poderoso del mundo tiene derecho a enamorarse—, ‘Dave’, presidente por un día’ (‘Dave’, Ivan Reitman, 1993) —cualquiera puede ser presidente e incluso hacerlo mejor—, o ‘Air Force One’ (id, Wolfgang Petersen, 1997) —el presi puede ser el mejor héroe de acción— son películas que ofrecen una imagen muy diferente del presidente de los Estados Unidos a la que ofrece ‘Poder absoluto’. Y seamos sinceros, los rostros de Bill Pullman, Michael Douglas, Kevin Kline y Harrison Ford son mucho más amables que el de Gene Hackman, que en su segunda colaboración con Eastwood compone un personaje ruin y perverso. Atención a la divertida secuencia de baile entre Hackman y Judy Davis, quizá algo histriónica, en la que el actor se come literalmente a todo bicho viviente.

Eastwood se muestra tan inspirado como en sus mejores trabajos tras las cámaras, y como siempre su película se compone de capas. En una primera tenemos el thriller, bien visible, con secuencias absolutamente magistrales como la primera media hora, de gran tensión, llena de ritmo, con un excelente uso de la planificación. Una de esas secuencias en las que el dramatismo va en aumento hasta atrapar al espectador y no soltarlo jamás. Dicha tensión se repite en la ejemplar secuencia de acción de la emboscada, toda una lección de ritmo y emoción de la que deberían aprender otros directores que se empeñan en menospreciar el cine de acción. Y una segunda capa en la que Eastwood no descuida ni uno sólo de sus personajes, haciendo a través de ellos un dibujo de la soledad, algo muy presente en sus obras más redondas. Luther siempre ha estado solo, su profesión le obliga a ello. Su hija, que descuida su vida en casa, otro tanto de lo mismo. Seth Frank es un solitario que para ligar repite hasta la saciedad que vive solo —impresionante momento por la terrible veracidad y patetismo que desprende—. El presidente es probablemente el más solo de todos. Walter Sullivan —impresionante E.G. Marshall—, hombre traicionado por su mujer primero y su mejor amigo después, destapa su soledad al desvelar cómo observaba a su mujer siendo complacida por otros hombres —¿hay algo más solitario que eso?—. Gloria Russell (Davis), con su admiración/amor hacia su jefe también se siente sola; y cómo no, los dos agentes del servicio secreto, que son como las dos caras de una misma moneda, uno asqueado de su trabajo y el otro entregado por completo a su país.

Quizá debido a esos personajes tan característicos, cargados todos de melancolía y dolor, cada uno a su manera, es por lo que Eastwood se muestra tan esperanzador en el desenlace del film. Los malvados reciben su merecido del mismo modo que ellos cometieron un crimen horrendo, el padre salva y recupera a su hija, y el amor triunfa. En este mundo vamos a estar muy poco tiempo, así que es mejor pasarlo juntos, será más llevadera la cruda realidad que Eastwood ha plasmado tantas y tantas veces en sus películas. Cuando el film se estrenó en los USA, una crítica dijo que este mundo era un poco mejor gracias a cineastas como Clint Eastwood. ‘Poder absoluto’ es una buen prueba de ello.

Especial Clint Eastwood en Blogdecine:

• Los comienzos
• ‘Por un puñado de dólares’
• ‘La muerte tenía un precio’
• El final de la trilogía con Sergio Leone
• La Malpaso y dos errores
• El encuentro con Don Siegel
• ‘El desafío de las águilas’
• ‘La leyenda de la ciudad sin nombre’
• ‘Dos mulas y una mujer’
• ‘Los violentos de Kelly’
• ‘El seductor’
• El debut en la dirección
• ‘Harry el sucio’
• ‘Joe Kidd’
• La influencia de ‘Incidente en Ox-Bow’
• El primer western como director
• ‘Primavera en otoño’
• ‘Harry el fuerte’
• ‘Un botín de 500.000 dólares’
• ‘Licencia para matar’
• ‘El fuera de la ley’
• ‘Harry el ejecutor’
• ‘Ruta suicida’
• ‘Duro de pelar’
• ‘Fuga de Alcatraz’
• ‘Bronco Billy’
• ‘La gran pelea’
• ‘Firefox’
• Red Stovall, el hombre de los garitos
• ‘Impacto súbito’
• ‘En la cuerda floja’ (‘Tightrope’)
• ‘Ciudad muy caliente’
• ‘El jinete pálido’
• La llamada de Spielberg y la dedicatoria de Godard
• ‘El sargento de hierro’
• ‘Bird’
• ‘La lista negra’

• ‘El cadillac rosa’

• ‘Cazador blanco, corazón negro’

• ‘El principiante’

• ‘Sin perdón’

• ‘En la línea de fuego’

• ‘Un mundo perfecto’

• ‘Los puentes de Madison’

A principios de 2009 os informaba que el actor Mark Ruffalo estaba preparando su debut como realizador. Hoy os traigo el cartel y el tráiler de su ópera prima, titulada ‘Sympathy for Delicious’. La película se vio por primera vez el año pasado en el festival de Sundance, donde obtuvo el premio del jurado internacional; pese a ello, he leído en un par de sitios críticas muy negativas, así que conviene tener cautela. De hecho el avance no me ha gustado, suena a rollo trascendental facilón, pero bueno, no descarto la idea de ver la película, creo me fiaré de Ruffalo.

‘Sympathy for Delicious’ es un drama escrito y protagonizado por Christopher Thornton, quien interpreta a un hombre en silla de ruedas que cree haber perdido el rumbo de su vida, hasta que un día descubre que tiene el extraordinario don de curar a la gente; por desgracia para él, su don no le ayuda con su discapacidad, por lo que decide aprovecharlo para obtener una fama que le permite convertirse en un músico estrella. Juliette Lewis, Laura Linney, Orlando Bloom, John Carroll Lynch, Noah Emmerich, Erin Way, James Karen y el propio Mark Ruffalo acompañan a Thornton (que es discapacitado en la vida real) al frente de un llamativo reparto. Por el momento la película no tiene fecha de estreno.

PD: Gracias a Harry Powell por el aviso.

Vía | Heyuguys

‘Crónica de un engaño’ (‘The Other Man’, 2008, Richard Eyre) es un caso más de película que llega con retraso a nuestras pantallas, algo de lo que nunca nos libraremos ni con la existencia de la red. Las distribuidoras tendrán sus razones, evidentemente, pero no parecen querer aprender que este tipo de retrasos, que incluso se producen con películas relativamente importantes, animan a que el consumidor elija vías alternativas para ver esas películas que nunca llegan, y no, no me refiero a reservarlas en el videoclub cuando salgan editadas en DVD. Por cierto, que me apuesto algo a que esta película no tarda demasiado en salir al mercado doméstico.

Los motivos por los que ahora deciden estrenar esta pequeña película pueden encontrarse tal vez en su conocido reparto. Liam Neeson, Antonio Banderas —publicidad añadida al tratarse de uno de nuestros actores, aunque ¿alguien la ha visto muy anunciada?— y Laura Linney forman por sí solos el suficiente atractivo para acercarse a ver una película —sí, incluido nuestro Toñito—. El problema es que no estamos ante la mejor muestra de sus distintos talentos, sorprendente en el caso de Neeson y esperable en el caso de Banderas aunque no tanto. El caso de Linney es distinto, la brevedad de su papel es lo que lamentamos.

Por otro lado resulta absurdo a estas alturas —algo que ya he dicho millones de veces— hablar de los títulos de las películas extranjeras en nuestro país. Y no sólo en el nuestro, si nos vamos a Sudamérica la cosa está igual o peor. En el caso de la película que nos toca, ‘Crónica de un engaño’ suena a telefilm barato de misterio o algo similar, y lo cierto es que en bastantes momentos lo parece. ‘The Other Man’, su título original, es mucho más sugerente, y haberlo traducido simplemente por ‘El otro hombre’ no hubiera estado nada mal, pero no, hay que poner títulos presumiblemente más llamativos y comerciales, algo que no es criticable hasta cierto punto —una película debe poseer el título que le han puesto sus creadores y punto, lo de más son chorradas—, si no fuera porque muchas veces no consiguen ese efecto, más bien todo lo contrario.

‘Crónica de un engaño’ está basada en una historia corta de Bernard Schlink, el mismo del que se adaptó una obra suya en la magistral ‘The Reader’ (id, 2008, Stephen Daldry), aunque la diferencia entre ambas películas es simple y llanamente abismal por no decir infinita. La película dirigida por Richard Eyre —que consiguió cierto prestigio con la floja ‘Iris’ (id, 2001) y la correcta ‘Diario de un escándalo’ (‘Notes of a Scandal’, 2006)— cuenta la historia de Peter, un importante director de una empresa cuya esposa fallece, descubriendo al poco tiempo que ésta tenía una amante. Movido por la curiosidad se desplaza hasta Milán, donde su mujer se encontraba con un hombre español con el que vivió una intensa historia. Peter entabla relación con el desconocido mientras planea una venganza corroído por los celos.

Eyre desaprovecha todas las posibilidades de la historia. Nada sobre el triángulo amoroso, con la interesante propuesta de que el marido se entera una vez muerta su mujer. Nada sobre el destructivo mundo de los celos. Nada sobre la relación que un hombre entabla con el amante de su mujer. Nada sobre el dolor de perder a la persona amada, descubrir que no siempre fue sincera, e intentar por todos los medios quedar en paz con todo ello. Eyre pone las cartas sobre la mesa pero no las juega, no llega a profundizar de verdad sobre todo lo planteado y algunas de las subtramas que aparecen —la hija del protagonista y su pareja— tampoco reciben un buen trato. La película dura menos de hora y media, y como evidentemente no nos encontramos en los tiempos del cine clásico donde la capacidad de síntesis que había era brutal, Eyre no dispone de tiempo suficiente para desarrollar todos los aspectos de la trama. Además engaña al espectador con cierto detalle sobre la muerte del personaje femenino y que no descubrimos hasta bien avanzada la acción para comprobar que esa omisión no viene a cuento.

Liam Neeson, que últimamente se apunta a un bombardeo, ofrece una de sus más flojas interpretaciones, especialmente cuando debe comportarse como un rabioso celoso que no entiende cómo su mujer le pudo ser infiel, otro de esos aspectos descuidados de la cinta. Antonio Banderas es de lejos el peor de todo el reparto no siendo capaz de dar personalidad a uno de esos perdedores que tan bien suelen quedar en el cine, y Neeson aún en horas bajas le gana la partida. Banderas, actor que ha demostrado más de una vez poseer cierto carisma para determinado tipo de personajes —por ejemplo, cierta joyita de John McTiernan— se extralimita en una interpretación llena de histrionismo y sólo ofrece un buen momento, reservado únicamente el público español y que nada tiene que ver con la calidad de la película, aquel en el que se caga en la puta por una jugada de ajedrez dando a entender el fuerte carácter pasional de los españoles.

Tercera en discordia, casi el McGuffin de la película, Laura Linney, una actriz que le basta con su sola presencia para conquistar al espectador. La pena es que en ‘Crónica de un engaño’ sus apariciones son muy breves, aunque hay intensidad en todas ellas, la que no reflejan en ningún momento sus perdidos compañeros de reparto, que protagonizan uno de los momentos más irrisorios del cine de los últimos años, el de una cena absurda con la que se pretende homenajear a la fallecida y de paso limar asperezas. Por supuesto el trabajo de Linney no llega para salvar una película floja y aburrida, y que se olvidará pronto, antes incluso de ser retirada de cartelera.

‘The Other Man’ es una película que ya tiene un año, y su estreno se ha visto relegado a ser vista en algún festival, mientras que su pase por los cines estadounidenses aún se producirá en septiembre, y de forma limitada. Aquí os traemos un cartel del film que está interpretado por Liam Neeson (¿para cuando un Oscar para este actor, tal vez ‘Lincoln’ de Spielberg?), Antonio Banderas (cuya filmografía en suelo americano empieza a estar llena de despropósitos) y Laura Linney (una extraordinaria actriz a la que también tendría que caerle una estatuilla un año de estos).

La película narra la historia de un hombre que descubre que su difunta esposa tuvo un amante durante años, por lo que viajará por distintos países europeos en busca de ese hombre para conocer la verdad. ‘The Other Man’ ha sido dirigida por Richard Eyre, director de películas como la floja ‘Iris’ o la correcta ‘Diario de un escándalo’.

Como casi siempre, no se sabe la fecha de estreno en nuestro país, pero no me extrañaría nada verla una día editada en DVD, como le pasa, y seguirá pasando a algunas películas que extrañamente no consiguen estreno en nuestras salas comerciales. No creo que exista una razón de peso al respecto. Las distribuidoras jamás han dado ni la más mínima explicación, y así seguirán.

‘Cheri’ es una película que al menos tiene fecha de estreno, no como la anterior que corre el riesgo de dormir el sueño de los justos. Eso sí, será bastante tarde, el 9 de noviembre, y teniendo en cuenta que este mes se estrena en los USA, y que ya ha pasado por el festival de Berlín, el retraso es incomprensible, como siempre (que nadie me venga con las temporadas veraniegas, navideñas, prenavideñas, Semana Santa, previernes festivos, y demás vainas, por favor). Stephen Frears, Michelle Pfeiffer y Christopher Hampton han vuelto a reunirse tras ‘Las amistades peligrosas’ que tan buen sabor de boca dejó.

La película narra una historia ambientada en el París de 1920, en el que un joven es obligado a dar por finalizada su relación con una mujer mucho mayor que él, y que le ha instruido en el arte del amor. Este personaje está interpretado por Rupert Friend, que le da la réplica a la maravillosa Michelle Pfeiffer. Kathy Bates también se deja ver por el film. Ya veremos si Frears sigue en la misma forma que en su anterior trabajo cinematográfico, la estupenda ‘The Queen’.

‘Crossing Over’ tiene a Harrison Ford en su reparto y aún así nada se sabe de la fecha de estreno en nuestro país y eso que en suelo estadounidense se edita en DVD este mismo mes(en serio, esto es una epidemia). Se trata de la nueva película de Wayne Kramer, el mismo responsable de la excelente ‘The Cooler’ y la fallida ‘La prueba del crimen’, y su trama nos recuerda sobremanera a ‘Crash’ (ya sabéis, la magnífica cinta de Paul Haggis que le robó literalmente el Oscar a la mejor película a ‘Brokeback Mountain’). El film versa sobre los problemas de la inmigración en Estados Unidos, con las distintas historias de varios personajes que en algún momento se cruzarán.

A Harrison Ford le acompañan Ray Liotta, Ashley Judd, Jim Sturguess, Cliff Curtis y Alice Braga, y como sigan retrasando su estreno, me temo que muchos la verán por vías alternativas en muy buena calidad, además. Luego las distribuidoras y nuestra iluminada ministra de cultura hablarán sin ton ni son de las bajadas de la red, del top manta y de los mejillones en escabeche, que para el caso es lo mismo. Ya sabéis mi opinión al respecto. Y ojo, no defiendo la piratería, pero la veo muy lógica.

Vía | Impawards

Otro que se pasa a la dirección. Si ayer os comentaba que el guionista William Monahan debutará como realizador en ‘London Boulevard’, hoy me toca decir lo mismo sobre el actor Mark Ruffalo, conocido protagonista de películas como ‘Collateral’, ‘Zodiac’ o ‘A ciegas’ (‘Blindness’), que aunque se vio en Sitges, aún no se ha estrenado en España (lo hará, si no hay más cambios, el próximo ). Ruffalo debutará tras las cámaras con un proyecto titulado ‘Sympathy for Delicious’.

La película estará protagonizada por Orlando Bloom, Laura Linney, Christopher Thornton y el propio Ruffalo. La historia, escrita por Thornton a partir de sus propias experiencias, gira en torno a un hombre (un DJ dice la información) que está paralizado de cintura para abajo y que malvive en las calles de Los Angeles. Sin embargo, un día descubre que tiene la fantástica habilidad de curar a los demás; esto no le incluye a él. El hombre, entonces, decide que quiere desprenderse de su don a cambio de ver cumplidos sus sueños musicales. Una historia extraña, ya veremos en qué queda. El rodaje comenzará esta misma semana en L.A.

Pd: La producción estaba lista para empezar en diciembre, con James Franco en lugar de Bloom, pero tuvo que posponerse por la muerte de Scott Ruffalo, hermano de Mark.

Vía | TheHollywoodReporter

Sonará a comentario gratuito, pero tengo que explicar que soy el mayor de cinco hermanos. Lo digo porque quizás eso explique que ‘Puedes contar conmigo’, una película de aire independiente dirigida y escrita por Kenneth Lonergan, me haya conmovido tantísimo. Es de esas películas que todo el mundo te recomienda, pero que la vas dejando en favor de, todo hay que decirlo, títulos generalmente más mediocres.

Los protagonistas absolutos de esta maravilla están interpretados por Mark Ruffalo y Laura Linney, dos actores no muy conocidos en ese momento (aunque ella había sido Meryl en la espléndida ‘El Show de Truman’), y que luego han disfrutado de un justo reconocimiento por su aportación en películas más conocidas. Ni que decir tiene que, tras ver ‘Puedes contar conmigo’, es imposible imaginarse a otros actores haciendo el mismo papel, porque cada uno le añade tantas particularidades, tantos matices a su personaje correspondiente, que quedan unas actuaciones a todas luces inolvidables.

‘Puedes contar conmigo’ es una historia de amor de hermanos. Dos hermanos que, a pesar de todas sus diferencias, proceden de los mismos padres, y parece haber una fuerza del más allá que logra que, con todo, sigan queriéndose y deseando estar juntos. ¿Es posible que dos hermanos sean contrapuestos? Por supuesto. Muchas veces si tienes hermano mayor y éste te hace sombra, tiendes a seguir caminos alternativos, en forma de rebelión, y te conviertes en lo contrario. Algo así puede haber pasado a Terry Prescott (Mark Ruffalo), un tipo absolutamente echado a perder, con antecedentes penales, que viaja a su pueblo natal en busca de su hermana Samantha (Linney), una empleada de banca, divorciada aunque con una vida muy plena y estructurada. Pronto se desvela que lo que Terry busca de Samantha es un poco de estabilidad, por lo que no tardará en pedirle dinero para poder rehacer su vida junto a su novia.

Cuando su novia intenta suicidarse, Terry decide quedarse un tiempo conviviendo con su hermana y su sobrino Rudy (Rory Culkin), y esto no le es fácil, ya que su idea inicial había sido ir de visita dos días, conseguir dinero y volver. Enseguida congenia con Rudy puesto que le ofrece una forma de pensar más libre y no tan inflexible como la que le impone su madre. Pero los dos hermanos no pueden evitar echarse a la cara las miserias del otro, a modo de ejemplarización, buscando que el otro progrese.

Es una delicia en esta película que, sin buscar la lágrima fácil, permanentemente la roce con momentos sumamente emotivos. Ayuda que en las escenas de mayor adversidad, el silencio se interrumpa para dar paso a piezas clásicas de Bach o temas folk de entre otros, Steve Earle. SPOILER Por ejemplo, el momento en el que Terry está en el coche diciendo que Rudy se suba en el coche para ir a pescar, junto al rostro de admiración de Samantha, es simplemente precioso. Me dan ganas de llorar sólo de escribirlo y recordarlo. O la despedida final, donde demuestran que, a pesar de su difícil convivencia, se quieren uno al lado del otro mientras vivan. FIN SPOILER. Lo mejor es que no son situaciones muy forzadas, sino circunstancias cotidianas, que desechan lo tremebundo y huyen de lo mórbido, evitando tópicos y lugares comunes (la ambientación rural es muy adecuada). ‘Puedes contar conmigo’ sin duda tiene los pies en la Tierra dentro de su intimismo, y esa es probablemente su mejor baza.

El ritmo es algo que hay que asimilar, ya que se disfraza mucho de lento, cuando en realidad es sólo calmado y deja vía libre al espectador para que medite sobre lo que está viendo. Hay tantas anécdotas sobre la personalidad de Terry y Samantha que es normal encontrar referencias en nosotros mismos y nuestros hermanos. ‘Puedes contar conmigo’ te dice muchas cosas, pero ante todo te recuerda que tu hermano/a siempre estará ahí, por mucho que pase los años. Lo que un repipi se limitaría a recitar como “la fuerza de la sangre”. La película deja claro que la relación entre hermanos está marcada por el deseo de enseñar uno al otro, de ser, en fin, uno modelo del otro, y en efecto Samantha lo intenta hacer continuamente con Terry, al que en ocasiones desprecia por la vida que lleva, pero como dice el proverbio, “viendo la paja en el ojo ajeno sin ver la viga en el otro”. Achaca a Terry sus despistes a la hora de cuidar a Rudy, cuando en realidad esto es consecuencia de que ella misma no puede ocuparse de él.

Acompañando a estos dos monstruos de la interpretación que demuestran ser Ruffalo y Linney, se encuentran Matthew Broderick, como el director del banco en el que trabaja Samantha y con el que ella se lleva aparentemente muy mal, y Rory Culkin (sí, hermano de Macaulay), el hijo de Samantha y por tanto sobrino de Terry, que resulta adorable la mayoría de las veces aunque algo “artificial” en otras. Por lo demás, el propio Kenneth Lonergan aparece en lo que podríamos llamar un cameo, como sacerdote que pretende ayudar a Terry.

Tratando el tema que trata, que a priori no es nada del otro mundo, y el ritmo al que uno ha de acostumbrarse, parecería que estamos ante un melodrama aburridísimo. Falso. ‘Puedes contar conmigo’ ofrece un repertorio reflexivo y profundo, que produce interés real en el espectador, de una forma muy realista y espontánea, gracias a un guión perfecto. Cuenta además, no me cansaré de decirlo, con la mejor interpretación de Laura Linney hasta la fecha (miren su papel en ‘La Familia Savages’ y verán que, por lo general, es calcadito), que no en vano obtuvo una merecidísima nominación al Oscar, y no lo ganó porque Julia Roberts en forma de Erin Brockovich se cruzó en su camino. En definitiva, una película muy agradable y enternecedora, de las mejores que han salido de Sundance, con una insuperable definición de personajes y momentos muy logrados. Cuando termine usted de verla, tendrá unas ganas enormes de darle un abrazo a ese hermano con el que no se lleva especialmente bien. Prometido.

Hablar de ‘La Familia Savages’ ahora, tres meses después de su estreno, y con tres críticas estupendas de mis compañeros, puede resultar un poco absurdo. Sin embargo, creo que tanto mis colegas como yo, como cualquier persona que comente, critique o valore una película, cualquier persona que dé su opinión, sincera, razonada, pensada, va a aportar algo diferente, su visión. ¿Para qué leemos las opiniones de los demás si no es para encontrar esa visión diferente que caracteriza (o debería caracterizar) a cada persona?

A menudo me encuentro con personas que dicen frases del tipo “en el periódico dicen” o “me han dicho que” o “el crítico la puso bien/mal”. Personalmente, todo eso a mí me da igual, como si me dicen “tengo un lorito y se durmió viendo la película”. Lo mismo. Prefiero preguntar a las personas que conozco (también entran aquí las “amistades de internet”) y pedirles siempre su opinión. Así es como puedo fiarme de lo que se me dice, así es como puedo crearme una idea sobre si la película me puede gustar o no, si me va a interesar o no. Es conociendo los gustos y la personalidad de uno cuando puedes preguntarle y orientarte según sus palabras. Así lo veo yo, y así pues, tras esta extensa introducción que pretendía justificar la publicación de esta entrada, aquí va qué pienso de ‘La Familia Savages’. Me consta que aún la proyectan en algún cine. Y pronto estará en DVD…

La historia de ‘La Familia Savages’ (‘The Savages’, 2007) gira en torno a dos hermanos, Wendy y Jon, que tras vivir años separados, haciendo sus vidas alejados totalmente uno del otro, se ven obligados a convivir juntos para cuidar de su padre, enfermo, y proporcionarle un futuro digno. Este hecho provocará que los recuerdos y rencores familiares vuelvan a salir a la luz.

Por tanto, tenemos el argumento de una historia cotidiana en un film de bajo presupuesto, justo lo que no llama a la taquilla ni al público en general. ¡Y sin estrellas populares en el reparto! Sin embargo, tened en cuenta las dos nominaciones que la película obtuvo en la pasada edición de los Oscar: mejor actriz y mejor guión original. Sólo faltó la nominación al mejor actor, para destacar los tres grandes cimientos sobre los que se construye una película que mezcla a la perfección el drama con la comedia y que posee una profundidad y una inteligencia poco común en el conjunto del cine actual. Cierto es que la película resulta a veces un poco repetitiva, pareciendo a veces que no avanza, pero el conjunto es altamente recomendable.

He titulado mi crítica como “la vuelta a la tortilla” porque en la película se da la situación de unos hermanos que deben cuidar de su padre, un padre ya muy viejo y enfermo. Las tornas se han cambiado y ahora son los hijos quienes cuidan del padre. Una circunstancia que puede dar lugar a muchas situaciones cómicas en una comedia superficial y a muchas situaciones dramáticas en un telefilm cualquiera. Da mucho juego. Sin embargo, Tamara Jenkins, guionista y directora de la película, apoyada en las sobresalientes interpretaciones de sus dos protagonistas, Philip Seymour Hoffman y Laura Linney, logra que la historia circule por sendas realistas, sin marcar mucho lo triste o lo cómico del hecho que sirve como excusa para el desarrollo de la trama y de los personajes.

La película habla de la famila, pero también de la comunicación (o de la falta de ella), de la felicidad y del indivisualismo. Habla de personas y problemas reales, de cómo afrontarlos. Así, tenemos a dos personajes protagonistas extraordinarios, muy bien dibujados en el guión y convertidos en carne y hueso gracias al trabajo de los actores. Ya digo, faltó que Seymour Hoffman estuviese nominado, pero quizá se pensó que el papel de Linney era más importante y quisieron colocarle como mejor actor de reparto… donde ya era candidato por ‘La Guerra de Charlie Wilson’. Los actores logran que nos metamos en la película, desde el principio, parecen vivos, parece que todo lo que sucede en la pantalla es real.

En este sentido, lo que más me gustó de ‘La Familia Savages’ es que las situaciones se muestran con naturalidad, sin acudir a retratos de personajes rarísimos o escenas donde el absurdo está impuesto para provocar la risa o la lágrima, huyendo de los tópicos. Tener que cuidar de tu propio padre, que te ha cuidado a ti cuando eras pequeño, es un gran problema cotidiano que afecta a muchas personas (en mi familia, sin ir más lejos, pasa algo así con mi abuela). Es la propia esencia de lo que sucede en la pantalla lo que hace reír o llorar, el hecho de que unas personas tengan que decidir si su padre pasa el resto de sus días solo en un asilo o si cuidan de él (el nombre de la familia no creo que sea casual y podría ir por este sentido).

Por supuesto, esto al margen de cómo haya sido ese padre para esos hijos, que ésa es otra, y bien gorda. Cuidar de una persona senil que además ha podido hacer de tu infancia una traumática existencia, tiene narices. En la película, acertadísimamente, todo esto se deja un poco de lado, permitiendo que el espectador saque sus propias conclusiones a partir de detalles sutiles. Bueno, al final hay un detalle nada sutil, pero hay que tener en cuenta que es una representación teatral, y quizá se exagera el hecho; puede, depende del espectador.

Por cierto, sin desmerecer en absoluto a Linney, es increíble lo de su compañero en este film, Philip Seymour Hoffman, interpretando a un hombre de dos caras, que pretende ser práctico, que no le afecta nada, que parece de piedra, para posteriormente, en la intimidad, revelarse frágil y dolido por multitud de situaciones del pasado. Maravillosa la escena en la que su hermana le descubre hablando por teléfono en el cuarto de baño, con la puerta casi cerrada.

En pocos meses hemos podido ver las dos mencionadas y ‘Antes que el Diablo sepa que has Muerto’. ¿Se puede lograr crear a tres personajes tan diferentes, de forma tan viva, y apenas sin modificar su aspecto físico, en películas tan seguidas? Este señor sí puede. Con una mirada transmite lo que no transmiten otros ni recitando a Shakespeare. En la última ceremonia de los Oscar, Javier Bardem, que se llevó la estatuilla como sabeís de sobra, decía que Seymour Hoffman era un monstruo, que era uno de sus actores favoritos; desde luego, es uno de los mejores que pisa el planeta hoy en día. Ha demostrado que es capaz de hacer cualquier cosa, mucho más que el típico raro por el que se hizo popular, especialmente por su trabajo en la demoledora ‘Happyness’ (de Todd Solondz).

Esta película, que debería haberse titulado aquí como ‘Los Savage’, no me parece que sea ninguna maravilla, en su conjunto, pero sí que contiene momentos maravillosos. Y sólo por ellos merece la pena acercarse a verla, alquilarla o comprarla. La humanidad que desprenden sus personajes y su historia es demasiado difícil de encontrar hoy día, demasiado como para pasar de la oportunidad de ver esta película, tan triste y cómica como puede ser la vida misma. Notable.

• Otras críticas de la película:

‘La Familia Savages’, inmensa Laura Linney
‘La familia Savages’, retrato familiar bien contado
‘La familia Savages’, reflexiva tragicomedia familiar

En la pasada edición de los Oscars, los premios de Cine más importantes del mundo, aunque en el fondo sólo le importan a los que lo ganan, Marion Cotillard se hizo con la estatuilla por su performance de Edith Piaf en ‘La Vida en Rosa’, una de esas películas que aún no he visto, algo que enmendaré con el dvd. Éramos muchos los que pensábamos que Julie Christie se llevaría el gato al agua, ya que su interpretación en la magnífica ‘Lejos de Ella’ es de las que impresionan. Competía con ellas Laura Linney, excelente actriz, no demasiado conocida por el gran público, tres veces nominada al Óscar, y otras muchas ninguneada.

‘La Familia Savages’ es una de esas películas que se estrenaron de tapadillo, y que nada tienen que hacer al lado de blockbusters o films mucho más promocionados. No importa que los de la Academia de Hollywood se fijen en ella, y la nominen en un par de categorías, es un film destinado a que lo vean pocos y que permanezca únicamente en la memoria cinéfila de los más exigentes e inquietos. ‘La Familia Savages’, en lo que va de año, es una de las mejores películas que he tenido oportunidad de ver en el transcurso de estos meses, de momento, bastantes pobres.

‘La Familia Savages’ narra la historia de dos hermanos que se reencuentran para ayudar a su padre moribundo. Dos hermanos que han estado alejados por diversos motivos de su figura paterna, y ahora tiene que reencontrase, volver a sus orígenes, con todo lo que eso supone. Enfrentarse no sólo a un pasado del que han huido, sino valorar lo que es ahora sus vidas, un tanto anodinas y llenas más bien de tristezas y fracasos.

Tamara Jenkis dirige y guioniza una película que sobre todo se apoya en dos portentosas interpretaciones, las de Laura Linney y Philip Seymour Hoffman, que dan vida a esos dos hermanos tan diferentes entre sí, y al mismo tiempo tan iguales y necesitados el uno del otro. Los dos actores se compenetran a la perfección, aunque probablemente, y esto es más del guión que de otra cosa, es la Linney quien carga con el peso de toda la historia. Su personaje, una mujer enrollada con un hombre casado que nunca dejará a su esposa, frágil, descontenta, vulnerable, y harta de la existencia que lleva, es un claro reflejo de la vida real. Sin trampa ni cartón, un personaje vivo, auténtico, de los que se palpan y llegan como ninguno al espectador.

Puede que el film sea algo reiterativo, cayendo en su parte central en la repetición, dando la sensación de que no avanza. Incluso los motivos de una posible enemistad en el pasado entre el padre y sus dos hijos, no están claros del todo, salvo por cierta escena en una representación teatral. Pero la intensidad es una de las armas de Jenkis, que apoyándose en las mencionadas interpretaciones, logra un drama sincero, duro, muy íntimo y nada convencional. Las relaciones familiares, el perdón, el olvidar todo lo malo, el luchar y nunca cansarse de ello, el reconocer la mediocridad, el superarlo, el día a día, claves que poco a poco y con tesón pueden traer la felicidad a personajes que parecen olvidados de la mano de Dios, personas normales y corrientes que se funden en la inmensa jungla de personas en la misma situación de crisis de identidad.

‘La Familia Savages’ es una estupenda película que contiene alguna que otra incómoda escena (la conversación en el bar acerca de los deseos en caso de muerte del padre, al que da vida un entregado Philip Bosco). Disfrutable de principio a fin, a pesar de este estancamiento en su parte central, finalizada además con una secuencia memorable que resume la esencia de su trama en lo que es una sutil declaración de intenciones.

En Blogdecine:

• ‘La familia Savages’, retrato familiar bien contado
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