Ayer se estrenaba ‘El inocente’ (‘The Lincoln Lawyer’, 2011), una película de Brad Furman de la que podría llamar la atención el reparto, compuesto por Matthew McConaughey, Marisa Tomei, Ryan Phillippe, William H. Macy, Josh Lucas, John Leguizamo, Margarita Levieva, Frances Fisher, Bryan Cranston y Michael Peña.

Este thriller judicial nos habla de un abogado con métodos poco ortodoxos, que busca sus clientes donde puede y que los atiende al teléfono desde el asiento trasero de su cochazo —el Lincoln del título original—, conducido por un tipo de dudosa calaña, como lo son el resto de los colaboradores y defendidos del protagonista. La suerte de este picapleitos de tres al cuarto parece que podría cambiar cuando una adinerada familia le pide que se encargue de la defensa del joven heredero, un playboy de Beverly Hills. Lo que en apariencia es un caso de libro, que no tendría por qué dar problemas, irá mostrando un cariz cada vez más complicado y llegará a poner en peligro la integridad del abogado.

Furman, un director casi novato —en 2007 rodó ‘The Take’, que fue directa al DVD, y ya prepara su siguiente proyecto: ‘Cry Macho’—, nos lleva a través de la forma de operar del protagonista y de sus conocidos a base de una realización actual y dinámica, que utiliza la cámara en mano y los cortos zooms de recolocación. La banda sonora con canciones bien escogidas nos va introduciendo con mucho ritmo en este mundillo que, ya desde el principio, nos despierta una curiosidad. Personajes peculiares, encarnados con credibilidad por sus actores —nunca McConaughey había estado tan convincente—, completan esta atrayente presentación que predispone con ganas de ver el resto del film, tanto como predispondría a ver una serie basada en estos individuos si estuviésemos ante un capítulo piloto.

Giros y ardides

Lo que más destaca de este film es el guion firmado por John Romano basándose en la novela homónima de Michael Connelly. Nos quejamos de que se escriben casi más adaptaciones que guiones originales, pero si el resultado es superior, entonces habrá que conformarse con ello. Entre los alicientes hallamos unos diálogos con brío y fuerza y buenos personajes.

La base argumental, es decir, el caso judicial que ocupa al protagonista, así como los giros y sorpresas que se van suscitando a medida que avanza la historia están urdidos con genialidad. Este tipo de astucia a la hora de desarrollar un guion o una novela parece que se está apreciando cada vez menos y que, por ese motivo, comienza a desaparecer del cine y mantiene su lugar en televisión. Personalmente, me recreo mucho estos cambios de rumbo de la historia, así como las estratagemas ingeniosas llevadas a cabo por los personajes y considero que su escritura requiere inteligencia por parte de los creadores, por lo que me alegro de que no se haya perdido por completo la posibilidad de disfrutarlos.

Otro de los aportes curiosos es la inclusión de flashbacks narrados desde dos miradas diferentes, en los que se cuenta una mentira y la verdad. No indico con ello que nos encontremos ante una estructura en varios puntos de vista, como la que Kurosawa imprimió a ‘Rashomon’ o la del ‘Hero’ de Zhang Yimou, sino ante una forma diferente de introducir estos recuerdos: por parejas, uno real y otro falso. Hasta no hace demasiado tiempo, se consideraba que un flashback solo podía decir verdad, por ser un recurso que parecía provenir de la objetiva mirada del supuesto narrador —no hablamos de voces en off, sino de perspectiva de la historia—. Hoy en día es habitual insertar retazos del pasado que no se corresponden a la realidad. ‘El inocente’ lo que hace como novedad es aportar las dos versiones.

Conclusión

A pesar de haber pasado un rato sumamente entretenido durante el visionado de ‘El inocente’, no puedo afirmar que me dejase una huella imborrable en la memoria. Por lo tanto, no concluyo que se trate de una obra maestra, ni de la renovación del género ni ninguna otra consideración grandilocuente que pudiese justificar instar ferviente e impacientemente a que os acerquéis al cine. No obstante, creo que sí cabe la tranquila recomendación, con la seguridad de que dejará satisfechos a los amantes del subgénero de juicios, pues se trata de un film más que correcto dentro de sus pretensiones.

Mi puntuación:

‘Midnight in Paris’

Dirección y guión: Woody Allen. Países: España y USA. Año: 2011. Duración: 94 min. Género: Comedia romántica. Interpretación: Owen Wilson (Gil), Marion Cotillard (Adriana), Rachel McAdams (Inez), Kathy Bates (Gert), Michael Sheen (Paul), Adrien Brody (Salvador), Nina Arianda, Mimi Kennedy (Wendy), Kurt Fuller (John), Carla Bruni (guía del museo), Léa Seydoux (Gabrielle). Producción: Letty Aronson, Stephen Tenenbaum y Jaume Roures. Fotografía: Darius Khondji. Montaje: Alisa Lepselter. Dirección artística: Anne Seibel. Vestuario: Sonia Grance. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: Nos cuenta la historia de una familia que viaja a la capital francesa por asuntos de negocios, incluyendo entre ellos a una joven pareja que está prometida, y cuyas vidas cambian gracias a este viaje. La cinta aborda la idea que tiene la gente de que una existencia distinta a la suya quizás podría ser mejor.

¿Qué podemos esperar?: Juan Luis, que estos días está en el 64º Festival Internacional de cine de Cannes, ya la ha visto, y le ha parecido encantadora. Personalmente, hace mucho que creo que Allen ha bajado sensiblemente la autoexigencia. Si sumamos a esto el protagonismo de un actor con tantas carencias como Owen Wilson, ya lo he dicho todo. Supongo que es para incondicionales.

‘El inocente’

Título original: The Lincoln lawyer. Dirección: Brad Furman. País: USA. Año: 2011. Duración: 118 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Matthew McConaughey (Mick Haller), Marisa Tomei (Maggie), William H. Macy (Frank Levin), Josh Lucas (Ted), Ryan Phillippe (Louis), John Leguizamo (Val), Margarita Levieva (Reggie), Frances Fisher (Mary), Bryan Cranston (detective Lankford), Michael Peña (Jesús). Guion: John Romano; basado en la novela de Michael Connelly. Producción: Gary Lucchesi y Tom Rosenberg. Música: Cliff Martinez. Fotografía: Lukas Ettlin. Montaje: Jeff McEvoy. Diseño de producción: Charisse Cardenas. Vestuario: Erin Benach. Distribuidora: Aurum.

Sinopsis: Mick Haller es un joven abogado criminalista que dirige su negocio desde el asiento trasero de su coche Lincoln, con el que recorre las calles de Los Ángeles. Entre su clientela figura gente de todo tipo, desde motoristas a artistas, pasando por conductores borrachos o traficantes de droga. Todo se complica cuando Haller es contratado por un playboy ricachón de Beverly Hills arrestado por atacar a una joven. Lo que al principio parece un caso en apariencia sencillo, termina por convertirse en un verdadero infierno para Haller en su búsqueda de la verdad.

¿Qué podemos esperar?: No creo que esta película pueda competir en intensidad a muchas series por el estilo (a todos se nos ocurren unas cuantas, y algunos capítulos geniales) que nos llegan de Estados Unidos, pero tiene aspecto de ser un entretenimiento con bastante interés. Por supuesto, para mí lo más importante es que entre sus protagonistas luce la siempre fulgurante Marisa Tomei.

‘Sin identidad’

Título original: Unknown. Dirección: Jaume Collet-Serra. Países: Reino Unido, Alemania y Francia. Año: 2011. Duración: 113 min. Género: Thriller. Interpretación: Liam Neeson (Dr. Martin Harris), January Jones (Elizabeth Harris), Diane Kruger (Gina), Aidan Quinn (Martin B), Frank Langella (Rodney Cole), Bruno Ganz (Ernst Jürgen), Sebastian Koch (profesor Bressler), Olivier Schneider (Smith). Guión: Oliver Butcher y Stephen Cornwell; basado en la novela “Out of my head” de Didier Van Cauwelaert. Producción: Leonard Goldberg, Andrew Rona y Joel Silver. Música: John Ottman y Alexander Rudd. Fotografía: Flavio Labiano. Montaje: Tim Alverson. Diseño de producción: Richard Bridgland. Vestuario: Ruth Myers. Distribuidora: Warner Bros. Pictures International España.

Sinopsis: Liam Neeson es el doctor Martin Harris, quien tras un accidente de coche en Berlín recupera la consciencia para descubrir que su esposa (January Jones) no le reconoce, y otro hombre (Aidan Quinn) ha asumido su identidad. Con la ayuda de una extraña aliada (Diane Kruger) se sumergerá en un misterio que le obligará a cuestionarse su cordura y su identidad, preguntándose hasta dónde tiene que llegar para descubrir la verdad.

¿Qué podemos esperar?: Juan Luis la vio en Berlín este año, y no le gustó demasiado. Pero siempre puede sacarse algo de la presencia de Liam Neeson o Diane Kruger. Una opción apetecible este fin de semana.

‘Arthur y la guerra de los mundos’

Título original: Arthur 3: La guerre des deux mondes. Dirección: Luc Besson. País: Francia. Año: 2010. Duración: 101 min. Género: Aventuras, familiar, fantástico. Interpretación: Freddie Highmore (Arthur), Mia Farrow (Granny), Robert Stanton (Armand), Ron Crawford (Archibald), Penny Balfour (Rose). Guion: Luc Besson y Céline Garcia. Producción: Luc Besson. Música: Eric Serra. Fotografía: Thierry Arbogast. Montaje: Julien Rey. Diseño de producción: Hugues Tissandier. Vestuario: Olivier Bériot. Distribuidora: DeAPlaneta.

Sinopsis: ‘Arthur y la guerra de los mundos’ es la tercera y última entrega de la trilogía tras ‘Arthur y los Minimoys’ y ‘Arthur y la venganza de Maltazard’. Maltazard ha conseguido colarse en el mundo de los humanos. Su objetivo es sencillo: reclutar un ejército de gigantescos secuaces y dominar el universo. Arthur parece ser el único capaz de frustrar sus planes, pero primero tendrá que volver a su habitación y recuperar su tamaño normal. Aunque sigue atrapado en un diminuto cuerpo de Minimoy, contará con la ayuda de Selenia y Betameche, y, sorprendentemente, también con la de Darkos, el hijo de Maltazard, que afirma estar de su lado.

¿Qué podemos esperar?: Hace mucho que Luc Besson pasó de niño mimado del cine de género en Francia (algo incomprensible para mí desde sus inicios) a auténtico bluff. Ha sabido mantenerse (de hecho hace algo más que ganarse la vida) produciendo algunos éxitos que no dirigió él, y pasándose al cine de animación. Esta es la tercera parte de su criatura animada. Dicen que es aún más insulsa que las anteriores.

‘¿Estás ahí?’

Dirección: Roberto Santiago. País: España. Año: 2011. Duración: 84 min. Género: Comedia. Interpretación: Gorka Otxoa (Fran), Miren Ibarguren (Ana), Carme Elías (Rosa), Miguel Rellán (Jorge), Luis Callejo (Ignacio), Olaya Martín (Renata). Guion: Roberto Santiago y Pablo Fernández; basado en la obra teatral de Javier Daulte. Producción: Ibon Cormenzana y Gonzalo Salazar-Simpson. Música: Zacarías M. de la Riva. Fotografía: Joan Benet. Montaje: Ángel Armada. Dirección artística: María Rodríguez y Federico García. Vestuario: Macarena Gómez. Distribuidora: Emon.

Sinopsis: En “¿Estás ahí?”, Fran y Ana acaban de mudarse a vivir juntos y se encuentran con las dificultades habituales de cualquier joven pareja que está empezando: la convivencia, las manías personales, los celos… Sólo que en su caso, hay que añadir un pequeño detalle: Ana está muerta y en realidad es un fantasma. Además, no es el único en la casa…

¿Qué podemos esperar?: Si digo que, viendo el tráiler, me ha parecido la segunda parte de ‘Pagafantas’ (Borja Cobeaga, 2009), ¿alguien se enfada? No creo que a esto se le pueda llamar cine. Y no pienso ir al cine a comprobar que tengo razón.

‘Tournée’

Dirección: Mathieu Amalric. País: Francia. Año: 2010. Duración: 111 min. Género: Drama. Interpretación: Mathieu Amalric (Joachim), Miranda Colclasure (Mimi Le Meaux), Suzanne Ramsey (Kitten on the Keys), Linda Marraccini (Dirty Martini), Julie Ann Muz (Julie Atlas Muz), Angela De Lorenzo (Evie Lovelle), Alexander Craven (Roky). Guion: Mathieu Amalric, Philippe Di Folco, Marcelo Novais Teles y Raphaëlle Valbrune. Producción: Yaël Fogiel y Laetitia Gonzalez. Fotografía: Christophe Beaucarne. Montaje: Annette Dutertre. Dirección artística: Stéphane Taillasson. Vestuario: Alexia Crisp-Jones. Distribuidora: Avalon.

Sinopsis: Al cumplir los 40, Joachim Zand, productor de televisión parisino, lo abandona todo y se marcha a Estados Unidos para iniciar una nueva vida. Regresa a Francia acompañado de las New Burlesque, una compañía de mujeres voluptuosas que, como ellas mismas dicen, hacen shows de striptease que hombres y mujeres disfrutan por igual. Joachim les ha prometido una gira que concluirá a lo grande en un teatro de París. Para cumplir su promesa, deberá recurrir a todos aquellos que abandonó, lo que provocará la reapertura de viejas heridas del pasado.

¿Qué podemos esperar?: Amalric, que ha dado vida a algunos de los villanos más abyectos del cine reciente, también es un director preparado para hacernos vibrar, según dicen. Esta película convenció a propios y extraños en Cannes. Quizá merezca la pena pasar de Allen.

‘Miss Tacuarembó’

Dirección: Martín Sastre. Países: Uruguay, Argentina y España. Año: 2010. Duración: 94 min. Género: Comedia, musical. Interpretación: Natalia Oreiro (Natalia), Rossy de Palma (Patricia Peinado), Mirella Pascual (Haydee), Mike Amigorena (Cristo), Alejandro Tous (padre Clever), Graciela Borges (Srta. Coitiño), Jeanette Rodríguez (Cristal), Diego Reinhold (Carlos), Sofía Silvera (Natalia niña). Guion: Martín Sastre; basado en la novela de Dani Umpi. Producción ejecutiva: Jesús Corredera, Diego Robino y Carlos Mentasti. Música: Ignacio Pérez Marín, Musimagen y Fface. Fotografía: Pedro Luque. Montaje: Sebastián Dubé. Dirección artística: Gonzalo Delgado. Vestuario: Eduard Ballester.

Sinopsis: Natalia, una niña que crece durante los años 80 bajo la influencia de la telenovela Cristal y la película Flashdance en la lejana y pequeña ciudad de Tacuarembó, Uruguay, descubre que ser coronada Miss Tacuarembó es su única oportunidad de dejar atrás su aburrido pueblo natal y emigrar a una gran ciudad donde poder convertirse en una estrella; sin embargo, su vida adulta cantado para los turistas que llegan a Tierra Santa, un parque temático dedicado a Cristo en Buenos Aires, está aún muy alejado de lo que siempre soñó.

¿Qué podemos esperar?: Supongo que este tipo de historias tienen más pegada en latinoamérica, donde los concursos y los desfiles de misses desatan pasiones. Pero no tiene mala pinta esta comedia. A lo mejor da en el clavo.

‘El Equipo Tigre: La montaña de los mil dragones’

Título original: Tiger Team – Der berg der 1000 drachen. Dirección: Peter Gersina. Países: Alemania, Austria y Suiza. Año: 2010. Duración: 91 min. Género: Aventuras, familiar. Interpretación: Helena Siegmund-Schultze (Biggi), Bruno Leon Schubert (Patrick), Justus Kammerer (Luk), Iris Berben (Lady Q), Stipe Erceg (Munroe), Simon Schwarz (Krops). Guion: Thomas C. Brezina y Peter Gersina; basado en los libros de Thomas C. Brezina. Producción: Susanne Freyer y Oliver Berben. Música: Andrej Melita y Siggi Mueller. Fotografía: Carsten Thiele. Montaje: Carsten Thiele e Ingrid Koller. Diseño de producción: Christian Eisele. Vestuario: Christoph Birkner. Distribuidora: Flins & Pinículas.

Sinopsis: Biggi, Luk y Patrick son el Equipo Tigre, unos jóvenes aventureros que encuentran un misterioso objeto que tiene cierta conexión con la legendaria montaña de los mil dragones, situada cerca de Pekín. El Equipo Tigre se traslada a China para resolver el misterio. Pero la malvada señora Q también está buscando las llaves que permiten el acceso al interior de la montaña, y está dispuesta a todo para conseguir el elixir de la inmortalidad que supuestamente se encuentra escondido en su interior.

¿Qué podemos esperar?: Aventuras infantiles en entornos exóticos. Poco recomendable salvo para los más enanos.

‘Alexia’

Dirección: Pedro Delgado. País: España. Año: 2011. Duración: 75 min. Género: Documental. Guion: Pedro Delgado y Jerónimo José Martín. Producción ejecutiva: Andrés Barbé y Jaime Martul. Música: Íñigo Guerrero. Fotografía: Moncho Rebón. Montaje: Juan Sánchez. Distribuidora: European Dreams Factory.

Sinopsis: Este documental reconstruye la vida de Alexia González-Barros González, una adolescente que está en proceso de beatificación desde 1993, sobre todo por la fe, entereza y alegría con que afrontó su enfermedad. Alexia falleció a los catorce años a causa de un tumor en la columna vertebral. Y, desde su muerte, su devoción se ha extendido por los cinco continentes. Narrado en primera persona por la propia Alexia (Miriam Fernández) y por su ángel custodio, Hugo (Richard del Olmo), el filme incluye testimonios de sus familiares, profesoras y amigas, de los médicos y sacerdotes que la ayudaron, y de varios expertos en procesos de canonización. Todo ello, ilustrado con abundante material fotográfico y fílmico, numerosos fragmentos de las películas domésticas rodadas por su familia e ilustraciones divertidas de algunos episodios significativos de su vida.

¿Qué podemos esperar?: Un documental que cuenta otra historia de niñas poseídas o con visiones divinas. No dudo que esté interesante, pero por la factura no parece que se hayan roto los cuernos haciéndolo.

Y eso es todo por esta semana. Ya, ya sé cuál vais a ver la mayoría. Yo sigo con mis DVD de ‘Los Soprano’.

Vía | La Butaca.

Uno tiene sus pasiones. De hecho, reescribiría esa afirmación que le suelta Max Cady a Sam Bowden en ‘El cabo del miedo’ (‘Cape Fear’, Martin Scorsese, 1991), en la que le dice algo así como que hay que tener algún vicio para saber que sigues siendo humano. Yo diría que hay que tener alguna pasión, o algunas. Y sí, Marisa Tomei es una de las mías. Desde hace mucho, y supongo que hasta dentro de mucho tiempo más. Lo atestigua mi estupenda colección de películas protagonizadas por otros, pero en las que participa ella, muchas de las cuales las tengo por la simple razón de que Tomei deja ahí su rostro, su cuerpo y su voz, porque además de estar muy buena, que lo está, y de ser muy elegante, es una de las mejores actrices de su generación, o quizá la mejor. Esa calidad, y ese atractivo, no se traducen seguramente en un alto grado de fama fuera de su país. Pero casi mejor, algunos regalos se disfrutan más en soledad.

A sus 46 años recién cumplidos, entra ahora en una magnífica madurez, como se suele decir, tanto física como artística, y cada día parece más bella y más rebosante de talento, aunque probablemente su carrera siga gozando de escasos grandes títulos. Las cosas como son: las actrices de Estados Unidos obtienen menos posibilidades, menos papeles importantes, que los hombres. Y cuanto más mayores se hacen, lógicamente, la cosa empeora mucho más. Pero ella sigue al pie del cañón, imperturbable. Hace poco la veíamos en ‘Cyrus’, y la chica atractiva y luminosa ya ha dado paso a una mujer atractiva y luminosa, pero también más serena, más sabia, mejor actriz. Y ya prepara tres películas más para el 2011: el drama ‘The Lincoln Lawyer’, que tiene muy buena pinta, y las comedias ‘Salvation Boulevard’, junto a Jennifer Connelly, y ‘Crazy, Stupid, Love’. No para. Tiene luz, Marisa Tomei.

La Tomei es pura raza de Brooklyn: por su acento, por sus maneras. Pero también late en ella la sangre italiana con gran fuerza. Ya cuando era una cría se quedó alucinada de las luces y la vida bohemia y artística de Broadway. No cabe duda de que sus primeros papeles los consiguió porque era una chica muy fotogénica, pero también porque de muy joven vieron en ella un talento natural que se fue confirmando en teleseries como ‘As the World Turns’ (una de las series más longevas de la televisión norteamericana) o ‘Un mundo muy diferente’ (spin-off de ‘La hora de Bill Cosby’), pero en los noventa iba a llevar a cabo la hazaña de arrebatarles el Oscar a la mejor secundaria nada menos que a Vanessa Redgrave, Miranda Richardson, Joan Plowright y Judy Davis, gracias a su formidable trabajo en ‘Mi primo Vinny’ (‘My Cousin Vinny’, Jonathan Lynn, 1992), con tan solo veintiocho años. Durante un tiempo, el crítico de cine Rex Reed sostuvo que Jack Palance (que ciertamente, subió a anunciar a la ganadora bastante mamado) leyó lo que le dio la gana, y que Tomei no era la verdadera ganadora, algo que perturbó mucho a la actriz. De hecho, en 1997, Reed volvía a afirmar que todo era un encubrimiento para no saber la verdad. Sobran comentarios.

Ya había aparecido en la floja comedia ‘Oscar, quita las manos’ (‘Oscar’, John Landis, 1991), y su carrera en los noventa la verdad es que fue bastante irregular. Pero supongo que hacía lo mejor de lo que le iban ofreciendo. Sus papeles en ‘Chaplin’ (id, Richard Attemborough, 1992), ‘The paper: detrás de la noticia’ (‘The Paper’, Ron Howard, 1994) o ‘Sólo tú’ (‘Only You’, Norman Jewison, 1994), eran poca cosa, la verdad, como los proyectos en sí. Pero pudo hacer un par de películas muy dignas, con personajes interesantes y fuertes: la entrañable ‘Corazón indomable’ (‘Untamed Heart’, Tony Bill, 1993) o la digna ‘Welcome to Sarajevo’ (id, Michael Winterbottom, 1997), pero a grandes rasgos lo cierto es que sus buenos papeles se cuentan con los dedos de una mano. No importa, porque su frescura y su vitalidad inundan la pantalla como un soplo de vida, aún en productos mediocres, o en papeles minúsculos.

No cabe duda de que su fenomenal trabajo para la muy notable ‘En la habitación’ (‘In the Bedroom’, Todd Field, 2001) es el más completo, el mejor escrito para ella, desde ‘Mi primo Vinny’. Y es un papel muy duro de interpretar, muy poco agradecido, rodeada además de grandes actores como Sissy Spacek o Tom Wilkinson. Pero Field la dirigió con mano maestra y ella dio lo mejor de sí, que es mucho. Al final, es esencial en el triángulo trágico de la película, que no hubiera sido tan grande con una actriz menos dotada que ella, a pesar de aparecer en cinco o seis secuencias. Un año antes, ella y la gran Helen Hunt habían aportado su talento a la mediocre comedia ‘Lo que piensan las mujeres’ (‘What Women Want’, Nancy Meyers, 2000), donde apenas tenía papel u oportunidad de hacer algo decente. Pero de comedias románticas insulsas, en las que suele tener un papel secundario, debe estar ya bien cansada: ‘Siempre a tu lado’ (‘Someone Like You’, Tony Goldwyn, 2001), ‘Beso en Manhattan’ (‘Just a Kiss’, Fisher Stevens, 2002), ‘El gurú del sexo’ (‘The Guru’, Daisy von Scherler Mayer, 2003) o el remake ‘Alfie’ (id, Charles Shyer, 2004).

Por suerte, contó con dos buenos papeles en la estupenda ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’ (‘Before the Devil Knows You’re Dead’, Sidney Lumet, 2007) y en la deleznable ‘El luchador’ (‘The Wrestler’, Darren Aronofsky, 2008). En la primera era algo así como una revisión del mito de la mujer fatal, y algunas míticas deberían reencarnarse varias veces para ser como ella. Y en la segunda, a pesar de que su papel es insignificante, impostado y falso, en pocas palabras que apenas hay nada, ella le da una dignidad, una belleza y una verdad que son, de lejos, lo mejor de la película, lo más hermoso y emocionante. De hecho, la película no debería llamarse ‘El luchador’, si no ‘La bailarina’, al menos para quien esto suscribe. Pero era un papel de lucimiento para Mickey Rourke, y ella se ve completamente relegada. Que la nominasen a mejor secundaria, cuando es un papel protagonista, es otra de las muchas estupideces que la excelsa academia de Hollywood perpetra de cuando en cuando….o casi todos los años.

Pero, en definitiva, casi da igual que su carrera haya dado menos de lo que se esperaba, al menos de momento (si hubiera nacido cuarenta años antes, creo que las cosas habrían sido muy diferentes, o no…). Lo importante es que Marisa Tomei es una razón para soportar un poco más este mundo, y un poco más el cada vez más desangelado cine norteamericano, huérfano de grandes actrices desde hace demasiado tiempo.

En Blogdecine:

• Marisa Tomei, la reivindicación de una actriz a los cuarenta y tantos (por Jesús León)

En ‘Step Brothers’ (distribuida en España con el desafortunado título de ‘Hermanos por pelotas’), John C. Reilly encarnaba a un inadaptado cuarentón que todavía vivía bajo el mismo techo que su padre, cuya rutina daba un brusco giro cuando éste decidía compartir su vida con una mujer que casualmente tenía un hijo casi idéntico, al que daba vida Will Ferrell. En una escena de la película, tras numerosos (y poco inspirados) conflictos, los padres reconocían que no estaban siendo capaces de sobrellevar la situación, por lo que debían separarse, y volver cada uno por su lado; cuando uno de los hijastros preguntaba si ellos habían tenido la culpa, recibía como respuesta un rotundo y sincero “sí”. Curiosamente en ‘Cyrus’ se da una situación similar con un tono y unos personajes bastante parecidos, pero Reilly cambia de lugar y ahora es él quien debe intentar soportar al peculiar hijo de su pareja.

John (Reilly) atraviesa la peor fase de su vida cuando su exmujer (Catherine Keener), de la que lleva siete años divorciado, le comunica que va a casarse de nuevo. Sin embargo, durante una fiesta en la que no deja de quedar en ridículo, la suerte de John cambia por completo; de manera inexplicable, Molly (Marisa Tomei), una bella y encantadora mujer, se siente atraída por él y esa misma noche comienzan una apasionada relación. Todo parece perfecto, un sueño hecho realidad (en especial para él, que estaba total y absolutamente desesperado). Hasta que John decide seguir a Molly para descubrir dónde vive y por qué se marcha a altas horas de la madrugada. Así es como descubre que Molly tiene un hijo de veintiún años, Cyrus (Jonah Hill). Un chico que no ve con buenos ojos al nuevo novio de su madre…

Pese a que los actores están estupendos, en mi opinión, el primer gran problema de la película está en la elección de la actriz que da vida a Molly. No voy a negar que el amor puede ser ciego, o dicho de otra manera, que hay personas que a uno le resulta imposible que puedan estar juntas, pero lo están, y permanecen juntas con total naturalidad, como si su unión estuviera predestinada. Pero esto es una película, y uno elige los acontecimientos, así que deben resultar verosímiles, no pueden suceder de una manera que solo pueda ser justificada como “es que en la vida pasan cosas así”. Ciertamente, es la excusa de los creadores vagos, de los que creen que no hay que dedicar demasiado tiempo a pensar en los personajes o en el relato, que lo importante es grabar a los actores, tenerlos juntos en el encuadre y que parezcan enamorados, manteniendo una conversación atiborrada de clichés.

Así que Marisa Tomei da vida a Molly, una atractiva soltera, cálida y radiante, que encuentra en John al hombre que buscaba. Y no es por el físico de Reilly que resulta un hecho improbable, sino por la forma de ser y el comportamiento de su personaje. Su John es muy similar al torpe, desastroso y bobalicón tipo que interpretó en ‘Step Brothers’, alguien que parece haberse quedado estancado en la adolescencia. Tras dos noches juntos, John, desesperado por agarrarse a lo que acaba de encontrar, se convierte en un auténtico acosador, y una vez que logra entrar en la casa de Molly, tras conocer y hablar con Cyrus, se queda a cenar y a dormir, como si nada. La tercera noche. Al despertar, con la misma ropa con la que llegó, no encuentra sus zapatos, y viendo que los otros tienen su propia rutina para la mañana, se marcha al trabajo en calcetines. De este tipo de personaje hablamos, por lo que no, no pega ni con cola con la Molly que interpreta Tomei.

Y aun así, uno acaba creyendo que la conexión existe y que los dos personajes deben estar juntos. Es la grandeza de contar con actores de experiencia y talento, que conocen su trabajo y sus posibilidades interpretativas, que pueden modelarse para crear personajes que, a pesar de los desaciertos del guion o la dirección, resulten finalmente coherentes y naturales. John va desprendiéndose de las exageradas capas del principio y se convierte en un personaje mucho más creíble y razonable, simpático y cercano, al mismo tiempo que se afianza su relación con Molly, que resulta ser una mujer más excéntrica de lo que parecía inicialmente, y se complica su relación con Cyrus, que no piensa compartir a su madre con facilidad. Jonah Hill encaja perfectamente en el papel, lo hace ambiguo y marciano, desde las primeras escenas uno no sabe qué esperar de él, y si esa extraña mirada esconde diabólicas intenciones. No hay que esperar mucho para comprobar que las peores sospechas son acertadas.

La infantil rivalidad entre el novio y el hijo de Molly, que es la que más sufre, es lo más ingenioso de ‘Cyrus’, lo que la diferencia de otras comedias estadounidenses de corte independiente (que parecen todas iguales), pero los autores (firman su tercer largometraje tras ‘The Puffy Chair’, ‘Baghead’) no profundizan lo suficiente en nada de lo que proponen, y cuando por fin estalla el conflicto entre los tres protagonistas, lo resuelven de manera rápida y convencional, en lugar de ofrecer soluciones menos trilladas. Con todo, el aspecto más negativo del film es la absurda realización de estos hermanos, que parecen meros aficionados jugando con una cámara recién adquirida; hay constantes y molestos desenfoques, por culpa de unos feos zooms que no tienen ningún sentido. Además, demuestran no tener idea alguna de puesta en escena, no saben dónde situar a los actores, así que la película tiene un aire de grabación casera de lo más mediocre. Con actores tan malos como ellos, ‘Cyrus’ sería totalmente insufrible.

Hace un par de meses os comenté que George Clooney estaba preparando ya su cuarta película como director. Se decía que la estrella tenía en mente a Philip Seymour Hoffman, Paul Giamatti, Chris Pine, Marisa Tomei y Evan Rachel Wood para que interpretasen los papeles principales, pero no los ha podido conseguir a todos. Hoffman debe estar muy ocupado y su lugar lo ocupará el propio Clooney, mientras que Pine ha sido sustituido por Ryan Gosling; los otros tres están a bordo. No nos vamos a quejar, ¿verdad?

Tras ‘Confesiones de una mente peligrosa’ (‘Confessions of a Dangerous Mind’, 2002), ‘Buenas noches, y buena suerte’ (‘Good Night, and Good Luck’, 2005) y ‘Ella es el partido’ (‘Leatherheads’, 2008), George Clooney adaptará una obra teatral de Beau Willimon titulada ‘Farragut North’ (2008). Aunque inicialmente ése iba a ser también el título del film, finalmente se ha cambiado por ‘The Ides of March’, que la verdad es que suena algo mejor. Grant Heslov y Clooney firman el guión, cuya trama gira en torno a los trapos sucios de una campaña electoral; el protagonista es un gobernador demócrata que hará lo que sea por lograr la presidencia de los Estados Unidos. El rodaje comenzará el próximo mes de febrero.

PD: Para escribir ‘Farragut North’, Willimon se inspiró en sus propias experiencias durante la campaña de Howard Dean en 2004.

Vía | ComingSoon.net

Un título a tener en cuenta en el futuro: ‘Salvation Boulevard’. Menudo reparto se ha formado ahí. Hoy se ha sabido que Jennifer Connelly, Greg Kinnear y Marisa Tomei han firmado para acompañar a Pierce Brosnan, Ed Harris y Jim Gaffigan, que ya habían sido fichados con anterioridad. El tipo que los ha unido a todos es el director George Ratliff, de quien quizá hayáis visto la nada despreciable ‘Joshua’.

Con guión de Douglas Stone, quien ha adaptado una novela de Larry Beinhart, ‘Salvation Boulevard’ es un thriller con tintes de comedia situado en un mundo controlado por grandes iglesias, en el que un hombre es tomado por una especie de Jesucristo reencarnado, por lo que será perseguido por los fundamentalistas de una de las religiones, que creen haber encontrado por fin a su gran pastor. El rodaje comenzará el mes que viene, a ver qué sale de todo esto.

PD: Ratliff ya dirigió en 2001 un documental sobre los alocados miembros de una religión (‘Hell House’). Lo increíble es que estamos en el año 2010 y la gente sigue creyendo en castigos divinos.

Vía | Variety

Mejor película

• ‘Up’

Mejor director

• Clint Eastwood, por ‘Gran Torino’ y Hayao Miyazaki por ‘Ponyo en el acantilado’

Mejor actor principal

• Dev Patel, por ‘Slumdog MIllionaire’

Mejor actriz principal

• Kate Winslet, por ‘The Reader’ y ‘Revolutionary Road’

Mejor actor secundario

• Christoph Waltz, por ‘Malditos bastardos’

Mejor actriz secundaria

• Marisa Tomei, por ‘El luchador’

Película sorpresa del año

• ‘The Visitor’ de Thomas McCarthy

Imagino que por el titular ya sabéis de qué va esto, ¿no? Nos os tengo que explicar demasiado. Tal como estamos haciendo desde el pasado domingo, toca echar la vista atrás y repasar lo mejor que nos ha dado el año en lo cinematográfico. En esta ocasión, nos centramos en el apartado de mejor actriz de reparto. Como en las anteriores entradas, no os pedimos que votéis sólo a una de las candidatas, sino que podéis dar una valoración a todas las que queráis (preferiblemente, por el trabajo realizado, y no porque os guste u os disguste la mujer en cuestión). De nuevo, sólo hemos considerado las películas estrenadas durante este 2009 en España.

Decía Adrián, y estoy totalmente de acuerdo, que hay pocos papeles buenos para las actrices, por lo que deben esforzarse más que los actores para destacar. Lo observaba mi compañero en la categoría de mejor actriz principal, y vuelve a quedar de manifiesto cuando buscamos a las mejores actrices con papeles secundarios. En muchas películas, en demasiadas, el rol femenino queda para la chica guapa que sólo que tiene que seducir y acostarse con el protagonista, o si no para el típico personaje de madre o de jefa materna, que tampoco requiere de gran habilidad para ser interpretado. Afortunadamente, hay grises, todavía hay guiones que crean personajes femeninos con importancia, ya sea para aparecer durante gran parte del metraje o para intervenir en una secuencia.

Sin más, aquí os dejo las candidatas a mejor actriz de reparto:

• Allison Janney, por ‘Un lugar donde quedarse’. Vota aquí.

• Diane Kruger, por ‘Malditos bastardos’. Vota aquí.

• Evan Rachel Wood, por ‘Si la cosa funciona’. Vota aquí.

• Hiam Abbass, por ‘The Visitor’. Vota aquí.

• Kristen Stewart, por ‘Adventureland’. Vota aquí.

• Lily Cole, por ‘El imaginario del Dr. Parnassus’. Vota aquí .

• Maggie Gyllenhaal, por ‘Un lugar donde quedarse’. Vota aquí.

• Maggie Q, por ‘New York I Love You’. Vota aquí.

• Marisa Tomei, por ‘El luchador’. Vota aquí.

• Sigourney Weaver, por ‘Avatar’. Vota aquí.

• Taraji P. Henson, por ‘El curioso caso de Benjamin Button’. Vota aquí.

• Viola Davis, por ‘La duda’. Vota aquí.

PD: Daos prisa, las votaciones acaban el próximo domingo.

Sin embargo, una vez cruza la complicada barrera de los cuarenta (para una actriz de Hollywood), se reivindica con papeles dramáticos dignos de mención, y de nueva nominación al Oscar. Marisa Tomei ha luchado para demostrar que valía y lo ha conseguido a base de esfuerzo, insistencia y ganarse un hueco, a pesar de no ser una estrella al uso.

Siempre quiso ser actriz y desde pronto se puso manos a la obra. Crece en Brooklyn y estudia arte dramático en Boston. Su salto al mundo de la interpretación vino de mano de la pequeña pantalla, gracias a comedias de situación como ‘Un mundo diferente’ o ‘El show de Bill Cosby’. Aunque también el teatro supuso un importante entrenamiento, para forjarse como completa actriz.

Su salto a Hollywood, dato curioso, vino de la mano de Sylvester Stallone que la descubrió cuando formaba parte de un grupo de teatro vanguardista y le ofreció un papel en ‘Oscar’ (1991), que supuso su primer encuentro con el cine y con el gran público (antes apareció brevemente en ‘The Flamingo Kid’).

Poco después trabaja en la también cómica ‘Mi primo Vinny’ junto a Joe Pesci y Ralph Macchio, que le supuso una sorprendente nominación al Oscar como mejor actriz de reparto, por su papel de Mona Lisa Vito, la novia inteligente (y algo macarra) del protagonista. La película no es gran cosa, aunque entretenida, pero quizás fuese demasiado premio la nominación. Lo que vino después marcaría su futuro. Jack Palance le nombró, sorprendiendo a todos (y a ella), como ganadora. A partir de ahí, el bulo de que fue un error de Palance la acompañaría como una sombra oscura.

Aquello fue motivo de muchas especulaciones durante largo tiempo. Que si Palance estaba algo ebrio, que si fue una broma, que si todo fue error que hubo que tapar,... el caso es que, se han emitido comunicados oficiales desmintiendo todo esto. Quizás surgió con virulencia por tratarse de una desconocida (la favorita era la veterana Vanessa Redgrave) y de una película poco relevante, pero parece que el procedimiento que lleva a cabo la Academia no da lugar a este tipo de errores.

El caso es que Marisa Tomei se enfrentaba a un lanzamiento acelerado de su carrera gracias a la dorada estatuilla, lo cual quizás, era una gran ventaja, pero también disparaba una carrera que necesita de unos pasos marcados por el tiempo y la experiencia para que una actriz logre ganar reputación y cualidades.

Por supuesto, le llegaron muchas ofertas para importantes producciones (‘Chaplin’), pero no tuvo suerte. La mayoría fueron fracasos y parece que hundían poco a poco a Tomei, para quedar en una actriz sin estrella y sin un futuro demasiado alentador.

Encontró en la comedia, papeles secundarios por los que discurrió sin pena ni gloria, pero que le fueron madurando: ‘Sólo tú’, ‘Siempre a tu lado’ o ‘En qué piensan las mujeres’. Y también, tuvo sus tropiezos con algunos trabajos olvidables (‘El gurú del sexo’, ‘Juego asesino’) junto con pequeños papeles en televisión.

Pero tuvo que lograr papeles dramáticos para encontrar su horma. Películas con mayor calado donde su experiencia, valía y esfuerzo empezaron a brillar por sí solas, obviando su pasado y el Oscar ganado. Así, hace un extraordinario trabajo como actriz de reparto en la rescatable ‘En la habitación’, el debut en la realización de Todd Field. Un drama cargado de grandes interpretaciones, de pocas pretensiones y con un marcado carácter intimista, y que le valió, esta vez parece que con suficientemente merecimiento, una nueva nominación al Oscar.

Marisa Tomei había encontrado en el drama independiente su mejor terreno donde brillar (‘Danika’, ‘Factotum’, ‘La vida sin Grace’). A partir de este momento fue ganando enteros entre algunos productores y directores y siendo valorada como una buena y sólida actriz. ¿Quién lo diría? Acercándose a los cuarenta años y empezando un camino prometedor. Aún así, no renuncia a papeles en comedias comerciales (‘Ejecutivo agresivo’, ‘Un toque de distinción’, ‘Cerdos salvajes’), parece que buena elección para mantener su notoriedad en Hollywood.

Y el pasado alcanzó el prestigio definitivo. Gracias a su estupendo papel en la magistral ‘Antes que el diablo sepa que has muerto’. Donde, por cierto, lucía un físico espectacular, recurso quizás infravalorado hasta ahora. Y también, en la brillante ‘El luchador’ que además le ha supuesto una nueva nominación al Oscar, por su desgarrador papel de una madura stripper amiga del protagonista.

Sin embargo, Marisa Tomei no se ha apresurado aprovechar su gran momento. Continua sus pasos barajando papeles que le llenen y que sigan sacándole partido a su talento. ¿Ganará un nuevo Oscar? Es posible, pero al menos es un gran ejemplo de superación y de reivindicación con esfuerzo.

Por cierto, hoy cumple 45 añazos. Y no los lleva nada mal.

No leer si no se ha visto la película.

Éramos muchos los que creíamos que Mickey Rourke se alzaría con el Oscar al mejor actor en la pasada ceremonia de los premios cinematográficos más famosos del mundo. El personaje de ‘El luchador’, la nueva película del polémico Darren Aronofsky, tiene muchos puntos de contacto con el actor, quien ha luchado duro durante estos últimos años para conseguir una segunda oportunidad, después de despreciar a todo bicho viviente cuando estaba en el culmen de su éxito. Ahora, tras una serie de papeles de secundario, aprovechados muy cuidadosa e inteligentemente por el actor, nos llega el que es, y será, su personaje más recordado de su actual etapa. Es muy probable que en años venideros, la interpretación de Rourke tenga más peso que la de Sean Penn en ‘Mi nombre es Harvey Milk’, estando el segundo impecable en su rol.

En el excelente film de Kathryn Bigelow, ‘Le llaman Bodhi’ (espantoso título en nuestro país de ‘Point Break’), el personaje al que da vida Patrick Swayze, en el mejor papel de su carrera, dice una frase que me encanta: “¿Qué hay de malo en morir haciendo lo que uno ama?”. Viendo un film tan distinto del mencionado como ‘El luchador’, me he acordado de ella.

‘El luchador’ sigue la historia de Randy Robinson, un luchador de lucha libre que durante los años 80 fue una auténtica estrella admirada por todo el mundo. Ahora, veinte años después, en pleno ocaso, sobrevive como puede ofreciendo espectáculos en luchas de segunda y tercera categoría, a las que acuden los anclados en los viejos tiempos. Un ataque al corazón, debido a su duro oficio, le hará replantearse las cosas. Intentará comunicarse con su hija, a la que abandonó hace años y con la que no se habla, teniendo como único apoyo una bailarina de streeptease a la que ve de vez en cuando, y que supone uno de los pocos soplos de vida en su existencia.

‘El luchador’ está mostrada por Darren Aronofsky de una forma muy sencilla, algo que llama la atención teniendo en cuenta la filmografía anterior del cineasta (desde la insoportable ‘Pi’ hasta las mucho mejores ‘Requiem por un sueño’ y ‘La fuente de la vida’), en la que sus films necesitaban de una mayor implicación por parte del espectador que se entregaba, o no, a un lenguaje cinematográfico de cierta densidad. En ‘El luchador’ cambia totalmente las tornas sobre todo en lo que respecta al acercamiento a sus personajes. Aronofsky pega su cámara (siempre tambaleante, como el personaje central) al cogote de Rourke, y le sigue allá a donde va, realizando planos secuencia tan llamativos como insignificantes. De esta forma, somos testigos directos de la vida de Randy, ya sean sus combates con poco público, su trabajo en una carnicería, sus escarceos para ver a su bailarina favorita, los intentos de acercamiento a su hija, etc.

Así pues, Aronofsky se olvida de artificios visuales que provocan más de un lectura encontrada, y cámara en mano logra la sencillez en un relato de fácil entendimiento. Filma directamente y sin miramientos una historia cruda, real y dolorosa como la vida misma. Tal vez en su primer tercio, el director se explaya demasiado en la descripción del día a día del personaje central, pero cuando llega la hora de la verdad, Aronofsky no realiza ni una sola concesión. Y he aquí uno de los grandes aciertos de ‘El luchador’: Es una película que sólo se sirve de tópicos, pero no resulta nada típica en sus decisiones formales. Así, el tramo final del film es totalmente desesperanzador, en el que el protagonista se lanza a una muerte segura, con el único alivio de poder morir haciendo lo que ama. Un plano que es el epílogo final a toda una historia llena de golpes y heridas que el tiempo no puede curar. Aronofsky filma con la misma crudeza los golpes en el ring que los que Randy se lleva en su vida personal.

Pero ‘El luchador’ no sería tan buena como es si no fuera también por la labor de sus intérpretes, sobre todo Mickey Rourke. Aronofsky siempre tuvo claro que Rourke era el actor idóneo para el papel, y tuvo que imponer su criterio al de los productores, que querían a Nicolas Cage para interpretar la película (Dios mío, de sólo imaginarlo me entran sudores fríos). El que fuera uno de los mejores actores de los 80 está simplemente perfecto en su rol, logrando conectar con el espectador llegando al corazón de éste con facilidad inusitada. La sinceridad de su interpretación conecta directamente con los paralelismos más que evidentes con la vida personal del actor. Tanto en la realidad como en la ficción, Rourke fue una estrella de los 80 que cae en el olvido destrozando por el camino su propia vida. A su lado, una imponente (en todos los aspectos) Marisa Tomei, dando vida a una bailarina de streeptease, amiga de Randy, una superviviente que ve cerca su ocaso personal por culpa de su edad. La actriz demuestra haber aprendido con el tiempo, y su entregada interpretación está muy lejos de los tiempos de ‘Mi primo Vinny’. La tercera en discordia, dando vida a la hija de Randy, Evan Rachel Wood, también está a la altura de sus compañeros, ofreciendo un personaje delicado en su sencillez, transmitiendo la misma dolorosa verdad que fluye de su decepción personal con respecto a su padre.

‘El luchador’ es una película que probablemente gane con los años, porque a pesar de la sencillez de su argumento, es de esas películas que permanecen un buen tiempo en la memoria tras su visionado, reposando como los buenos vinos y tomando cuerpo. Sus desgarradoras imágenes, en las que Aronofsky no se corta ni lo más mínimo ya sea porque hay sangre (la alusión a ‘La pasión de Cristo’ no es casual) o porque hay que ver de cerca lágrimas que duelen con sólo intuirlas, tardan en abandonar nuestras mentes, como las secuelas de un buen puñetazo, uno de esos que la vida te da de vez en cuando, y del que tardas en levantarte.

En Blogdecine:

• ‘El luchador’. Hasta los golpes falsos duelen
• ‘El luchador’, cuando la vida golpea duro

• El luchador acabado