«The whip» («el látigo») es un movimiento de las carreras de patinaje que sirve para dar impulso. La protagonista de ‘Whip it!’ es una joven, encarnada por Ellen Page, que vive en Texas con su madre. Ésta e espera de ella algo muy diferente a lo que es: quiere convertirla en una reina de la belleza, mientras lo que a la adolescente le apasiona son las violentas carreras sobre patines.

‘Whip it!’ —o ‘Roller Girls’ como también se la conoce— supone el debut en la dirección de Drew Barrymore. El guión está basado en la novela de Shauna Cross, quien también se ha encargado de la adaptación. La actriz que se ha pasado al otro lado de la cámara declara, hablando sobre la trama del film, que «las chicas podemos hacer cualquier cosa, por eso esta película es tan personal. Encontrar tu fuerza interior, darte cuenta de que puedes hacer lo que hacen los chicos y descubrir quién eres por el camino. El viaje de Ellen en realidad es sobre ese descubrimiento».

Junto a Page, están en el reparto la propia Barrymore, Juliette Lewis, Marcia Gay Harden (como la madre), Zoe Bell, Ari Graynor y Andrew Wilson.

La historia parece que ya se nos hubiese contado y quizá ya interpretada por Page, pero por lo que se puede atisbar en el tráiler —que se puede ver a continuación—, da la sensación de que es un acercamiento sincero y valioso hacia esa difícil época de la vida.

Aquí se puede ver el mismo trailer de ‘Whip it!’ en HD.

En España la película, a pesar de que, como proyecto, resultaba sorprendente; todavía no tiene fecha de estreno prevista, aunque en EE. UU. se haya estrenado hace más de un año. Espero que este retraso no sea síntoma de un lanzamiento directo en DVD. Quizá todo dependa del entusiasmo y la determinación de acudir al cine a verla que mostremos aquí. Por mi parte, me apunto. ¿Alguien más?

Vía | IMDb.

“Cariño…cuando arme un Cristo…te enterarás…”

-Tom Reagan

No esperen de mí, ténganme un poco de conmiseración si no es mucha molestia, que escriba en el titular de esta entrada la traducción que algún distribuidor, siempre anónimo cuando muchos querríamos que fueran públicos y notorios (para poder ajusticiarles), hizo del estimulante ‘Miller’s Crossing’, un lugar imaginario de las afueras de una ciudad corrupta que viene a ser ‘el cruce del molinero’, en el increíblemente estúpido, digno de novela rosa, ‘Muerte entre las flores’, que nada tiene que ver con las muertes brutales, alejadas de toda pseudo poesía, incrustadas, talladas a fuego, en esta obra imperecedera, bellísima, extraña, tumultuosa, creada por dos genios que hoy se han olvidado de quienes eran, y por eso son meras sombras de sí mismos.

Tampoco iba a llamarse ‘Miller’s Crossing’, si no ‘Bighead’ (en alusión a la personalidad del personaje protagonista, un tipo pétreo, casi abyecto, funámbulo, de inteligencia superior), y que fue abandonado como otros muchos, porque los Coen (sin h intercalada, por favor) no daban con un título que fuera totalmente de su agrado. Al final, tampoco quedaron muy satisfechos con el que dejaron, pero sí con una película que es, con toda seguridad, la más bella de todas suyas, la más compleja y arriesgada, y que, a día de hoy, parece que los hermanos Coen no van a poder superar jamás, y menos aún con el declive imparable que está demostrando su cine en los últimos años.

Porque los hermanos Coen, tras dos películas sorprendentemente brillantes (una oscuridad, ‘Sangre fácil’, y una locura inolvidable, ‘Raising Arizona’), firmaron cinco películas en los noventa, todas ellas formidables, desde la sorprendente ‘El gran Lebowski’, hasta la existencialista ‘Barton Fink’; para luego perder personalidad e ingenio en la década siguiente, en la que ni siquiera la endeble ‘No es país para viejos’ consiguió levantar el vuelo, por mucho que ellos mismos dijeran que era su mejor película, cuando está muy por debajo de cualquiera de las cinco de la década previa. Pero ninguna de ellas tan verdaderamente única como ‘Miller’s Crossing’, que bebe de las mejores fuentes: Jean Pierre-Melville y Dashiel Hammet.

Un argumento no tan enrevesado

Básicamente la trama es la siguiente: dos jefes mafiosos enfrentados por el control de la ciudad, uno irlandés (Leo) y otro italiano (Giovanni Caspar), con la excusa de los chanchullos del corredor de apuestas Bernie, cuya hermana sale con Leo. El lugarteniente del primero, Tom Reagan, engaña a su jefe acostándose con su amante, pero luego intentará solucionarle las cosas pasándose al bando contrario y arreglándoselas, con unas dotes para la estrategia que dejarían a Maquiavelo en pañales, para que se maten entre ellos. No es tan enrevesado si se le presta atención, si bien los numerosos giros imprevistos del guión, escrito con un ingenio que envidiaría Billy Wilder, hacen que sea imposible degustar sus abundantes y gozosos detalles de una sola vez.

Tras la timidez de su primera película, y la desvergüenza de la segunda, los Coen entraron en los 90 con el deseo de dejar huella, y se entregaron a ello con su película más serena, más equilibrada (sin por ello estar desposeída de fascinantes desequilibrios), más trágica. En el mismo año en que dos gigantes como Coppola y Scorsese daban a luz dos portentos como ‘El padrino, parte III’ y ‘Goodfellas’, respectivamente, los Coen pueden ponerse a su lado sin desmerecer en absoluto. Y eso es mucho decir. Y no desmerecen porque el tenebroso lirismo de esta película, que renueva de savia joven un género que parece inagotable por su capacidad de convocar talentos dispares, el Noir, está plagado de diálogos que podrían competir con los de ‘Retorno al pasado’ (Jacques Tourneur, 1947) y de personajes que podría haber tallado un Fritz Lang. Y las “femmes fatales del cine negro clásico”, las Stanwyck, Turner, Bacall, tendrían que reencarnarse varias veces para alcanzar la turbiedad de Verna (inolvidable Marcia Gay Harden).

¿Qué es lo que quiere Tom Reagan?

Pero el personaje central, Tom Reagan, interpretado con genio por el gran actor irlandés Gabriel Byrne, es posiblemente el carácter más complejo y contradictorio de los Coen, un sujeto pétreo, cínico, estoico y amoral, sobre cuyos sentimientos (aunque sean solapados, o muchas veces indescifrables) gira toda la historia. La secuencia que prefiero de toda la película, aquélla en la que Verna acude a casa de Tom después de que Leo se enterase de que le ambos habían engañado, es muy esclarecedora al respecto. Las palabras que ambos amantes se dirigen son de complicidad pero punzantes a la vez, sinceras e insinceras a un tiempo, abren puertas, pero a misterios más irresolubles de su estado anímico. Pregunta Tom: ¿Y qué es lo que quiero?. La respuesta de Verna: “A mí...”, no parece satisfacerle ni a él ni al espectador.

Quizá sea bueno para Tom que ni él mismo sepa lo que quiere. Pero qué poderosa imagen, que estremecedora verdad se desprende de esta escena (una escena que me ha afectado en muchos momentos de mi vida, y siempre por motivos diferentes), pues pocas veces hemos visto a un hombre tan solo, y por motivos indescifrables, que le ayudan seguramente a infiltrarse en el enemigo y, sin un atisbo de duda, ser capaz de plantar la semilla de la cizaña de una forma asombrosa, y poco tiene de importante que El Danés desbarate en parte sus planes, pues en la brutal escena en la casa de Caspar, los acontecimientos sólo pueden confluir en una dirección, casí...predestinada.

Es sabido que los Coen se encontraron con un desafío en la trama muy difícil de superar, que es el motivo por el que Tom no acaba asesinado en el bosque, dado que encuentran un cadáver que no debería estar allí. En el intervalo en el que encontraron la solución a ese enigma, los Coen escribieron ‘Barton Fink’, precisamente sobre los bloqueos de un escritor… Pero las casualidades, enormes, que ayudan a Tom en su misión, parecen más bien ayudas demiúrgicas con las que el Destino, o Dios, se complace en jugar con Tom, el cual cree que puede jugar, gracias a su intelecto privilegiado, a ser Dios. Porque puede que Tom no sepa lo que quiere, o que tenga el corazón muy pequeño (como asegura Verna), pero sí sabe muy bien lo que hace.

La historia de una amistad

Pero también esta es la historia de una amistad, la que une al entrañable matón Leo (interpretado por el antaño galán Albert Finney, que está impecable) con su hombre de confianza Tom Reagan. Una amistad que les ha llevado a controlar una ciudad (Nueva Orleans, aunque nunca se nombre) y ha hacer y deshacer a su antojo, hasta que llega la tormenta en la presencia del jugador Bernie y el jefe italiano Caspar, sin olvidarnos de la de Verna. Leo es una especie de Padrino, y Tom una clase de consejero, pero son mucho más. En sus réplicas y gestos da la sensación de que han pasado por mucho juntos, probablemente desde que eran unos chiquillos, y hay complicidad, aunque también ironía y distancia dialéctica entre ambos.

La palabra amigo, o sus variantes, aparece varias docenas de veces en los diálogos acerados de esta obra maestra, pero muchas veces de un modo cínico o hipócrita. En la relación entre estos dos caracteres nunca aparece, pero Tom lo hace todo por él, y se juega la vida hasta el final, sin esperar recompensa, sólo como algo personal, una redención auto impuesta de la que, como mucho, sólo va a obtener salvar la vida, perdiendo a Verna definitivamente, pero arreglándole las cosas a Leo. La forma que tienen los Coen de narrar esta peripecia, esta redención, está trufada de violencia, pero también de contención; de muertes en off, pero también gráficas; de lirismo, pero también de cruel vulgaridad.

Tom sueña con un bosque en el que su sombrero echa a volar. Inicialmente cree que el sueño se hace realidad en las puertas de la muerte, cuando el danés le lleva allí. Pero en la conclusión de la historia, con Leo marchándose para no volver a verle jamás, aún conservando el sombrero (el gesto de ponérselo es lo último que hace que veamos), es cuando se materializa su sueño/premonición, lo pierde todo por haberse redimido ante los ojos del amigo al que ha salvado. Sigue igual de solo, o más aún, pero ha hecho algo por Leo. Y en la última mirada que le dedica se concentra todo el talento inmenso de los Coen, un talento que parecen haber perdido irremisiblemente.

¡No vayan ahí fuera! ¡Hay algo en la niebla!

-Dan Miller

Ví esta película por primera vez hace algunas semanas, en Canal +, ya que no la había visto en cine hace dos años, cuando se estrenó. Recuerdo que le comenté a Alberto Abuín que por fin la había visto, y él me contestó que ya iba siendo hora porque, y estas fueron sus palabras textuales, “es una puta obra maestra”. Yo le contesté que la película no estaba mal, lo que le pareció, lo recuerdo bien, infravalorarla.

Lo cierto es que sus imágenes se me habían quedado grabadas, por alguna razón, en la retina, y sobre todo en la recámara de la memoria. Eso es algo bueno siempre. No la ví y después me olvidé, sino que seguía tirando de mí. La he vuelto a ver unas cuantas veces, entera o por partes, y cada vez con gran placer. No creo que ‘La niebla’ sea, como dice mi socio, “una puta obra maestra”, pero no hay duda de que es una película tremendamente inteligente, que da miedo de una forma muy poderosa, y que sobre todo, y principalmente, es un estudio sobre el miedo.

Un equilibrio muy difícil de mantener

Stephen King no es un gran artista. Pero es un grandísimo profesional en el oficio de dar miedo. Es decir, no es un gran creador, pero desde luego es un gran narrador. Exactamente igual que Frank Darabont, que ha dirigido tres adaptaciones de relatos previos de King, y que nunca será un director tremendamente personal, pero que es un grandísimo profesional del arte de hacer películas, y que, además, ha demostrado gran versatilidad, pues es capaz de pasar del melodrama, sus primeras películas, al terror con la última. Y siempre con éxito.

En su adaptación de esta ‘La niebla’, Darabont sabe cosechar las mejores virtudes de la excelente novela corta, y las potencia visusalmente de manera ejemplar. Aunque también es cierto que la novela, y el escritor, son muy visuales por sí mismos. Una historia clásica de un grupo de gente guarecido en un sitio cerrado que, como en el clásico ‘Beowulf’, es acechado por un horror inconcebible que está ahí fuera. Esquema que ha sido empleado en algunos westerns de Hawks, después versionados por su discípulo John Carpenter, y que James Cameron llevó a la perfección en la insuperable ‘Aliens’.

Pero lo interesante en esta historia es cómo reflexiona sobre ese esquema clásico, y le dota de interesantes variantes, además de explorar hasta qué punto podemos creernos lo que vemos (pese a haberlo vivido), si realmente influye la suerte o la selección divina en vivir o morir (ejemplificado en el estupendo personaje de la gran Marcia Gay Harden), o finalmente si la crueldad humana es aún más abyecta que el mero deseo de sobrevivir de un enemigo feroz. Interesantísimas cuestiones expuestas con sensilibidad y sin concesiones por parte de Darabont.

La misma niebla, por tanto, se erige en metáfora salvaje de la desorientación no sólo externa, sino sobre todo interna, de todos los personajes, e impregna cada uno de sus actos. Es maravilloso el momento en que David Drayton (un estupendo, por creíble, Thomas Jane) no sabe cómo contar lo que ha visto, porque él mismo no termina de creérselo, y precisamente por eso no logra convencer al otro macho-alfa del grupo, que de manera muy astuta desaparece en la niebla, y nunca vemos su más que probable muerte. La escena de los tentáculos da bastante miedo, pero sobre todo nos descoloca de manera notable. Nos hemos convertido en un personaje más dentro del supermercado.

El siguiente nivel de desconcierto es la fenomenal secuencia de los insectos gigantes y de las gárgolas que los cazan. Imposible sentir más asco, porque esa escena sirve, además, para apelar a nuestros sentimientos de asco más profundos y más irracionales. Las criaturas están bien diseñadas porque son manifestaciones de nuestro subconsciente más aprensivo: insectos gigantes y arañas gigantes. El hecho de que resulten ligeramente pulp, en lugar de distanciarnos, crea un nivel narrativo muy interesante: tampoco podemos creer lo que estamos viendo. Pero… ¿y si fuera real? Sería demasiado horrible.

Todo este collage de miedos y reflejos de miedos exigía un equilibrio que Darabont sostiene como el que respira, convertido ya en un consumado artesano, capaz de hacernos cercanos a un grupo de personajes tan reales como la vida misma.

Ecos de Lovecraft, y sin concesiones

Pero entre las criaturas hay dos niveles, por un lado los insectos y arañas, y por otro las criaturas gigantes, siempre parcialmente cubiertas por una niebla piadosa que no quiere mostrar aún más horror. Criaturas gigantes, tentaculares y de rasgos crustáceos, de clara inspiración lovecraftiana, casi una venganza de una naturaleza hipertrofiada, mutante y despiadada, que arrasa con el ser humano allá por donde pasa, sin oposición.

Porque no hay esperanza en esta historia, ni siquiera por el rayo de esperanza que se vislumbra al final. Un regusto ácido se nos queda en la pared del estómago cuando concluye esta película, que mientras se ve incomoda y atrapa, pero que cuando se recuerda proporciona excelente material para el saco oscuro de las pesadillas. En cualquier caso, antes de que algo parecido pueda llegar a pasar (si es que no ha ocurrido ya, cosa bastante probable) es bueno ver la película e imaginar cómo reaccionaríamos nosotros ante una situación semejante.

Y sospecho que no sería de una manera muy distinta. Ver ‘La niebla’ es un excelente adiestramiento para futuros apocalipsis.

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Resulta curioso que la descendencia de Clint Eastwood no haya obtenido la misma fama, o al menos una parte, que ya sería bastante, del director de ‘Bird’. A pesar de que suele sacar a sus retoños en muchas de sus películas, algo que lleva haciendo desde hace muchos años, la pareja de hermanos producto de su matrimonio con Maggie Johnson, esto es, Kyle Eastwood y Alison Eastwood (los mayores) ni siquiera son conocidos por ser precisamente hijos de la leyenda viviente. El primero de ellos hizo sus pinitos en el cine apareciendo en ‘El aventurero de medianoche’, pero luego le dio por la música y terminó convirtiéndose en un excelente músico de jazz (toca el contrabajo) reconocido únicamente en circuitos especializados.

Alison Eastwood, la realizadora de ‘Raíles y lazos’, apareció de niña en ‘En la cuerda floja’ (‘Tighrope’, 1984), años más tarde y ya crecidita, al lado de John Cusack en ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’. Siendo hija de quien es, no se entiende que su carrera como actriz no haya sido más fructífera. Ahora le ha dado por estrenarse como directora, pero todo indica a que la mala suerte le persigue de nuevo, aunque hay algo peor en esta ocasión: la primera impresión que uno se lleva después de ver una película como ésta es que el talento no se hereda, aunque por supuesto habrá que esperar a que Eastwood hija tenga nuevas oportunidades detrás de las cámaras, eso sí, con mayor fortuna comercial.

‘Raíles y lazos’ (‘Rails & Ties’, 2007) ha tenido una distribución muy limitada en su país de origen, y fuera de él sólo ha conocido ediciones en dvd, como es nuestro caso, que desde este pasado martes podemos adquirir el film en cualquier videoclub o tienda especializada. El film versa sobre un hombre, conductor de trenes de pasajeros, que no es capaz de enfrentarse a la enfermedad terminal de su mujer, de la que está profundamente enamorado, pero últimamente no se lo demuestra demasiado. El tiempo se le acaba si quiere arreglar las cosas, y la oportunidad surgirá de una curiosa situación: el atropello con su tren a un coche en el que estaba una mujer que quería suicidarse. El hijo adolescente de ésta, que no tiene a nadie en este mundo, comenzará una relación con el matrimonio, una relación de la que todos podrán aprender algo.

Los primeros diez o quince minutos tenía la sensación de que estaba ante una muestra de gran cine. La presentación de personajes, el cuidado tempo y unos emotivos flashbacks perfectamente integrados en la trama, muestran una capacidad como realizadora por parte de Alison Eastwood que la acerca irremediablemente a la figura de su padre. Incluso los temas elegidos: la familia rota, la añoranza de hijos, la adolescencia perdida y la muerte inevitable, son temas que de siempre han interesado a Eastwood, y bien patentes han quedado en algunas de sus ya legendarias películas. Pero la grandeza de esos minutos viene más bien por la puesta en escena de Eastwood hija, que es capaz de paliar con pericia un guión que no está a la altura de las circunstancias, quedando como una historia muy simple y banal que no se diferencia en casi nada del típico estrenos tv emitido tantas y tantas veces.

Dejando a un lado la evidente y obvia metáfora de su título, los raíles son las vidas inevitables que a los personajes les toca vivir y los lazos son cosa de ellos, ‘Raíles y lazos’ empieza a perder toda su fuerza a partir del momento en el que se presenta una forzadísima escena entre el protagonista y su compañero de trabajo que tiene lugar en un bar. Las cosas se suceden sin parar, y la lógica progresión dramática deja de existir. Los personajes lloran, se quejan, maldicen, se enfadan, se reconcilian, y ninguna de sus acciones tiene sentido. Al respecto cabe citar la relación entre el personaje central y el crío que ha perdido a su madre, que evoluciona a pasos agigantados sin lógica alguna. Por otro lado, el film se pierde en sus propias intenciones, y no termina de definir demasiado bien qué es lo que quiere contar. ¿Es una película sobre la aceptación de la muerte? ¿sobre la belleza que poseemos y no valoramos? ¿sobre el tiempo? ¿sobre relaciones paternofiliales? Sí, puede ser quizá que quiera tocar todos estos temas, pero lo hace de forma muy difusa y casi banal. El trabajo de Alison Eastwood a partir de ese momento y para decepcionante sorpresa de un servidor, va a la par con un guión más bien pobre, y es incapaz de evitar que su película caiga en lo corriente, por no hablar de la manía, un poco molesta, de hacer cambios de escenas con demasiados fundidos en negro que no tienen un mayor valor que el estético.

Además del comentado esperanzador inicio, ‘Raíles y lazos’ tiene otra cosa que puedo salvar de la quema: sus actores. Era de esperar que tanto Kevin Bacon como Marcia Gay Harden dieran lo mejor de sí mismos, o cerca de ello, para dar vida a dos personajes de la talante que aquí se nos presenta. Es una pena que la flaqueza del guión, que más que describir a los personajes, se preocupa únicamente por presentar situaciones con las que se les pretende dibujar, pero éstas son tan ilógicas, y su muestra tan superficial, que el esfuerzo de los actores es en vano. Y no me cabe la menor duda de que ambos han participado en este film por colegueo, algo que nada tiene que ver con los resultados del mismo, pero que no de estar en la película, ésta sería prácticamente insoportable.

‘Raíles y lazos’ queda como una película muy floja, una pena considerando su prometedor comienzo. Si Alison Eastwood tiene algo que ofrecer como realizadora, el hecho de que su ópera prima no sea conocida no le ayuda ni lo más mínimo. Ya podría tito Clint mirar un poco más por su criatura.

‘The Dead Girl’ es una de esas películas que nos llegan con multitud de retraso. Siendo del 2006, llegó a nuestros cines el pasado fin de semana sin ningún tipo de aliciente en su promoción. Resulta curioso como los distribuidores pasan de este tipo de películas pequeñas, y cuando nadie se acuerda de ellas, van y las estrenan al lado de otras mucho más importantes o anunciadas, con lo que reducen aún más sus posibilidades de éxito (salvo que la gente caiga de rebote en ellas al no encontrar una entrada para el film que realmente quieren ver). Para colmo, este tipo de películas no tienen la misma distribución que otras, por razones más que obvias. Sus copias son pocas, la publicidad que se le da al asunto más que limitada, por lo que me pregunto si no sería mejor que las editasen directamente en dvd.

Cuestiones imposibles aparte, ‘The Dead Girl’ da una vuelta de tuerca a las típicas películas de varias historias, en las que un determinado número de personajes, en principio no relacionados entre sí, terminan teniendo más en común de lo que parece. En este caso, cinco historias separadas, con un sólo nexo de unión, y cuyo tema central es la pérdida de un ser querido.

‘The Dead Girl’ narra las consecuencias en varias personas de la muerte de una joven, huida de casa y metida en algunos problemas de drogas. Para ello, Karen Moncreif, directora y guionista de la película, toma la decisión de fragmentar la historia en cinco segmentos, protagonizados cada uno de ellos por personas cercanas a la persona en cuestión, siendo el último de ellos reservado para la chica muerta del título. Así pues, tenemos, a una solterona demasiado influenciada por su posesiva madre, que encuentra el cadáver. Una chica que ha perdido a su hermana hace años y cree reconocerla en el cuerpo encontrado. La madre de la chica, desesperada por saber dónde está. Un asesino en serie que se encuentra con ella, y por último la chica en cuestión.

El problema de ‘The Dead Girl’ es que las historias por sí solas funcionan, unas más, otras menos, y una ninguna. Pequeños fragmentos organizados como si de cortometrajes se tratasen. Lo que ocurre es que el conjunto global adolece de una falta de fuerza alarmante, algo que llama la atención, pues hay cosas en esos pequeños universos, por así llamarlos, que sí están logrados. Por ejemplo, el ir sabiendo más cosas de la chica muerta en cada nueva historia que nos cuentan. Datos que se nos van desvelando poco a poco, y que aumentan nuestro interés por conocer algo más de alguien que influyó tan poderosamente en las vidas de determinadas personas, ya sea directa o indirectamente. Lo realmente llamativo, es que nos interesa más aquellas personas alejadas del personaje en cuestión, que las relacionadas personalmente con el mismo, y cuando vamos a saberlo todo sobre la chica en particular ésta nos cae repelentemente mal, y nos hace preguntarnos porqué los demás sufren por alguien así. Aunque en el caso de algunos, el dolor es más bien por el hecho de no conocer nada, de no saber qué ha pasado realmente.

Posiblemente el trabajo de los actores que desfilan por ‘The Dead Girl’ sea lo mejor de la misma. Destacan por encima del resto, Toni Collette, regalándonos una de sus camaleónicas interpretaciones, expresando a la perfección la soledad que rodea su personaje. Que gran actriz y que poca justicia se le hace. También Rose Byrne, menos conocida aún, y que realiza algo parecido, logrando que entendamos muy bien la desesperación de alguien que lucha contra la nada más absoluta. Bruce Davison y James Franco parece que sólo realizan cameos. Mary Steenburgen y Josh Brolin son el contrapunto perfecto en las historias en las que aparecen. Marcia Gay Harden la empezamos a tener hasta en la sopa, y aquí realiza una de sus entregadas interpretaciones como madre de la chica. Y finalmente, una Brittany Murphy, totalmente desfasada, haciendo que echemos de menos los tiempos en los que se dio a conocer y a todos nos caía más simpática.

Moncrief firma las primeras cuatros historias con calma, a veces demasiada, y sin ningún tipo de estridencia. La última es puro nerviosismo, planos inclinados, cámara en mano, intentado reflejar el caos en el que vive la chica protagonista, pero de un vacío argumental apabullante. Una forma de terminar la película totalmente alejada de las intenciones iniciales, cuando presentíamos que podríamos ver un film de corte más intimista.

‘The Dead Girl’ es una floja película, que no llamará la atención a nadie. Su escasa distribución contribuirá a que la cosa siga igual.

En Blogdecine | ‘The Dead Girl’, cinco historias, cero virtudes

Con dos años de retraso se estrena ‘The Dead Girl’, que por no traducirlo a ‘La Chica Muerta’, lo han dejado tal cual. Pues muy bien. Con un reparto interesante y una estructura pentagonal (lo que quiere decir que nos encontramos con cinco tramas independientes con un vínculo tangencial), ‘The Dead Girl’ tiene todos y cada uno de los ingredientes para ser un producto decente, y en su totalidad se queda a medias.

‘The Dead Girl’ parece el capítulo piloto de una serie de televisión. Afirmar esto podría parecer un halago, pero no lo es. Porque la ficción televisiva ha subido tanto de calidad (en relativamente poco tiempo), que últimamente es preferible ver un episodio de una serie que una película. La estrecha línea que podría separar ambas ramas es aquí rebasada totalmente, y todo porque la película intenta abarcar tantas tramas y temas, que da la sensación de que la idea habría funcionado como serie, y sin embargo, en ningún momento convence como largometraje.

Una chica es encontrada muerta por una amargada solterona de mediana edad. Esto da lugar a las cinco situaciones mencionadas, cada una con su sello característico, y con la suficiente coherencia como para ofrecer minutos a las estrellas de las respectivas historias.

La primera historia, la de la mujer que encuentra el cadáver, interpretada por Toni Collette, es desarrollada sin gracia ni interés, en la pretensión de reflexionar sobre la soledad, de forma tramposa y vacía, y con Giovanni Ribisi haciendo lo que puede en un personaje totalmente innecesario y poco definido.

Mejora con la segunda, en la que una atractiva forense no es capaz de superar la desaparición de su hermana quince años atrás, y sirve para que Rose Byrne y James Franco muestren sus (dudosas) virtudes actorales. En la tercera, se retrata el perfil del asesino, con histrionismo, simpleza y de forma muy previsible. La cuarta, es sin duda la mejor, porque se describe la vida de la víctima, y con Marcia Gay Harden (la madre de la chica) cumpliendo con creces, frente a una Kerry Washington flojita, encarnando a la compañera de habitación de la víctima.

Por último, un torpe flash-back nos conduce a la triste existencia de la víctima, interpretada por Brittany Murphy de una forma antipática e insoportable, de forma calcada a su papel de loca en el thriller ‘Ni una Palabra’.

La supuesta unidad conceptual que conforma la fusión de las cinco historias en una serie de conclusiones comunes, es de corte pesimista e indudablemente trágico, con personajes que deambulan en una vida sin el menor atisbo de esperanza, sin saber cómo escapar de sus miserias interiores ni de la mala fortuna que les corroe. Bien dirigida por Karen Moncrieff, pero con un guión que se permite demasiadas licencias.

El mayor lastre de ‘The Dead Girl’ es en todo caso su preocupante irregularidad, obviamente marcada por su desarrollo dividido en cinco partes, de las que sólo me quedo con la segunda y la cuarta, que se centran precisamente en esa búsqueda en vano, en ese victimismo propio del trauma psicológico, con su correspondiente melancolía perpetua. El resto me parece, lo que más lo que menos, inocuo, poco profundo e innecesario. En concreto, resulta especialmente gratuita toda la moralina que rodea al anhelo de la víctima de ser una buena madre y llevar una vida mejor, a pesar de la espiral de drogas, prostitución y pobreza que la condiciona. En algunos momentos, no hay nada original, nada que no hayamos visto en la serie ‘Twin Peaks’ (otra vez la televisión) o en cualquier película de secuestros o desapariciones de medio pelo.

Está claro que por estos motivos, a pesar de que dura hora y media, ‘The Dead Girl’ se hace larga y aburrida, aunque deja el suficiente margen para que el espectador espere con paciencia una progresión que sólo llega a ráfagas, y desemboca en la quinta historia, que se carga las pocas cualidades que pudieran quedar en el conjunto. Flojo título cuyo retraso no es de extrañar, y un ejemplo más de que esta moda de las historias corales no es sinónimo de calidad.

Hace casi cuatro meses, se estrenaba en España, a bombo y platillo, ‘Monstruoso’ (‘Cloverfield’). La película giraba en torno a la llegada de una gigantesca criatura a la ciudad de Nueva York, con la idea de destrozar a “la ciudad que nunca duerme”. Bajo la modalidad de la cámara subjetiva, el producto intentaba meter al espectador en una montaña rusa con monstruo, primando el espectáculo, los personajes vacíos y el corre, corre, corre más rápido. El pasado viernes 30 de mayo llegó a los cines españoles, con mucho retraso, sin hacer ruido, ‘La Niebla’ (‘The Mist’, 2007). Y, maldita sea, lo que ahí se muestra, lo que Frank Darabont ha realizado sí es monstruoso.

El argumento de ‘La Niebla’ es el siguiente: Mientras compran en un supermercado, tras una noche con un fuerte viento que ha afectado a muchas viviendas, una serie de individuos se encontrarán atrapados ante una situación insólita: la tienda está rodeada por una espesa niebla que parece esconder a unas misteriosas y terribles criaturas. A pesar de las evidencias, de que si alguien se aventura a traspasar la zona protegida no sobrevive, las disputas entre el grupo y la necesidad de conseguir medicinas para algunos, les obligarán a salir…

La película comienza mostrando a un hombre dibujando el póster de una película; al fondo, vemos el de ‘La Cosa’. No es casual esta referencia a John Carpenter. ‘La Niebla’ parece, a ratos, filmada por el Carpenter que nos dejó el título mencionado, ‘Asalto a la Comisaría del Distrito 13’, ‘Halloween’ o (la otra) ‘La Niebla’. No había cartelito, pero M. Night Shyamalan es otro que podría haber realizado esta película. Por momentos, casi podríamos estar viendo una versión alternativa, más sangrienta, de ‘El Bosque’. De ambos toma Frank Darabont lo mejor. Y también, claro, del relato que da origen a su película, escrita por su amigo Stephen King, genial para trazar relatos humanos a partir de elementos de fantasía y terror.

Podría decirse que King ha sido quien ha puesto a Darabont entre nosotros. Gracias a obras suyas, pudimos ver de lo que este director era capaz, especialmente con la sobrevalorada pero emocionante y entretenida ‘Cadena Perpetua’. ‘La Milla Verde’ también merece aplausos, aunque sólo sea por el desarrollo de personajes (vistos, todo sea dicho, en films anteriores) y por esa parte final que deja al espectador sin respiración, aturdido y deseando que todo lo que ha sucedido sea, en realidad, una pesadilla de algunos de los protagonistas.

Es esa misma sensación la que nos atrapa a menudo durante el visionado de ‘The Mist’, sobre todo, con una intensidad brutal, en el desenlace, la mayor animalada que he visto en mucho tiempo; y ojo, los que esperen ver algo en plan gore o ultraviolento, que se vayan olvidando, lo que acontece te destruye las tripas por lo dramático (¿y caprichoso?) de la situación. Frank Darabont vuelve a recurrir a un escrito de King pero le da otra dimensión (nunca mejor dicho). Como si estuviera harto de la raza humana, nos da un puñetazo en pleno estómago con una demoledora sucesión de escenas que muestran, de forma realista y aterradora, hasta dónde podríamos llegar en un caso tan desesperado como el que plantea el film. El miedo y la desesperación transforman a un grupo de personas en seres tan terribles como los que viven dentro de esa niebla tan propia del cine de ciencia ficción de antaño. Ya sé que lo decimos mucho ahora, pero, ¿qué habría pasado con Indy IV si George Lucas no hubiese rechazado el guión de Darabont? Ojalá podamos leerlo algún día…

Resulta increíble lo que Darabont logra también en el aspecto interpretativo. Me refiero, especialmente, al resultado que ofrece Thomas Jane, a priori, una razón para desconfiar de ‘La Niebla’. Jane se convierte en un actor convincente y carismático en esta película, algo de lo más sorprendente después de lo que habíamos podido ver hasta ahora de su trabajo (¿alguien ha logrado olvidar ‘The Punisher’?). De nuevo me acuerdo de Shyamalan, capaz de sacar emoción de los rostros más inexpresivos; seguro que Mark Wahlberg está como nunca en ‘El Incidente’.

Jane se echa la película a las espaldas, siendo el líder del grupo “bueno” (pondría quince comillas), pero quien está mejor es una impresionante Marcia Gay Harden, que debería llevarse un Oscar por su personaje; una inteligente, despreciable y odiosa fanática religiosa que llegó a recordarme a Mercedes McCambridge en ‘Johnny Guitar’. En cuanto al resto del reparto, decir que es numeroso y que realizan una labor impecable. Es maravilloso comprobar cómo se pueden mostrar a tantos personajes, tan diferentes y que todos tengan su parte de protagonismo en la historia, aportando siempre un pedacito de su entidad para dar cuerpo a la historia. Destacar, de todas formas, a un Tobin Bell Toby Jones que se está ganando a pulso el que recordemos su nombre y sigamos su trayectoria (¿soy el único que piensa que en ‘Historia de un Crimen’ fue un mejor Capote que Philip Seymour Hoffman?).

En definitiva, ‘La Niebla’ es un brillantísimo film de terror, pero donde lo central no es el monstruo, la faceta/excusa fantástica (precisamente, es su punto débil, con unos efectos digitales algo pobres). Lo principal y lo que hace grande a la película es la dura mirada, sin concesiones, al lado más temible y estúpido del ser humano. Puede que te de algún que otro susto, pero lo que Darabont pretende es que, en repetidas ocasiones, te quedes pegado a la pantalla, con el corazón a mil y los dedos clavados en la butaca. Y, te lo aseguro, lo logra.

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A principios del verano pasado llegó a nuestras carteleras ‘Lo que no se ve’ (‘The Invisible’, 2007), película que el próximo día 23 saldrá a la venta en dvd. Casi nadie se enteró de que se había estrenado, muy probablemente porque su paso por nuestros cines fue fugaz y silencioso, y eso que la lanzaron con frases promocionales que aludían al megahit ‘El Sexto Sentido’ (¿he dicho alguna vez que esta película me parece una absoluta obra maestra?), pensando que tal vez eso arrastraría a los espectadores a los cines, esos lugares a los que cada vez acude menos gente.

Como en su momento se me escapó, decidí rescatarla en dvd hace pocos días para comprobar si me había perdido algo interesante. Y la verdad es que interesante es su propuesta, nada más, pero como ocurre con infinidad de películas con propuestas interesantes, la cosa se queda ahí, sin que su guionista o director sea capaz de llevarlas más allá o desarrollar ciertas ideas con algo de garra o buen hacer. Debí pensármelo mejor al saber que David S. Goyer es su mayor artífice, porque este señor creo que lo único bueno que ha hecho es ciertos guiones para DC y guionizar una de las películas más olvidadas y menospreciadas de la década pasada: ‘Dark City’.

Como director, Davis S. Goyer no da una. Después del enorme fiasco que supuso la tercera entrega de Blade, decidió volver a probar suerte detrás de la cámara con esta extraña mezcla de thriller y drama en el que los buenos sentimientos tienen también cabida, pues al tratar temas sobrenaturales que lidian con el más allá, no podían faltar. Y moraleja, mucha moraleja, pero metida a calzador al final de la película, cuando ésta da un vuelco total y nos habla de otra cosa totalmente distinta. Y es que ‘Lo que no se ve’ trata de muchas cosas y no trata de nada. Empieza como cualquier comedieta estudiantil con chicos con problemas, unos más y otros menos, sigue como thriller sobrenatural, y termina como dramón sobre la familia, la comprensión, las segundas oportunidades, el conocer verdaderamente a la gente, y muchas cosas más, pero tan mal mezcladas que no interesa ni lo más mínimo.

Ni siquiera, cuando la película aporta su apunte más interesante: qué pasa antes de morir del todo, ésta se arriesga o explora con interés ese campo, en el que podían haber dejado volar la imaginación. Al contrario, todo suena a ya visto, y además incide en ciertas resoluciones argumentales totalmente erróneas, como todos los instantes en los que el joven protagonista parece hacer algo (y vemos cómo lo hace), pero resulta que no es así porque está a punto de morir y casi no existe. De repente, el film decide dejar todo eso de lado, y centrase en el personaje femenino, problemático hasta la médula, en lo que parece un drama social totalmente descafeinado y soporífero, donde para colmo de los colmos nos enteramos de que ella “le oye”. ¿Por qué? como no le importa a nadie, se habrá dicho el guionista, pues a no explicarlo. En esta parte se sugiere también una historia de amor, pero ya era demasiado y tal vez por eso no profundizaron en el tema.

En cuanto a los actores, Justin Chatwin se limita a ser un niño mono y pasearse perfectamente despeinado para lucir cara guapa. Su partenaire femenina se lo curra un poco más, la desconocida Margarita Levieva se entrega con algo más de pasión a su rol, la complicada mujercita metida en líos con la policía y con todo el que le rodea, incluido el personaje central al que le une la propuesta argumental más disparatada vista en años. Levieva es mucho más interesante en la primera parte del film que en la segunda, cuando empezamos a descubrir demasiadas cosas sobre su personaje. Marcia Gay Harden pone algo de veteranía al asunto como la fría madre de nuestro protagonista, pero no tiene demasiadas oportunidades de lucirse por lo mal tratado que está su personaje.

Una mala película que parece un refrito de otras muchas, realizado sin pasión ni interés. Incluso cuando intenta navegar por los parámetros del cine de terror el film patina de lo lindo, y es que ese continuo vaivén entre géneros le hace un flaco favor, y todo porque Goyer no maneja absolutamente ninguno. De donde no hay no se puede sacar.

No hay duda de que la nueva película de Frank Darabont, basada de nuevo en una obra de Stephen King, tiene una pinta estupenda, y eso que la premisa de ver a un montón de personajes encerrados en un sitio del que no pueden salir debido a una amenaza exterior está demasiado manido. Pero confío en Darabont para hacer un producto personal, como ya demostró con las estupendas ‘Cadena Perpetua’ y ‘La Milla Verde’. De ‘The Majestic’ mejor nos olvidamos, a pesar de sus buenas intenciones.

Aquí tenéis el segundo trailer que ha salido de esta película, que llegará a las carteleras americanas el próximo 21 de Noviembre, y aquí aún no sabemos nada de nada, y prisa que tenemos. En su reparto podemos encontrarnos con Thomas Jane, Marcia Gay Harden, William Sadler, Laurie Holden y Toby Jones, entre otros.

‘The Mist’ (trailer, varios formatos)

Vía | The Movie Box

Como ya os anunciamos, la atractiva hija de Clint Eastwood, Alison, a la que vimos en ‘Medianoche en el Jardín del Bien y del Mal’, se puso tras las cámaras para dirigir su primera película, el drama ‘Rails and Ties’. El film está protagonizado por Kevin Bacon y Marcia Gay Harden, que ya coincidieron en ‘Mystic River’, una de las obras maestras del jinete pálido. El argumento de ‘Rails and Ties’ gira en torno a un niño cuya madre se suicida dejando el coche en las vías de un tren, el conductor del mismo y su esposa; los tres tratarán de convivir juntos superando un difícil momento. El trailer no pinta nada mal, los actores parece que están fantásticos, aunque lo cierto es que se cuenta demasiado. Ya sabéis, botoncito de stop a la mitad y tan contentos.

‘Rails and Ties’ | Ver trailer

Vía | The Movie Box