“Nunca volvamos aquí otra vez, porque nunca volverá a ser tan divertido”.

Charlotte

‘Lost in Translation’ es uno de esos raros títulos que dividen a los aficionados al cine; están los que lo odian y estamos los que lo adoramos. Y no es difícil averiguar el porqué. No es ésta una película asequible, de fácil consumo. Incluso, podría decirse que durante gran parte de su metraje no ocurre nada (al menos, nada concreto, visible). Sofia Coppola nos sumerge, a su manera, en el breve y desesperado encuentro entre dos individuos perdidos en un lugar extranjero; no saben quiénes son ni qué están haciendo, pero siguen adelante; la realizadora sitúa la cámara frente a estos personajes sin pedirles que hagan nada especial, para que los observemos y los comprendamos tal como son, en escenas íntimas, para que respiremos su mismo aire, sintamos su misma soledad y desorientación. Esto evidentemente es lo que molesta a sus detractores. Creen que falta más movimiento, más velocidad, una historia más definida, sin tanto espacio ni silencio. Pero precisamente ahí es donde reside su encanto.

Fui a ver ‘Lost in Translation’ cuando se estrenó, la volví a ver en DVD y más tarde en televisión; las tres veces me quedé con la misma sensación, y la disfruté del mismo modo, aunque las circunstancias del visionado no eran las mismas, ni yo tampoco. Hace una semana, pensando en una lista de las mejores películas que he visto en esta década, llegué a más o menos una veintena de títulos, y dudé sobre si incluir o no la película más popular de la hija de Francis Ford Coppola. Así que le quité el plástico a la edición metálica que compré unos meses atrás (a un precio ridículo) y volví a verla. De nuevo llegué a la misma conclusión; es una película de momentos, un conjunto débil que se mantiene en pie de forma increíble gracias a un puñado de grandes escenas aisladas.

Evidentemente, una de las imágenes de la película es la que os he puesto arriba, el trasero de Scarlett Johansson, que aquí interpreta a Charlotte, una chica norteamericana que pasa unos días en un Hotel, mientras su marido sale a trabajar. Con las deseadas nalgas de la joven estrella se inicia ‘Lost in Translation’ (2003); es el primer plano que vemos, y sobre él aparece el título, mientras la pantalla funde a negro. En off se oye una voz que nos da la bienvenida a Tokio. A continuación vemos las calles de la capital japonesa, iluminando la noche, a través de los cansados ojos de Bob Harris, un actor famoso que acaba de llegar desde Estados Unidos para rodar unos anuncios de televisión. Le da vida un genial Bill Murray.

Tras una serie de repetitivas postales, que no hacen más que recalcar lo sola que está Charlotte (Johansson nunca ha estado tan guapa, irresistible, como lo está aquí) y lo desubicado que está Bob, llegamos a la que es una de las escenas más recordadas de la película, el “momento Suntory”. La situación está bien escrita, pero sin Murray no sería ni la mitad de divertida, su reacción es fundamental. Más adelante tendremos una escena muy parecida, e igualmente desternillante, durante una sesión de fotos en la que el actor debe poner mil caras diferentes mientras se supone que bebe el whiskey que está anunciando. Esta parte podría resultar redundante, de no ser porque en ella asistimos de una forma más clara y rotunda al declive artístico del protagonista. Es cuando le vemos arrastrarse por dinero, respondiendo a las cada vez más absurdas peticiones del fotógrafo como si fuera un mono de circo.

Bob pasa por el aro porque simplemente se deja llevar, ha perdido la ilusión y necesita mantener su lujosa forma de vida. Pero Coppola nos presenta a una chica que es una atracción de feria por propia naturaleza, como si fuera un sueño hecho realidad. En otra de las mejores escenas de la película conocemos a Kelly, a quien encarna Anna Faris de forma tan perfecta que parece que realmente ella fuera así (cosa que no parece probable, lo mismo que el trato de Giovanni Ribisi con Johansson, a quien no besa nada más que para despedirse). La estupidez supina de la chica, que a mí no sé por qué me recuerda a Britney Spears, se pone aún más de manifiesto en un momento posterior, cuando están cenando en el restaurante del hotel y les explica que su padre es anoréxico, porque en Vietnam le envenenaban la comida. De nuevo, podría verse esta escena como algo repetitivo, innecesario, pero aparte de que la anécdota es memorable, sirve como preludio al primer encuentro entre Charlotte y Bob, que no la pierde de vista, desde la barra.

Aunque ya se han visto en el ascensor (ella dice que no se acuerda), por fin nuestros dos protagonistas se acercan y mantienen una primera conversación amistosa. Charlotte le pregunta qué hace en Tokio, y Bob responde sinceramente que ha viajado para ganar millones de dólares con un anuncio, en lugar de rodar alguna película; de pasada, nos da otra pincelada de su anodina vida privada, cuando confiesa haberse perdido el cumpleaños de su hijo. Durante la película, Bob mantiene contacto con su mujer a través del teléfono o del fax, gracias a lo cual entendemos que ella está más preocupada por el color de la moqueta (otro momento muy divertido) que de lo que siente su marido, que en todo caso intenta arreglar las cosas demasiado tarde (y de forma equivocada). Charlotte también habla por teléfono en una ocasión y el resultado es muy parecido, ya sea por la diferencia horaria o por cuestiones más personales, cuando cuelga se siente más sola aún, después de una intrascendente charla.

Charlotte y Bob ya se conocen, están aburridos, se caen bien y van a probar el sabor de la noche japonesa. En la larga secuencia que viene a continuación, y que consiste básicamente en ver cómo se divierten los dos protagonistas, se alternan momentos inspirados con otros más prescindibles, y estoy seguro que es la parte en la que muchos de sus detractores resoplan y niegan con la cabeza, deseando que se acabe la película cuanto antes. Es un tramo de equilibro delicado, que quizá dura demasiado, pero en todo caso es necesario, imprescindible, ya que por primera vez vemos a Charlotte y Bob felices, pasándoselo realmente bien. De aquí nos podríamos quedar con la famosa escena del karaoke, con una seductora Johansson y un (de nuevo) divertido Murray, pero personalmente me gusta más lo que sucede justo después, cuando Charlotte apoya la cabeza sobre el hombro de Bob, y se quedan en silencio, simplemente estando juntos.

Poco a poco, mirada a mirada, risa a risa, la joven Charlotte y el veterano Bob van intimando, se van conociendo y gustando, necesitando como el aire la compañía del otro. Hay una extraordinaria química entre los dos actores que se mantiene durante toda la película, haciendo posible que nos creamos su relación, que llega a la cima en la no menos famosa escena de la cama. Como explica Murray en uno de los extras del DVD, cuando los protagonistas de las películas llegan a la cama, suelen pasar dos cosas: sexo o discusión. Coppola no elige ninguno de los dos caminos y nos regala una conversación memorable entre los dos personajes, que desnudan su alma frente a la pantalla (la manera en la que Bob cuenta cómo es la paternidad parece tan verdadera que deja la piel de gallina). Al parecer, tardaron bastante en rodar el que es uno de los momentos más bellos de la película, coronado por esa leve caricia de Bob en el pie de Charlotte. La única vez que se quedan dormidos.

No podemos hablar de ‘Lost in Translation’ sin comentar el desenlace. La película acaba de forma coherente, sin concesiones, sin un happy end, del mismo modo que terminan otras preciosas e imposibles historias de amor narradas previamente en la pantalla (‘Breve encuentro’ de David Lean, ‘Los puentes de Madison’ de Clint Eastwood o ‘Deseando amar’ de Wong Kar-wai). Aquí es donde Coppola o los actores podrían haberla pifiado, muy fácilmente, pero todo queda narrado con la misma naturalidad y elegancia que ha caracterizado el resto de la película, y asistimos a unos de los finales más tristes, dolorosos y hermosos de los últimos años. De toda la poderosa secuencia final me quedo con dos momentos muy concretos: el primero, que me impacta de forma increíble, es la mirada que se le queda a Bob cuando se despide de Charlotte, cuando se da cuenta de que no hay marcha atrás, que la pierde para siempre; la segunda gran imagen es la de los ojos llorosos de la chica, abrazada a Bob, solos en medio de una ciudad atestada, escuchando una última frase que nosotros no podemos oír. Y adiós.

Scarlett Johansson es muy guapa, para qué vamos a engañarnos. No es el suyo un rostro fácil o típico, más bien al contrario. Hay quien dice que no es guapa, sino que resulta tremendamente atractiva a cámara. Pero además de guapa, es una mujer, y ella lo sabe muy bien, de explosiva sensualidad, que ha sabido explotar en algunas películas y en muchísimos actos públicos, a los que acude a veces resaltando su voluptuoso cuerpo, y casi siempre con un vestuario que le otorga algunos años más de los que verdaderamente tiene.

Estas dos características pueden fluctuar dependiendo de la película o el momento en que la retraten las cámaras, pero hay un consenso generalizado. Y creo que ahora mismo, son las únicas razones que justifican la gran fama mundial de una actriz que, en mi opinión, lleva demasiados años viviendo de las rentas. Sí, es cierto, no hay muchos papeles femeninos importantes en el cine, pero si ella no los consigue, no creo que haya muchas más que lo puedan hacer. ¿Qué fue de la virtuosa joven de mirada de ángel que nos subyugó a finales de los años noventa?

De Niña Actriz a Diva Erótica

Scarlett siempre supo que quería ser actriz. Dicen que desde los tres años, para asombro de sus amorosos padres. Y consiguió debutar profesionalmente a la temprana edad de ocho años. Pero fue en el teatro, y ella lo que quería era convertirse en una estrella de cine. A los nueve años llegó su primera película, dirigida por Rob Reiner, ‘North’, y la cosa fue bien a pesar de su temprana edad, pero durante algunos años tuvo que aceptar prácticamente cualquier cosa. A fin de cuentas era una niña actriz. Sin embargo tuvo la suerte de que un señor llamado Robert Redford se fijara en ella para un importantísimo papel en su quinta película como director.

‘El hombre que susurraba a los caballos’ no sólo es la mejor película de Robert Redford, sino que es una gran película. Y en ella Scarlett Johansson, con 14 años, borda la primera de las tres mejores interpretaciones de su ya larga carrera. Que con esa edad, y con tan poca experiencia, fuera capaz de sostenerse, de tú a tú, con el veterano Redford y con la maravillosa Kristin Scott Thomas, es una hazaña que quizá a simple vista no lo parezca. Pero más allá de eso, creo que la mejor de ese doloroso triángulo es precisamente Johansson, que sin apenas interpretar, tan solo con su mirada y su presencia, enamora al espectador.

A continuación pudo participar, en 2001, en sendas películas independientes, la absurda ‘El hombre que nunca estuvo allí’ y la irreverente y tierna ‘Ghost World’, aunque no había nada en esos pequeños papeles que aportaran algo a su carrera. Pero el 2003 iba a ser su año. En él verían la luz ‘Lost in Translation’ y ‘La joven de la perla’. Ese fue el inicio de su madurez como actriz, ya convertida en una bella muchacha de 18 años de enigmático rostro. La segunda era una preciosa pieza de época que explotaba el rostro casi mudo y anhelante de una etérea Johansson, en un papel perfecto para ella.

Pero, como habrá supuesto el lector, la de ‘Lost in Translation’ me parece la segunda de sus tres grandes interpretaciones. Se trataba de una aventura emocional de tremenda elegancia que buceaba en las posibilidades de un amor apasionado…pero casto, entre un hombre maduro y una jovencita. Un papel nada fácil, por mucho que se empeñen los numerosos detractores de esta cinta. En esta película Johansson era un dechado de belleza, de verdad, de sinceridad, de dulzura. Incluso aquellos a los que les gustó la película elogiaban su arrolladora, pero delicada, presencia.

Y finalmente, tras un año, 2004, repleto de proyectos intrascendentes, llegó en 2005 la mejor película que Woody Allen había dirigido en diez años, la magnífica ‘Match Point’, para la que Johansson interpretó un maravilloso papel, que iba a exigir de toda su habilidad. Y salió triunfante con creces. En este intenso relato de sexo y crimen, formaba una pareja explosiva con Jonathan Rhys Meyers. Ambos forman una de las parejas más apasionantes del cine moderno.

Con estas tres interpretaciones (de niña herida, de adolescente desorientada y de muchacha perdedora pero sensual), Johansson había demostrado talento y versatilidad, justo lo que le está faltando desde entonces. Además, hacían olvidar las pobres elecciones entre ellas. Ahora bien, el rápido aprendizaje como diva mundial ha ido acompañado de un rápido declive en la elección de sus papeles. Hablando en plata, la preciosa niña se ha convertido en una estrella mundial y en una diva erótica, y ha descuidado completamente su carrera.

Un rápido declive

Digamos que ya no es una niña, y tres papeles buenos entre dos docenas largas de trabajos no sostienen una carrera que se anunciaba tremendamente interesante. Desde ‘Match Point’, esta sensual actriz se ha estancado completamente. Sus dos siguientes papeles con Allen, no son sólo inferiores al primero, sino que está horrible (y muy poco atractiva en ambas, todo sea dicho). En ‘Scoop’ se limita a imitar al anciano director, y en ‘Vicky Cristina Barcelona’ está literalmente espantosa, muy poco creíble y sin la menor chispa.

Tampoco dos papeles que debieron ser importantes le han reportado nada. En la extraña ‘La dalia negra’ se limita a lucir tipazo. Exactamente igual que en la también extraña ‘The Prestige’. De pronto, una promesa del cine independiente, una actriz brillante, se convertía en una mera tía buena sin frase, en otra rubia en papeles postizos. No, sólo podía ser un espejismo. Pero después han llegado ‘The Spirit’ y ‘Las hermanas Bolena’, en las que confirmó que, si se empeñaba, era definitivamente una mala actriz. Eso sí, en ambas sale guapísima.

¿Y el futuro? Suena prometedor: ...será la Viuda Negra en ‘Iron Man 2’ (cuya primera parte aún no comprendo cómo hay gente que la considera una buena película). Es decir, otro papel para lucir tipazo, engrosar su cuenta corriente, y jugar a ser estrella de cine, y que pongan su foto en revistas y blogs para ganar ventas y lecturas. Sin embargo, lo que algunos queremos, es que vuelva esa maravillosa actriz que nos enamoró hace años. Todavía no es tarde. A fin de cuentas…¡sólo tiene 25 años! No será tan díficil…digo yo…

Desde entonces te convertiste en una estrella mediática. Tanto, que tu imagen es difícil esquivarla por cualquier sitio: revistas, publicidad… y ahora hasta escuchando música (tu disco es para escuchar en la intimidad y no para gritar en un macroconcierto). Una explosiva rubia, que explota su imagen de joven atractiva, seductora y con pronunciadas curvas. No es tu faceta de modelo ni de mujer endiosada y venerada la que más me gusta. Eso de verte encabezando listas de las féminas más sexys del planeta no te hace mérito, te convierte más en un icono femenino para muchos hombres, pero sigo prefiriendo a la Scarlett que sonríe y derrite con su mirada en el cine. Me sigo quedando con tu atractivo en la gran pantalla.


Desde ‘Los in Translation’ tu fama te ha convertido en una de las actrices más admiradas y aclamadas, y sabes jugar a la perfección ese papel. Te mueves con soltura en la alfombra roja y compartes plano con otras grandes estrellas con una tremenda soltura. Pareces concebida para ser lo que eres. Para ser una mujer admirada, atractiva, inteligente y multifacética.

Pero claro, echando la vista atrás, se puede apreciar, como a tus tan sólo 24 años, ya posees una carrera cinematográfica muy dilatada. Desde aquella niña que aparecía en papeles de películas independientes (‘Un muchacho llamado Norte’, de Rob Reiner), hasta convertirte en el fetiche de cineastas “indie”, pero tu apuntabas alto y también te dejaste caer en grandes producciones junto a imponentes actores (con Sean Connery en ‘Causa Justa’), todo un camino hacia el reconocimiento (‘Manny & Lo’) que Robert Redford supo otorgarte (‘El hombre que susurraba a los caballos’), alabando la precocidad de tu madurez. Y dejaste atrás a la niña que convertirte en una interesante adolescente que daba el salto cualitativo para ganar el protagonismo a base de trabajo (y títulos olvidables) llevado a cabo.

Después de tu papel de Charlotte pasaste a formar parte de la terna de actrices contemporáneas que reivindican su lugar en el olimpo de Hollywood, pero sin perder la autenticidad de alguien que sabe seducirte tanto por una incuestionable atracción física como por una inteligencia poco común en el tópico de mujer rubia y sexy. Todo ese potencial fue pescado por Woody Allen que te convirtió en su musa. El prolífico y obsesivo neoyorkino te adoptó como ángel inspirador en la inteligente ‘Match Point’, en la algo más floja ‘Scoop’ y pronto te podremos ver en la (según parece divertida) ‘Vicky Cristina Barcelona’ (¿es cierto que no has acudido a Cannes porque te obligaban a compartir hotel y peluquero con Penélope Cruz? porque yo no me lo termino de creer).

“Tiene talento, tiene belleza, lo tiene todo”.

Es lo que ha dicho de tí Woody Allen, uno de los artífices de tu alzamiento al estrellato y que no ha escatimado en elogios en ningún momento. Afirma que eres una actriz que ilumina y transmite energía cuando apareces, logrando acaparar la atención de inmediato. No puedo estar más de acuerdo. Y eso que no he tenido el privilegio de compartir un espacio próximo, ni siquiera como estrella-fan embobado (ya llegará).

“No sabes muy bien qué hay detrás de sus ojos”.

Comentó Brian de Palma acerca de tu poder de atracción. Y en otra ocasión Laurence Fishburne te preguntó si preferías ser actriz o estrella. Tu respondiste que las dos cosas. Eso es tenerlo claro. Christopher Nolan afirmó que “se protege tras cierta ambigüedad” y más recientemente Natalie Portman quedó fascinada tanto en el rodaje como la posterior promoción de vuestra película juntas. Todo ello viene a demostrar que posees algo más que una cara bonita.

Sin embargo, no puedo dejar de reprocharte que cayeras en las garras del más puro cine comercial con ‘La Isla’ de Michael Bay, donde pusiste tu halo de estrella al servicio del espectáculo. Así como otras apariciones menos sustanciosas como en ‘The Prestige’. Pero es comprensible. Tu poderío también se tiene que rendir al gran espectáculo de la industria en Hollywood, y dejar tu impronta hasta en un blockbuster (para eso también te has dejado la piel en cintas que ya nadie recuerda).

Y ahora me relamo con las primeras imágenes tuyas en ‘The Spirit’, a las órdenes de Frank Miller, donde tu sexy mirada enfundada en cuero será capaz de convertir en realidad el sueño fetichista de más de uno (y una).

Nunca dejes que tu faceta de portada de revista o tu sonrisa en la alfombra roja eclipse tu verdadero poder de atracción y seducción en el cine. Me sigue gustando más la Scarlett que veo en la gran pantalla.

Besos.

Un fan.

En Blog de Cine | Scarlett Johansson

¡Ojo Spoiler! Creo recordar que en la versión doblada al español se escucha lo que le dice Bill Murray al oído a Scarlett Johansson en la secuencia final de ‘Lost in translation’. Lo curioso es, que en la versión americana, estamos ante un susurro ininteligible. Ahí es donde está la gracia, y entiendo el motivo por el que Sofia Coppola no quiso dejarlo claro: dejar a los espectadores pensando con lo que le habrá dicho el personaje de Bill Murray. Un final que en la mayoría de los casos entenderíamos como una despedida.

¿Es correcto lo que intuíamos? ¿Hubo pifia en el doblaje? ¿Qué le dice realmente? Pues alguien ha intentado comprobarlo y ha realizado un análisis de audio.

El texto es el siguiente:

I have to be leaving… But I won’t let that come between us. Ok? Ok.

Y la traducción:

Tengo que irme, pero no voy a dejar que eso se interponga entre nosotros, ¿vale? Vale.

Pensado para todos aquellos que tuvieran la curiosidad de saber qué le susurran a Scarlett al oído.

ACTUALIZACIÓN: Un lector nos deja en un comentario la traducción realizada en el doblaje en España de esta escena. Simplemente, ahora comprabais el bien que le hace el doblaje al cine. ¡Qué forma de cambiar por completo la idea de una secuencia! Como un huevo a una castaña, vamos.

Eres lo mejor que me ha pasado en mucho tiempo… No pierdas nunca esa sonrisa.

(Gracias Satis)

Vía | Kottke