Durante muchos años el irrepetible director danés (para algunos, uno de los cuatro o cinco directores más profundos, enigmáticos y colosales de la entera historia del cine) Carl Theodor Dreyer, coqueteó con la ida de un gran filme sobre la vida de Jesucristo, que finalmente nunca llevó a cabo. Qué duda cabe que el director de la grandiosa ‘Ordet’, quizá la cumbre del cine sobre la fé, podría haber formalizado la película definitiva sobre una de las figuras más míticas de la historia del hombre. Sólo se me ocurre, así a bote pronto, que o él o Andrei Tarkovski (Ingmar Bergman, un artista tan obsesionado con la religión, pienso que podría haber logrado un gran film sobre el anticristo, por contra) eran los únicos que podrían haber conseguido lo que nadie hasta ahora ha logrado. Con la excepción del gran Pasolini, aunque luego hablaremos de su aportación

Y es que podríamos recapacitar sobre la no muy extensa filmografía acerca de esta figura, a medio camino entre histórica y mitológica, siempre polémica, cuya leyenda excede con mucho a su relativizada existencia, si es que tuvo lugar tal existencia. Muertos aquellos grandes directores nombrados, no se me ocurre ahora mismo a ningún cineasta capaz de acometer una empresa tan compleja. Y no es que todos los que anteriormente lo intentaron fracasaran miserablemente, nada de eso. Pero me parece indudable que ni uno solo se acercó algo al misterio de aquel gran hombre. ¿Puede el cine realmente capturar su carácter, ese que ha generado ríos de tinta en literatura?

Ahora mismo la más famosa película sobre Jesucristo, la que muchos consideran la mejor, la más verdadera y plausible, es la película de Mel Gibson, por supuesto, aquel exitazo que gozó de una de esas campañas de promoción maquiavélicas, con aquellas manifestaciones de los judíos en Estados Unidos, que protestaban alegando que ellos no eran los culpables, y que la película les culpaba de todo, porqueque seguramente fueron los instigadores. Pero todo eso sirvió para sobredimensionar una película fallida en la mayoría de sus propuestas, y que no se merece gozar del apelativo de “película definitiva sobre Jesús”, ni muchísimo menos. Gibson tenía la intención de lograrlo, con esa visión fervorosa de su ídolo que, sin embargo, lo desdibujaba tanto.

El principal problema de esa famosa ‘The Passion of the Christ’ (que se traduciría como ‘La pasión del Cristo’, no como ‘La pasión de Cristo’, torpes señores traductores…) es su terrible falta de ritmo. Es decir, de tratamiento del tiempo interno de los planos. No hay por donde coger un artefacto tan amorfo, carente de la menor fuerza expresiva, más allá de la truculenta colección de barbaridades aplicadas al cuerpo del Rabí, que tanto daño hicieron al ánimo de los espectadores, y que tanto avivó, al mismo tiempo, su morbo por ver la película. Y es que Gibson, en su reaccionaria, abyecta decisión de convertir el dolor físico no en camino de aprendizaje (como hace el gran arte) sino en objeto último de su película (el dolor por el dolor), lo que logra es destruir su objetivo, pues la razón por la que la gente se acercó al cine a verla fue por razones que nada tenían que ver con motivos estéticos o espirituales.

Tampoco puede defenderse una correcta documentación histórica, esa que tanto arguyeron sus defensores. Está probado que no clavaron al Rabí al travesaño a través de las palmas de sus manos (que no habrían resistido el peso en la crucifixión, y se desgarrarían…) sino en las muñecas. Tampoco cargó con la cruz entera, pues en las crucifixiones de la época está documentado que sólo portaban el travesaño (tal como explican en textos apócrifos y no apócrifos…). Y varios errores y desajustes más que no detallaremos. Pero lo más grave es que en ningún momento nos acercamos al misterio de este hombre inabarcable. Los episodios de la discusión sobre las sillas para la mesa, o el de la salvación de Maria Magdalena (una prostituta que los textos sacros quieren hacer pasar, absurdamente, por “mujer adúltera”), filmado como si de un videoclip de Madonna se tratase.

Los diálogos de Jesús, que deberían ser fundamentales para ofrecer un perfil, o al menos estudiarlo, están tratados con indiferencia, sin el menor encanto y fascinación, sino desde una vergonzante posición de beato venerador que no entiende aquello que escucha. El esfuerzo físico de Jim Caviezel, por tanto, se pierde en la nada. En comparación, la breve y hermosa aparición (para mí, la más bella secuencia de aquella película) de Jesús, cuando le ofrece agua a Charlton Heston en la irregular ‘Ben-Hur’, resulta mucho más inquietante y hermoso. Y eso que nunca se le ve el rostro y el momento dura poquísimo, pero ahí tenemos la sensación (en la mirada de Heston y en la del oficial romano que se queda petrificado) de que “algo” nos acercamos al mito. Algo. Parece mentira que dos minutos de película puedan valer más que ciento veinte.

Y es que la obviedad no suele funcionar cuando se trata de hechos históricos, sobre todo tan ambiguos como estos. Lo que suele funcionar mucho mejor es la distancia, por ejemplo la distancia paródica. En este caso tenemos el paradigma paródico con la sensacional ‘La vida de Brian’, de los ínclitos Monty Python, un largometraje que suscitó las iras del Vaticano, secta de los bienpensantes y bienintencionados que quiso boicotear esta sátira arrolladora, desternillante, por muy sorprendente que pueda parecernos tantos años después. No dejan títere con cabeza los cómicos británicos, pero su acidez es inocua, no pretendía ofender, y en su parodia parecen al mismo tiempo homenajear cierto tipo de cine sobre la fé.

En ella, contando una vida paralela a la de Cristo, la del pringao Brian, consiguen mucho más que en la de Gibson, o incluso que en la académica y epidérmica ‘King of Kings’ (del siempre intenso Nicholas Ray), porque a lo mejor la vida de Cristo, o su pasión, no pueden contarse sino por omisión, por fuera de campo, alejándose del siempre farragoso mito para tomar perspectiva y ofrecer una visión nueva, revitalizadora, dramática en definitiva. Siento mucho más reales, más verdaderos, cualquiera de los desvergonzados gags de aquella sátira que los diálogos engolados y los planos estáticos de la película de Ray, por mucho que el bueno (y apuesto) de Jeffrey Hunter se dejara los cuernos en el intento. Pienso que Jesús se merece algo más que una presentación, un nudo y un desenlace. Mucho más. Para empezar más coraje.

Ahora bien, tampoco me vuelve loco el Cristo de Pasolini, por mucho que admire a ese director y a su ‘El evangelio según San Mateo’. Y no veo a un Cristo suficientemente denso porque la voluntad de esa película, más que lírica o descriptiva, es metafórica, de parábola, tanto social como política. Pasolini, fiel a sí mismo aunque le dedique la película a quien se la dedica, no puede quedarse, lo que le honra, en una simple adaptación del evangelio, sino que por cada poro de las imágenes de su película emana ese ideal poético del mundo que acompañaría a cada acto vital de este artista irrepetible. Le importaba menos Jesús, en definitiva, de lo que necesitaba dejar claro el paralelismo entre aquel sinsentido y el del mundo actual. Era una fuga, más que una vivencia. Un exilio espiritual. Algo parecido sucede con la estupenda ‘La última tentación de Cristo’, en la que tenemos a un Cristo que es otro Cristo, uno que quizá pudo haber existido. Scorsese se alejó de todos los tópicos, y le hizo un ser humano a ratos despreciable. Pero así es el gran Scorsese, siempre buscando la espiritualidad en el fango.

Sin embargo creo que ‘Jesuschrist Superstar’, con sus tremendas limitaciones, sí que tiene momentos conmovedores, como corresponde, creo yo, al relato de la vida y muerte de Jesús. La pena es que esté dirigida por un hombre con tan escasa imaginación visual como Norman Jewison, que se limitó a dotar de una insípida y absurda puesta en escena a la genial música de Andrew Lloyd Webber. Basta escuchar los impresionantes acordes de la apertura, acompañados de las torpes imágenes de Jewison (¿cómo se le ocurre, con esa música dinámica, pegar unos planos tan prosaicos, tan carentes de dinamismo?) para hacerse una idea de lo que va a ser el conjunto. El tono naif es casi insoportable, pero lo cierto es que hay momentos de gran fuerza y viveza, como el episodio del ungüento. Todos ellos tienen como protagonista al extraordinario Carl Anderson, que interpretaba a Judas, un intérprete con gran voz, que cada vez que aparecía lograba con su sola presencia elevar la energía en pantalla.

Escribo todo esto porque pienso que esta es, realmente, “la más grande historia jamás contada”, a la que han hecho justicia grandes pintores, y grandes músicos como J.S. Bach, pero que con sinceridad creo no han conocido émulos en la cinematografía, al menos a esa altura. Y es la historia más grande jamás contada, porque desconozco, como todos, excepto los fanáticos o los privilegiados, cuanto de verdad hay en ella, o mejor dicho, cuánto de realidad. Puede haber tenido lugar, o puede ser pura invención, pero sea como sea, ni el Shakespeare, ni el Lope, ni el Cervantes más inspirado podría haber construido una historia como esta. Su fuerza, su dramatismo, no tienen parangón en la entera historia de la literatura. Así de sencillo. Esa última cena con sus discípulos, tan manipulada por la historia; esa elección de sus guardaespaldas (pues eso creo que eran los apóstoles, ya que iban armados con espadas…) tan errada, pues uno lo negó, otro le vendió y otro no le creyó; esa salvación del apedreamiento cobarde de la prostituta María Magdalena, con la que según algunos aseguran llegó a casarse y tener hijos.

Y por supuesto esa traición de Judas, quien le delató con un beso por unos pocos dineros; esa sanación, para muchos apócrifa, de la oreja cercenada del soldado; la breve entrevista con Pilatos, quien sí le creyó honrado; el cruel juicio con los fariseos, que le humillaron; la posterior tortura, que le destrozó el cuerpo; las vejaciones de los soldados, el encuentro con Simón, el controvertido “eclipse” final…Todo ello, claro está, tratado con una mirada única, distinta, inocente, podría dar lugar a algo muy especial, que de momento creo que no tenemos. Además, esta historia permite múltiples puntos de vista. Se puede entender a Judas y a Cristo como dos íntimos amigos que se separan por las formas (y algo de esto se sugiere, sólo se sugiere, en la película de Jewison). Se puede contar la historia de un criminal de estado (que eso es lo que fue), apresado y ajusticiado, cuyas ideas trascendieron su misma persona. Se puede hacer terror, acción, aventura. Comedia también, como se ha demostrado.

Pero claro, para eso haría falta un talento fuera de lo común. Algo…sobrenatural.

En Blogdecine:

Mis películas bíblicas inolvidables

Y Weblogs SL sigue creciendo. Desde hoy mismo, ya tenéis a vuestra disposición el nuevo blog de la empresa. Se trata de ‘Papel en Blanco’, destinado a la Literatura, abarcando algo más que hablar únicamente de libros, o hacer reseñas de los mismos. También se comentarán cosas acerca del mundo editorial, sus técnicas, el futuro del libro y el de este maravilloso arte.

D. Saldo Bolsillo, Juliana Boersner, Mari Carmen, Guillermo Carvajal, Pablo Muñoz y Eva Paris son el equipo de Papel en Blanco, que juntos nos acercarán a todo lo comentado anteriormente. Todos los apasionados de las letras y el entrañable mundo del papel estáis invitados a entrar en el mismo. Desde Blogdecine deseamos a nuestros nuevos compañeros mucha buena suerte en su nueva aventura.

Al escritor francés Michel Houellebecq (La Reunion, 1958) le han llamado el Zidane de la literatura por sus contratos millonarios. En 2004 firmó con la editorial Fayard, del grupo Hachette, por 1,3 millones de euros. Ahora, este grupo se niega a financiar la adaptación al cine de ‘La posibilidad de una isla’, película que el propio escritor quiere dirigir, y por ese motivo, Houellebecq ha amenazado en su blog con rescindir ese lucrativo contrato.

Houellebecq ya ha dirigido los cortometrajes ‘El río’, ‘Desequilibrios’ y ‘Cristal de sufrimientos’, los dos últimos firmados como Michel Thomas. También el espacio televisivo ‘El erotimos visto por…’. Ha sido guionista de otros cortos y programas de televisión. Su novela ‘Las partículas elementales’ , se ha llevado al cine en ‘Elementarteilchen’ (2006), de Oskar Roehler, que se estrenará en Francia el próximo día 30, y por la que Moritz Bleibtreu obtuvo el Oso de Plata al mejor actor en el pasado festival de cine de Berlín. Houellebecq no quiso en ese caso colaborar en el guión, despojado del sexo explícito y el sombrío microcosmos de sus personajes.

‘La posibilidad de una isla’ narra en primera persona los últimos años de Daniel, sus relaciones sexuales amorosas con Isabelle y con Esther, su contacto con una secta cuyos miembros aseguran que el ser humano alcanzará la inmortalidad. El autor, famoso por sus monólogos cáusticos en los que mezcla la provocación con una visión fría y cruel de la existencia, toca temas filosóficos, sociales, políticos y científicos. Habla de clonación y sexo, de juventud y vejez, de violencia y deseo… Toda la fuerza del pensamiento de Houellebecq se cruza en una trama donde las ideas tiran a dar y donde un narrador visionario y charlatán entretiene y desconcierta. Con su 90% de sexo y 10% de sentimiento, la novela ha vendido más de 200.000 ejemplares.

Inicialmente, la adaptación de ‘La posibilidad de una isla’ , con la que obtuvo el Premio Interallié y quedó finalista del Goncourt el pasado año, iba a ser producida por una filial de Hachette, GMT Productions. El pasado abril, el proyecto pasó oficialmente a Mandarin Films, compañía externa al Grupo Lagardere, cuyos directores, los hermanos Altmayer, no han comenzado todavía el proceso de financiación.

El escritor francés acusa a Arnaud Lagardére, jefe del grupo Hachette, de haber incumplido sus “promesas escritas y orales” de financiar la versión cinematográfica de ‘La posibilidad de una isla’ . “En estas condiciones, es muy probable que el filme no pueda hacerse (...) Por supuesto, tendrá en el plano contractual las consecuencias previstas, como he recordado hace una decena de días a la dirección”,”Ningún otro libro mío será publicado por una editorial del Grupo Hachette en ningún país”, apuntó Houellebecq, tras hablar de “un golpe muy duro, quizás fatal, en pleno pecho”. Lagardére ha respondido que se trata de un malentendido porque las conversaciones sobre la película no han terminado. Según el portavoz de la editorial Fayard, “no existe ninguna polémica”.

Tras firmar ‘Smoke’ (1995) con su amigo Wayne Wang y dirigir en solitario ‘Lulú on the bridge’ (1998), Paul Auster vuelve detrás de la cámara. El novelista y cuentista rueda estos días en Azenhas do Mar, cerca de Sintra, su segunda película como director: ‘The inner life of Martin Frost’, una comedia que surge del inicio de la novela ‘El libro de las ilusiones’. El protagonista, Martin Frost, es el inglés David Thewlis, intérprete del profesor Lupin de ‘Harry Potter y el prisionero de Azkabán’. Completan el reparto Irene Jacob y Michael Imperiali.

‘El libro de las ilusiones’ es la última gran obra de Paul Auster como escritor, ya que sus dos publicaciones más recientes, ‘La noche del oráculo’, y ‘Brooklyn Follies’, son más flojitas y especialmente la última más aún que la anterior. Sus mejores obras quizá son ‘La trilogía de Nueva York’, adaptada al cómic por David Mazzuchelli, cuyo apellido utiliza en ‘Brooklyn Follies’ para un personaje a quien llaman BPM (beautiful perfect mother). Y es que esta interrelación entre la realidad y la ficción, este empleo de historias dentro de las historias, esta confusión de identidades, son los atributos más destacables del gran escritor de Nueva Jersey. Muchas veces los protagonistas son escritores que sirven de alter ego del propio autor. Precisamente es a Nueva Jersey a donde se va un escritor de la edad de Auster a pasar sus últimos años mientras escribe el ‘Book of human follies’ (‘El libro del desvarío humano’).

‘La vida interior de Martin Frost’ (‘The inner life of Martin Frost’) siempre fue una historia tirando a corta y, por más señas, reciclada. Según el autor, «la primera versión la escribí en 1999. Empezó siendo un guión para una película de 30 minutos que me pidió una productora alemana. Pagaban mal y raro y un amigo me dijo que no la hiciera. Así que lo dejé en el cajón. Pero luego me puse a pensar y dije: “Es un largometraje”. Entonces empecé a escribir ‘El libro de las ilusiones’, y pensé en poner allí toda la historia. Pero al final opté por usar sólo la primera parte. Después escribí ‘La noche del oráculo’, y ‘Brooklyn Follies’, pero Martin Frost seguía en mi cabeza. Así que decidí acabar el guión y hacer la película. No fue fácil porque en Estados Unidos es difícil encontrar dinero para hacer cine independiente. Pero apareció Paulo… ». “Martin Frost no está bien. Es excéntrico y muy raro. Probablemente necesita ayuda médica, un poco de terapia”.

En una entrevista a El País ha declarado que le “viene muy bien salir de vez en cuando de la soledad del cuarto donde escribo, tomo el aire, veo gente que me inspira…”. ‘The inner life of Martin Frost’ “Es una historia que me ha rondado mucho tiempo. Tiene amor y un misterio que se revela poco a poco”.

“Estamos a mitad del rodaje y está yendo muy, muy suave. Anoche se quemaron unas cortinas con unas velas, pero no fue grave. El sitio es maravilloso, el equipo es excelente, los actores están soberbios y ni siquiera hemos tenido el típico avión que se cuela en el sonido, o el gallo que cacarea en la casa de al lado. Demasiado bueno para durar, pero en fin”.

El equipo técnico es, sobre todo, mínimo: menos de 20 personas, lo que sumado al elenco raquítico de actores, cuatro, lleva a Auster a definir la película como “un haiku”. “No será tan corta, seguro, pero todo es minimalista. Tenemos dos eléctricos, la maquilladora es a la vez la peluquera, el operador tiene un ayudante mexicano, hay dos técnicos de sonido, un solo escenario…”. “Puedo pensar en imágenes, y aunque las palabras son importantes también, y escribir un guión es un acto literario, he aprendido a hacerlo más breve para no tener que cortar luego 45 minutos de rodaje. Esta vez hemos ensayado dos semanas y eso me ha permitido ir quitando frases, lo que también ayuda a ir en busca del haiku”.

O sea, que Auster se las ha ingeniado para rodar con el mínimo dinero posible. Y con gente, también lo más cercana posible, parecería. De los cuatro actores, tres son amigos y una de la familia: su hija Sophie, que fue Lulú cuando tenía 10 años, en el debut de Auster como director, y que ya tiene 18: “Ahora es una maravillosa actriz y cantante”, dice su padre sin asomo de rubor.

David Thewlis no lo dudó. “Siempre fui fan de Paul”, comenta. “Es en el rodaje que mejor lo he pasado en mi vida. Es una historia de amor con risas”. Tras hacerle una prueba para ‘Smoke’ y descartarlo, Auster declara que “Me quedé con muchas ganas de trabajar más con Michael Imperiali. Y está impresionante; esta vez, por contraste, es el elemento cómico de la película”.

Se supone que la acción transcurre en California, pero Auster tenía varias razones para venir a rodar a Portugal. “Primero, soy amigo del productor portugués Paulo Branco, y él quiso hacer la película; luego, porque rodar aquí es mucho más barato que en América. Y, además, el campo aquí es tan espectacular como en el norte de California”. “Hemos cambiado los tiradores de las puertas, el papel de escribir… En el fondo, el paisaje da igual: la historia no transcurre en ningún sitio, salvo en la casa”.

Sí, habéis leído bien: Alejandro Jodorowsky y Franco Battiato han dado vida juntos a una película que lleva como título ‘Musikanten’. Jodorowsky interpreta a Ludwig van Beethoven y Battiato escribe y dirige. En el guión también participa Manlio Sgalambro, un filósofo con el que colabora últimamente Battiato en todos sus discos y conciertos y que co-escribe letras con él y a veces incluso canta o recita. El montaje es del hijo de Manlio, Riccardo Sgalambro, quien también se encargó de montar el último DVD del cantante italiano, que refleja un concierto en Florencia de la gira de ‘Dieci stratagemmi’ y que lleva por título ‘Un soffio al cuore di natura elettrica’.

‘Musikanten’ pone en escena los últimos tres o cuatro años de la vida del compositor Ludwig van Beethoven, vistos desde una perspectiva insólita. En 2005, una guionista de televisión vive una existencia pobre de relaciones interpersonales. Se concentra únicamente en su trabajo y tiene solo una gran pasión: la ópera del célebre compositor alemán. Obsesionada por Beethoven, por su figura, por su genio, escucha repetidamente su música hasta el día que, por un proceso hipnótico, se encuentra viviendo en su época, precisamente en 1826.

Ésta no es la primera película del autor de ‘Nómadas’ o ‘Yo quiero verte danzar’, pues ya había dirigido ‘Perduto amor’ con guión también suyo y de Sgalambro, distribuida por Warner Bros Italia. Esta película, dividida en tres partes, describe la formación durante los años ’50 y ’60 de un joven siciliano. Los datos coinciden con la propia biografía del compositor que, como ya nos decía en sus letras: “In 1945 I came to this planet”, de ‘Días extraños’ o “Vengo de la isla de Sicilia, que no está lejos del África”, de ‘Chan-son Egocentrique’. Y ya prepara una tercera, en marzo de este año habló sobre el proyecto, para el que ya tiene un título en mente: “Niente é come sembra” (Nada es como parece). La película hablará sobre místicos “el único tema que me interesa”, y está pensando en que el protagonista sea el actor Giulio Ambrosi (que dobla ya a Jodorowsky en ‘Musikanten’).

Battiato es uno de los mejores letristas del mundo, un compositor genial y un cantante de voz armoniosa y perfecta. Su carrera musical es, probablemente, la más completa de la historia, pues ha pasado del dodecafonismo y lo experimental, con ‘Za’ y ‘L’Egitto prima delle sabbie’ a casi ganar en Eurovisión con ‘Los trenes de Tozeur’.

Aunque Jodorowsky es guionista de sus películas, en esta locura de argumento que es ‘Musikanten’, parece que no ha participado. El chileno podría haber aportado muchas chifladuras propias, pero se ve que tanto Battiato como Sgalambro se valen solitos para desbarrar. Aún así, resulta raro que el creador de la letra de ‘Bandera Blanca’, que reza “A Beethoven y Sinatra yo prefiero la ensalada…” haya optado por este tema.

Ver actuar a Jodorowsky, que es lo único que veremos de él aquí, es todo un espectáculo, igual que verlo hablar, dar una charla o contar cualquier anécdota en vivo. Es un showman consumado. Además de como actor, sus actividades están en casi todos los ámbitos artísticos. Jodorowsky es un magnífico escritor, un narrador con un ritmo trepidante, que atrapa más que cualquier otro autor. En sus biografías, narra unas experiencias que no pueden dejar de sorprender. A pesar de que la imagen que se tiene en España de él sea principalmente la que ha dado Sánchez-Dragó en sus programas, en los que sólo explotaba el lado de iluminado, tarotólogo y charlatán de Jodo, el chileno es un creador con una imaginación desbordante y genial. Como guionista de tebeos también es un grande. Tiene una imaginería, una serie de temas más o menos recurrentes de lo más seductores.

Como director de cine, Jodorowsky es otra cosa. Por supuesto, no se les puede negar a sus películas una fascinación tremenda, una originalidad total, una serie de frases y conceptos increíbles, pero, eso sí, son duritas de ver. ‘El topo’ comienza como un Western de extraño tratamiento y, cuando ya parece que se va a acabar tiene una segunda mitad, todavía mucho más loca y desagradable que deja un poco descolocado. ‘Santa sangre’, desde el principio, es una demencialidad. Así como en literatura, a Jodorowsky nadie le gana a ritmo y te puede contar en devenir de generaciones en dos páginas, en cine se hace lento y pesado. En sus libros, habla de hechos locos e inauditos, pero se puede apreciar un orden, se puede ver que sabe a dónde va; las películas son caóticas y desordenadas. También todo esto se puede ver como virtud, como lo que le hace diferente, supongo que eso ya va en gustos. En definitiva, es que es un autor interesantísimo y vale la pena profundizar en su obra.

De momento, ‘Musikanten’ no se ha estrenado fuera de Italia y probablemente no piensan estrenarla, pero sí que puede comprarse en DVD en ese país, al parecer con subtítulos en italiano y en inglés. Aquí puede verse un fragmento de vídeo. Hasta ahora se ha presentado en la 62a Muestra Internacional de Cine de Venecia fuera de concurso, en la sección Horizontes.

Podéis leer también la entrevista—en español, aunque la página sea italiana—en la que Jodorowsky habla sobre Battiato durante la feria del libro de Madrid de 2005. Y este encuentro en el que Battiato habla sobre Jodo.

Menuda mezcla explosiva puede producirse si se juntan el enfant terrible de la literatura inglesa, Martin Amis, y el director de lo chungo y lo perverso, David Cronenberg. En un proyecto que ya ha sido anunciado, el cineasta canadiense adaptará una de las novelas más aclamadas de Amis, ‘Campos de Londres’ (‘London fields’, 1989). En un reportaje televisivo, el novelista declaraba que había retratado la realidad londinense y que él no buscaba lo sórdido, es que era sórdida.

‘Campos de Londres’ se inicia con una perfecta inversión del tópico: entre los detritos de Portobello, la “víctima” comienza a acechar a su “victimario”, la asesinada dará caza al asesino. Vestida de negro, como corresponde a toda mujer fatal, la bella Nicola Six encuentra a su asesino en el pub local, el Black Cross, refugio de vividores, pequeños delincuentes y aficionados a los dardos. Nicola decide que la matará Keith, un estafador de poca monta, estafado él mismo por la vida, alimentado de pornografía y televisión, hijo de la Inglaterra thatcheriana, cruel y vulgar: perfecto para el papel asignado. Pero la escena del crimen no puede constituirse con sólo dos vértices, y Nicola atraerá a un tercero, Guy, el inocente aristócrata fascinado por los bajos fondos, el ángel caído que pondrá en movimiento al terrible Keith. Y quien lo contará todo es un narrador seducido y atrapado por la escena, Samson Young, un joven escritor americano mortalmente enfermo y, quizá, mortalmente estéril…

A pesar de que los dos autores tienen en común la sordidez, no creo que sean tan adecuados el uno para el otro como aparentemente podrían parecer. Cronenberg retrata mundos más enfermizos y complicados, más retorcidos emocionalmente. Amis está más con lo “tirado”, lo “acabado”. Martin Amis es un estilista consagrado. Es un autor al que todo le da igual. Le da igual su lector. Le da igual lo que pueda decir de él la crítica o sus colegas literatos, que lo denostan y evitan siempre que pueden.

Martin es el hijo del también escritor Kingsley Amis, que tiene un estilo completamente diferente. En su autobiografía ‘Experiencia’, relata lo que ha significado para él ser descendiente de un célebre autor. Además, el propio Martin Amis ha sido actor, así que podría perfectamente interpretar un papel en la película de Cronenberg o tener, al menos, un pequeño cameo.

Aunque muchos han calificado la novela como infilmable, el guión ya ha sido escrito por Roberta Hanley y el propio Amis. Novelas infilmables las hay, por ejemplo ‘American Psycho’. En aquel caso, la enorme fama del libro impulsó al deseo de realizar un filme de éxito y se tuvo poco en cuenta que lo más truculento de la obra no podía trasladarse a imágenes porque serían de una exagerada dureza visual. Se prefirió adaptar mal el libro, pasando por alto estas partes gore, en lugar de renunciar a ello. Para hacer la adaptación que se hizo, habría sido mejor no llevarla a cabo. Sinceramente, es como si le quitaran a El Quijote la escena de los molinos. Espero que ‘Campos de Londres’ no tenga los mismos problemas y que el resultado sea mejor.

Para la protagonista, se probó con Minnie Driver (‘Heat’), muy poco explosiva, en mi opinión, para el papel. No tengo aún noticias de si se han decidido por el reparto.