Transcurrieron cuatro años entre ‘Promesas del este’ (‘Eastern Promises’) y ‘Un método peligroso’ (‘A Dangerous Method’), pero por fortuna no vamos a tener que esperar tanto tiempo para poder ver otra película de David Cronenberg. Solo un mes después del estreno de su último (y excelente) trabajo, ya podemos echar un vistazo a los primeros carteles de ‘Cosmopolis’, lo nuevo del cineasta canadiense.

Hemos hablado anteriormente aquí de este título, se trata de una adaptación de la novela homónima de Don DeLillo y está protagonizada por el popular Robert Pattinson, un actor que, me consta, no gusta demasiado por aquí. Siempre he dicho que es mejor intérprete de lo que muchos pensáis, que es injusto atacarle solo por su trabajo en la mediocre saga ‘Crepúsculo’, y recientemente he leído que Cronenberg ha manifestado que Pattinson es un fantástico actor; creo que podemos fiarnos de él, ¿no os parece? El propio director se ha encargado también de escribir el guion de la película, cuya historia gira en torno a un joven multimillonario que al salir en busca de un simple corte de pelo llegará a perder toda su fortuna, en una odisea de 24 horas por las calles de Manhattan.

Paul Giamatti, Samantha Morton, Sarah Gadon, Mathieu Amalric, Juliette Binoche, Jay Baruchel y Kevin Durand completan el llamativo reparto de ‘Cosmopolis’, en la que Cronenberg ha podido contar con su habitual equipo de colaboradores, como Howard Shore o Peter Suschitzky. De momento no hay fecha de estreno, yo llevo semanas rezando para que esté lista a tiempo para ser presentada en el festival de Berlín…

PD: Todavía os debo una crítica de ‘Promesas del este’, no me he olvidado.

Vía | IMDb
En Blogdecine | Especial dedicado a la carrera de David Cronenberg

Ya ha aparecido la primera foto oficial de ‘Cosmopolis’, la nueva película del canadiense David Cronenberg. Ha sido su hija, la fotógrafa Caitlin Cronenberg, quien ha puesto en circulación la imagen, en la que aparece uno de los actores más deseados y también más odiados del planeta. Robert Pattinson, todavía en nuestras carteleras con la entretenida ‘Agua para elefantes’ (‘Water for Elephants’, 2011), es el protagonista de esta adaptación de la novela homónima de Don DeLillo, donde da vida a un hombre que lo pierde todo en un solo día; en principio el papel iba a ser para Colin Farrell, quien tuvo que abandonar el proyecto por su compromiso con el remake de ‘Desafío total’, del que hemos hablado hace unas horas. Espero que no tengamos que lamentar este cambio.

La que acompaña a Pattinson en la imagen es Sarah Gadon, una chica que pese a su juventud ya cuenta con una amplia experiencia como actriz, sobre todo en televisión. Aparte de estos dos, en el reparto figuran Juliette Binoche, Paul Giamatti, Mathieu Amalric, Samantha Morton, Kevin Durand y Jay Baruchel, entre otros. Con guion de Cronenberg y un presupuesto de 20 millones de dólares, ‘Cosmopolis’ gira en torno al joven multimillonario Eric Packer, quien al salir en busca de un corte de pelo llegará a perder toda su fortuna en una odisea de 24 horas por las calles de Manhattan. Por el momento no hay fecha de estreno. Por cierto, se rumorea que la anterior película del canadiense, ‘A Dangerous Method’, podría estar lista para ser presentada en la próxima Mostra de Venecia (septiembre).

PD: Marion Cotillard también estaba vinculada a este proyecto, pero lo abandonó a causa de su embarazo.

Vía | Twitter

Estamos pendientes de los Oscar como si los estadounidenses fuesen los únicos que hiciesen cine o los únicos que entregasen premios. Anoche, no obstante, se dieron a conocer los premiados en la trigésimo sexta gala de los César, lo galardones que entrega l’Academie des Arts et Techniques du Cinéma de Francia.

‘De dioses y hombres’ (‘Des Hommes et des Dieux’) una película sobre el asesinato sin resolver de siete monjes franceses durante un brutal conflicto civil en Argelia en los años ’90, se llevó el César a la Mejor película, así como el de Mejor Actor Secundario para Michael Lonsdale y el de Mejor dirección de Fotografía para Caroline Champetier.

En el premio a Mejor Película, la de Xavier Beauvois —en la fotografía, junto con Roman Polanski— competía contra ‘Los seductores’ (‘L’arnacoeur’), de Pascal Chaumeil; ‘Gainsbourg (‘Vie Heroïque’), de Joann Sfar; ‘Mammuth’, de Benoît Delepine y Gustave Kervern; ‘Le nom des Gens’, de Michel Leclerc; ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’), de Roman Polanski, y ‘Tournée’, de Mathieu Amalric.

Estas cintas, a pesar de todo, no se fueron de vacío: ‘El escritor’ (‘The Ghost Writer’) obtuvo el César a Mejor Director, para Roman Polanksi, el de Mejor Guion Adaptado, Mejor Montaje y Mejor Música. ‘Gainsbourg (‘Vie Heroïque’) se llevó el premio a la Mejor Opera Prima, al mejor sonido y al mejor actor, para Eric Elmosnino. ‘Le nom des Gens’, se ha ido con la estatuilla a la mejor actriz para Sara Forestier y la del mejor guion original.

La mejor película de animación es ‘El ilusionista’ (‘L’illusionniste’), de Sylvain Chomet, producida por Marc Lacan. Y el mejor documental, ‘Océanos’ (‘Océans’), de Jacques Perrin y Jacques Cluzaud.

La mejor película extranjera fue ‘La red social’ (‘The Social Network’), de David Fincher. Quentin Tarantino se llevó el César honorífico a toda su carrera.

Vía | Les César du Cinéma, donde se pueden ver todas las candidatas y todas las premiadas.

“El reconocimiento del padre. Me reconfortó entonces. Y ahora me reconforta aún más. Todos somos niños. Todos necesitamos reconocimiento.”

-Jean-Dominique (Mathieu Amalric)

Cuando uno se encuentra con una película de estas características, se arrepiente y se avergüenza de haber considerado a otros largometrajes como grandes o importantes, y al entrar en contacto con tanta belleza, pudor y dolor, comprende uno un poco más lo que significan esas palabras. La historia de Jean-Dominique Bauby, que sufre en 1985 un infarto cerebral que le deja incapacitado para moverse y comunicarse, es del tipo que a mí en un principio no me interesa mucho, pues la historia del cine está trufada de películas sentimentalistas sobre incapacitados y sobre tragedias físicas de toda clase, y muy pocas veces surge un cine interesante de todo eso. Sin embargo, ‘La escafandra y la mariposa’ (‘Le scaphandre et le papillon’, Julian Schnabel, 2007), es una de esos extraños casos en los que queda desterrado todo sentimentalismo, todo carácter ilustrativo, toda moralina, todo mensaje. Con verdad y pasión estremecedoras, se zambulle en la vida de un hombre paralizado (en casi todos los sentidos), y no da pena, sino que regala luz.

Julian Schnabel, que antes de ser director fue un renombrado pintor y escultor, y que ya había llamado la atención con su anterior ‘Antes que anochezca’ (‘Before Night Falls’, 2000), que le valió una nominación al Oscar a Javier Bardem, firma aquí con precisión majestuosa una historia que es lo opuesto a, por ejemplo ‘Mar adentro’ (id, Alejandro Amenábar, 2004), una película que según sus propias palabras es aburrida y no le interesa en absoluto. Muy al contrario que Amenábar, Schnabel no se regodea en los aspectos más preciosistas o morales de la historia. En lugar de eso, profundiza en la conciencia más insondable de un hombre que por primera vez se ve a sí mismo tal como es, y que empieza a ver el mundo que le rodea, literal y metafóricamente, con otros ojos. Esta excusa le sirve a Schnabel para hablar sobre varias cosas de forma admirable.

‘La escafandra y la mariposa’, a partir de la experiencia extrema de Baubey, habla sobre el encuadre cinematográfico y sobre el cine mismo. Su primer tercio, completo, es a través de la mirada subjetiva del enfermo, con la limitación que esto supone, y gracias a la cual se reflexiona acerca de la herramienta del encuadre y del fuera del campo como pocas veces se ha hecho en el cine reciente. La extraordinaria labor de fotografía del operador Janusz Kaminski (que ha filmado todas las películas de Steven Spielberg desde ‘La lista de Schindler’), al mismo tiempo cálida y acerada, abstracta y muy física, es esencial en esta indagación en la que el espectador es, más que nunca, un ser atrapado por la tiranía de la pantalla.

Reflexiona sobre la comunicación, las palabras, la literatura. En el recluido mundo de Jean-Do, la única forma de comunicarse es con su ojo izquierdo, y gracias a su parpadeo puede elegir las letras con las que formar palabras. El mundo de las palabras es realmente la llave para que el universo del enfermo y el universo real, tomen contacto. Y esto bien lo sabe uno de los mejores escritores de cine de la actualidad, el sudafricano Ronald Harwood (quien ya hiciera maravillas con las memorias de Wladyslaw Szpilman para ‘El pianista’ (‘The Pianist’, Roman Polanksi, 2002)), que adapta el maravilloso libro de Bauby y lo convierte en un material apto para que Schnabel, en su plenitud, se exprese en imágenes y sonidos. Sobre todo en sonidos, y principalmente en palabras, que adquieren una importancia mucho mayor en este relato: pesan más, duelen más.

El formidable actor galo Mathieu Amalric vueve a dar muestras de su gran talento encarnando a Bauby postrado en la cama, pero también de cuando estaba sano, en sus recuerdos. Porque los recuerdos, y recapacitar sobre los errores, son materia primordial en ‘La escafandra y la mariposa’. En ellos toma especial relevancia la figura de su ex-mujer Céline, interpretada con gran fuerza y belleza por Emmanuelle Seigner. La frágil y dolorosa relación entre ambos es un pequeño milagro de la interpretación, entre otras cosas porque Seigner ha de hablar directamente a la cámara la mayor parte de su trabajo, y Amalric sólo puede expresar su agradecimiento y su cariño por ella a través de un solo ojo. Que en nada de todo eso exista el menor rastro de ñoñería o falsedad, es digno de admiración.

También habla sobre el movimiento, y la imaginación. Al igual que en la emocionante ‘Johnny cogió su fusil’ (‘Johnny Got His Gun’, Dalton Trumbo, 1971), Bauby se vale de la poderosa arma de la imaginación para huir eventualmente de su cuerpo. Sin embargo, no obtenemos imágenes suyas andando o volando (salvo una, muy fugaz), sino imágenes que brotan de su mente y de su alma, como los insectos que habitan en flores, o enormes bloques de hielo derrumbándose en el mar, expresión exacta de su reflexión de que el pasado no puede cambiarse ni olvidarse jamás, como una vida exitosa en lo superficial pero ruinosa en lo anímico, que le ha conducido a una soledad endémica. Soledad que, irónicamente, se verá parcialmente paliada con su enfermedad, que reunirá en torno suyo a las personas más importantes de su vida.

Y, finalmente, ‘La escafandra y la mariposa’ habla sobre la propia identidad perdida, sobre aferrarse a lo que tenemos de más noble y más digno para no desaparecer en nuestro propio laberinto, sobre no compadecerse más, sobre regresar al lugar al que pertenecemos. Y sobre la sexualidad, contextualizada en las dos bellas doctoras (las maravillosas Marie-Josée Croze y Olatz López Garmendia) que le ayudan a aprender a hablar y a moverse de nuevo, como una metáfora de su incapacidad interior de comunicarse y actuar con las mujeres de su vida, y en la no menos bella y dulce ayudante (una excelente Anne Consigny). No nos enternecemos por esta tragedia, sino que nos acercamos un poco más a la importancia de empeñarnos en vivir. No juega al morboso juego, tan de moda, de repugnarnos con la fragilidad del cuerpo humano, pero da constancia del horror y el dolor que se desprenden de habitar una carcasa tan efímera.

Cine imprescindible para comprender cuántas cosas pueden contarse sin recurrir a la dramaturgia y a la puesta en escena clásica. Es decir, para descubrir que el cine puede ocuparse de muchas más cosas de las que generalmente le distraen. Con ‘La escafandra y la mariposa’ pasa como con algunas películas extraordinarias, muy pocas, que nos acercan un poco más al lado terrible de la vida y la muerte, y por ello nos conmocionan, pero que también nos susurran al oído una sensación de libertad, de absoluta carencia de miedo, que nos devuelve parte de lo más libre y esperanzador de nosotros mismos.

En Blogdecine:

• ‘La Escafandra y la Mariposa’, el pincel del director (por Alberto Abuín)

En ‘Adéle y el misterio de la momia’ (‘Les Aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’), Luc Besson adapta varios de los álbumes que Jaques Tardi publicó en los años setenta con la intención de unir el folletín con componentes de aventuras, como la egiptología y otros descubrimientos, y de crear un personaje de mujer que en aquella época no era común en el cómic, más dado a presentar protagonistas femeninas que fuesen objetos sexuales o a tener la mujer en un segundo plano. Asimismo, el francés, acostumbrado a una obra prestigiosa, seria y crítica, perseguía el humor como soplo de aire fresco, aunque ello supusiese incluir situaciones descabelladas o golpes humorísticos absurdos.

Una inteligente adaptación

La adaptación que ha escrito Besson pasa por una reescritura intensa, lo cual supone una sabia decisión, debido a que a los álbumes de Tardi se les podrían achacar algunos problemas estructurales y la sensación de que el límite de páginas impedía a Tardi narrar todo lo que tenía en el tintero. Las largas temporadas entre publicación y publicación provocaron un gran desorden de información, del que el propio autor era consciente y demostraba en las notas al pie y los asteriscos que referían a otros volúmenes, que se han eliminado en la presente edición recopilatoria.

‘Adéle y el misterio de la momia’ combina las tramas de varios álbumes y esto, lejos de suponer una ofensa contra el original, significa una mejoría, no sólo porque para completar un largometraje sea necesario ampliar el contenido, sino también porque se pone orden en el caos formado por Tardi. Resulta impresionante lo bien integradas que están unas historias con otras, tanto que cualquier espectador que se acerque al film sin haber leído las historietas, no percibirá que se están mezclando títulos.

Si bien a la creación de Tardi —que ahora está a la venta en un tomo que reúne los cuatro primeros— le achacaba esos problemas narrativos, también presentan grandes valores, como el retrato de un precioso París, que es lo que en Francia le convierte en tal superventas, o el carácter displicente y moderno de la protagonista. Esta traslación surge de un profundo conocimiento de la obra y muestra un absoluto respeto al espíritu la creación de Tardi, en cuanto al tono ligero, a la inclusión de elementos fantásticos, al retrato de los personajes… Es decir, en cuanto a todas las intenciones que, como decía, motivaron al autor a crear los álbumes.

El personaje de Adèle

La Adèle de las bande-dessinées es borde y casi antisocial. En otra ocasión ya expresé la desconfianza que me producía la modelo Louise Bourgoin para el papel, pero lo cierto es que la joven consigue acercarse admirablemente a la imagen que teníamos de la escritora y exploradora. Incluso el propio Tardi mostró su aprobación cuando vio los brutos de la película.

Es divertido y satisfactorio ver comportarse a este personaje femenino independiente, fuerte y valiente. Sin embargo, si hay algo negativo que pueda apuntar sobre el film sería precisamente el retrato de Adèle, pues su invulnerabilidad, su sabiduría, su capacidad para estar por encima de todo el mundo resultan exageradas. Alguien tan perfecto carece de humanidad y así, la conexión con la exploradora es poca. La motivación de salvar a su hermana, que se introduce justo con la intención de humanizar a la protagonista, puede ser lo más flojo de la película. En sucesivas entregas, si la evolución del personaje sigue la de los álbumes, es decir, la de dejarse aún más llevar por los demás, sin tener motivaciones para nada, esto puede convertirse en un problema o quizá sea justo lo que resuelva la falta de realidad que se percibe ahora.

Entretenida producción de aventuras

Es importante que esta traslación a la pantalla se haya llevado a cabo por una productora que maneje altos presupuestos y es incluso favorable que hayan tenido que pasar casi cuarenta años hasta que la BD se ha convertido en película. ‘Adéle y el misterio de la momia’ cuenta con numerosos efectos especiales, que siempre están resueltos con habilidad —el único algo dudoso es el de Adèle volando sobre el pterodáctilo—. La ambientación retrocede exactamente un siglo y consigue una perfecta credibilidad en cuanto a escenarios, vestuario y peluquería, la cual destaca sobre todo en el caso de los hombres, que son clavados a sus representaciones dibujadas por Tardi.

Aunque Besson como director últimamente satisface menos que como productor, en este caso se ha tomado muy en serio la adaptación y la ha elaborado con cariño y gran acierto. La película está rodada con brío y agilidad y el ritmo, asignatura pendiente en Besson en otras ocasiones, no merece ningún reproche. Las aventuras que traen de acá para allá a la protagonista se suceden sin pausa para crear una cinta muy entretenida. No podré llevarle la contraria a quien me argumente que son un despropósito, pero esa falta de sentido común es el valor más intrínseco de las historietas ilustradas por Jacques Tardi y habría sido un error perderla.

Dictamen: muy recomendable como film de humor y entretenimiento, tanto para seguidores de los álbumes, como para quienes no los conozcan.

Mi puntuación:

Os había anunciado hace poco que Luc Besson producía y dirigía la adaptación de los álbumes protagonizados por Adèle Blanc-Sec, una altiva escritora que se ve habitualmente involucrada en aventuras de todo tipo. Jacques Tardi, el autor de bandes dessinées más reconocido de Francia, es el creador de esta intrépida protagonista.

En aquella entrada me quejaba de la elección de la actriz, Louise Bourgoin, y desconfiaba del criterio de Besson para unir varios volúmenes en un guión —y eso que todavía no había visto ‘Arthur y la venganza de Maltazard‘—. Pero aquello eran sólo especulaciones y, ahora, para juzgar, ya tengo un tráiler. Todo lo que se refiere a la ambientación de época presenta un aspecto excelente. La iconografía está muy bien reflejada, incluyendo la caracterización de algunos de los personajes, y los efectos especiales son de lo más solvente. Además, parece que se desarrolla una aventura completa, con momentos de acción e intriga, combinando varias de las historias con aparente habilidad. Por todo ello, tendré que depositar un voto de confianza y retirar mis suspicaces palabras… al menos hasta poder ver la película.

‘Adele y el misterio de la momia’ (‘Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’); se estrenará el 14 de abril en Francia y Bélgica, pero para nuestro país aún no tiene fecha prevista. Actualización: el 10 de septiembre se estrenará en España. Por lo pronto, se puede ver el tráiler que se incluye a continuación y otros dos teaser tráilers en la página web oficial, que enlazo al final de esta noticia.

Mathieu Amalric, Philippe Nahon y Gilles Lellouche completan el reparto de ‘Les aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec’.

El pterodáctilo está extraído del primer cómic: ‘Adéle y la bestia’ (‘Adèle y la bête’, 1976), donde aparecía ya este museo de ciencias naturales parisino, que se llama El jardín de las plantas, en el que tienen un recortable de Adèle como homenaje a Tardi. Del segundo álbum, ‘El demonio de la Torre Eiffel’ (‘Le demon de la Tour Eiffel’), y del tercero, ‘El sabio loco’ (‘Le savant fou’), se extraen algunos de los personajes. Y el cuarto, ‘Momias enloquecidas’ (‘Momies en folie’), aporta ese ser que sirve de alivio cómico y que se incluye en las investigaciones con toda tranquilidad, como si tal cosa, a pesar de llevar siglos muerto y embalsamado.

La decisión de unir estos cuatro volúmenes es acertada, ya que (SPOILER), justo al final del cuarto, llegó la Primera Guerra Mundial y Adèle se quedó hibernada. Cuando resucitó en el quinto libro, todo había cambiado (FIN DEL SPOILER). Desgraciadamente, no existe una edición reciente de estos tebeos en España. Recomendaría su lectura a quienes no los conozcan, pero tendrán que buscarlos por librerías de segunda mano o bucear entre los restos de las tiendas.

Actualización de abril: Norma Editorial ha anunciado que sacará un primer volumen de ‘Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec’ en mayo o junio. Supongo que este volumen contendrá los cuatro primeros álbumes, como la película. Espero que continúen con los siguientes volúmenes en seguida, en verano más o menos. No han concretado cuántos volúmenes saldrán en total. Puede ser que el segundo incluya los cinco álbumes restantes y con eso se termine. O también podrían hacer el reparto en trilogía que está creando Luc Besson y sacar otros dos volúmenes más, con dos y tres álbumes cada uno. Con esta decisión de Norma, lo que tiene que ocurrir ahora es que haya igualmente una distribuidora cinematográfica que nos traiga la película porque, una cosa sin la otra, va a tener poco sentido.

Actualización del 7 de junio: ya ha aparecido en España una edición que recopila los cuatro primeros números.

Vía | Página oficial del film.

• ‘Señales del futuro’

Durante la inauguración de un nuevo colegio, los estudiantes guardan en una cápsula del tiempo varios objetos; Lucinda, una de las niñas, guarda un papel en el que ha escrito extraños números. Cincuenta años después, la cápsula del tiempo es desenterrada y Caleb, el hijo de John Koestler (Nicolas Cage), un profesor de astronomía viudo, recibe la misteriosa nota de Lucinda. John descubrirá enseguida que esos números esconden predicciones escalofriantes, algunas de las cuales ya han sucedido mientras que otras aún no…

Entretenido thriller de ciencia ficción que no sabe aprovechar el gran punto de partida, muy explosivo para la floja inventiva de la maquinaria industrial hollywoodiense. Alex Proyas logra algunos momentos inquietantes y Cage sorprende con un personaje mucho más contenido de lo habitual, en una película que parecía aspirar a quedar en la memoria, pero donde lo único inolvidable es su desastroso desenlace. Se ponen a la venta tres ediciones diferentes. Una sencilla, de un disco, sin nada destacable; una especial, con un segundo disco que contiene un making of y “comentarios del director” (¿una entrevista?); y una última para coleccionistas, con los dos discos más unos fotogramas originales, una alfombrilla para el ratón y un libreto ilustrado.

Críticas en Blogdecine:

‘Señales del futuro’, inquietante pero frágil thriller fantástico

‘Señales del futuro’, ambiciosa pero fallida

‘Señales del futuro’, Alex Proyas mezclando a Spielberg y Shyamalan

• ‘Ponyo en el acantilado’

Sosuke, un niño de cinco años, se encuentra, cuando juega en la playa, una pececita de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y le dice que la protegerá. Sin embargo, el padre de Ponyo, un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. Ponyo, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa…

Nueva y fantástica película del Studio Ghibli y el genial Hayao Miyazaki, tras ‘El viaje de Chihiro’ y ‘El castillo ambulante’. La película narra la tierna relación que se crea entre un niño y una mágica y pequeña criatura marina (una especie de sirenita). Visualmente excepcional, el único “pero” que podemos encontrarle es que no es tan disfrutable para los adultos como para los niños, pero bueno, dejemos una joya para los peques, que los pobres no tienen mucho (de calidad) donde elegir. Si queremos adquirir ‘Ponyo en el acantilado’ vamos a encontrar dos ediciones, una sencilla de un disco y una especial con dos; la diferencia, aparte del estuche y el precio, son dos tráileres y el storyboard completo de la película, imagino que un “extra” imprescindible para los amantes de la animación.

Críticas en Blogdecine:

‘Ponyo en el acantilado’, el encanto de la niña pez

‘Ponyo en el acantilado’, un tsunami de animación

‘Ponyo en el acantilado’, la imaginación al poder

Ponyo, la sirenita de Hayao Miyazaki

• ‘Susurros del corazón’

Shizuku es una adolescente aficionada a la lectura que tiene como plan pasar sus vacaciones de verano leyendo en la biblioteca y traduciendo canciones extranjeras. Para su sorpresa, sus planes dan un giro cuando descubre que hay un mismo nombre, Seji Amasawa, en las fichas de los libros que coge en la biblioteca. Un día en el tren, se encuentra con un gato misterioso que la llevará a la tienda donde Seji trabaja como aprendiz de luthier. Seji le cuenta a Shuzuku que su sueño es llevar su arte a Italia, animándola también a escribir libros. A partir de entonces Shizuku y Seji prometen que estarán siempre juntos.

‘Ponyo’ no es la única perla del Studio Ghibli que se pone a la venta esta semana en nuestro país. También podremos adquirir ‘Susurros del corazon’, que también cuenta con la participación de Hayao Miyazaki, quien adaptó la historia para que fuera dirigida por Yoshifumi Kondo. La edición en DVD incorpora un documental sobre el proceso de animación y el storyboard completo de la película. Echo en falta, como en la anterior, alguna entrevista con los responsables, pero bueno, tampoco es cuestión de pedir demasiado, ya es una gran noticia que podamos conseguir este tipo de películas en España.

• ‘La cuestión humana’

Simon (Mathieu Amalric) trabaja como psicólogo en el departamento de recursos humanos de una gran multinacional petroquímica. Su labor consiste en la organización de raves y juegos de rol donde los jóvenes empresarios son llevados a la extenuación para detectar sus flaquezas y aptitudes. La fría y calculadora vida de Simon se ve alterada cuando, un día, uno de los directivos le encarga una misión confidencial: investigar al director general de la empresa, al que creen perturbado mentalmente. Inmerso en una extraña conspiración, Simon irá viendo cómo su existencia se va resquebrajando, invadida por los ecos de un pasado siniestro que le harán enfrentarse a la “cuestión humana”.

Típica atracción para el público que busca algo diferente, reflexivo y denso. A mí me engañó, fue una gran pérdida de tiempo, no encontré más que un mediocre relato pseudo-intelectual sobre la deshumanización; cine “prestigioso” para minorías, que sospecho que a veces sólo ven, sufren y se duermen viendo estas películas para reafirmar su convicción de que son diferentes de los demás. En cualquier caso, todos tenemos nuestros gustos personales, nuestra forma favorita de pasar el tiempo, y nuestros momentos raros que nos influyen al ver una película, así que entiendo perfectamente que esta cosa haya recibido aplausos. ‘La cuestión humana’ sale a la venta en una cuidada edición de dos discos, que incluye una entrevista con Nicolas Klotz y Elisabeth Perceval.

Críticas en Blogdecine:

‘La cuestión humana’, la cuestión del público

‘La cuestión humana’, demoledora y monumental obra maestra

• ‘Road House (El parador del camino)’

Jefty (Richard Widmark) dirige una bolera-cabaret. En uno de sus viajes conoce a Lily (Ida Lupino), una cantante de voz áspera pero sensual a la que contrata para que anime el local. Su socio y mejor amigo Pete (Cornel Wilde) se opone, pero Jefty está locamente enamorado de ella y no cede. Tras algunas fricciones, Pete y Lily se enamoran y comienzan una relación. Jefty, loco de celos, acusa a Pete de robar las ganancias del bar…

Uno de esos clásicos que debe estar en la estantería de todo cinéfilo. El elegante Jean Negulesco a los mandos y unos excelentes Widmark y Lupino al frente del reparto (también está Cornel Wilde, vale, la película no es perfecta) ofrecen un apasionante y tenso thriller sobre el amor y los peligrosos celos. Cine negro de calidad, del que se hacía antes y no envejece. La película sale a la venta en una edición sencilla que apenas incorpora un menú y los subtítulos en castellano (algo imprescindible que aún no sé cómo no se incluyen en un buen puñado de clásicos).

Crítica en Blogdecine:

‘El Parador del Camino’, el poder de los celos

• ‘La torre de los ambiciosos’

Cuando, de repente, el presidente de una importante empresa de muebles muere, dos vicepresidentes inician una lucha por ocupar el cargo de mayor importancia. Su particular conflicto sacará a la luz lo implacable y la corrupción de la vida empresarial. William Holden, Barbara Stanwyck, Fredric March, June Allyson, Walter Pidgeon, Shelley Winters, Paul Douglas y Louis Calhern, entre otros, encabezan el gran reparto de este tenso drama dirigido por Robert Wise (‘Ultimátum a la Tierra’, ‘West Side Story’, ‘Sonrisas y lágrimas’) en 1954. La edición en DVD sale pelada de extras, para variar.

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  ‘Madame Bovary’

Emma Bovary es la insatisfecha mujer de un médico rural que ansía pertenecer a la alta sociedad francesa. Sus ambiciones y un apasionado romance con un joven aristócrata la conducirán a una situación que prevé trágicas consecuencias.

Basada en la mítica novela del francés Gustave Flaubert, y protagonizada por Jennifer Jones y Van Heflin, el film es una crítica de los falsos valores de la burguesía rural francesa del siglo XIX. Como novedad, cabe destacar que en esta adaptación, Vincente Minnelli introdujo un prólogo y un epílogo en el que el propio escritor, interpretado por James Mason, se convertía en el narrador de la historia. No he encontrado detalles de la edición, supongo que traerá lo mínimo.

• ‘Alma de bailarina’

Basada en la novela de James Warner Bellah, Joan Crawford canta y baila en esta comedia musical donde encarna a una bailarina que no acaba de decidirse entre su manager y un seductor profesional. La película, dirigida por Robert Z. Leonard, cuenta con un reparto de lujo en el que también figuran Clark Gable, los cómicos “The Three Stooges” y, en un papel secundario, el legendario Fred Astaire, que debutaba en la gran pantalla. Edición simple en DVD.

• ‘Huracán de emociones’

Convertido ya en un icono del cine de aventuras por inolvidables títulos como ‘El halcón y la flecha’ (1950) y ‘El temible burlón’ (1952), Burt Lancaster protagoniza este título rodado en las islas del Pacífico Sur y ambientado en plena Segunda Guerra Mundial. La película es una adaptación de la obra teatral de William M. Rankin, llevada a la gran pantalla por el realizador Arthur Lubin. Filmada en blanco y negro, Lancaster, que ofrece su lado más dramático, se acompañará de la increíble belleza de Virginia Mayo.

• ‘El noviazgo del padre de Eddie’

Un niño de seis años está harto de que su padre siga viudo y sin compromiso. Decidido a solucionar el problema, el joven Eddie prepara citas para su padre y supervisa la selección de la posible candidata. La película, adaptación de la novela de Mark Toby, es la clásica comedia ligera de los 60, simpática, tontorrona y eficaz, que se ve con una sonrisa. De nuevo volvemos a encontrar al siempre interesante Vincente Minelli en la dirección, mientras que el reparto está encabezado por Shirley Jones y Glenn Ford, uno de esos actores que aportaron magia al séptimo arte.

Vía | ZonaDVD

Enfrentarse a una película como ‘Un cuento de Navidad’ puede ser una tarea ardua, difícil, e incluso puede que a mitad de su metraje queramos salir de la sala, olvidándonos de la densidad de su historia, de sus personajes tan extraños, rocambolescos, extremos, y que a la vez nos resultan tan cercanos como lejanos. Pero si uno hace un pequeño esfuerzo por liberarse de prejuicios varios, de sacarse de encima el contagioso sopor que la cartelera actual nos condena a sufrir (evidentemente hay excepciones, como esas dos maravillas tituladas ‘Déjame entrar’ o ‘Ponyo en el acantilado’, de reciente estreno ambas), seremos testigos de una experiencia única, entre otras cosas por descubrir a una cineasta hasta ahora desconocido por el público en estos lares: Arnaud Desplechin.

‘Un cuento de Navidad’ es el octavo trabajo de Desplechin, y el primero en estrenarse en nuestras salas de circuito comercial mayoritario. Las buenas críticas vertida sobre ella, y su exitoso pase por Cannes han debido influenciar de manera positiva a la hora de distribuir la película en nuestro país. No será competencia, lamentablemente, para los típicos blockbusters norteamericanos, los cuales gozarán de una mayor infraestructura mediática, pero aquel que busque buen cine lo encontrará en cada fotograma de esta inolvidable película.

Desplechin es heredero directo de la Nouvelle Vague, aunque él mismo se declara amante del cine popular americano, y la mayor parte de sus influencias provienen de ahí (Coppola o Scorsese son algunas de sus pasiones. Pero viendo a Desplechin uno también se acuerda en parte de Bresson, aunque su realismo no sea tan directo como el de aquél; o de Truffaut, por la descarnada emoción que desprenden sus historias. Y como todos los excelentes directores, cargados de influencias, aprenden de ellas para crear su propio estilo, su personal universo.

‘Un cuento de navidad’ bebe, según palabras del propio director, pertenece a un subgénero muy de moda en el cine estadounidense, el thanksgiving. En él, todos los miembros de una familia se reúnen en el día de Acción de Gracias, hablan de sus cosas y se enfrentan a sus problemas y fantasmas. Los padres suelen ser muy comprensivos además de las personas más sabias sobre el planeta Tierra, entre los hijos están aquellos que llevan la vida que todo padre espera que lleves, y también el típico rebelde, la oveja negra de la familia (por lo general, un artista incomprendido o fracasado) que vive de otra forma y termina enfrentando a todos, para al final redimirse y así poder comer perdices en el típico final feliz (a veces se llega a ello pasando por la muerte de uno de los miembros de la familia). Éstos suelen ser los elementos más claros de una película de estas características, y todos nos hemos tragado un montón de ellas, sobre todo en la televisión.

‘Un cuento de navidad’ es eso y mucho más. Desplechin no narra una historia típica con planteamiento, nudo y desenlace. A pesar de que el punto de partida es la cena de navidad que hace que toda una familia se reúna de nuevo, esto no es más que una excusa para dar al film un aire de cuento navideño. Un cuento, como su mismo título indica, en el que lo más importante son los personajes en sí y no lo que les sucede. Personajes marcados por el recuerdo de la muerte de Jospeh, el primer hijo del matrimonio que murió hace tiempo a los 7 años de edad, necesitando un trasplante de médula ósea que nunca llegó a producirse. Dicha ausencia no puede llenarse de ninguna manera, y por ello todos los personajes parecen tambaleantes buscando su lugar en el mundo, intentado descubrir qué pieza son en el rompecabezas que supone una familia.

Son típicos y raros, previsibles e inesperados, locos y cuerdos, atractivos y odiosos, unas veces se necesitan y otras se repelen. Desplechin capta a la perfección la unidad (desequilibrada y también compacta) familiar, y en varios instantes lo hace sometiéndose a un juego cinéfilo difícil de obviar. Su película a veces transcurre con el tono de los musicales, en los que lo más irreal puede darse (‘Funny Face’ puede verse en cierto momento en un televisor); la familia es lo más grande que puede tener el ser humano, aquello por lo que siempre hay que luchar a toda costa contra todo tipo de adversidades (‘Los diez mandamientos’ también se deja entrever en cierta escena); no importa de dónde vienen los personajes ni a dónde van, sino dónde están y lo que son (‘El sueño de una noche de verano’ también hace acto de presencia en esa televisión más significativa de lo que parece); y de vez en cuando somos testigos de los pensamientos de algunos de ellos, nos miran a través de la cámara, testigo impasible de todo, nos leen cartas (‘El nuevo mundo’ de Malick deja ver su cartel varias veces, pues los personajes de ‘Un cuento de navidad’ bien podrían pertenecer a un film del director de ‘Malas tierras’).

‘Un cuento de navidad’ es tan sincera y real que sus imágenes duelen. A nadie le será imposible el no sentirse identificado con alguno de los seres que pululan por el film, a los que dan vida un elenco de actores que no lo parecen, son los personajes en sí. El ahora muy de moda Mathieu Amalric se lleva la palma, por dar vida a Henri, el más problemático de todos los componentes de la familia, el hijo pródigo, el extraviado que escapa a toda comprensión, el más sincero y cruel en sus decisiones, el más inestable emocionalmente. Todo un huracán de personalidad que fascina y atrapa desde su primera aparición hasta sus extraños y absorbentes momentos finales compartidos con su madre, una Catherine Deneuve tan bella (quien tuvo retuvo) como enigmática.

Creo que lo único que puedo achacarle a ‘Un cuento de navidad’ es que tal vez sea una película un poco larga (una manía demasiado extendida en el cine de hoy día), y digo tal vez, porque se trata de un film que gana en cada nuevo visionado. Su compleja estructura (nunca unos intencionados fallos de raccord tuvieron tanto sentido) se desengrana a cada nuevo pase, y yo no puedo más que rendirme ante una radiografía de algo tan conocido y común. Para perderse en ella y sentir los mismos encontrados sentimientos que se sufren dentro de una familia, los de necesitarles, los de sentirse incómodos, y sobre todo los de no poder evitar pertenecer a un grupo de personas que no has podido elegir.

‘Un cuento de Navidad’ relata la historia de una familia disfuncional que sufre una extraña enfermedad genética y deben encontrar un donante para no perder a otro miembro de la misma. Enfrentamientos y dificultades que intentan solventarse aprovechando las fechas navideñas. Todo hace apuntar que cuenta con un excelente trabajo de todo su reparto, además de contar la innegable garantía de la brillante y espléndida Catherine Deneuve.

La película fue la encarga de inaugurar el pasado Festival de Cannes y parece que no desagradó, con este drama familiar con notas de humor y sensibilidad, además de algún toque de surrealismo, propio del autor. También estuvo multinominada a los premios César del cine francés, en un año impresionante para su cinematografía.

Vía | Alta Films

Que el cine europeo, que tantas alegrías nos dio durante la mayor parte de los años 90, entró en un ciclo de catalepsia preocupante que ha durado más de un lustro, es algo más que evidente, y que ahora comienza de alguna forma de salir del agujero creativo y de identidad en el que se sumergió, también. A películas interesantes pero menores como ‘Good Bye, Lenin’, y otras del mismo corte, ahora la sustituyen obras mayores como ‘La vida de los otros’ o ‘El hundimiento’, desde Alemania, y ‘Las horas del verano’ y la impresionante, majestuosa, solemne, inclasificable ‘La cuestión humana’, desde Francia.

No tengo la menor duda, y menos aún después de observar cómo un tercio de los espectadores que compartían sesión conmigo en el cine iban abandonando la sala, de que si establezco comparaciones entre ‘La cuestión humana’ y otras parábolas sobre el poder como ‘Apocalypse Now’ (Coppola, 1979) o ‘Ciudadano Kane’ (Welles, 1941), muchos lectores pensarán que soy un snob, o un elitista. Pero así lo pienso. Pues ‘La cuestión humana’, es no sólo la más grande película europea en varios, o muchos años, sino una disección del poder empresarial de una lucidez que asusta.

Resulta una experiencia dolorosa, desconcertante, asistir a las imágenes fantasmagóricas, impregnadas de los códigos de la sci-fi y a menudo del cine de terror, de esta película. Al finalizar su visionado, se queda uno literalmente agotado, exhausto intelectual y emocionalmente, confrontado a verdades terribles, reflejado en un espejo demoledor e inexcusable, desnudado sin compasión y expuesto a un mundo sin esperanza. Nicolas Klotz (que hasta ahora no había dirigido nada de este calibre), y su guionista Elizabeth Percival, han cumplido su cometido: desahuciarnos moralmente.

Pero que no piense el lector de estas líneas que el discurso de esta película es evidente o está mostrado de manera frontal. Muy al contrario, sus descarnadas cargas de profundidad emergen de manera natural, desestabilizando esta historia del psicólogo de la enorme empresa petroquímica que conocerá una peripecia íntima y profesional indescriptible. De la inicial investigación de un alto cargo de la despiadada empresa, pasamos sin aliento a una reflexión sobre los rastros que el pasado deja en el presente y que ensombrecen el futuro. Las heridas de la vieja y desmemoriada Europa se hacen dueñas de la película.

Porque en el desordenado, denso y aún así cristalino relato que se nos narra, Klotz empareja, sin apenas esfuerzo visible, la Europa capitalista, gélida (tanto como la película), progresivamente deshumanizadora en la que nos encontramos, con aquella que emergió de las ruinas de la segunda guerra mundial. Y es que para Klotz “el pasado es partícipe del mismo paisaje que el presente, no existen fronteras entre el pasado, el presente y el futuro”. La veraz disección de las argucias del poder, sus títeres y maestros de marionetas, se entrecruzan en esta película, certificando esa identificación.

La puesta en escena de Klotz no puede, en ese sentido, resultar más agobiante, inquietante, y también valiente. Huyendo de cualquier convención formal, la cámara deviene en acerado instrumento al servicio de un punto de vista muy singular. Se advierte la desesperanza del director respecto de lo que cuenta, pero también su profunda compasión. Los primeros planos frontales se intercalan con planos generales que acentúan inhóspitos y sombríos interiores, dotándolos de gran personalidad, que ayudan a comprender a los retorcidos y casi inalcanzables personajes.

La colorimetría también ha sido alterada para lograr este objetivo. No hay lugar para los colores vivos, ni siquiera para la luz del sol, que es impensable en esta película. Los tonos ocres, los encuadres inesperados, son notablemente empleados, así como el opresivo formato 1:1,66. Pero, ¿acaso no es más nítido el sentimiento de libertad en las breves y bellas secuencias en las que esta se infiltra, como un escalpelo? Son las secuencias del beso robado en la rave, o la del concierto musical y los sentimientos que este provoca en la pareja sentimental del protagonista.

Mathieu Amalric (que ya hizo un gran trabajo en el último Bond, que guarda algunos paralelismos temáticos con esta) realiza un trabajo formidable, proteico. Su personaje, que es el investigador de esta trama falsamente detectivesca, falsamente materialista, es el objeto de nuestra investigación, la que hacemos los espectadores. Este psicólogo responsable del departamente de recursos humanos, se nos confiesa a nosotros, desordenada pero prolijamente, buscando una redención que sabe que no merece. Ejecutor de las prácticas empresariales que dejan sin trabajo a los menos competitivos, descubrirá lo que él, y miles como él, han provocado para el futuro, y lo que todos hemos heredado de las prácticas de aniquilación de los nazis.

El psicólogo Kessler es, como el propio Amalric, elegante y misterioso. Irá mutando, conociéndose, a medida que sus certezas se evaporen, que encuentre motivos para dudar de todo y de todos. Imperturbable en un principio, alcanzará el sosiego y el terror de los que saben más de lo que deben, de los que saben, por fin, en qué mundo viven. Un mundo que resulta, casi siempre, el peor posible. Klotz y Percival ni juzgan ni manipulan, simplemente nos muestran las cosas como son, y dan a sus personajes la posibilidad de encontrar el oasis de la comprensión y el cariño.

A nosotros, pobres espectadores, nos queda la opción de devolver al lenguaje (que la película considera un instrumento del poder, que deshumaniza cuando se vuelve neutra respecto a lo que nombra, como los horrores del nazismo) su capacidad para expresar sentimientos, ideas y emociones, más que eufemismos, tecnicismos deshumanizadores. ‘La cuestión humana’ constata que todavía podemos revolvernos, rebelarnos contra las maquinaciones de los poderosos, que al fin y al cabo, son personas, como nosotros. No en vano la cuestión humana es tanto su ambición y codicia como nuestra capacidad de sufrimiento.

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‘La Cuestión Humana’, la cuestión del público