Seguimos encontrando jugosas novedades en formato doméstico, para deleite de coleccionistas, aprovechando aniversarios de películas míticas. Es el turno de dos de ellas que coinciden al cumplir cinco décadas desde su estreno: ‘Cleopatra’ y ‘Matar a un ruiseñor’.

‘Cleopatra’, el mastodóntico clásico de 1963 con Elizabeth Taylor en todo su esplendor. Fox mima su llegada a la alta definición con una edición especial 50 aniversario, pero también con una versión más exclusiva, para coleccionistas, en formato libro (digibook) y con abundante material extra.

Ver los enormes escenarios, esas escenas grandiosas llenas de extras y bajo la batuta del realizador Joseph L. Mankiewicz, es una buena excusa para disfrutar del Blu-ray. Se trata de un estreno internacional que llega en dos discos con más de tres horas de contenido adicional, además, con una copia remasterizada para la ocasión.

Como siempre nos gusta incidir, la calidad de ese material extra justifica que, en los tiempos que corren, un sufrido comprador vaya a la tienda y gaste sus euros en una copia en disco. En este caso han hecho un buen trabajo y echando un vistazo encontramos escenas perdidas, y varios documentales para completar el disfrute de una de las producciones más caras de la historia Hollywood. Su precio es de 17,95 euros en ambas ediciones.

Por su parte, ‘Matar a un ruiseñor’, obra maestra de Robert Mulligan y con uno de los mejores trabajos de Gregory Peck (sino el mejor), también cumple su 50 aniversario y de la mano de Universal llega su edición conmemorativa. El Blu-ray, que incluye digibook y se trata de una edición limitada, solo trae un disco pero repleto de extras, varios documentales, tráiler, comentarios,… lo habitual. Además, como curiosidad, incluye el discurso de aceptación del Gregory Peck al recibir su Oscar por este trabajo.

Esta edición también ha sido remasterizada para la ocasión, ya disponible desde el día 1 de febrero a un precio de 21,95 euros.

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Quien no haya visto nada de Robert Mulligan debería dejar de leer ahora mismo y ponerse a ver al menos un par de películas de su filmografía. Mis recomendaciones personales serían por supuesto la película que hoy nos ocupa, ‘Matar a un ruiseñor’ (‘To Kill a Mockingbird’, 1962), seguida de ‘La noche de los gigantes’ (‘The Stalking Moon’, 1968) o ‘El próximo año, a la misma hora’ (‘Same Time, Next Year’, 1978), y a partir de ahí a gusto del consumidor. No hay duda de que su extensa filmografía, la más famosa de todas sus películas, aquella que ha dejado una de esas huellas imborrables en el transcurso de la historia del séptimo arte es sin duda ‘Matar a un ruiseñor’. Porque no estamos únicamente ante una película que posee unos trabajos de realización e interpretación sobresalientes, o una historia que atrapa desde su comienzo. Ni siquiera estamos únicamente ante una obra maestra, por mucho que dicha apreciación parezca sobada de más.

Más de una vez se me ha preguntado por películas de carácter pedagógico, y el trabajo de Mulligan suele ser el primero en mi lista de sugerencias. Su poder de sugestión, su capacidad para llevar al espectador a un mundo tan puramente cinematográfico y a la vez tan real como la vida misma, es tan grande que no desaparece a cada nuevo visionado, sino justamente lo contrario. ‘Matar a un ruiseñor’ es una de esas películas que podrían servir de materia educativa en cualquier escuela del mundo, por sus valores puramente humanos.

‘Matar a un ruiseñor’ adapta la novela ganadora del premio Pulitzer, obra de Harper Lee de claros tintes autobiográficos. Uno de los libros más leídos en la sociedad norteamericana del siglo XX da lugar a una de las películas más populares que existen. Lógica pura y dura. Pero esto no hubiera sido posible sin la implicación de Robert Mulligan en el proyecto, que junto con el guionista Horton Foote, supo captar la esencia del libro de Lee. En el film se tocan muchos temas de interés social, pero sobre todo estamos ante una película que habla de la inocencia. Por eso mismo, su mirada es siempre la de uno de los personajes centrales, Scout (Mary Badham), y de cómo los hechos que acontecen le afectan.

El film está dividido en tres bloques muy diferenciables entre sí, casi de carácter episódico, que Mulligan une en perfecta armonía.Ambientada en la época de la gran Depresión en un pueblo del Sur, Scout y Jem son dos hermanos, hijos de Atticus Finch (Gregory Peck) que pasan sus días de verano como mejor pueden en el vecindario. Reuniéndose con “Dill” —personaje a cargo del niño John Megna e inspirado en la figura de Truman Capote, amigo íntimo de Harper Lee— se sentirán atraídos, como todos los niños, por lo desconocido, en este caso el misterio que se oculta tras las puertas de una de las casas del vecindario, la de los Radley, donde dicen que habita un hombre horrible oculto a los demás. La imaginación de los niños hará el resto.

En realidad un bloque de presentación de personajes perfectamente dibujados en ese tramo a través de sus vivencias. Así del carácter infantil del trío protagonista, que les lleva a ser enormemente curiosos y temerarios, se pasa a la personalidad firme de Atticus Finch, el hombre con los pies en el suelo, padre viudo que educa a Scout y Jem sabiendo que no podrá librarles de todos los males del mundo. En dicho bloque ocurre uno de los instantes clave del film, el del perro rabioso que Finch eliminará con un rifle ante el asombro de sus hijos, sobre todo Jem. Dicha escena es un preámbulo de lo que le espera a Finch en el segundo bloque de la película, el perro representa el peligro irracional que se verterá sobre el pueblo y su habitantes cuando Tom Robinson (Brock Peters), un hombre de color, sea acusado por la violación de una chica blanca. Son tiempos en los que los negros son personas de segunda categoría, y cuya culpabilidad no suele ponerse en duda. Pero Atticus Finch no cree en las diferencias de color y la culpabilidad de alguien, blanco o negro, ha de probarse.

El juicio ocupa buena parte del metraje, y es un prodigio de ritmo y planificación. Una pantomima que Mulligan utiliza para hablar de lo miserable que puede llegar a ser el ser humano. Sin ningún tipo de manipulación, Mulligan expone los hechos poniendo en Finch la voz de la verdad, añadiendo la ironía de que ésta a veces no es suficiente para sobrevivir en un mundo dominado por la mentira y el engaño, donde es factible hacer daño el prójimo en beneficio propio, o simple y llanamente por odio. Un odio incomprensible que nace de la propia naturaleza del hombre, capaz de hacer el mal sólo porque sí, porque se es malvado, tal y como representa el personaje de Bob Ewell, a cargo de James Anderson, que se convertirá en el ogro del film, sobre todo en su tercio final, cuando la película alcanza el carácter de cuento de hadas con tintes terroríficos.

Y es precisamente en ese bloque final donde la película termina de presentar y jugar todas sus cartas. Tras la farsa de juicio de triste final, Scout y Jem será protagonistas de la que probablemente sea la aventura más emocionante de sus vidas, aquella en la que aquel al que temían al principio del film, Boo Radley, les salvará de las peligrosas manos de Bob Ewell. Una vuelta a la mirada de inocencia, pero esta vez centrada en el personaje retrasado Boo Radley, ese ser invisible que siempre se mantuvo a distancia de sus amigos, haciéndoles regalos desde la sombra. Radley salvará la vida de Jem y Scout terminando con la de Ewell. Es entonces cuando en la película se producen las dos certezas con las que ha estado jugueteando durante el resto del metraje. Finch abrirá los ojos al comprender que acusar a Radley por lo que ha hecho, sería como matar a un ruiseñor, valor que siempre le inculcó a sus hijos; y Scout certificará que nunca se conocerá a alguien hasta que se haya caminado con sus propios zapatos. Atención al instante en el que Scout descubre tras la puerta de su habitación a Radley —Robert Duvall en su primer papel para el cine— escondido, y antes de que Finch les presente, Scout casa todo en su mente y pronuncia su nombre.

A pesar de que en ‘Matar a un ruiseñor’ los personajes centrales son dos niños, el que queda en la memoria por encima de todos es el de Atticus Finch, elegido en numerosas ocasiones como el más grande héroe de ficción que ha tenido el cine estadounidense. Y es que hay algo en Finch que le distingue de los demás héroes cinematográficos: su patente verdad. Todos querríamos ser Atticus Finch, y lo que es más importante, todos podríamos serlo, a pesar de las enormes cargas de responsabilidad que ello conllevaría. Gregory Peck, que mantuvo amistad con Mary Badham hasta el final de sus días y a la que siempre llamó Scout, realiza la que muy posiblemente sea la mejor interpretación de toda su carrera, con una naturalidad y presencia imponentes. Dicen que Harper Lee, visitando el rodaje, no pudo contener las lágrimas cuando vio a Peck caracterizado de Finch pues le recordaba enormemente a su padre.

‘Matar a un ruiseñor’ es una de esas películas para las que el término de obra maestra parece quedarse corto. Su mirada va más allá de lo que son los recuerdos infantiles que rememoran noches lejanas de verano —una de las constantes del cine de Mulligan—, se adentra en ellos con un facilidad pasmosa, y trata de tú el enfoque de un niño ante las incomprensibles actitudes de los adultos. Sirva como ejemplo el momento en el que varios habitantes acuden a la cárcel para linchar a Tom Robinson y las preguntas inocentes de Scout hacen que se avergüencen de lo que iban a hacer, dejando a Atticus con el sabor del orgullo en sus labios. Al igual que ese reloj roto que representa lo efímero del tiempo, o esa mágica banda sonora de Elmer Bernstein, que representa la infancia, y varía según los estados anímicos a partir de las mismas notas, los hijos de Finch dejarán de ser niños algún día, y esa muestra de madurez prematura es señal inequívoca de ello.

A estas alturas ninguno de vosotros debería estar leyendo esto, sino disfrutando de ‘Matar a un ruiseñor’. A ver si en vuestras próximas peticiones estáis tan atinados.

Elmer Bernstein siempre ha sido un compositor muy admirado. De sólida formación clásica, supo fusionarla con el jazz y aportar un estilo personal único, influenciado por sus admirados Aaron Copland, Jerome Moross y Alex North, de los que fue también discípulo. Sus bandas sonoras destilan una clara preferencia por el sonido orquestal especialmente para subrayar los títulos épicos, pero se supo introducir el jazz en otros con notable resultado. Por ello, siempre fue muy valorado y con esfuerzo y una carrera dilatada supo ganarse un nombre entre los grandes.

Su trayectoria tiene un importante énfasis entre los años 50 y especialmente los 60, donde logra quizás sus mejores trabajos. Aunque antes de su salto al cine, al participar en la Segunda Guerra Mundial llegó a componer música para la radio de la Armada, lo que le valió una experiencia esencial para llegar a Hollywood.

Ya en los 70 trabajó para grandes como John Wayne (componiendo la música de sus últimos siete largometrajes), pero también a otros como John Sturges o John Frankenheimer. Luego, en los 80 cayó en la comodidad de títulos comerciales que aportaron poco a su genialidad (excepto con ‘Los cazafantasmas’ que me parece fantástica), aunque, ya muy veterano en los 90, retomó su valía y nos dejó algunos memorables trabajos.

Pero, repasemos las que considero las diez mejores bandas sonoras de Elmer Bernstein:

‘El hombre del brazo de oro’ (1955)

Película de Otto Preminger, que bien merece rescatarse, con un grandísimo trabajo (si no el mejor) de Frank Sinatra. Una música muy personal, con clara influencia del jazz y sobresaliente.

‘Los diez mandamientos’ (1957)

Uno de los grandes peplums de DeMille al que supo otorgar Elmer una sonoración orquestal tan épica como la historia narrada.

‘Los siete magníficos’ (1960)

¿A alguien no le suena? Esencial.

‘Los comancheros’ (1961)

Su aportación al western tuvo un marcado sello, con un estilo reconocible y muy apropiado.

‘La gran evasión’ (1963)

Otro título inolvidable, cuyas imágenes están unidas a su música de forma consistente y perdurable.

‘Matar a un ruiseñor’ (1962)

Una de las más grandes piezas de Bernstein. Música intimista, llena de emoción y que subraya los grandes momentos de esta obra maestra.

‘El hombre de Alcatraz’ (1962)

En la misma línea que otros títulos de esta década prodigiosa para el compositor. Brillante.

‘Los timadores’ (1990)

Grandísima película que cuenta con una música excepcional. Fue el regreso al primer nivel, tras componer ‘Mi pie izquierdo’.

‘La edad de la inocencia’ (1993)

Trabajo muy estrecho con Martin Scorsese que dio lugar a una banda sonora casi más bella que las imágenes rodadas por el cineasta.

‘Lejos del cielo’ (2002)

Su último gran trabajo que fue reconocido adecuadamente, donde su experiencia y acierto se ponía de manifiesto.

Bonus Track: ‘The Silencers’ (1966)

Cinta sesentera por excelencia, para mayor gloria de Dean Martin, olvidable en cualquier caso por su resultado, aunque entrañable y con una música sensacional.

En Spotify | Elmer Bernstein Playlist
Foto | elmerbernstein.com

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La revista Empire propone una de sus enémisas listas en la que escoger a los 100 mejores personajes de la historia del cine. Vista la lista con detenimiento, y comprobando alucinado que Tyler Durden (’El club de la lucha‘) ocupe el primer lugar, y que esa lista encumbre a un actor como Brad Pitt, que no llega a la suela de los zapatos a los grandes actores de la historia de todos los tiempos, uno sólo puede pensar que se encuentra ante un chiste de muy mal gusto.

Cada uno de nosotros tendrá su propia lista, la mía encabeza por ese Atticus Finch (’Matar a un ruiseñor‘), que sí es un personaje con mayúsculas, no sólo del cine, sino también de la literatura y de la historia americana, que el propio Gregory Peck terminó elevando a los altares. Pero no sólo eso, la lista implica a la película y al director que la realizó, con lo que el desaguisado es mayúsculo (pensando en esa maravilla de David Fincher que es ‘Zodiac‘). Conclusión: ésta es la última lista que sigo o presto atención. E incluso, alguien debería recordarle a la revista Empire un poco de seriedad, si no queremos que el cine termine luciendo de la manera como lo hace hoy en día. La difícil línea que define a quien pertenece la autoría de un personaje o una película, no puede realizarse con este ejemplo.

Vía | Alta fidelidad
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Y seguimos lamentablemente con más obituarios, antes de que termine este desastroso, cinematográficamente hablando, 2008. Ayer nos enteramos de la triste noticia del fallecimiento de Robert Mulligan, que el viernes pasado dejó este mundo por culpa de una enfermedad cardíaca. Salido, como otros muchos de su generación, del mundo televisivo, enseguida empezó a hacer sus pinitos en el cine, donde nos dejó algunas joyas verdaderamente inolvidables. Y hay que subrayar el hecho de que Mulligan nunca fue considerado un gran director.

Sin embargo, y sólo por ‘Matar a un ruiseñor’, Mulligan merece estar en un púlpito. ¿Quién no recuerda a Atticus Finch? Consiguió encumbrar la novela de Harper Lee a los altares, convirtiendo a su personaje central en toda una referencia dentro del cine. Pero es que además, Mulligan fue el realizador de obras tan ejemplares como ‘Verano del 42‘ (inolvidable la banda sonora de Michel Legrand), ‘La noche de los gigantes’ (originalísimo western en clave de terror); ‘El otro’, film que influyó poderosamente en muchas obras posteriores; o ‘El próximo año a la misma hora’, sensacional historia de amor, de origen teatral, con unos impecables Ellen Burstyn y Alan Alda.

‘Verano en Louisiana’ fue la última vez que se sentó en una silla de director. Y eso ocurrió en 1991. Se fue con 83 años.

Hasta siempre Robert.

Vía | Imdb