A continuación encontraréis mi personal aportación de ranking de diez películas que, en mi opinión, han destacado este año. No hace falta decir –o no debería hacerla, pero es mejor tener cuidado– que no se trata de un intento de canon absoluto ni de premios concedidos desde el blog, ni de ganas de establecer un criterio sobre otros. Es mi opinión y aquí la incluyo únicamente con intención informativa, para haceros saber lo que me han parecido las películas de este año e invitando a que vosotros mismos establezcáis vuestras listas en los comentarios. Si no coincidimos, como probablemente ocurrirá, recordad todas esas frases que hay sobre el gusto, sobre que cada persona tiene uno y sobre que no hay nada escrito acerca de ellos.

El 2011 no ha sido, para mí, un año muy satisfactorio cinematográficamente. Aunque ha habido bastantes películas buenas y que me han hecho disfrutar del cine, ninguna, a lo largo de doce meses, que se dice pronto, ha resultado una excelente sorpresa o se ha colocado en la categoría de obra maestra o de film de referencia para volver a ver año tras año en mi mente, como sí ha ocurrido en otras ocasiones. Es una lista que me cuesta rellenar porque se queda flaca. Existen muchas candidatas para colarse entre estas diez, pero cuando veo a cada una de ellas ocupando un puesto del primero al décimo, me parece que se lo merecen con poca convicción. Pero bueno, a falta de mejores candidatas, aquí están de abajo arriba, las diez mejores películas de 2011 según Beatriz Maldivia:

10. ‘También la lluvia’

Icíar Bollaín cuenta para ‘También la lluvia’ con un guion del reconocido Paul Laverty, lo que le hace elevarse por encima de la calidad que tuvieron sus films justo anteriores. Aunque tiene defectos, quizá debidos a un montaje que trató de resumir el exceso de tramas de forma torpe, me parece un gran relato que sabe demostrar perfectamente un paralelismo entre dos tipos de explotación y de discriminación. La presencia de actores de gran talla, como Luis Tosar o Gael García Bernal, es un aliciente, aunque no es para mí lo que más me atrapó del conjunto. Comienza de manera lenta y tarda en hacer conjugar las dos narraciones, pero una vez entran las dos en consonancia, se mantiene durante un tiempo con interés. Mejor la parte central que el arranque y la resolución, pero bastante buena en general. La única española que incluyo en mi lista y lo que más elogio de ella no es lo español, sino la pluma de un inglés en la escritura de la historia. Y no es porque rechace nuestro cine, pues he visto todas las que había que ver y, en concreto con respecto a las comedias, con muchas ganas de disfrutarlas, pero me parece que ha sido un año especialmente bajo para la cinematografía patria.

En Blogdecine |

• ‘También la lluvia’, un gran relato en dos épocas, por Beatriz Maldivia.

• ‘También la lluvia’, otro torpe relato español, por Juan Luis Caviaro.

9. ‘Incendies’

Adaptada de la obra teatral homónima de Wajdi Mouawad, ‘Incendies’, la película de Denis Villeneuve que fue nominada al Oscar al mejor film de habla no inglesa, cuenta, a través de flashbacks, una historia dividida en dos momentos temporales. Está cargada de fuerza dramática y cuenta con algunas escenas escalofriantes y realizadas con exquisito gusto. Se le puede achacar un exceso de retorcimiento de la historia y de encaje de bolillos para que las coincidencias permitan que se desenlace como desean los autores. No obstante, es un film intenso y potente y con una fuerte crítica política y social.

En Blogdecine | ‘Incendies’, una tragedia griega en un mundo en constante conflicto.

8. ‘El ilusionista (L’Illusioniste)’

Soy una fan acérrima de Jacques Tati, así que todo lo que pueda relacionarse con este ácido observador de la sociedad es bienvenido por mi parte. ‘El ilusionista (L’Illusioniste)’ es un film de animación con un estilo muy elegante y de bellos colores, que recrea uno de los guiones escritos por el genio. Aunque no tiene el brío de sus auténticas creaciones, la película mantiene gran parte del encanto del mago. Lenta en su progresión y con momentos mejores que otros, la cinta es, en conjunto, una opción deliciosa y embaucadora, pero no la rompedora obra maestra que son casi todas las creaciones del fallecido Tati.

En Blogdecine | ‘El ilusionista (L’Illusionniste)’, Jacques Tati resucitado por el arte de la magia de la animación.

7. ‘Crazy, Stupid, Love’

Una comedia divertida y refrescante en la que todo lo que pasa es tópico, pero se cuenta y se interpreta de una manera tan sorprendente, que estimula. Grandes interpretaciones de Steve Carell, Ryan Gosling, Julianne Moore, Kevin Bacon y Marisa Tomei hacen posible esta diferencia conseguida por Glenn Ficarra y John Requa, los autores de ‘Phillip Morris, ¡te quiero!’ (2009) que en su día no me convenció tanto, probablemente porque esperaba mucho de ella.

En Blogdecine |

• ‘Crazy, Stupid, Love’, la estúpida locura del amor, por Alberto Abuín.

• ‘Crazy, Stupid, Love’, lo de siempre como nunca, por B. Maldivia.

6. ‘Un dios salvaje’

Entre esta película y la siguiente, ‘The Artist’, dudo con el puesto. También podrían estar al revés y ser ésta la quinta y la siguiente la sexta. Ambas películas me parecen muy divertidas y disfrutables, pero las dos se quedan más o menos en eso. Roman Polanski realiza una adaptación de la obra de Jasmina Reza, ‘Un dios salvaje’, en la que lo que le importa es el humor. Los cuatro actores que la interpretan, Christoph Waltz, Jodie Foster, Kate Winslet y John C. Reilly, están de fábula. El que más humor desprende y que se come prácticamente la película es Waltz, su interpretación, por sí sola, ya vale el visionado. El polaco los dirige con una mano sabia y certera y las sesiones de ensayo y preparación dan su fruto. La puesta en escena es perfecta y el director extrae de un único escenario una variedad de planos que impiden el cansancio. Lo que no hace la película es penetrar socialmente, más allá de un retrato despiadado de gente muy deplorable y falsa, quizá porque a Polanski no era el aspecto de la obra que más le atraía.

En Blogdecine | ‘Un dios salvaje’, Polanski se decanta por el humor.

5. ‘The Artist’

Michel Hazanavicius escribe y dirige una película sorprendente. Utilizando el sonido solo para la música que parece tocada aparte por una orquesta durante la proyección, y algún efecto o voz, dirige una película muda no al estilo de las que se hacían en los años veinte, sino trasladándose hasta allí para tomar aspectos y hacer una película muy de ahora, metalingüística y referencial. Los intérpretes principales, Jean Dujardin y Bérénice Bejo, encarnan una historia de amor con tal encanto y sonrisas tan abiertas que es difícil no contagiarse de ese entusiasmo y disfrutar de la obra como algo delicioso y ameno. John Goodman, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller y James Cromwell, entre otros, terminan de componer un reparto muy atinado en esta interpretación del mudo. Técnicamente, la recreación es perfecta, pero no podemos, no obstante, obviar que la historia que se incluye de fondo es sumamente lineal y sencilla y que la parte previa al desenlace se estira sin demasiado interés. Este agradable capricho del autor se disfruta mucho mientras se ve, pero carece de fuerza o significación para ser algo más.

En Blogdecine |

• ‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood, por Juan Luis Caviaro.

• ‘The Artist’, una celebración del pasado y del presente, por Beatriz Maldivia.

4. ‘Margin Call’

Llegamos ya a las películas políticas y no voy a negar que pueden haber entrado en puestos importantes un par de títulos que, si bien cinematográficamente no serán tan perfectos como para estar ahí, por su significación o capacidad crítica y movilizadora sí me parece que merecen mucho reconocimiento. Pero es que en cine hay que valorarlo todo y las intenciones o la repercusión de las películas también. ‘Margin Call’ no es una obra maestra ni un peliculón. De hecho, se trata de una peliculita menor, independiente, rodada casi en escenario único y centrada en una noche de tal forma que casi parece una obra de teatro adaptada a medias. Sin embargo, lo que cuenta tiene tanta fuerza que resulta impactante, gracias a que sabe muy bien cómo narrarlo e ir desengranando la reacción en cadena que se produjo la noche antes del desplome de Wall Street. Un reparto espectacular, compuesto por Jeremy Irons, Kevin Spacey, Paul Bettany, Demi Moore, Zachary Quinto, Stanley Tucci y Simon Baker, permite que todos estos seres deplorables o cobardes resulten creíbles, pero incluso que lleguemos a comprender sus acciones.

En Blogdecine |

• Berlinale 2011: ‘Margin Call’, la tragedia de los tiburones, por Juan Luis Caviaro.

• ‘Margin Call’, reacción en cadena, por Beatriz Maldivia.

3. ‘Inside Job’

Es la otra cara de la película anterior, la versión documental, el complemento. Aunque la considero mejor cinematográficamente, no tendría muchas ganas de volver a verla, mientras que sí repetiría ‘Margin Call’. Gracias a una hábil estrategia de ir extrayendo de los entrevistados lo necesario y de dejarlos hablar sin que sean capaces de calcular las consecuencias de lo que dicen, los autores, Charles Ferguson y Audrey Marrs, ponen de manifiesto la falta de escrúpulos de las personas que nos han llevado hasta la crisis en la que todavía no vemos sumidos. De forma didáctica y comprensible, pero no condescendiente o manipulada, se van explicando los fenómenos de los que se podría saber algo, pero que viene bien conocer a fondo. Con el regalo del DVD por parte de un periódico del fin de semana pasado estoy segura de que habrá muchas personas que la acabarán de ver o la tendrán pendiente. Parece que voto estas dos películas solo por política, pero también estoy valorándolas como cine, ya que otras propuestas de intenciones similares, como ‘The Company Men’ o ‘La doctrina del Shock’, no me han parecido merecedoras de incluirse en esta lista.

En Blogdecine | ‘Inside Job’, nada aterra más que la realidad económica.

2. ‘Cisne negro’

Darren Aronofsky nos regaló al principio de año una película dura y difícil, de esas con las que lo más normal es ponerse totalmente en contra o totalmente a favor, pero con la que son raras las medias tintas o, mucho menos, la indiferencia. La interpretación de Natalie Portman como una bailarina torturada y reprimida me parece espléndida y el terror que forman a su alrededor otros personajes, interpretados por Barbara Hershey como su madre o Vincent Cassel, como su profesor, son tremendos. Completan el reparto, ambas en la categoría de rivales, Mila Kunis y Winona Ryder. Me parece que como retrato psicológico de mentes perturbadas consigue esa profundización que he echado de menos en otros films, como ‘Un método peligroso’. No creo que ‘El cisne negro’ sea perfecta, pero es una película que consiguió afectarme y crearme sensaciones en el cine, lo que ya es bastante decir.

En Blogdecine en orden cronológico |

• ‘Cisne negro’, nuestro peor enemigo, por Beatriz Maldivia.

• ‘Cisne negro’, réquiem por una bailarina, por Juan Luis Caviaro.

1. ‘Hanna’

Es mu probable que me quede sola o casi sola defendiendo ‘Hanna’ como mejor película de 2011 y no es porque sea incondicional de su director, Joe Wright. Si bien me encantó ‘Orgullo y prejuicio’, ‘Expiación’ la encontré irregular y ‘El solista’ detestable. La protagonizada por Eric Banna, Saoirse Ronan y Cate Blanchett es una cinta extraña, con unos saltos de tono extremos que pasan de la acción trepidante a ritmo de los Chemical Brothers a escenas contemplativas o personales muy pausadas. Estéticamente, se trata de cine de gran belleza y la manera en la que aproxima el relato de ciencia ficción es superficial o, si se quiere, sesgado, dando importancia a otras cuestiones, que son la sensibilidad personal de esta joven asesina. Está claro que no es una película idónea y no le puse en mi calificación más de un ocho. Pero sí me parece una propuesta sorprendente y de momentos muy potentes. Ya que no tenía ninguna idea sobre ella antes de verla, pude asombrarme con cada una de sus escenas. Encontré, además, que el autor profundizaba muy bien en la personalidad de la torturada protagonista.

En Blogdecine | ‘Hanna’, la sensibilidad de una fría asesina.

Otras películas

Se habrían quedado a continuación, entre otras, ‘Super 8’, ‘Another Year’, ‘Nader y Simin, una separación’, ‘El perfecto anfitrión’, ‘La boda de mi mejor amiga’, ‘Cuestión de principios’, ‘El hombre de al lado’, ‘La deuda’, ‘Bad Teacher’, ‘The Green Hornet’, etc… No es que me falten películas, pues no solo he visto aproximadamente cien títulos de los que se han estrenado en España en 2011, sino que en el último mes me he dedicado a retomar todas aquellas que había dejado pasar y que consideré que tenían opciones de entrar en esta lista por comentarios vuestros o críticas de mis compañeros de blog. Así que, si echáis de menos alguna que creéis que yo habría incluido, no creo que sea porque no la haya visto, sino, probablemente, porque no comparto esa opinión.

Por mi parte, no habrá post sobre el peor cine

No es que quiera ser buena y hablar solo de lo positivo, pero afortunadamente, he visto muy poco cine que merezca colocarse en una Bottom List del 2011: un par de películas a las que les he puesto sendos treses, un dos por ahí adjudicado más por la excesiva pretenciosidad que por la falta de calidad y un uno a una cinta que nadie en España conoce. Así que no merece la pena hacer la lista, especialmente, si tendría que acabar incluyendo en ella películas a las que he calificado con cuatros y que no están tan lejos de esos sietes que han acabado entrando en la lista de lo mejor del año por falta de nueves y dieces.

También en Blogdecine | Las diez mejores películas de 2011, según Míkel Zorrilla.

‘The Artist’, de Michel Hazanavicius, que se estrena esta tarde en cines españoles, nos habla del nacimiento del sonoro –“the talkies“– en el año 1928, etapa clave para la historia del cine, que ya han tocado películas como la maravillosa ‘Cantando bajo la lluvia’, en la que, al igual que aquí, se exploraban las dificultades de algunos intérpretes para incorporar una novedad que hoy damos tan por sentada: utilizar su propia voz. Asimismo, nos muestra la llegada de los musicales, clara consecuencia de la invención del sistema que incorporase el sonido al celuloide de proyección. Con ese marco de fondo, lo que nos cuenta esta delicia es una historia personal y amorosa sencilla, pero muy sentida.

Los años veinte no suponen el escenario temporal en el que ambientar el film sin más: éste, a su vez, se disfraza de una propuesta de ese momento. No existe un solo detalle que no esté imitado a la perfección. Proyectada en 4/3, la película comienza con los créditos en un tipo de letra de entonces, fotografía en blanco y negro y una música muy de la época. La banda sonora se remonta esos años no solo por el estilo de las canciones –algunas de films preexistentes–, sino por la forma en la que se emplean las composiciones, dejándolas sonar hasta el final y arrancando con la siguiente, décimas de segundo después. Las emociones de la película se marcan por subidas de intensidad en los acordes mucho más evidentes que los acompañamientos musicales que se suman hoy en día a las narraciones.

Hazanavicius no se queda en la clonación del un film de los años ’20, sino que se dedica a jugar y crear humor con la idea de esa vuelta atrás. El empleo del sonido o de los intertítulos consigue espléndidos guiños metalingüísticos y se extraen divertidos gags de esta consciencia del espectador de que está viendo un film de entonces, pero realizado ahora. El creador toma las metáforas evidentes, como las arenas movedizas y la foto pisoteada y empapada por la lluvia, no para que funcionen hoy en día, sino como otra referencia. ‘The Artist’ está plagada de hallazgos visuales y sonoros que se disfrutan con una blanca sonrisa. Uno de ellos sería la escena en la que los dos protagonistas, tras haberse conocido fortuitamente, tienen un primer encuentro: una pantalla en medio de los dos permite que se vean solo sus piernas y se embarcan en una competición juguetona de claqué.

Emotiva historia

La sorpresa y admiración que producen en los espectadores se estos experimentos, por ingeniosos que sean y bien ejecutados que estén, se agotarían al cabo de unos minutos. Por ese motivo, lo que engancha al film y lo convierte en bello son los personajes entrañables que viven una historia de amor y de éxito personal. Funciona como prueba fehaciente de que se pueden expresar los sentimientos y conflictos con imágenes, sin recurrir al diálogo. No obstante, también es cierto, en el único punto negativo que le reprocharía a ‘The Artist’, que se optado por una historia sumamente sencilla y lineal quizá por temor a que algo más elaborado no se comprendiese. Por ese motivo, hacia la mitad, durante la etapa de decadencia del protagonista, se agotan las cosas que contar y la progresión se hace ligeramente pesada hasta que se retoma para llegar a un final que vuelve a conmover.

La simpatía de los rostros de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, con esas contagiosas sonrisas, supone la baza que despierta la cercanía hacia esos personajes con una conexión bastante básica, pero efectiva sin duda. Además de que se vuelve a un protagonista más blanco y positivo de lo que ahora mismo se está creando, nos encontramos ante una película sin malos, sin antagonistas, en la que el personaje principal solo se tiene a sí mismo, a su orgullo, como enemigo para superar el escollo que le plantea su profesión y lograr sus objetivos. El resto de los intérpretes, en papeles sumamente breves pues, como decía, no existen las tramas secundarias, son asimismo grandes nombres que demuestran saber adaptarse a este tipo de interpretación que no llega a la gesticulación y sobreactuación de las mudas, pero que sí se diferencia de las actuales. John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell están todos sublimes y a ellos hay que añadir al perro, que, como en muchos films de entonces, constituye otro personaje que logra la misma o mayor empatía que los humanos.

El trasfondo

La negación a adaptarse a una transformación por parte de uno de los baluartes de la vieja escuela se podría extrapolar de forma directa y clara a todos los cambios que estamos viviendo en esta época en la que la tecnología avanza a pasos agigantados. Cambiamos el sonoro por Internet y seguiremos encontrando, no a unos cuantos incomprendidos, sino a industrias enteras tratando de frenar el progreso y de evitar que llegue un futuro que ya está ahí, sin otro motivo que el de no ser capaces de adaptarse a las nuevas formas de funcionar. La película, de esa manera, se convierte en una reflexión sumamente actual, sin que importe que lo que plantea como marco circunstancial tuviese lugar hace ochenta años.

Paradójicamente, al mismo tiempo que critica la no adaptación, se rebela contra el paso del tiempo y hace lo que le reprocha a su protagonista por intentarlo. A principios del siglo XXI, Hazanavicius nos entrega una película semimuda y en blanco y negro, pero no como opción minoritaria o experimental, sino como estreno exitoso y para todo tipo de público. Eso quiere decir que, si algo está bien hecho, no importa cómo sea y que todas esas consideraciones sobre que “tal cosa no vende” o “eso hoy en día no gusta” o “eso ahora nadie lo vería“… en realidad son fútiles. La fórmula del éxito no existe, como todos ya sabíamos, pero es posible que tampoco la del fracaso. El director se plantea un reto y sale adelante, más que a pesar de esas trabas, por causa de ellas.

‘The Artist’ es, en resumen, una cinta muy moderna. El retroceso a los modos de narrar de los años veinte no es puro, sino que se mezcla, a modo de juego, con las opciones de las que se dispone en la actualidad. El conflicto de base equivale a situaciones del presente. Los sentimientos de amor y orgullo son atemporales. Su valor, en definitiva, radica en haberse hecho en 2011, pues la misma película en 1927 sería una más y quizá no de las mejores. En un tiempo en el que protestamos porque el cine no nos sorprende o aporta, lo novedoso resulta que se encuentra en algo que retoma, recrea e imita. Sin embargo, no se trata de un ejercicio nostálgico, no solo porque las generaciones que disfrutaron aquel cine en el momento de su estreno ya no estarán para echarlo de menos, sino también porque no hay un tono de añoranza, sino intenciones de celebración y de homenaje, de decir que eso no se ha marchado, que sigue presente para todos nosotros y que en el siglo que vivimos tenemos los argumentos para disfrutarlo mejor. Es una película que se goza, independientemente del grado de cinefilia de cada uno, y que se vive con emoción y cercanía, una encantadora propuesta llena de momentos brillantes.

Otra crítica en Blogdecine | ‘The Artist’, un delicioso regreso al cine clásico de Hollywood, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

Hasta el 16 de diciembre tendremos que esperar para ver en España ‘The Artist’ , película muda y en blanco y negro que recrea los mundos de los musicales clásicos de Hollywood y que está protagonizada por Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman, Malcolm McDowell, Penelope Ann Miller y James Cromwell, entre otros. El guion y la dirección es de Michel Hazanavicius, director de ‘OSS 117: El Cairo, nido de espías’, película que hacía algo parecido a esta, pero con las aventuras de James Bond, 007..

Al igual que hacía, magistralmente, la divertida ‘Cantando bajo la lluvia’, ‘The Artist’ tomará el momento de cambio entre el mudo y el sonoro para situar su historia y este giro en la forma de hacer cine como conflicto para su protagonista. Hollywood, 1927: El afamado actor George Valentin se pregunta si la llegada del sonoro causará que su estrella se pierda en el olvido. Mientras tanto, Peppy Miller, una joven bailarina que necesita un golpe de suerte para adquirir fama, podría encontrar en ese cambio su momento.

Es difícil hacerse la idea de que encontraremos un gran film tras este trailer que no se despoja del aire irreal de una recreación actual de aquellas imágenes, sin embargo, ‘The Artist’ ha recibido numerosas aclamaciones, incluida la de mi compañero Juan Luis, que la pudo ver en Cannes. El cartel, muy clásico, se queda igual de escaso a la hora de dar pistas sobre la calidad del film que podremos encontrarnos, así que habrá que confiar en las opiniones ajenas.

Vía | IMDb.

En estos tiempos en los que el cine parece haber encontrado el nuevo escalón en su conquista de la provocación y la polémica bajo el nombre de ‘A Serbian Film’, película que ha causado sensaciones encontradas en el último Festival de Sitges, nuestro nuevo recluta, Javier G. Trigales, se prepara concienzudamente —o sea, con el estómago a prueba de balas— para un especial sobre esas películas que en el momento de su estreno escandalizaron en gran medida a ciertos sectores. Y un servidor se ve en la tesitura de hablar en el especial de Stanley Kubrick, precisamente sobre la película más polémica de toda su filmografía, ‘La naranja mecánica’ (‘A Clockwork Orange’, 1971), aquella que aún, a casi 40 años después de su realización, sigue provocando amores y odios extremos a partes iguales.

Hasta hace unos cuantos años yo era un defensor acérrimo de esta película, hasta considerarla una de las cotas más altas de Kubrick. Sin embargo, en este repaso de su obra, el revisado de ‘La naranja mecánica’ me ha descubierto un film totalmente irritante, también muy bien filmado; una historia exagerada, también llena de interés —no obstante parte de la novela escrita por Anthony Burgess—, y sobre todo algo que rara vez se encuentra en el cine del director neoyorquino, una inmensa distancia entre forma y fondo. Kubrick, uno de los directores más perfeccionistas de la historia, lleva al extremo su peculiar estilo, intentando una propuesta parecida a la de ‘2001: Una odisea del espacio’ (‘2001: A Space Odissey’, 1968), pero con la violencia como telón de fondo.

Como en muchas de sus obras Kubrick —que por primera vez se enfrentaba en solitario a la escritura de un guión— divide su película en tres actos perfectamente diferenciables. El primero narra sin orden ni criterio las andanzas de Alex, el principal protagonista de la historia, y sus drugos, mientras hacen de las suyas. Violaciones, peleas, asesinatos, única y exclusivamente viven para ello. La puesta en escena de Kubrick es muy precisa, nunca mostrando más de lo necesario, aunque en 1972 muchos se rasgaron las vestiduras. Queda claro que la intención de Kubrick es provocar, y ciertamente lo consigue —yo hablaría más bien de irritar—, pero no porque las escenas de este primer bloque sean extremadamente violentas, sino porque no hay explicación alguna a los acontecimientos que pasean por delante de nuestra retina.

No sabemos, ni lo dan a entender, las motivaciones de Alex y sus amigos para la violencia que corre por sus venas. En un futuro lejano o cercano, en una Inglaterra que parece ubicada en cualquier otra parte, Alex y sus drugos corren a sus anchas practicando la anarquía, dando a entender que ese comportamiento extremo es algo completamente natural en la sociedad en la que viven. Antes de saltar al segundo bloque, Kubrick nos da la oportunidad de ver cómo vive Alex. En casa de sus padres, escuchando discos de Ludwig van Beethoven, se dedica a hacer novillos para no ir a clases, o a llevarse a un par de chicas a casa para hacer un trío. Incluso recibe la visita de un asistente social, escena con claras connotaciones sexuales que se quedan ahí. Después de todo Kubrick es atrevido, pero quizá no tanto.

El segundo bloque narra cómo apresan y encarcelan a Álex, que ha sido traicionado por su propios compañeros, sin que quedan demasiado claras las razones de ello. Acusado de la muerte de una mujer, cumplirá 14 años de prisión. Kubrick emplea un tiempo desmesurado en narrar cosas anecdóticas, como el ingreso de Alex en la prisión. Éste pasa de ser una persona extremadamente violenta e irreverente a ser un preso modélico. Esta parte está llena de humor, todos sabemos que Alex está fingiendo, su único interés es portarse bien para someterse a un experimento nuevo sobre rehabilitación por el cual le concederán la libertad. Lo que sea con tal de salir de la cárcel.

Antes de saltar al tercer bloque, se produce uno de los puntos más interesantes del relato. Kubrick arremete contra la Iglesia a través de la figura de un cura, que es algo así como el tutor de Álex, al que éste engaña vilmente haciéndole creer que desea ser buena persona. Son varias las escenas en las que el director ridiculiza la religión, pero al mismo tiempo pone en boca de dicho personaje la frase más coherente de todo el relato, aquella en la que se queja del experimento del gobierno para rehabilitar a violentos, alegando que con ello se anula por completo la capacidad del ser humano para elegir. La denuncia de Kubrick empieza a tomar forma. Hemos asistido a las atrocidades de Alex, y ahora es él quien se somete a otro tipo de hechos atroces, con la diferencia de que éstos están respaldados por la ley.

El tercer bloque nos presenta a un Álex recuperado para la sociedad, pero irónicamente todo le sale mal. En un relato totalmente simétrico, Kubrick devuelve a Álex a los lugares en los que estuvo antes de ir a la cárcel. Se encuentra con un mendigo al que le dieron una paliza, y esta vez nuestro sufrido protagonista es el que recibe patadas y puñetazos. Es salvado de dicha situación por sus antiguos amigos, que ahora son policías, y casi moribundo termina en una casa en la que violó a una mujer y dejó paralítico a su marido. Éste, que ha oído hablar de Álex en los periódicos le utiliza para fines políticos y le provoca un intento de suicidio. Alex comprende que la libertad tiene un precio muy alto, pero aún así las cosas se pondrán finalmente de su lado. Se dejará utilizar como instrumento mediático para atacar los terroríficos métodos del gobierno para rehabilitar a delincuentes. Beethoven suena de nuevo en todos su esplendor —en dos altavoces que prácticamente parecen dos monolitos, en una clara alusión al anterior film de Kubrick—, y Álex se recupera del todo.

Dejando a un lado la pericia técnica del film, Kubrick no llega a ningún lado con su continua provocación. Deja a Álex igual que al principio, con sus mismos deseos e impulsos, sólo que esta vez es admirado por todo el mundo, que le mira de forma compasiva por ser el resultado de los feroces experimentos del gobierno. Cuentan que Kubrick obvió el último episodio de la novela de Burgess debido a que se estaba leyendo la edición americana que no contenía dicho epílogo. En él se narraba cómo Álex volvía a las andadas pero finalmente dejaba su postura violenta por aburrimiento, llegando a formar una familia. En el film de Kubrick, Alex —un entregado Malcolm McDowell, a ratos muy histriónico e insoportable— no evoluciona, el personaje no tiene curva, aunque parezca que sí.

De esta forma, Kubrick no llega tan lejos como Burgess, y lo que es peor, su película lanza un discurso bastante demagógico sobre la violencia, resultando casi sin querer —o tal vez sí— una de las más grandes apologías de la misma jamás vistas en una pantalla. Ese futuro en el que todos los jóvenes son cool, los ancianos vagabundos borrachos, y cualquier representante del poder un ser desalmado, deja en evidencia las ganas de Kubrick por resultar polémico solo porque sí. La película fue retirada de Inglaterra por el propio director cuando se enteró de que un grupo de jóvenes imitaban a los drugos del film. No volvió a reponerse hasta el año 2.000.

‘La naranja mecánica’ es una excelente película para cuando uno es adolescente, y la rebelión contra todo poder está a flor de piel. Pasado el tiempo, a mí se me revela como un film fascinante visualmente —en eso Kubrick era de los grandes, sin lugar a dudas—, pero que no pasa de ahí, a pesar de los profundos toques de ironía, y que mostraban a un Kubrick con algo decían no tenía, sentido del humor. De eso en ‘La naranja mecánica’ hay bastante.

Especial Stanley Kubrick en Blogdecine:

• Una pretenciosa ópera prima
• ‘El beso del asesino’
• ‘Atraco perfecto’
• ‘Senderos de gloria’
• ‘Espartaco’
• ‘Lolita’

• ‘¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú’

• ‘2001: Una odisea del espacio’

Tras un primer avance de dos minutos, ya podemos echar un vistazo al tráiler completo de ‘The Book of Eli’ (‘El libro de Eli’), la nueva película de los hermanos Hughes (‘Desde el infierno’).

Denzel Washington se transforma aquí en un héroe de acción llamado Eli, que debe salvar a la humanidad en un futuro sin esperanza, en un mundo devastado por una gran guerra. La clave está en un libro, que Eli debe proteger, y que un grupo de salvajes dirigidos por un tal Carnegie, a quien interpreta Gary Oldman, quiere poseer. Paisajes desiertos, malos a lo ‘Mad Max’ y acción tipo ‘Matrix’, parecen ser los ingredientes de este thriller de ciencia ficción escrito por Gary Whitta. El tráiler se centra mucho en los golpes y las explosiones, y muy poco en los personajes o en el drama, así que da mala espina, especialmente ese momentazo de la flecha…

Mila Kunis, Ray Stevenson, Jennifer Beals, Michael Gambon, Malcolm McDowell, Tom Waits y Frances de la Tour acompañan a Washington y Oldman al frente del reparto. La fecha del estreno es el 15 de enero de 2010.

PD: Para este papel, Washington fue entrenado en artes marciales por Dan Inosanto, estudiante y protegido de Bruce Lee.

Vía | TheMovieBox

Creo que no queda nadie aquí que no sepa qué es ‘Avatar’. La mayoría quedamos entusiasmados con su primer tráiler y los que vieron esos quince minutos gratis que se proyectaron en algunas salas españolas salieron poco menos que maravillados por la experiencia. Bien, pues ya hay quien ha saltado con la idea de que lo nuevo de James Cameron no es más que un plagio de ‘Delgo’, una película de animación que se estrenó el año pasado siendo un completo fracaso en taquilla, habiendo costado en torno a 40 millones de dólares.

Evidentemente, si realizas una acusación, lo primero que hay que hacer es aportar pruebas, pruebas claras y concretas (no como lo de cierto partido político de este país). Pero claro, ‘Avatar’ no se ha estrenado aún y lo único que se tiene para comparar con ‘Delgo’, para saber si ambas películas se parecen tanto, es el tráiler que salió la semana pasada. ¿Es eso suficiente? A mí me parece una estupidez, pero ahí abajo os dejo las imágenes comparativas y los avances de ambas películas, para que juzguéis por vosotros mismos. Por supuesto, ‘Delgo’ no tiene el presupuesto del nuevo trabajo de Cameron, así que os podéis reír un rato al echar un vistazo al tráiler de la supuesta “Avatar original”.

• Tráiler de ‘Avatar’:

• Tráiler de ‘Delgo’:

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

PD: Freddie Prinze Jr., Jennifer Love Hewitt, Val Kilmer, Malcolm McDowell y Anne Bancroft prestaron sus voces a los protagonistas de esta ‘Delgo’.

Toda la información, vídeos, imágenes, trailer y estreno en: Avatar, la nueva película de Cameron

Vía | Joblo

Aquí os traemos un nuevo cartel de ‘H2’, o ‘Halloween 2’, la secuela del remake (Dios, que lío) de ‘Halloween’ de John Carpenter, ese clásico de los años 70 que no ha sido superado por mucho que Rob Zombie haya puesto todo su empeño en hacerlo. Lo cierto es que el Michael Myers del cartel me da muy mal yuyu, y el aspecto amenazador del personaje, uno de los más inquietantes de toda la historia del cine (así de claro), está realmente conseguido. No soy un fan de la primera entrega (críticos prestigiosos, como nuestro colega Tonio L. Alarcón, se pirran por ella), pero sí lo considero un remake lo suficientemente digno y respetuoso con el original.

Es por eso por lo que no pienso perderme esta segunda entrega de las andanza de Myers, que estrenándose el 28 de agosto en los USA, aquí aún no hay fecha de estreno confirmada. A lo mejor tenemos suerte y cae en Sitges, pero eso supondría un retraso de al menos dos meses en su estreno en salas comerciales. Sea como fuere, somos muchos los que esperamos que Zombie no caiga en las blandeguerías que pueblan otros films de género, y se muestre tan brutal como siempre. Malcolm Mcdowell, Sheri Moon Zombie, Brad Dourif y el inmenso Tyler Mane conforman parte de su reparto.

Vía | Impawards

Byron Howard y Chris Williams dirigen para Disney ‘Bolt’, la historia de un perrito actor al que le hacen creer que todo lo que ocurre en su serie es real para llevar el método Stanislawski al extremo. Bolt piensa que es un superperro que tiene un ladrido que destruye varios kilómetros a la redonda, que puede saltar veinte o treinta metros, que posee superfuerza y que corre como su tocayo Usain… y en cada capítulo que rueda salva a su ama, Penny, de las garras del malvado Cálico (no el electrónico). Cuando los ejecutivos de la cadena fuerzan a que se deje la serie en un cliffhanger, el chucho cree que su dueña está en peligro y escapa de su caravana para salvarla. Una vez en el mundo real, tendrá que enfrentarse al hecho de que no tiene poderes.

El doblaje original cuenta con las voces de John Travolta y Malcolm McDowell. El español, afortunadamente, no cuenta con ningún famoso.

Mis expectativas con respecto a ‘Bolt’ no eran muy altas, pues había asumido que la película sería tópica, formularia y previsible de principio a fin. Aunque es cierto que acaba como tienen que acabar estas historias, al menos escena por escena se encuentran momentos que no son completamente predecibles.

Destaca una secuencia de acción del inicio, tan trepidante y divertida que, mientras la estás viendo, te da pena saber que no todo el film va a consistir en eso. Pero el ritmo de la continuación no decae tanto como se podría imaginar. La parte central es el único momento en el que no hay mucho que contar y la acción queda detenida. También es la ocasión de introducir el obligado film montage con la cancioncita de turno que es un tanto ridícula y obvia, probablemente por estar traducida: “mi casa es donde está tu casa porque ahí también vives tú”. ¿Qué?

El diseño de la animación es mediano estéticamente, pero lo que sí está conseguido son los gestos y movimientos. Así que Bolt, cuando intenta ser mono y poner carilla de pena, resulta bastante convincente. Las escenas emotivas funcionan y el final es conmovedor. El discurso que tiene la película es el mismo que el de ‘Toy Story II’. En aquel caso era a los juguetes a quienes abandonaban los niños y niñas. Ahora son los animales domésticos. Aunque no llega a tener la capacidad de enternecer de aquella película, se acerca ligeramente.

En esta parte tierna también entra la evolución que sufren los personajes. SPOILERS Bolt se convierte en vulnerable al conocer que no tiene poderes, pero eso también le sirve para vivir una vida más auténtica. Y la gata se ablanda al comprobar que es posible que los humanos ofrezcan cariño FIN DEL SPOILER. La evolución está bien lograda porque al comienzo del film los personajes están tan asentados en sus formas de ser opuestas que no te imaginas que puedan cambiar. Cuando esa mutación se produce es paulatina y creíble, no brusca y sin justificación. El personaje del hámster, aunque no tenga evolución, es el más gracioso. Las palomas con diferentes acentos también son buenos alivios cómicos.

‘Bolt’ se ha estrenado tanto en 2D como en 3D. En películas como ésta vale la pena optar por la segunda fórmula, pues todo lo que añada alicientes a la diversión es bienvenido –claro que esto tiene sus contrapartidas: no hay versión original con 3D, es más caro y los cines del extrarradio están llenos de críos—. Sin embargo, el hecho de que fuese en tres dimensiones apenas ha aportado nada, pues está muy poco marcada la profundidad. Esto puede ser bueno porque no estás todo el visionado siendo consciente de que se te acercan las cosas y dejándote sacar de la trama por la sorpresa de tener muy cerca los elementos, sino que te olvidas y lo ves como si fuese una proyección normal.

Por lo tanto, la película es un producto más que válido con sus escenas destacables individualmente y su momento entrañable. Tiene algo de humor, aunque no es lo que más se puede señalar. Por mucho que esté dirigido a un público infantil, puede disfrutarse también con otras edades.

Mi puntuación:

En Blogdecine:

‘Bolt’, la larga mano de Lasseter y el nuevo camino de Disney.

Más información en Blogdecine sobre ‘Bolt’.

Hijos míos, hoy quiero volver a hablaros de Dios. Quiero hablaros de Stanley Kubrick. Dicen que su recipiente físico, su cuerpo, se quedó quieto para siempre en 1999, justo después de acabar el montaje definitivo de ‘Eyes Wide Shut’ (¿qué opináis de eso?), y que fue enterrado en el jardín de su propia casa, por expreso deseo, a pesar de que legalmente está prohibido. También dicen que las obras maestras nunca mueren, que el verdadero arte es inmortal…

Dejando a un lado creencias personales (leyes, en ciertos lugares exclusivos), Kubrick quizá no fue el mejor director de cine de todos los tiempos, pero lo que es innegable, para todos los que aprecian este arte, es que sus películas siguen vivas, que las imágenes y los mensajes de sus películas siguen resultando fascinantes hoy día. Es innegable, en resumen, que Kubrick sigue influyendo hoy día, y lo seguirá haciendo hasta el fin de los tiempos. Cuando, en su misericordia, decida que ya es hora de apagar la luz que alimenta este planeta.

No me propongo descubrir nada con esta entrada, sólo comentar con vosotros algo que me ha llamado mucho la atención, como kubrickiano que soy. Hasta el momento, los dos estrenos mejor valorados de lo que llevamos de 2008 son ‘WALL·E’ y ‘El Caballero Oscuro’ (‘The Dark Knight’); a unos les parece mejor la primera y a otros nos parece mejor la segunda, y aún hay gente que no vio ni una ni otra, pero por algo creemos en la vida extraterrestre. Ahora bien, ¿es casualidad que en ambas películas haya influencias, homenajes y hasta personajes sacados de la obra de Stanley Kubrick? Puede que sí, puede que no, pero ahí están. Las hemos visto todos. Echemos de nuevo un vistazo a las pruebas.

Empecemos por la que se estrenó antes, ‘WALL·E’, de Andrew Stanton (mi crítica, aquí). Vamos a ver primero unas imágenes y ahora las comentamos:

Bien, más claro, agua de manantial paradisíaco. Los chicos de Pixar buscan una inteligencia artificial, acuden a ‘2001: Una Odisea del Espacio’ (1968) y se llevan a HAL (curiosidad: las letras anteriores a IBM). Pero no sólo la imagen, también, en gran parte, su comportamiento, el motivo de su comportamiento (supuestamente, la ocultación de la verdad), y, claro, su desenlace.

Al margen de este obvio “homenaje” a la que muchos consideran la mejor película de ciencia ficción de toda la Historia (yo no consigo decidirme entre ésa y ‘Blade Runner’), también encontramos que la estética de las naves (tanto por dentro como por fuera) en ‘Wall·E’ y el movimiento rítmico de los objetos en el espacio, o cuando se ponen los dos robots enamorados se ponen a jugar/bailar, no son más que reminiscencias de la inmortal secuencia con la que Kubrick traslada al ser humano al futuro, posterior al lanzamiento del hueso, en, sencillamente, la elipsis más brutal y perfecta de toda la Historia del cine.

Turno ahora para ‘El Caballero Oscuro’, de Christopher Nolan (mi crítica, aquí). Como antes, veamos primero unas fotografías:

En este caso, tenemos que referirnos a dos títulos: ‘Atraco Perfecto’ (1956) y ‘La Naranja Mecánica’ (1971). Del primero no creo que tenga decir nada, las imágenes hablan por sí mismas. Quizá tampoco tenga que añadir nada sobre la segunda, pero hagámoslo, que si no se acaba esto. Todos quedamos impresionados con la interpretación de Heath Ledger como el Joker. Un personaje que se ha convertido en toda una figura de culto en internet desde el momento de la muerte del actor; un trágico suceso trágico que se ha querido, morbosamente, vincular al intenso trabajo que Ledger realizó para meterse en la piel del terrible payaso, enlazando unas palabras de Jack Nicholson (el otro Joker) justo después del accidente.

Según declaraciones de Nolan, para preparar su personaje, Ledger tomó como referencia a Alex de Large (Malcolm McDowell), llegando a definir al Joker como “un anarquista punk sacado de La Naranja Mecánica“. Desde luego no hay más que acudir a la película más polémica de Kubrick para darse cuenta de los parecidos entre el Joker y Alex de Large. Los gestos fríos, inhumanos, el uso de la violencia como forma de diversión, la falta de moralidad en sus acciones y la filosofía que envuelve a ambos personajes son, a mi parecer, muy similares.

Y hasta aquí llega mi intervención, espero que os haya entretenido. Que Kubrick os bendiga a todos. Tenéis la palabra.

En la literatura y el cine, es viejo el truco de mezclar muchas influencias para que parezca que la nueva obra es original, cuando en realidad toma de aquí y de allá, a diestro y siniestro. No en vano la saga de ‘Harry Potter’, sin minusvalorar su potencial literario y su rotundo éxito mundial, es un refrito de la obra de C. S. Lewis, Roald Dahl, J. R. R. Tolkien, Michael Ende, Lewis Carroll, Enid Blyton, Hans Christian Andersen, Paul Gallico, Lloyd Alexander… y no sigo, que me salgo del tema. Con esto quiero decir que a ‘Doomsday’ le pasa exactamente lo mismo. Tiene tantas influencias descaradamente copiadas, que lo que la película en sí nos ofrece no tiene relevancia alguna.

Vamos a ver: en el año 2037, Escocia está aislada del mundo, en un apocalíptico estado de cuarentena, tras ser devastada por un virus mortal, que se propagó en 2007. Cuando el virus consigue salir del muro que separa a Escocia del resto del mundo, un grupo de ¿mercenarios? ¿soldados del gobierno? liderado por Eden Sinclair (Rhona Mitra), la típica heroína traumatizada por su pasado, y que cuando era un bebé fue librada de vivir confinada tras dicho muro.

En fin, que con esta sencilla excusa, Neil Marshall, director y guionista de ‘Doomsday’ pone por delante al espectador una sucesión de escenas repletas de violencia gratuita, en ocasiones gore, y delirantes intentos de espectacularidad. Ya en su anterior película En otra película suya que vi, ‘Dog Soldiers’, de hace ya seis años, Marshall nos ofrecía una trama absolutamente marciana que anteponía la violencia pura y dura en contra de un guión consistente y elaborado. En ‘Doomsday’ se ha superado a sí mismo (nótese la ironía). No hay ritmo, no hay coherencia, lo que hay es un batiburrillo de continuos guiños a películas que no es que sean homenajeadas, sino que sufren un vergonzoso copia-y-pega como el que haría el típico estudiante de bachillerato que ha dejado un trabajo de literatura para el último día.

‘Mad Max’, ‘1997: Rescate en Nueva York’, ‘2013: Rescate en L. A.’, ‘El Señor de los Anillos’, ‘Resident Evil’, ‘Gladiator’, ‘28 días después’, ‘Escape de Absolóm’ o ‘Hijos de los Hombres’ son lapidadas sin compasión dependiendo de qué escena o qué planos. Sobretodo ‘28 días después’, que tiene aquí un clon idéntico en formas y contenido. ¿Se imaginan tan explosiva combinación? Yo tampoco, sobretodo porque esta mezcla está realizada de una forma torpísima, en un ejercicio tan impersonal como carente de ideas propias, por lo que puede verse. Pero lo que más se respira es el cine de John Carpenter, de hecho hasta uno de los personajes se llama así, como justificando la enorme influencia de la temática, ambientación, etc. sobre este film. Tanto se nota su condición de pudding de estos títulos, que incluso la película se va dividiendo en actos según esté copiada de uno u otro. Sólo decir que, teniendo en cuenta en qué films se basa, la Escocia que se encuentran los protagonistas la hemos visto cientos de veces.

Rhona Mitra es una actriz atractiva, algo que demuestra especialmente en la serie ‘Boston Legal’, pero desde luego en ‘Doomsday’ demuestra no tener ni idea de cómo encarrilar el reparto. Su personaje es idéntico al de Kurt Russell en las mencionadas películas de Carpenter, pero convertido en mujer, con mucho menos carisma y hasta simpatía. Hay que tener en cuenta también que Marshall desaprovecha de forma atroz el enorme lujo de contar con Bob Hoskins, Malcolm McDowell y Alexander Siddig entre los secundarios. Hoskins sale poco y mal, con cara de “¿pero qué hago yo aquí?”, y los otros dos ponen lo justo para que les salga económicamente rentable su aparición en esta película.

Las escenas de acción, que en la segunda mitad se hacen repetitivas hasta resultar insoportables, están tan mal dirigidas que difícilmente uno se entera de qué narices está ocurriendo. Sólo cuando vemos un plano con Sinclair, la protagonista, comprobamos que sigue viva tras el caos que presenciamos, y que continúa la película (desgraciadamente). Y es que ‘Doomsday’ dura casi dos horas, oiga. Y si bien al principio promete, a pesar de sus manidos recursos, a partir de la primera media hora uno no tiene el más mínimo interés, ni deposita la más mínima esperanza en que la historia remonte, o por lo menos se libere de ese aura de “tomadura de pelo” que tanto la condiciona. El espectáculo de violencia intrascendente que propone no aporta absolutamente al género al que pertenezca este engendro, y su puesta en escena es en general terrible. Del guión, como ya he venido diciendo, ni hablamos. Mi hermano pequeño, en un día inspirado, escribiría algo mejor.

‘Doomsday’ es un subproducto lamentable, irritante como pocos, y una mancha más en la ya de por sí mediocre cartelera veraniega de este 2008. Dios mío, qué hemos hecho para merecer esto.

En Blogdecine:

• ‘Doomsday’, de Snake Plissken a Mad Max pasando por el medievo