Desde hace ya unos años, venimos anunciando quiénes son los intérpretes o las celebridades a las que se les otorga el Premio Donostia en el Festival de cine de, como no podía ser otro sitio, San Sebastián. El año pasado lo recogió Julia Roberts, en 2009 le fue entregado a Ian McKellen, en 2008 fue para Meryl Streep, un año antes, el Donostia fue para el actor Richard Gere, en la edición de 2006, se concedieron dos premios: a Max Von Sydow y Matt Dillon, y también en 2005 tuvo doble ganador: Willem Dafoe y Ben Gazzara.

En todas las ocasiones en las que me ha tocado a mí hablar del asunto, he criticado la conveniencia de otorgar estos galardones de reconocimiento a una carrera a personajes que, con seguridad, iban a asistir al evento y dar publicidad con la recogida de su premio. Y no me apeo de mis palabras especialmente en los casos en los que más lo comenté, a la sazón, los de los dos protagonistas de ‘Pretty Woman’. Sin embargo, tras este repaso al último lustro de Premios Donosti, debo reconocer que han pasado por el escenario del Kursaal personalidades que se han ganado un homenaje con creces. Y lo mismo va a ocurrir en la edición de 2011.

Glenn Close será, en esta ocasión, la galardonada con el Premio Donostia, que recogerá personalmente el próximo 18 de septiembre en una ceremonia que tendrá lugar a las 21.30 en el Auditorio del Kursaal. Aprovechando la visita, la actriz presentará, fuera de concurso, la última película de Rodrigo García, ‘Albert Nobbs’, en la que interpreta a una mujer que, para conseguir un trabajo en un hotel en la sociedad machista de la Irlanda del siglo XIX, acaba disfrazándose de hombre, como se observa en la fotografía del inicio, y supongo que tomando el nombre del título. En este film, que me despierta mayor curiosidad que el premio en sí, acompañan a Close en el reparto Jonathan Rhys Meyers y Brendan Gleeson, entre otros.

Close comenzó en el cine en 1982 con ‘El mundo según Garp’ y entre sus papeles más memorables se encuentran los de ‘Atracción fatal’, ‘Al filo de la sospecha’, ‘Las amistades peligrosas’ o ’101 dálmatas’, del que Cruella de Vil parecía escrito para ella. Para televisión, ha hecho ‘Un león en invierno’ y ha dado vida a la terrorífica abogada de la serie ‘Daños y perjuicios’, que le permitió ganar su segundo Globo de Oro. Parece que el papel de mujer de armas tomar a quien casi nadie se atrevería a llevar la contraria le viene como anillo al dedo.

Vía | IMDb.

‘Ladrones’ (‘Takers’, John Luessenhop, 2010) fue número uno en la taquilla estadounidense en el momento de su estreno, algo totalmente incomprensible tras ver el film, de una baja calidad que asusta. Pero es algo lógico con los gustos del actual público palomitero, que gusta de tragarse un film cuya acción se desintegra en segundos gracias al montaje caótico tan dañino en estos tiempos en los que el cine de evasión está bajo mínimos, salvo contadas excepciones. También hay que añadir que su reparto está lleno de caras conocidas, ya sea dentro del cine o la televisión. Y por otro lado la fascinación que han despertado siempre las películas de atracos a bancos, furgones, heladerías, puestos de perritos o lo que sea.

Desde los tempranos tiempos de Don Siegel, con sus thrillers en los años 40 hasta los techno thrillers de Michael Mann, el público siempre se ha sentido atraído por este tipo de historias que despiertan nuestro interés por lo prohibido. ¿Quién no ha deseado ser alguna vez uno de esos atracadores que poseen un plan perfecto y roban un montón de dinero con el que después viven a todo lujo? Si echamos un vistazo a una película como ‘Ocean´s Eleven’ (id, Steven Soderbergh, 2001), ¿quién es el bonito que no desearía tener el estilo de vida de sus personajes centrales, outsiders al margen de la ley? Lamentablemente, el trabajo de Luessenhup no es como el de Soderbergh, ni de lejos.

El argumento de ‘Ladrones’ —el original ‘Takers’, algo así como interesados, era, como casi siempre, mucho más acertado, ya que no hace referencia únicamente a la banda de atracadores— es menos que eso, en realidad es un esquema de sobra conocido por todos. Un grupo de apuestos tipos viven a base de cometer atracos muy sofisticados de los que sacan dinero para pegarse la vida padre. Los preparan con mucha antelación para que nada salga mal y distancias los golpes para reducir las posibilidades de captura. Un día reciben la inesperada visita de un antiguo compañero que ha pasado tiempo en la cárcel por un atraco que no salió del todo bien —no son tan infalibles— y les propone un nuevo trabajo por el que conseguirán mucho más dinero que en otros. El problema es que deberán prepararlo y efectuarlo en apenas unos días.

Pero estamos en el cine, ese lugar maravilloso donde todas las cosas increíbles y soñadas pueden hacerse realidad en un abrir y cerrar de ojos. No obstante en el caso que nos ocupa la suspensión de incredulidad carece de sentido, y no funciona la supuesta complicidad que el espectador ha de tener ante ciertas historias y personajes. Nada más empezar la película, se nos muestra el modus operandi del grupo en un atraco filmado con la misma rapidez con la que lo ejecutan los atracadores, que se convertirán en los protagonistas del relato. La inclusión de un elemento externo al plan, un helicóptero —que bien podría no haber aterrizado donde lo hace—, es jugar con el espectador de forma poco lícita. Y cuando terminan el golpe viene la escena clave, por descriptora, en la que dejan el helicóptero, que estalla a sus espaldas mientras el uso de la cámara lenta enfatiza la secuencia. Una sobrada y de las gordas, sin entrar siquiera en que argumentalmente es una estupidez.

A partir de ese memorable instante el film sigue el patrón más archiconocido del género, sin deparar la más mínima sorpresa en su desarrollo. Y eso no debería importar demasiado si al menos se hubiese realizado con un mínimo de dignidad, que vestir una película con caras bonitas, montaje a lo Tony Scott o Michael Bay, y fotografía que recuerda a la de los films de Michael Mann, no llega. Que Paul Walker y Hayden Christensen sigan sin ofrecer algo nuevo no sorprende a nadie, el primero es un buen cuerpo y el segundo, que tuvo el honor de ablandar en demasía al personaje que más tarde se convertiría en Darth Vader, es aún peor actor que el primero aunque demuestre más olfato a la hora de elegir proyectos. Que ambos hayan coincidido aquí parece una broma cruel. Por no hablar de que el personaje de Christensen sea en sus ratos libres un pianista de jazz, elección muy respetable pero nada creíble. Y es que algo falla, cuando en una película llena de escenas de acción uno no se cree detalles tan nimios como ése, pero que deberían servir para vestir al personaje, para darle un mínimo de personalidad.

Precisamente eso ocurre con todos los personajes de ‘Ladrones’. Al igual que su argumento/esquema, aquéllos resultan clichés de clichés, estereotipos de tópicos, sin una arista, sin un matiz que los diferencie, algo que muy acertadamente no ocurre en los grandes films de acción —‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, John McTiernan, 1988) es el ejemplo más claro de ello—. Resulta particularmente penoso ver a dos actores de la talla de Idris Elba —Stringer Bell forever— y Matt Dillon metidos en la piel de dos personajes que nunca terminan de despegar, de ofrecer algo. Además, en el guión, escrito por cuatro guionistas, se incide sin resultado alguno en problemas personales tan rayados como una hermana alcohólica y un compañero corrupto, resueltos ambos de un plumazo dando la sensación de que estaban para rellenar metros de película.

Hablar de la presencia de Zoe Saldana en su reparto sería perder el tiempo, pues la actriz de ‘Avatar’ (id, James Cameron, 2009) es aquí un mero adorno, cuyo destino produce el punto de inflexión más risible de la película, filmado además por una cámara que desenfoca la situación, con la intención tal vez de resultar dramático. Continuamente se referencia el cine de John Woo, y hasta hay apuntes Tarantinianos, como en ese ilógico clímax que da paso a un final repentino. Y da igual que las secuencias sean de acción o tranquilas, Luessenhop maneja la cámara como si fuera epiléptico. Al menos nos deja una curiosa escena de acción, la de los dos furgones blindados, en la que parece que la película se anima. Pero es todo un espejismo.

Es difícil contener la ilusión ante esta noticia. Tras la resolución del grave (y famoso) conflicto con la justicia suiza, Roman Polanski ya está inmerso en la preparación de su próxima película, que como os adelanté se titula ‘God of Carnage’. Aunque aún falta bastante para que comience el rodaje, el realizador de origen polaco ya ha atado a los protagonistas de su nuevo proyecto, ni más ni menos que Kate Winslet, Christoph Waltz, Jodie Foster y Matt Dillon.

‘God of Carnage’ se basa en una premiada obra teatral de Yasmina Reza, cuya trama gira en torno a dos matrimonios que se conocen después de que sus hijos estén implicados en una pelea; la reunión es un desastre, las dos parejas se acusan de ser malos padres, y la discusión acaba provocando importantes grietas en las dos familias. La filmación tendrá lugar en París (donde reside Polanski con su familia) y arrancará el próximo mes de febrero. Esperemos que el estreno no se retrase mucho y podamos verla antes de 2012.

PD: Jeff Daniels, Hope Davis, James Gandolfini y Marcia Gay Harden protagonizaron la obra en Broadway. En España también se ha representado con el título de ‘Un dios salvaje’.

Vía | ComingSoon

Cuando vi los avances de ‘Blindado‘ (‘Armored’, Nimród Antal, 2009) y el suculento reparto que lo forma —Matt Dillon, Laurence Fishburne, Jean Reno y Fred Ward, entre los más famosos—, más una premisa argumental que nos hace rememorar los films de atracos o planes perfectos, me frotaba las manos ante la posibilidad de un buen thriller. En la década pasada nos quedamos casi todos alucinados con el atraco al furgón en ‘Heat’ de Michael Mann, una escena que pasaba por derecho propio a los anales del cine de acción, y que está en las antípodas del que probablemente sea el atraco a un furgón más logrado de la historia —cinematográficamente hablando, por supuesto—, el de aquella obra maestra de Robert Siodmak ‘El abrazo de la muerte’ (‘Criss Cross’, 1949), en la que el director lograba crear una tensión pocas veces vista.

En esos films, los primeros que me han venido a la mente, los mencionados atracos servían para desarrollar argumentos que hablaban sobre la fatalidad o las consecuencias de un mal acto. Ahora, Nimród Antal, responsable de la floja, aunque a ratos interesante, ‘Habitación sin salida’ (‘Vacancy’, 2007), y actual realizador de ‘Predators’, cuenta casi en tiempo real el plan que siguen los trabajadores de una empresa de seguridad que transporta dinero para hacerse con la escalofriante suma de 41 millones de dólares. A priori todo sonaba muy bonito, lo que podría haber sido un digno entretenimiento sin más, logrando que el espectador se olvidase de sus problemas cotidianos, se queda en estupidez soberana, alcanzando límites inimaginables en un film así.

‘Blindado’ narra la historia de seis trabajadores que un día deciden robar los dos furgones que conducen, con el único objetivo de mejorar sus vidas. Llegado el momento las cosas se tuercen, y uno de ellos —el que tiene conciencia— se encierra dentro de uno de los furgones, con el dinero. El resto tratará de convencerlo para que desista en su empeño de ser legal, y a partir de ahí, los disparates se suceden uno tras otro, y el plan original se revela como la mayor insensatez que se ha visto en una pantalla en años —esta frase empieza a estar demasiado manida en estos tiempos—, y llama aún más la atención al suceder en un film que no necesita un despliegue de efectos visuales o acción a raudales. A veces, más de las que pensamos, lo narrado en una historia sencilla es mucho más increíble que lo narrado en cualquier film de ciencia ficción o fantasía que se precie.

A la pobre presentación de personajes, en la que enseguida se ve de qué pie cojea cada uno —el film carece por completo de ambigüedad, tirando ya no por lo sencillo, sino por lo puramente simple y obvio—, y posterior puesta en marcha del plan, sigue el detalle más interesante de la película, aquel en el que uno de los personajes se encierra en uno de los furgones. La situación no tiene desperdicio sobre el papel, pero el novato James V. Simpson no la aprovecha ni lo más mínimo, y Antal fracasa en su puesta en imágenes. Esperando que lo narrado tenga el suficiente interés para el público, el director parece perdido, intentando mezclar cierta sobriedad con instantes en los que no se ve nada, como por ejemplo, una lamentable persecución entre dos furgones, en las que el espectador, que a esas alturas ya está un poco mosqueado, pierde toda referencia.

El mayor problema de ‘Blindado’ reside en su desarrollo. En lo que parece un intento de el más difícil todavía, el film no cesa en su empeño de dejar al espectador con la boca abierta debido a las ridiculeces que presencia. Recapitulemos: El plan es inviable, por el único hecho de que la policía no va a tragar, sobre todo con personajes tan inestables. Matar a un mendigo es una decisión errónea, ya que podría haberle dado un par de miles de dólares y el tío contentísimo, o en el mejor de los casos, nadie le creería. Salir y entrar dos veces del furgón sin que los demás se enteren es simplemente tomar al espectador por tonto. Enviar al único desequilibrado mental del grupo —vista la decisión que el tipo toma al final— a ver qué es un ruido que han oído, no es precisamente muy inteligente. Traer al hermano con una capucha, cuando podrían haberlo traído engañado. Perseguir con un furgón a un tío corriendo que salta al vacío, y saltar con el furgón detrás de él, no tiene nombre. Un guión escrito usando el cerebro en otra cosa.

Pero el desastre no acaba ahí. Los actores están al nivel del film, o sea, penosos. Matt Dillon, que nunca tuvo la suerte que merecía, pues siempre se le trató como un actor de segunda fila a pesar de sus innegables dotes para la actuación, realiza la que es una de las peores interpretaciones de su vida. Un villano sin matices, que además tiene que poner caras ridículas para que todos veamos lo malvado que es. Jean Reno simplemente no se hace notar, y hasta parece que quiere esconderse para que no veamos que ha participado en el film. Laurence Fishburne acompaña a Dillon en resultados con un personaje cuyos diálogos son simplemente absurdos. Fred Ward pone la veteranía en dos secuencias y se acabó. Amaury Nolasco demuestra que es uno de los peores actores salidos de la televisión. Columbus Short no tiene el carisma suficiente, y el resto no merece la pena nombrarlos. Como anécdota, señalar que en el film no hay personajes femeninos, salvo el de una asistenta social que sale apenas cinco minutos. Cine de y para hombres, se dice por ahí; aquí no tenemos ni un escotito al que echarle el ojo.

Si vamos más allá, podemos intuir una crítica a la guerra, a través del hombre que es capaz de la mayor de las barbaries escudándose en ser un buen compañero para su pelotón. Pero como esto es Hollywood, la fábrica de los sueños, al final, el protagonista recibe una recompensa como pago a sus buenas acciones, a tomar las decisiones acertadas en momentos de peligro, notificada por su superior que se siente orgulloso de contar con alguien así entre sus hombres. Moralina repugnante.

Si quieres guiar a la gente, tienes que tener una meta…

-El Chico de la Moto

El Chico de la Moto no manda (rules), sino que reina (reigns). Eso rezan las pintadas que inundan esa ciudad fantasmal (una Tulsa abstracta), y en verdad está tratado como una figura shakesperiana (un rey en el exilio, le llaman algunos) e inasible para su propio hermano Rusty James. El primero es un pletórico Mickey Rourke de 31 años, el segundo un fabuloso Matt Dillon de 18. En realidad ambos son espejos románticos del hermano mayor de Francis, y del propio Francis, respectivamente. Esto es una declaración de amor.

Y no sólo su propio hermano (al que está dedicada la película), sino también a la literatura de Susan E. Hinton, de quién adapta una segunda novela con pocos meses de diferencia y de manera consecutiva, en un ejemplo sin precedentes, al menos recientes, de una adhesión semejante a un mismo autor. Con la espada de Damocles más lejana, después del grandioso éxito de ‘Rebeldes’, Coppola firma la película más artística, desatada y vanguardista de toda su carrera. Coppola ya no en el abismo, sino frente al espejo de Welles.

De una manera obvia, pero tremendamente natural, ‘La ley de la calle’ (interesante título para el original ‘Rumble Fish’, pez luchador…) es la otra cara de la moneda con ‘Rebeldes’. Todo lo que allí era placidez y luz, aquí es nervio y sombras. Y aunque en aquélla, a pesar de la dureza en el retrato de una juventud desamparada, aún queda algo de esperanza, en esta se estamos en la pérdida de la ilusión. Y si allí el tema era la libertad, aquí es el tiempo, desde luego, muy presente tanto en los diálogos o discursos, como el de Benny (gran Tom Waits, que compuso las canciones de ‘Corazonada’ y que alcanzó la cumbre de su colaboración con Coppola interpretando nada menos que a Renfield en ‘Dracula’), así como en los múltiples relojes y en el sonido, que imita a menudo al minutero de un reloj.

De hecho, gran parte del reparto de ‘Rebeldes’ está presente en este ‘La ley de la calle’, con mención especial para Dillon, que parece prolongar con gran acierto y lucidez su maravilloso personaje de Dallas, para enriquecerlo con su inolvidable Rusty James, el renqueante hermano menor, una fuerza de la naturaleza descarriada que no deja de cometer las más grandes insensateces, y de fastidiar a todo el mundo, obsesionado como está por la figura de su hermano mayor, el misterioso, místico, Chico de la Moto. También vuelve Dennis Hopper, y claro, la guapísima Diane Lane, además de otros intérpretes con los que Coppola forma una troupe unida y muy bien entramada.

Y al color de ‘Rebeldes’ se opone el rotundo, elocuente blanco y negro dirigido por el mismo operador del anterior, Stephen H. Burum, y que busca el manierismo por encima de cualquier otra consideración, buscando en la cualidad de la imagen una razón de ser narrativa y anímica. El referente más nítido es ‘Sed de mal’, pero también ‘El extraño’ y ‘Campanadas a medianoche’. Coppola sabe que está a la altura de lo que intenta homenajear, y se entrega a la labor con una vehemencia digna de elogio. Parece filmar y montar con una alegría y una energía avasalladoras, organizando a sus actores como si fueran bailarines de ballet, haciéndoles girar y moverse dentro y fuera de cuadro, sin importarle una verosimilitud, digamos, realista.

El Chico de la Moto es como Michael Corleone, como Kurtz, como Drácula, una figura patética, vencida por el tiempo, más allá de la moral o de la muerte, incapaz de aleccionar o de hacerse entender por los que le rodean. Está lejos aunque esté cerca, y desde su regreso de California está más extraño que nunca. Sigue protegiendo a su hermano (aunque llega, por dos veces, tarde) pero tiene asuntos pendientes con su propio vacío. El viaje que emprenden juntos, más emocional que físico, por las calles nocturnas de la ciudad, es una maravilla abstracta y poética. Averiguamos que el blanco y negro es por la visión defectuosa del Chico de la Moto. Pero los peces son de colores

No es de extrañar el rotundo fracaso comercial de esta película, con la que Coppola fundió los beneficios recién adquiridos de la anterior. No es un relato clásico, es lo que ‘El padrino II’ a ‘El Padrino’: al pretendido clasicismo se le opone un vanguardismo, una audacia extremas. El tiempo pasa volando y no hay tiempo para lamentarse. Esta será la última vez que Coppola goce de esta libertad y esta plenitud. Su desastroso estreno le obliga a firmar en cierta película de época en la que tendrá muy poco tiempo para rectificar las cosas. La suerte está echada, y a la ambición se une la amarga ley de la taquilla.

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‘Armored’ es una película de atracos, de ésas que suelen gustar tanto a la audiencia, y que si están bien narradas pueden proporcionar dos horas de puro entretenimiento. Aquí os traemos su tráiler, que aunque cuenta bastantes cosas (dichosa manía, habría que ir al cine con muy pocos datos para poder disfrutar en condiciones de la magia del primer visionado), pinta los suficientemente bien como para darle una oportunidad. Un grupo de guardias de seguridad deciden robar un furgón en la propia compañía que trabajan. Como ocurre en todos los planes perfectos, las cosas terminan torciéndose un poco.

Nimród Antal, director de la fallida ‘Habitación sin salida’ (aunque con prestigio por ‘Kontroll’), es el realizador del film, y en su reparto nos encontramos con caras tan conocidas como las de Matt Dillon (actor que nunca terminó de despegar y es una pena), Laurence Fishburne, Jean Reno y Fred Ward. ‘Armored’ llegará a nuestras pantallas el 29 de octubre.

Vía | Trailer Addict

El otro día os comenté la posibilidad de que Russell Crowe pudiese unirse a la película de Sherlock Holmes, compartiendo cartel por tanto con Robert Downey Jr. Un duelo de actores, de estrellas, que a cualquiera le encantaría ver. Cuando uno se entera de que Paul Walker y Hayden Christensen van a unir “talentos” para protagonizar una película… pueees, a ver cómo lo digo sin ofender a las fans de estos dos individuos inexpresivos cuyo única destreza destacable es la de posar ante la cámara… bueno, dejémoslo en que difícilmente la pareja compita con este film por otro premio que no sea el de mejor beso en los MTV Movie Awards.

‘Bone Deep’ es el título del proyecto en cuestión, que contará con los señoritos Walker y Christensen al frente del reparto, como reclamo… especial. La película estará dirigida por John Luessenhop y será un thriller de acción que gira en torno a una banda de criminales que esperan conseguir 20 millones de dólares con un plan perfecto, cuyo único obstáculo es un tenaz detective. Y aquí es donde encontramos una alegre sorpresa: Matt Dillon será quien interprete al detective. Bueno, quizá, después de todo, ‘Bone Deep’ puede barrer un sábado por la tarde en el videoclub.

Vía | Joblo

Aún pendiente de ver su trabajo ya terminado ‘Youth Without Youth’, parece que Coppola se siente rejuvenecido y con fuerzas renovadas para acometer una nueva película. En ‘Tetro’ nos contará la historia de una familia italiana marcada por una épica rivalidad, con la revancha y la traición de trasfondo. Todo ello ambientado en Buenos Aires.

Coppola ha demostrado su entusiasmo por la elección de Vincent Gallo para el papel protagonista:

“Estaba buscando al actor adecuado para este papel principal, para ‘Tetro’. Me dediqué a ver todas las películas de Gallo hasta convencerme de que era el tipo ideal para mi filme”.

Recordemos que Gallo es un polifacético actor que también ha hecho sus pinitos en la dirección (‘Buffalo ‘66’, ‘The Brown Bunny’), producción y la composición de bandas sonoras, no en vano tiene una banda con la que ha realizado giras por los Estados Unidos. Lo podemos recordar en papeles como en ‘Uno de los nuestros’ o ‘El Funeral’ de Abel Ferrara.

Vía | slashfilm

Richard Gere y su mujer, Carey Lowel, acudieron a San Sebastián para presentar ‘La gran estafa’ (‘The Hoax’), de Lasse Hallstrom. Esa noche, el actor recibió el Premio Donostia, en el Kursaal, de manos de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. Para completar la velada, presentó la película del escritor y presidente del jurado Paul Auster, ‘La vida interior de Martin Frost’, que se proyectaba fuera de concurso.

Más ídolo de masas que actor de prestigio, Richard Gere tiene una carrera llena de taquillazos poco respetados: ‘Pretty Woman’, ‘American gigoló’, ‘Oficial y caballero’, etc…

Por lo que se cuenta de la rueda de prensa y la llegada del actor, su comportamiento se podría parecer al de Tom Cruise en el programa de Oprah Winfrey, que ya le mereció una parodia en ‘Scary Movie 4’. ¿Seguirá Gere los preceptos de la Cienciología o se habrá contagiado de su personaje en ‘Mr. Jones’? El director del festival, Mikel Olaciregui, declaró que “Me quedé hasta cortado”, por el abrazo con el que le saludó el actor, con quien sólo había hablado por teléfono una vez. También abrazó a una periodista cuya pregunta no había comprendido.

“Llevo mucho tiempo viviendo este tipo de situaciones”, aseguró Gere, de 58 años, “No esperaba esta recepción tan generosa, las caras de la gente tan abiertas, tan alegres, con tanto cariño. ¿Cómo no voy a responder a esto?”. Al principio de su carrera “Quería escaparme, ahora estoy madurando y veo que así es la vida”.

Gere comentó que seguía ” teniendo la actitud de no saber lo que hacer cuando crezca. El premio me llega en un momento raro de mi vida. Siento que ni siquiera he llegado a la mitad de mi carrera. El premio supone un extraordinario aliento para ser y trabajar mejor en el futuro. Me hace sentir humilde y muy agradecido”.

Aunque negó haber pedido el boicot, declaró que “China está viviendo un momento decisivo en su historia, pero puede tomar diferentes caminos. Obviamente, la grandeza económica debe ir acompañada de la grandeza moral y humana. Los Juegos Olímpicos son una oportunidad fantástica, con la llegada de atletas, periodistas y gente del mundo entero, para demostrar su grandeza humana. Me encantaría el éxito de China pero no lo tendrán si siguen abusando de los derechos humanos, de los tibetanos y de otras minorías. Tenemos que asociarnos todos para conseguir la grandeza de China, en beneficio no sólo de los chinos, sino del mundo entero”.

En Blogdecine |

• Dafoe y Gazzara, ganadores del Premio Donostia

• Max Von Sydow y Matt Dillon, Premio Donostia

Fuente | El País

John Travolta encarna a un padre divorciado cuyos gemelos de siete años se quedan a su cargo durante dos semanas. Robin Williams interpretará a su socio y mejor amigo, que le acompañará en esta “emocionante aventura”. Mientras tanto, la empresa tratará de cerrar un trato con un conglomerado japonés y ahí es donde entrará la actriz española, para traducir. Matt Dillon representará a un excéntrico líder del campamento de verano al que irán los niños. Seth Green será un ejecutivo de la empresa y Bernie Mac dará vida a Johnny Lunchbox, un marionetista.

El guión es de David Diamond y David Weissman. Walt Disney Pictures pagó siete cifras por la historia, pues quería tener otra producción que tratase de padres de mediana edad y le cambió el nombre de su originario ‘Padres viejos’ a ‘Perros viejos’. Y lo peor de todo es que esto no quitará que se haga, además, una secuela de ‘Cerdos salvajes’ (‘Wild Hogs’). Quizá con tanta originalidad a lo mejor lo que no os habéis imaginado es que en la película saldrá una sala de Karaoke, cosa nunca vista en el cine.

Travolta no quiso firmar hasta no estar seguro de que su mujer, Kelly Preston, y su hija, Ella Bleu Travolta, también estaban en el reparto.

En la página Cinematical, cuando dan la noticia, hacen la siguiente broma:

Me imagino la presentación de la idea ante la productora. Los guionistas dirían: “Es exactamente igual que ‘Tres hombres y un bebé…”. Al ejecutivo de la productora se le ilumina la cara y aplaude. “…pero con dos hombres en lugar de con tres…” el ejecutivo fruce el ceño desaprobatoriamente y deja de aplaudir. “… pero con dos niños en lugar de con una”. El ejecutivo de la productora salta emocionado y pregunta si habrá chistes de caca. “Querido, ¡TODO son chistes de caca!”. El ejecutivo saca un cheque tamaño sábana y se lo entrega.

El rodaje comenzó a finales de julio en Los Ángeles.

El siguiente proyecto de Paz Vega será ‘Dare to Love Me’ (‘El día que me quieras’), del mexicano Alfonso Arau.

Fuente | Cinematical