‘Pulp Fiction

El título más emblemático y que más gloria le ha dado a Mr. Tarantino encuentra una nueva edición, ahora en Blu-ray de la mano de Emon, que recientemente va a distribuir los títulos más destacados de Miramax. La edición, que tiene el detalle de recuperar el cartel original, no trae demasiado contenido extra. Al menos tanto como que el poseedor de una buena edición en DVD opte a hacerse con ella: solo el cómo se hizo y el tráiler (en un único disco). Su precio es de 17,95 euros y estará disponible desde el próximo miércoles 9 de noviembre.

En Blogdecine: Quentin Tarantino: ‘Pulp Fiction’, la culminación de un estilo

Trilogía ‘Crepúsculo’ Pack Especial

Para calentar motores antes del próximo estreno de una nueva entrega, los sufridores fans de la saga se pueden lanzar en éxtasis hacia las estanterías el próximo miércoles. Motivo principal: el lanzamiento de un pack especial de la trilogía en Blu-ray con seis discos para mayor deleite. Y como regalo exclusivo un póster en el pack. Todo por el módico precio de 39,95 euros. Pero ojo que si bucean un poco más, encontrarán una edición más módica con tres discos y otra para fans más adinerados y que no puedan resistirse, con nueve discos y que incluye entrada para ver ‘Amanecer: Parte 1’ el próximo 18 de noviembre.

En Blogdecine: La saga Crepúsculo: Amanecer, Parte 1

‘Jackie Brown’

Al igual que con la mencionada ‘Pulp Fiction’, los seguidores de Tarantino también podrán adquirir en alta definición este otro título, compartiendo características: mismo precio de 17,95 euros (fecha de salida: 9 de noviembre). Y de extras, muy corta: solo entrevistas y el tráiler. Ya se podían haber estirado y añadir contenido más atractivo y que hubiera completado una edición ideal para coleccionistas.

En Blogdecine: Quentin Tarantino: ‘Jackie Brown’, la menos tarantiniana, la más fascinante

‘Abierto hasta el Amanecer’

Y siguiendo la misma estela, completamos otra novedad de Emon con este título de Miramax que sí que se explaya en los extras. Es curioso que por el mismo precio (17,95 euros) obtengamos la película en alta definición y también contenido abundante como: tomas inéditas, making of, documental, vídeos musicales, tomas falsas, escenas eliminadas y tomas alternativas… esto sí que motiva mucho más.

En Blogdecine: ‘Abierto hasta el amanecer’, la mejor película de Rodríguez

‘Le llaman Bodhi’

Pura acción para ‘Le llaman Bodhi’, una película de culto, con Keanu Reeves y Patrick Swayze que nos sumerge en el ambiente del surf. Donde se desarrolla una historia intensa, emocionante y plenamente disfrutable. Lo mejor de todo es su precio, se lanza en Blu-ray a tan solo 9,95 euros y con algo de contenido extra. Con estos precios, sí que disfrutan los coleccionistas. Al menos el que no tuviera ya la edición anterior, no muy diferente y lanzada en 2008.

‘Michael Jackson: La vida de un ídolo’

Producido por David Gest, amigo íntimo del ídolo Michael Jackson, este documental intenta convertirse en un legado apropiado para recordar al artista. Un repaso a su trayectoria, su vida, el declive… contiene 90 minutos de entrevistas extra y también metraje nunca visto. Parece alzarse como ese documental definitivo para los que quieran recrearse y recordar a Michael Jackson. Su precio es de 24,95 euros (un disco).

‘Copycat (Copia Mortal)’

Historia policial con dos veteranas de la gran pantalla como principal reclamo: Sigourney Weaver y Holly Hunter a la caza de un asesino en serie. Película de 1995 dirigida por Jon Amiel y que no obtuvo una acogida demasiado cálida y masiva en cines. Así que ahora los fans de las protagonistas y de los thrillers de los noventa tienen oportunidad de rememorar la historia. El lanzamiento no trae extras relevantes y llega a un precio de 9,95 euros.

‘Scream 4’

Los aficionados al cine de terror que tanto han disfrutado con esta saga, ahora encuentran un nuevo lanzamiento, en esta ocasión la cuarta entrega en Blu-ray en una cuidada edición en cuanto al contenido que acompaña a ‘Scream 4’: dos tráilers nacionales, dos teasers internacionales, spots de televisión, B-roll, entrevistas con los protagonistas, escenas eliminadas, tomas falsas y el imprescindible making of. No está nada mal, aunque el precio lo eleva a 29,95 euros. Un poco excesivo para un solo disco. Aunque también podemos encontrar una edición especial en DVD con dos discos y mismo contenido por 20,95 euros (y también lanzamiento del resto de títulos de la saga, por si queremos completar nuestra colección).

En Blogdecine:

• ‘Scream 4’, desastroso regreso

• ‘Scream 4’, guiños y alaridos

‘Rounders’

Un excelente reparto encabezado por Matt Damon y Edward Norton para esta historia de jugadores de cartas envueltos en intrigas, apuestas, personajes siniestros y con la intriga como máxima (dirigida por John Dahl en 1998). El lanzamiento en Blu-ray, que ya tuvo una edición anterior a propósito del décimo aniversario del film, llega con contenido extra como otro de sus reclamos, aunque tampoco excesivamente jugosos. El precio es de 17,95 euros.

‘El castor’

Dejamos para el final el único título que podemos destacar de una película cuyo estreno ha sido reciente. Esta comedia negra protagonizada por Mel Gibson y Jodie Foster (que también dirige) que pasó de puntillas por las salas (y con críticas tibias), ahora llega en DVD (el próximo miércoles 9). Una emotiva historia de un hombre inmerso en un viaje para redescubrir a su familia y reanudar su vida. Viene acompañada de buen contenido extra (a un precio no facilitado).

En Blogdecine:

• ‘El castor (The Beaver)’, Jodie Foster trata de rescatar la imagen de Mel Gibson

• ‘El castor’, Mel Gibson salva un endeble relato

Vía | ZonaDVD

Hace unas horas puse 22 películas de aventuras del total de 50, y ahora os pongo 28 más, para no hacer el post demasiado largo. Sigue siendo mi cumpleaños, así que también podéis felicitarme aquí. Y siguen siendo maravillosas todas. Por supuesto cada cual tendrá las suyas, pero qué gozada escribir sobre esto.

‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’

Una de las más bellas películas de los últimos años, tal cual. Ya hablé de ella en otra ocasión, pero no me canso de decir que es una de las más conmovedoras y preciosas aventuras que cualquier ha podido ver en una pantalla de cine. La saga del niño mago nunca volvió a ser tan impresionante.

‘Las dos torres’

Hace poco hicimos un especial en blogdecine sobre esta saga, en el que expliqué mis razones por las que considero a la magistral segunda parte, la mejor de las tres, con muchísima diferencia.

Serie Indiana Jones

Si hablamos de aventuras, es inevitable hablar de Indy, aunque no creo que su saga sea la mejor de todas, ni mucho menos, pero su carisma y su alcance son incontestables. En el especial sobre Spielberg ya dijimos muchas cosas sobre Indy, pero la mejor sin duda la tercera, y la cuarta ni mucho menos tan insufrible como muchos fanáticos dicen.

‘Terminator’/‘Terminator 2’

James Cameron elaboró un mito del cine con estas dos películas, algo que no siempre se recuerda cuando el personal se muere de ganas de irle a la yugular por la envidia de su cuenta corriente. La aventura siniestra y terrible de la primera película se ve ampliada por una segunda muy exigente y tan conmovedora como la primera. Inigualable.

‘Alien’/‘Aliens’

Imposible no mencionar a las das aventuras por excelencia dentro del marco del horror espacial. Lástima que sus sucesoras no estuvieran a la altura y devaluaran una saga que prometía ser lo mejor de lo mejor. Personalmente, prefiero incluso la segunda a la primera, aunque muchos no dirán lo mismo. Da lo mismo. Se pueden ver quinientas veces y nunca te cansas.

‘Titanic’

Probablemente, la película de aventuras más grandiosa de la historia, o una de las más grandiosas, que consigue el milagro de mezclar melodrama y drama social con la aventura más arrebatada, sin perder jamás el norte. Sin duda, los muchos prejuicios del personal les impiden disfrutar al máximo de esta obra maestra. Ellos se lo pierden.

‘Avatar’

Doce años después de la anterior, Cameron se marca una película de aventuras inalcanzable para el 99% de los directores del género. Mientras la ves, crees que todo es posible, y cuando termina (se pasa en un suspiro) te preguntas cómo lo ha hecho el cineasta para atraparte por el pescuezo y no dejarte apartar la vista de la pantalla. Imprescindible.

‘Kill Bill’

El díptico de Tarantino en realidad son dos películas. Aunque también puede verse como una grandiosa película de aventuras en una unidad. Los que se quieran quedar con las referencias interminables o los rasgos de estilo, que lo hagan. Yo me quedo con el arrastre emocional de una aventura extraordinaria.

‘La casa de las dagas voladoras’

El maestro Yimou, después de aquella inolvidable ‘Héroe’, que era casi una abstracción entre la danza y la esgrima, se lanza a por una aventura mucho más abierta y generosa, mucho más conmovedora y arrebatada que aquélla. A destacar la secuencia en el bosque de bambú. Aventuras superlativas.

‘Jungla de cristal’

La madre de todo el cine de acción moderno es esta obra maestra de aventuras de John McTiernan, quien merecería, quizá, más títulos en esta selección de ‘delicatessen’. La odisea de un policía solitario enfrentado a un grupo de ladrones en una torre de acero y cristal es ya uno de los clásicos indiscutibles del género.

‘Le llaman Bodhi’

Nunca se filmó el mar con la belleza que tiene en esta película, en toda la historia, y no me tiembla la picota al afirmarlo. Bigelow, a quien he defendido durante décadas, y a la que de repente todo el mundo parece admirar (qué casualidad…), dirige su obra quizá más floja desde un punto de vista de argumento, pero más poderosa desde el punto de vista de aventura suprema.

‘Batman Begins’/‘El caballero oscuro’

Christopher Nolan es un director no demasiado personal que, sin embargo, está dotado con un instinto maravilloso para la aventura más grandiosa. Probablemente sus alambicados guiones están cogidos con alfileres. ¿Y a quién le importa? El subidón de adrenalina que proporcionan sus dos Batman bien merece un aplauso. Auténticas joyas de aventuras.

‘Superman’

Seguramente, la más bella adaptación que se ha hecho de un superhéroe famoso, y la mejor película de Richard Donner, que filma a lo John Ford una historia maravillosamente escrita, que condensa la mitología del protagonista con endiablada habilidad y que es una aventura que no ha envejecido lo más mínimo a día de hoy. De hecho, está más viva que nunca.

Serie ‘Mad Max’

Esta trilogía creo que no tiene el reconocimiento que se merece, cuando es, al menos para mí, una serie clave para comprender el cine de aventuras moderno. Magistralmente dirigida por un director de gran talento siempre olvidado como lo es George Miller, es el ejemplo máximo de aventuras post-apocalípticas, nunca superadas.

‘Stalker’

El poeta Andrei Tarkovski filma lo que vendría a ser un filme de aventuras pasado por su personalísimo filtro. Película de itinerario, existencialista y de apariencia lenta, es un vertiginoso viaje al fondo de la conciencia. Su rodaje fue un infierno, y tuvo que repetirse cuando se destruyeron las copias, pero el resultado es insuperable.

‘Starship Troopers’

Verhoeven en su versión más aventurera, aunque no fue del todo comprendida por muchos, es de una fuerza y un ritmo inigualables. El pijo destructor de bichos es probablemente su película más enérgica y más divertida, aparte de una aventura extraordinaria.

‘Star Wars’/‘El imperio contraataca’

Como le estamos haciendo un especial a ‘La guerra de las galaxias’, mejor os remito a ese link, pero os hacéis ya una idea de las cosas que puedo decir.

‘Tiburón’

Spielberg cuando quiere, y no siempre quiere, es el más grande. Pareció que el cine de aventuras se le quedaba pequeño, e intentó otras cosas, pero no hay nada pequeño en el cine de aventuras, cuando está tan bien hecho como esta cosa genial. Insuperable la cacería al gigante tiburón blanco.

‘La princesa Mononoke’

De todas las películas de animación que se me pasan por la cabeza, quizá esta sea la más aventurera, la más generosa y trágica, la más violenta y terrible. Miyazaki ha hecho muchas obras maestras, pero esta es la maestría aventurera absoluta.

Y esto es todo. Ya sé que hay muchas más. Sólo he nombrado 50 obras maestras del cine de aventuras. A ver si ponéis vosotros, lectores, 50 más, que las hay de sobra.

• 50 obras maestras del cine de aventuras (1)

En verdad, no creo que una película necesite de actores shakesperianos para ser una importante película. Sí estaría bien que la película hablara de cosas importantes, y fuera una experiencia sensorial y emocional para el espectador. Y sí, muchas veces, se requiere de un intérprete, o varios, con los que seamos capaces de “conectar”, como se suele decir, anímicamente, para que él sea nuestros ojos, nuestros oídos y nuestra conciencia, trasladada a la pantalla. Sin embargo hay actores que por su mera disposición interior (nula) provocan una sensación de vacío y opacidad con la que no se puede establecer relación.

Reeves es uno de esos actores. O por lo menos lo es ahora, porque hasta 1992 se trataba de un profesional bastante interesante, que lidiaba con las promesas de entonces en convertirse en un buen actor, y que por razones indescifrables ha terminado poseyendo menos fuerza dramática que un peñasco en el fondo de un lecho. Siendo, como es, una de las estrellas norteamericanas más conocidas, creo que sin duda es el actor menos interesante, el peor, de todos los de su generación.

Su nombre significa “brisa fresca sobre las colinas” en hawaiano, y resulta irónico, porque esa brisa fresca es lo que tantas veces se echa en falta en sus trabajos, pues demasiadas veces da la sensación de que está en ausencia, limitándose a aparecer por el rodaje y soltando sus frases, sin el menor interés. Ha tenido una vida personal difícil, pues ha perdido a su mejor amigo (River Phoenix), a su novia y a su hija no nata, pero no estamos aquí para hablar de eso, sino de su trayectoria creativa, que empezó bastante bien, dio algunos títulos muy interesantes, y luego se hundió en una serie de decisiones a las que no supo aportar nada.

Una carrera meteórica…

Empezó bien, el efebo, pasando de comedietas intrascendentes, o de olvidables trabajos televisivos, a hacer ‘Las amistades peligrosas’, o la interesante ‘Te amaré hasta que te mate’. Poseía un rostro peculiar, muy dulce, un físico rotundo, y una mirada misteriosa. Esos rasgos físicos fueron espléndidamente explotadoso por dos talentos como Kathryn Bigelow y Gus Van Sant, en las primordiales ‘Le llaman Bodhi’ y ‘Mi Idaho privado’, a las que añadió su extraña y esquiva melancolía, y su enigmática presencia. Fueron sus dos mejores trabajos.

De ahí pasó a convertirse en el más insulso Jonathan Harker de la historia del cine, de la mano del genio Coppola, que confió en él para este papel, porque le convenció su dulzura de carácter y su profesionalidad. Por suerte salía poco en la película, y Coppola pudo extraer lo que pudo de él. Repitió con Van Sant en una de las menos destacadas películas de este realizador, ‘Even Cowgirls Get The Blues’, y trabajó con el siempre aburrido y autocomplaciente Kenneth Brannagh en la olvidable ‘Mucho ruido y pocas nueces’. Sin embargo los grandes jefes de Hollywood ya se habían fijado en su cara bonita y en su cuerpo de gimnasio y le ficharon para ‘Speed’, un digno espectáculo en el que Reeves no está del todo mal.

...para tan poca cosa

Convertido en estrella, a partir de ese momento, su carrera da más bandazos que un borracho al amanecer: participa en la extraña y casi matrixera ‘Johnny Mnemonic’, en la memez que va de melodrama latino ‘Un paseo por las nubes’, en la ridícula ‘Reacción en cadena’ (en la que ya comienza con sus kilos de más y sus barbas de abandonao…), en la espantosa ‘Pactar con el diablo’ (que quiere dar miedo y da risa), y otras cochambres, hasta que llega el gran éxito de ‘Matrix’, que es otra cochambre, pero esta vez muy cara y con mucho marketing.

Mientras tanto, ha ido perdiendo ese rostro efébico, sustituido ahora por otro que parece de esparto, mientras que sus numerosos accidentes de moto le inhabilitan para moverse con soltura en secuencias matrixeras de saltos y peleas (¿alguien se ha fijado que no puede mover el cuello?). Eso sí, prosigue en patrañas romanticonas, de esas que siempre atraen a algunas miles de atolondradas espectadoras, aunque ya no queda casi nada de su dulzura y su cuerpo danone. Pero es Keanu, dicen. Y sin la penosa sotana de Matrix todavía tiene algo.

Lo más destacado que ha hecho en los últimos años es el embolao de ‘A Scanner Darkly’, del ingenioso Richard Linklater. Por lo demás, ha reincidido en matrixadas como ‘Constantine’, en la que el abundante CGI maquilla su desinterés por su oficio. ¿Cómo es posible que tenga la misma cara de Neo que de romántico enamorado, de jugador de rugby, o de extraterrestre vengador? Ni un solo momento destacable, ni una secuencia inspirada. Reeves, que cuentan que es un tipo estupendo, muy agradable y educado, debe ser además, un excelente jugador de póker.

‘Le llaman Bodhi’

1. Bigelow, que de repente está de moda, filmaba la persecución a pie más impresionante que recuerdo. En realidad está dentro de una secuencia más grande, que empieza con una persecución en coche a los ladrones de bancos con caretas de ex-presidentes, pero una vez Bodhi (el fallecido Patrick Swayze) se ve obligado a huir de Utah (Keanu Reeves, por entonces un actor decente), somos testigos de un asombro que dura más de dos minutos. Un empleo asombroso de la Steady-Cam (que debería estudiarse en las escuelas de cine) para una secuencia que es toda una coreografía insuperable.

2. También tiene los dos mejores robos de bancos que he visto, muy superiores al tan alabado (y que a mí me deja frío, sinceramente) robo que perpetra Robert DeNiro en la sosa ‘Heat’, de Michael Mann. El cine gélido y distante de Mann está muy lejos de la generosidad y la voluptuosidad narrativa de la Bigelow. El primero robo, al principio de la historia, es breve y brutal, sin música, seco y directo como un puñetazo. El segundo es una dilatación angustiosa del tempo. Mítica Bigelow.

‘Terminator 2’

Por supuesto, la escena por todos recordada es aquella, asombrosa, de la persecución del T-1000, conduciendo un enorme camión, sobre John Connor, que escapa como puede en una moto de pequeñas dimensiones, hasta que llega el T-800 y le salva en el último momento. Una secuencia de larga duración, que supone el Himalaya para el 99% de los directores de acción

‘Jungla de cristal’

John McTiernan siempre ha sido un buen director, y en los años ochenta encadenó tres estupendas películas. La tercera, esta, es una joya cuya acción no ha envejecido absolutamente nada, y que tiene varias secuencias de acción impresionantes, pero sobre todo esa en la que McClane, finalmente, y después de muchos esfuerzos, se ve obligado a bajar por el hueco del aire acondicionado. Toda una set-piece insuperable.

‘Kill Bill Vol.2’

Las mejores secuencias de acción no sólo son las mejor realizadas, como también es el caso aquí, si no las que cuentan más cosas sin olvidar a los personajes. Eso Tarantino lo cumple a la perfección en la larga secuencia de la caravana de Bud en la que éste se ve sorprendido por una serpiente venenosa, y después Elle es sorprendida por La Novia, iniciando una de las peleas más salvajes que se recuerdan, y es que duele sólo de verlo. El detalle del ojo, antológico.

‘Indiana Jones y la última cruzada’

La mejor de todas la de Indy, de lejos, y la que contiene mejores y más elaboradas secuencias de aventuras. Para mí, la evasión del dirigible, con el consiguiente enfrentamiento a los cazas nazis (primero en el aire, luego en coche, luego a pie…con inesperada resolución) está entre lo mejor que he visto jamás en el cine de aventuras. Impagable Sean Connery.

‘Aliens’

Hay varias, pero la huida frenética por los túneles del aire, con una inquietante luz roja que todo lo impregna, quita la respiración, por la soberbia combinación de la música, el montaje y el ritmo de los actores.

‘The Terminator’

Si una secuencia es un bloque temático, entonces en justicia la secuencia en la que la máquina asesina por fin encuentra a Sara y en la que Kyle la salva in extremis, duraría hasta que la policía los detiene. Es decir, más de quince minutos de secuencia, ahí es nada, en una de las mejores películas de todos los tiempos. Nunca se había visto que, mientras un coche va a toda velocidad, un personaje le cuente a otro detalles cruciales de la historia.

‘Apocalypse Now’

Imposible olvidarse de la Cabalgata de las Walkyrias, profusamente analizada en este artículo de hace algunos meses.

‘Tiburón’

En esta obra maestra, una vez salen en busca del tiburón para darle caza definitivamente, sería justo decir que todo es una enorme secuencia, pues no hay cambio de lugar, ni temático, y el tiempo transcurre sin grandes saltos o elipsis. Spielberg nunca fue tan poderoso y tan terrorífico, y ver a un tiburón gigante persiguiendo a los cazadores hasta que el motor del barco revienta, es algo mítico.

‘Centauros del desierto’

La obra cumbre de John Ford (con el permiso de ‘El hombre tranquilo’) concluye con un ataque final que, a día de hoy, sólo ha sido igualado, pero nunca superado. La historia se cierra con el suspense de la infiltración de Martin en el campamento indio, y el ataque frenético de los rangers, recogido en planos laterales a toda velocidad que aún hoy, con tanta pijada de los Bourne, impresiona muchísimo.

‘Ran’

El padre de la acción y la aventura moderna, parafraseando a Coppola, no es otro que Kurosawa, que en el ataque al castillo de esta película, logra lo que se llama un prodigio irrepetible, un trenzado de dinamismo y de horror, un fracaso de la raza humana, la más cruel de las criaturas. Kurosawa es el más grande.

‘Los siete samuráis’

Y para terminar, la secuencia del combate final en ‘Los siete samuráis’, que tardó varios meses en rodarse (ya que Kurosawa exigía, por ejemplo, que la lluvia respetara siempre el raccord de luz), y que como la anterior citada, es un logro colosal que muy pocos cineasta se han atrevido a desafiar.

Por supuesto que hay más escenas importantes, de películas espléndiadas, pero estas escenas de acción son las que revisiono una y otra vez.

Estoy convencido de que si el cine norteamericano de género se hubiese limitado a repetir, sin más, las viejas fórmulas consideradas clásicas, no hubieran hecho otra cosa que reducirlo a un mero “cuento de la vieja”, con distintos elementos pero el mismo esquema. Es fascinante hablar y estudiar el trabajo de aquellos cineastas valerosos que, con una sensibilidad fuera de toda norma, transforman la apariencia de un arquetipo (en este caso, el policíaco) y le dan un ímpetu y una óptica que antes de ellos hubiera resultado impensable.

Y la prueba de que es cine personalísimo es que, a la hora de copiarlo, otros cineastas fracasan miserablemente. Son muestras de género que se sale del género. Un género en sí mismas. Creo que ‘Point Break’ (sugerente título para que luego nos lo traduzcan con el horroroso ‘Le llaman Bodhi’, que no pienso volver a emplear, queda avisado el lector) es una de esas muestras. Una extraña película de acción que se alza muy por encima de sus tópicos, para convertirse en una experiencia sensorial, cuyas no pocas virtudes se alzan muy por encima de sus numerosos defectos estructurales. Y todo gracias a su directora. Y es que lo más importante, siempre, acaba siendo la aportación del director.

Causa pánico pensar en esta historia firmada por alguien diferente a Bigelow. Si cualquier otro con menos personalidad y menos agallas que ella hubiera tomado las riendas, parece difícil que esta historia de surferos atracadores de bancos (!!!) hubiera llegado a ser nada más que un espectáculo dudoso sobre jovenzuelos cachas, tías buenas, robos y tiroteos. Y no sólo está Bigelow para conseguir el milagro (porque esto es un milagro), sino también James Cameron, que vio las posibilidades de esta historia en manos de su entonces esposa, le dio algunos toques al guión y ejerció de productor ejecutivo. Porque, seamos sinceros, el guión no es nada del otro mundo, pues aunque tiene algunas secuencias bien escritas (los momentos previos al penúltimo robo), no paso de correcto, y está plagado de clichés.

La razón principal de que esta película se mantenga en pie dieciocho años después, me parece, es, para empezar, la implicación emocional de la directora. Más que emocional, espiritual, diría yo, pero ya llegaremos a eso. Bigelow hace un alarde de coherencia y profundidad en su puesta en escena, demostrando que lo importante no es qué cuenta la historia, sino cómo se cuenta, cómo la mirada del director sublima, por decirlo de alguna manera, esa historia. Bigelow es un titán cinematográfico que antes del uso masivo de la infografía (y de los vergonzosos etalonajes digitales, y de los montajes sincopados donde nada se ve, porque no hay nada que ver) filma una de las películas de acción más dinámicas, intensas y estéticas de la historia.

Ahora, no hay película de acción donde no sólo la imagen (que hasta cierto punto, es comprensible que se retoque) sino los mismos elementos que la componen, estén modelados “después” del rodaje. Es decir, no son elementos que se filmen con la cámara. Pero en ‘Point Break’ todo lo que vemos está recogido con ella. Esto le puede parecer irrelevante a un aficionado al cine cuya cinefilia ha nacido con ‘El señor de los anillos’ (cuya magnífica segunda parte tiene en su mejores momentos de aventuras aquellos en los que no hay 15.000 guerreros creados por ordenador), pero la diferencia estriba en la sensación que se transmite al espectador.

El CGI es una herramienta más, pero no es un elemento capital de la puesta en escena. No tiene mayor importancia, ni menor ciertamente, que el atrezzo. El cine opera con realidades, y cuando los actores de esta película cabalgan una ola, saltan de un avión en pleno vuelo, o cuando el operador jefe (Donald Peterman, que aquí firma su mejor trabajo de lejos) captura un ambiente lumínico determinado en el mar, es el ambiente que, perfeccionado con algunos filtros y el uso de los objetivos (que pienso que debería estudiarse en las escuelas de cine) había en el rodaje. Por tanto la sensación es la de asistir a algo real. Y pocas veces se ha asistido a una aventura tan física y, al mismo tiempo, tan hipnótica y abstracta.

Sobre todo, pocas veces, o quizá nunca, se ha filmado el mar como en esta película. Esa es la primera identificación emocional de Bigelow a la hora de construir el relato (la forma) sobre la historia (el contenido). En el guión estaba escrito un diálogo, perteneciente al propio Bodhi: “no tienen ideas claras acerca del mar, por lo que nunca van a entender su lado espiritual”. Esto, que está en una página de diálogo, Bigelow lo hace realidad, con la complicidad total de Peterman, y juntos nos regalan bellísimas y también espirituales imágenes del mar.

Lo que intento explicar es cómo una directora convierte en imágenes un guión, y lo hace de forma plenamente cinemática. Es decir, con imágenes y sonidos, y no con herramientas literarias o teatrales. Pongamos por caso la secuencia de créditos, que aparentemente no es más que otra secuencia de créditos más, con dos acciones en paralelo que presentan al surfista (presumiblemente Bodhi) y al poli (un sorprendentemente sólido Keanu Reeves, intérprete muy limitado). Pero hay mucha más en esa secuencia de apertura de lo que quizás aparenta. Decíamos imágenes bellísimas y también espirituales del mar. Con el uso de la música (obra de Mark Isham, también lo mejor que ha firmado) y con ese montaje en paralelo, la altura plástica de las imágenes de las olas es algo más que eso, es algo espiritual.

Y esto es por las decisiones de puesta en escena de Bigelow. Primero, no se le ve nunca la cara al surfista, es casi siempre una sombra. Luego está la conexión física del agua, pues llueve en la prueba del poli. Con todos los elementos unidos, ¿no parece casi una secuencia onírica, poética? ¿No parece una expresión del interior de Utah, desconocido incluso para él, de su ansia espiritual, que le llevará a una aventura catártica? El mar, transformado en lluvia, parece llamar a Utah. Es decir, el destino está trazado para él.

Es esta identificación emocional profunda con un personaje bastante simple desde un punto de vista psicológico (eso que los puristas tanto buscan y defienden) lo que salva las lagunas, a menudo profundas, de un policiaco cuyos elementos precisamente policiacos son auténticos tópicos. Para Bigelow son sus héroes porque son personajes atados a la necesidad de adrenalina, que en este caso se obtiene gracias a deportes de riesgo como el paracaidismo, el surfimos, o a actividades fuera de la ley, como los robos de bancos. Lo sorprendente es que si Bigelow no hubiera potenciado esos rasgos emocionales, y se hubiera limitado a filmar las secuencias de acción como mejor pudiera, el resultado habría sido muy superior que el 99% de lo que los directores norteamericanos han ofrecido en el género de acción en las últimas dos décadas.

Allí donde otros fracasan, porque para ellos una experiencia estética no puede lograrse con otra cosa que no sea un mamotreto colorista, barroco, hiperrealista, Bigelow les da lecciones de puesta en escena, porque ella entiende bien cuál es su oficio. Toda su labor con los distintos elementos que conforman la puesta en escena, el sonido, la materia misma de la imagen, va en una misma dirección, de ahí viene el término dirección, y no de otro. Con su cuarta película como realizadora, y gracias, por decirlo de alguna manera, al mecenazgo de James Cameron, Bigelow se consolidaba como una personalidad cinematográfica de raza, y continuaba navegando por las procelosas (más aún para una mujer) aguas del cine de acción de su país

En Blogdecine:

• Kathryn Bigelow y la adicción

¿De dónde nace ese vacío que los personajes más vibrantes e inquietantes de la realizadora californiana Kathryn Bigelow necesitan llenar desesperadamente con una compulsión, con una adicción? Quizá ella misma sea una de esas personas incapaces de vivir una vida gris y rutinaria. Quizá se ha convertido en una de las directoras norteamericanas más importantes y conocidas, sino la que más, para alejar de sí ese vacío. Eso sólo lo sabrá ella. A nosotros nos queda su trabajo como directora, que ya tiene un recorrido de tres décadas, y que de momento se cierra con una de esas películas malditas (últimamente, demasiadas) que no acaban de estrenarse nunca.

Poseedora de un estilo poderoso, y de unos intereses bastante alejados de lo que suele esperarse de una directora (hay tan pocas, además), con historias pobladas por hombres, en las que la testosterona, la acción muy física, los temas heroicos y muy masculinos, Bigelow se erige como uno de los mejores directores del cine de acción de todos los tiempos, por el dinamismo y energía que laten en el corazón de sus imágenes. No es, sin embargo, dueña de una carrera todo lo brillante que podría haber sido. Pero poco importa. Más interesante es hablar sobre esa obsesión en torno a las adicciones que dominan y moldean las vidas de cierto tipo de personas. Curiosamente, los que ella convierte en sus protagonistas.

Cuando digo que su carrera no es todo lo importante que podría haber sido soy consciente de la dificultad que debe tener una mujer para dedicarse al tipo de cine que a ella le interesa. Y con todo ha dirigido una superproducción de gran complejidad (‘K-19’) y ha influenciado, no poco, al mejor y más destacado cine de acción y aventuras de los años 90, sobre todo con su pieza catedralicia ‘Le llaman Bodhi’, aunque seguramente ninguno de sus discípulos ha igualado su fuerza expresiva ni su deslumbrante dinamismo. Sin embargo no hay duda de que su carrera ha sufrido de una dispersión y una carencia de fluidez que han terminado por aguar, siquiera parcialmente, la aportación de esta gran directora.

De gran temperamento visual, no en vano una de sus pasiones es su excelente actividad como pintora, comenzó con una película codirigida con Monty Montgomery, que no ha envejecido nada bien, y que era poco más que un tímido inicio a base de clichés y lugares comunes, que sin embargo poseía una extraña y opaca belleza. ‘The Loveless’ tiene poco de Bigelow, pero ahí estan los primeros esbozos de una personalidad, Vance, cuyo violento carácter y obsesiva personalidad se hermana, aunque sea lejanamente, con otros personajes de la directora.

Por suerte para ella conoció al gran guionista Eric Red, y con él comenzó esa indagación, que dura hasta nuestros días, en torno a la adicción. Primero la adicción de la que hablaba la película que hizo con este escritor, ‘Near Dark’, que en España tuvo el bello título de ‘Los viajeros de la noche’), que más que una necesidad de la sangre, es una historia sobre la adicción a la vida, más allá de la muerte. Y que por ahora ha culminado con su bélica ‘The Hurt Locker’, que por contra habla de la adicción a la guerra, o lo que es lo mismo, la adicción a la cercanía de la muerte. Pero ella no habla de este tema, verdadero motivo de que se ponga a dirigir, de forma explícita.

Lo hace de forma sutil, mientras regala al espectador toda su batería visual y sonora, en sus habituales hipnóticas y frenéticas realizaciones. Todo ello puesto al servicio de la sensación última que le queda al espectador: la vida no es más que otra adicción. Sin respuestas ni falsas componendas, Bigelow se esfuerza, en sus mejores trabajos, por demostrar la precariedad de la vida, y ese impulso oscuro que nos hace mirar al borde del precipicio. Quizá por eso sus filmes menos logrados (‘K-19’ o ‘El peso del agua’) lo son porque en ellos no hay nada que ella pueda reconocer como suyo, como propio. Siendo portadoras de grandes valores narrativos, carecen de la densidad del gran cine de esta directora, de su conmovedora desesperación.

Sólo una gran artista podía coger una historia de surferos atracadores de bancos y hacer con ella una elegía de aventuras. O una historia sobre clips de experiencias personales y completar una lúcida reflexión sobre el poder de la imagen y la memoria, con sus lagunas no asumidas incluídas. Ajena a la perfección deseada en un gran maestro, Bigelow ostenta varias secuencias cimeras del cine de acción, esa denostada forma dinámica del drama que tan pocos consiguen dominar, pues eso del ritmo, como hablábamos hace poco, no es un elemento fácil de desplegar sin trucos o efectismos de salón. Es decir, está reservada a unos pocos virtuosos que nos asombran con su puesta en escena.

Si su Megan Turner (Jamie Lee Curtis) en ‘Acero Azul’ se enfrentaba a un loco cuya adicción al poder que se siente al empuñar una pistola, su último protagonista se enfrenta a su propia necesidad de ponerse a las puertas de la muerte, desactivando bombas en la pesadilla interminable de Irak. Por fin regresamos a esos tipos que, desde el Lenny Nero enamorado de una idea encerrada en un clip, no veíamos en su filmografía. La película, de la que hablaremos en breve, es una potente disección del nuevo estilo de guerra que ahora está de moda. La de las bombas aleatorias, los suicidas, las muerte a quinientos metros de distancia. Es una rara y feroz historia que ya debería haberse estrenado. Pero, la verdad, si las distribuidoras no están por la labor, los que ansiamos el trabajo de directores importantes y difíciles buscaremos otros circuitos alternativos para acceder a ellas.

A pesar del final de dicha cinta, en la que creo quedaba claro cual era el destino de uno de los personajes centrales, ahora algún avispado productor ha tenido la inteligente idea de producir una continuación de aquel film. Evidentemente se titula ‘Point Break 2’ y en su trama nos devuelve al personaje de Bodhi, esta vez surfeando por aguas asiáticas mientras prepara algún golpe. Eso sí, el personaje de Johnny Utah no lo veremos por ningún lado. Como tampoco veremos a la Bigelow detrás de las cámaras, sino a Peter Illif, el que fuera guionista del primer film, debutando en la dirección de esta película que cuenta con un presupuesto de 30 millones de dólares. ¿interpretará Patrick Swayze de nuevo a Bodhi? Supongo que pronto lo sabremos.

Vía | Moviehole