Haley Joel Osment ha crecido y ya no es ese niño chungo que daba miedo porque, en ocasiones… (spoiler) veía muertos o porque no tenía más vida que una inteligencia artificial.

A sus veinte años, su aspecto es muy diferente y su peculiaridad se ha perdido. Pero eso no va a impedir que vuelva a hacer cine. Para ello dará un giro a su carrera aceptando papeles que supongan un reto aún mayor, como interpretar a un miembro de las juventudes hitlerianas en ‘Truth & Treason’.

Este film está dirigido por Matt Whitaker. Junto a Osment aparecen en el reparto Max von Sydow y Jamie Thomas King.

‘Truth & Treason’ está basado en una historia real sobre unos chavales de Hamburgo que en 1941 escuchaban emisiones secretas de la BBC que la propaganda nazi no dejaba traslucir. Al enterarse de estas verdades, se rebelaron contra las juventudes hitlerianas a las que pertenecían y comenzaron a hacer campaña en contra del Führer.

El personaje de Osment será Helmuth Hübener, quien creyó que podría cambiar las cosas con palabras en lugar de con armas. Entre sus slogans estaban las frases “Hitler es un asesino” y “Hitler es el culpable”. A sus diecisiete años, Hübener fue el miembro de la resistencia más joven condenado a muerte por el Tribunal del Pueblo (Volksgerichtshof) de la Alemania nazi. Fue juzgado como un adulto y ejecutado en la guillotina.

Sus compañeros, Rudulf Wobbe y Karl-Heinz Schnibbe, fueron sentenciados a condenas en campos de prisioneros. Schnibbe sigue vivo y ha sido asesor para la escritura del guión de esta película. “Un hombre fascinante, fascinante”, dijo Osment. “Lo hemos estado utilizando como comprobación del realismo.”

Se rodó parte del metraje a finales del año pasado. De eso ya se puede ver una especie de tease tráiler, es decir, un tráiler provisional. Y está previsto que termine la filmación el año que viene.

A continuación se puede ver un póster que supongo que también será provisional:

Vía | MTV

El holocausto nazi es un tema que conecta emocionalmente con el espectador de forma casi automática, de ahí que el cine se haya aprovechado de esto, en concreto con buenos títulos como ‘La Lista de Schindler’, ‘La Vida es Bella’, ‘El Pianista’ o, a otro nivel, ‘Hijos de un mismo Dios’ o ‘Amén’. Ahora llega ‘Aritmética Emocional’, que explora sus consecuencias psicológicas. Los campos de concentración hacen acto de presencia en forma de pasado traumático, de punto de inflexión en sus vidas. Ahora no son el tema central, sino cómo repercutieron en la existencia de sus protagonistas.

‘Aritmética Emocional’ es una película del montón, y lo aviso desde ya porque con tamaño reparto, a veces puede ser difícil distinguir entre una buen trabajo en el conjunto actoral y que esto pueda hacer grande a una película, al resto del conjunto. Nada menos que Susan Sarandon, Max von Sydow, Christopher Plummer y Gabriel Byrne se complementan en una historia de tono puramente familiar, acompañados por un Roy Dupuis que pasaba por allí.

El principal problema de la película se hace notar al instante, y es que el director, el canadiense Paolo Barzman, sacrifica una mayor solidez y consistencia en el guión, una evolución mayor en el aspecto narrativo, con tal de dejar a los actores protagonistas que se luzcan, siendo generoso con todos y dedicándoles escenas enteras, planos favorables para que usen todos los recursos que les han hecho famosos, y maximizando la expresividad de sus personajes en el intento de darles definición y un perfil creíble y entrañable.

Estamos en 1985, y Melanie (Sarandon) es una madura ama de casa que vive tranquilamente en un pueblo canadiense junto a su marido David (Plummer), disfrutando cuando puede de la presencia de su hijo Benjamin (Dupuis) y su nieto Timmy. Desde la primera escena se nos muestra que aún no se ha recuperado del trauma de haber sido prisionera de un campo de concentración durante la II Guerra Mundial. Recibe la inminente visita de Jakob Bronski (von Sydow), un ruso que fue su mentor durante su cautiverio. Por sorpresa, Bronski trae consigo al irlandés Christopher Lewis (Byrne), que fue el amor de infancia de Melanie y que le trae inexorablemente recuerdos entre lo entrañable y lo amargo. Por supuesto, esto conlleva celos e inestabilidad en el comportamiento de David.

Basada en una novela homónima de Matt Cohen, escrita en 1990, ha sido adaptada sin mucho tesón por Jefferson Lewis. Los primeros veinte minutos presentan de una forma un poco plúmbea, pero efectiva, las motivaciones de los personajes y la propuesta concreta. Pero a partir de ahí todo es estancamiento y carencia de objetivos definidos. Las escenas son generalmente inconexas, y la evolución de los personajes es muy tenue, provocando sobretodo por una (frecuentemente) molesta alternancia entre el presente y flashbacks de la guerra y el campo de concentración. Esa “aritmética emocional” que da nombre al título sólo se refleja en la actuación de Susan Sarandon, a quien he visto mejor otras veces, pero de todas formas cumple con creces. Si algo merma el potencial de ‘Aritmética Emocional’ es su superficialidad. Se queda a medias en todo, ofreciendo un débil desarrollo y un tono meramente contemplativo que llega a aburrir en otras escenas. Desde luego, el reparto pone todo de su parte para aportar interés a una historia que no lo es tanto. El aburrimiento acecha en cada escena, en cada minuto, y se nota demasiado.

Se agradece, no obstante, una grandísima fotografía y una inspirada banda sonora de Normand Corbeil, que unido a la minuciosidad técnica del conjunto, da muestras de la pulcritud de Barzman, un director que me da la impresión que con un guión mejor, puede sacar a la luz una gran película. Consciente del prestigio y talento de sus actores, Barzman rueda muchos planos de mediana duración, de una forma casi teatral (la película se sustenta completamente en los cinco actores mencionados) y profundamente intimista. Al final SPOILER se echa de menos una mínima linealidad, ya que en la mayoría de aspectos en el aspecto narrativo no hay avance alguno. Parece que cada uno, gracias al reencuentro, ha superado el trauma, pero no se revela nada evidente y esto puede resultar insatisfactorio FIN SPOILER.

Una película floja que podría haber sido mucho mejor, con ráfagas de buen cine y excelentes interpretaciones, pero con una falta de profundidad que le influye demasiado, dado el tema que presenta.

En Blogdecine:

• ‘Aritmética Emocional’, mantener el recuerdo, ¿a costa de qué?

Susan Sarandon interpreta a Melanie, una mujer que durante su infancia estuvo en Drancy, un campo de concentración de paso, a las afueras de París, del que los prisioneros eran trasladados a otros lugares de los que probablemente, ya no saldrían. Allí conoció a Jakob, un chico ruso que le dijo que tendría que apuntar y recordar todo lo que viese, y a Christopher, un niño irlandés de su edad, con el que entabló una amistad. Cuarenta y tantos años después, Susan está casada con un profesor universitario de historia retirado, Christopher Plummer, con el que tiene un hijo y un nieto. La familia recibe la visita del Jakob, Max Von Sydow, y de Christopher, Gabriel Byrne, y esto desata recuerdos y destapa secretos.

El director, Paolo Barzman, es hijo de dos famosos guionistas y su carrera ha transcurrido principalmente en televisión. ‘Cazatesoros’, ‘La zona muerta’, ‘Los inmortales’… son algunas de las series que ha dirigido. ‘Aritmética emocional’ (‘Emotional Arithmetic’, 2007), que se estrena mañana, 6 de junio, está basada en la novela de Matt Cohen, que tiene el mismo título.

Barzman ha elegido realizar una narración fragmentada porque deseaba basarse en recuerdos, ya que éstos son el tema central del film. Por ello comienza con un momento que se volverá a presenciar hacia el final de la cinta y retoma los hechos más atrás. A partir de ahí, todo transcurre de forma lineal, pero hay varios flashbacks que se intercalan con el presente. Estos flashbacks representan el momento en el que Melanie, Jakob y Christopher se conocieron. El director ha optado por hacerlos muy irreales: en blanco y negro, rodados con fondos que parecen forillos teatrales y centrados sólo en los puntos de vista de los protagonistas.

A pesar de que es una elección deliberada, en mi opinión, la falta de naturalidad de estos flashbacks es lo que peor funciona dentro de la película. No encuentro que se asemejen a recuerdos y mucho menos que reflejen el espanto que supuso para los tres personajes encontrarse en aquella situación. Si se supone que no es un narrador omnisciente quien nos está devolviendo a esa época, sino que nos estamos colando en las mentes de quienes estuvieron allí, lo que habría que ver es un horror aumentado por el paso del tiempo. Esto, además de resultar poco agradecido cinematográficamente, le quita hierro a los momentos que deberían tenerlo y son sólo los diálogos los que nos dicen que fue un tiempo traumático, no los hechos.

Por este motivo, como si de una obra de teatro rodada se tratase, lo que sienten los personajes y lo que les ocurrió en el pasado, se transmite siempre a través de diálogos, de forma directa. Esto nos impide implicarnos completamente. Y, por otro lado, convierte a los flashbacks en narrativamente innecesarios, ya que no hay nada en ellos que no sepamos por otros medios.

A la sensación de falta de implicación inicial –porque más adelante sí se logra— contribuye que todo esté guardado tan en secreto. Comienza la película sin que sepamos qué ocurrió exactamente o qué malos tragos ha pasado Melanie recientemente. Y el hecho de que todo tenga que guardarse dentro impide que veamos cómo son los personajes, que adivinemos sus caracteres. Tendría que poder verse, incluso aunque sus emociones estuviesen contenidas y sus secretos ocultos, pero no ocurre así. Por ello, casi todos los personajes se muestran planos o vacíos durante la primera mitad de la película.

Al final, cuando se produce el mejor momento con diferencia de ‘Aritmética emocional’: la escena de la cena en el jardín, algunos de los sentimientos salen a la luz y comprendemos mejor a los personajes. El más interesante de todos ellos es David, el marido de Melanie, a quien da vida Christopher Plummer. Los demás son seres dañados, defectuosos, estropeados por una experiencia devastadora, pero es precisamente quien no estuvo en un campo de concentración, quien más cerca nos llega. Es quien mejor está retratado de guión porque es el que hace la reflexión más sabia de la película y porque no sólo tiene virtudes con las que contrastar con su mujer, sino que sus deslices lo hacen imperfecto. El actor aporta una gran elegancia y hace que un ser que podría haber sido pesado y gruñón, resulte irónico, simpático e inteligente. A pesar de que el retrato de personajes con el que se han encontrado no fuese tan rico como el que halló Plummer en el guión, los demás actores también están magníficos y siempre es un lujo contemplar a Max Von Sydow, a Gabriel Byrne y, por supuesto, a Susan Sarandon.

‘Aritmética emocional’ hace una interesante reflexión sobre esa idea que se nos ha inculcado siempre de que es necesario no olvidar para que las atrocidades no se repitan. El personaje de Sarandon se ha aferrado a esa noción y está convencida de que sus recuerdos salvan vidas en el tiempo presente y de que su superviviencia se produjo únicamente para que sirviese de testigo para los que no estuvieron allí o no salieron de aquella. SPOILER Pero para no dejar nunca de recordar, ella ha sacrificado su propia vida y, lo que es peor, la de su marido y la de su hijo. Quizá esté a tiempo de no estropear la de su nieto. Esta reflexión se ve en la conversación que ya he citado de la cena en el jardín y en alguna otra que ella tiene con el hijo. Por ello, la aparición de dos seres del pasado, lejos de provocarle recuerdos a Melanie, lo que hará es conseguir que por primera vez se dé cuenta de que quizá no sea tan bueno seguir recordando. Y este paso adelante que aún no había dado se refleja en una metáfora hecha con gotas de lluvia y tinta sobre un cuaderno viejo. FIN DEL SPOILER

Por lo tanto, considero que, aunque tenga un arranque algo torpe, este final de ‘Aritmética emocional’ vale la pena. Magníficos actores y una historia con un mensaje que hace pensar son suficientes factores para que esta ecuación dé un resultado positivo.

Más información en Blogdecine sobre ‘Aritmética emocional’.

Tráiler de ‘Aritmética emocional’.

Un reparto encabezado por Susan Sarandon, Gabriel Byrne, Max Von Sydow y Christopher Plummer, convierten a ‘Aritmética Emocional’ (‘Emotional Arithmetic’) en un título, a priori, interesante. El film se proyectó en la pasada edición del festival de San Sebastián, donde, sin embargo, se llevó más palos que aplausos. La historia de la película se centra en la reunión de tres supervivientes de un campo de concentración instalado por los nazis en las afueras de París; una historia de amor del pasado volverá a surigir en el presente y cambiará las vidas de los personajes implicados.

‘Aritmética Emocional’ ha sida dirigido por Paolo Barzman y cuenta con un guión de Jefferson Lewis, a partir de la novela de Matt Cohen. Además de los actores ya mencionados, en la película participan Roy Dupuis, Dakota Goyo y Domini Blythe, entre otros. Aún no hay fecha de estreno para España.

Vía | Impawards

El director británico Michael J. Bassett gritará su primer “¡Acción!” en Praga esta misma semana en su mayor film hasta la fecha, ‘Solomon Kane’, una película épica de acción y aventuras en la que el héroe puritano del siglo XVII creado por Robert E. Howard –padre de Conan el bárbaro— luchará por las fuerzas del bien.

Dando vida al personaje de Kane, veremos a James Purefoy, protagonista de ‘Roma’ y posible sustituto de Val Kilmer en ‘El Santo’. Junto a él estarán Max Von Sydow, encarnando a su padre; Rachel Hurd-Wood (‘El perfume’), que será la etérea Meredith; Pete Postlethwaite y Alice Krige, como los padres de ésta, y Mackenzie Crook como el Padre Michael.

Bassett tiene idea de convertir el film en una trilogía. Antes de afrontar este proyecto, había dirigido un par de películas de terror de bajo presupuesto: ‘Deathwatch’ y ‘Wilderness’.

Solomon Kane es un hombre sombrío, de rostro pálido y ojos fríos, que vaga sin rumbo por el mundo, con el único propósito de combatir el mal en todas sus formas. Viste siempre de negro y porta un sombrero caído. Sus armas son un estoque, una daga y unos mosquetes con percutor de pedernal, además del talismán vudú que le entregó su amigo africano N’Longa.

Robert Ervin Howard (Peaster, Texas, Estados Unidos, 22 de enero de 1906 – 11 de junio de 1936) fue un escritor de aventuras históricas y fantásticas, publicadas principalmente en la revista de carácter pulp, “Weird Tales” en los años 1930. Escribió historias de varios géneros, pero su creación más importante es el gigante bárbaro Conan, cuya primera aparición fue en El Fénix sobre la espada en diciembre de 1932. Algunos otros de sus otros personajes incluyen el rey Kull, de Atlantis, y el jefe picto Bran Mak Morn, que lucha contra la invasión romana en Britania. Además creó a la guerrera Red Sonja (o Sonia la Roja), personaje que fue adaptado al cómic en un tono considerablemente más fantástico.

También escribió ficción histórica. Por ejemplo, su historia Las puertas del imperio envuelve un personaje de ficción entre las luchas de Shirkuh, Shawar y Amalarico por el control de Egipto, terminando la historia con una de las famosas batallas de Saladino en primavera de 1167. Howard habla de mundos donde generalmente la mejor solución a los problemas es la violencia, y donde a menudo el oro, las joyas, y las mujeres hermosas son la recompensa del héroe.

Howard coincidió con otros autores de la época como Lovecraft (quien le otorgaría el apelativo amistoso de Bob Two Gun (“Bob Dos Pistolas”, en alusión a su origen tejano) y Clark Ashton Smith que influyeron de alguna manera en su obra. Así, los protagonistas de algunos relatos de Howard llegan a encontrarse con las criaturas ideadas por Lovecraft -y viceversa.

El 11 de junio del 1936 sobre las 8 de la mañana, después de entrar en coma su madre debido a la tuberculosis, Howard se sentó en la parte delantera de su coche y se disparó en la cabeza con un colt 38, muriendo a las 4 de ese mismo día; mientras que su madre falleció al día siguiente. Compartiendo el funeral el 14 de junio, ambos fueron enterrados en el cementerio de Greenleaf en Brownwood, en el terreno que había comprado previamente.

Fuente | Empire.

Ya os he comentado anteriormente que en Granada tenemos la suerte de contar con un cine club universitario donde proyectan, en pantalla grande y en versión original subtitulada (como debe ser), películas consideradas clásicos o de gran interés cultural (pero escaso nivel cinematográfico, como la obra de Antonioni). Desde hace una semana se ha iniciado un ciclo del prestigioso realizador sueco Ingmar Bergman, compuesto por diez títulos, entre los que no se encuentra, por cierto, su película más famosa, ‘El Séptimo Sello’; lo cual me parece una buena idea, al ser una que ya ha visto cualquiera que esté mínimamente interesado en el director (y en el cine en general, pero bueno, quizá voy un poco lejos).

‘Los Comulgantes’ fue el primero de ellos. Dramatismo, desesperanza, drásticos contrastes, existencialismo, amor, muerte… son algunos de los ingredientes principales de una cinta exquisita, aparentemente tosca y quizá hasta simplona, pero realmente, bajo el cascarón, poseedora de un núcleo denso y fascinante. Evidentemente, si a Bergman le interesara el gran público, la película podría ir un poco más rápida y no resultar algo pesada en ciertos momentos, pero bueno, siempre se puede desconectar escogiendo otro título más ligero (o digerible) a continuación. Una sesión doble con Bergman y McTiernan, por ejemplo, puede resultar muy saludable.

‘Los Comulgantes’ (‘Nattvardsgästerna’, 1962) nos narra unas horas de la vida de un pastor protestante que tras haber perdido a su amada esposa, años atrás, ha tenido que recomponer su vida. Esa pérdida le ha sumido en una depresión que le ha hecho dudar de su fe. Por otra parte, ha intentado llenar su vacío existencial con una feligresa, una mujer que se le ofrece sin condiciones, necesitada de alguien en su vida, de una misión. La visita de un hombre atormentado por el odio que parece inundar el mundo volverá a poner en duda la labor y las creencias del pastor en crisis.

Bergman toma parte de su experiencia para narrar una historia muy dura, seca y sin contemplaciones. El silencio de Dios que derrumba la vida del pastor es la base de una serie de situaciones donde los diferentes personajes se encuentran a sí mismos abandonados, solos en un mundo cruel que carece de dueño y de sentido. A pesar de esto, el ser humano se resiste a darse por vencido y encuentra todo tipo de actos y excusas formales para creer que todo tiene un fin, un significado. Merece ser destacada, en este sentido, la secuencia de la misa inicial, en la que los personajes se comportan de forma absurda, protagonizando un ritual vacío que no sirve absolutamente para nada, pero que es ejecutado con estricta corrección. En todo caso, para hundirse aún más en una existencia miserable. Igualmente, es fundamental subrayar cómo el personaje principal se encuentra convertido en un títere sin alma, incapaz de volver a sentir nada por otro ser humano, aunque se le arroje indefenso y destrozado, a sus brazos. Uno de los momentos cumbre de la película es cuando un personaje revela su teoría sobre los últimos y desesperados momentos de la vida de Cristo; atención a las palabras y a la expresión del pastor.

En el terreno interpretativo, todos están muy bien, pero brillan con especial intensidad Gunnar Björnstrand e Ingrid Thulin, el pastor y la mujer que se enamora de él. Los expresivos primeros planos que abundan en el film contribuyen, a mi parecer, a que nos sintamos muy cercanos a los sentimientos que se muestran en la pantalla. Björnstrand representa en su rostro todo lo que he señalado anteriormente sobre su personaje, necesitando muy poco para que sepamos exactamente qué pasa por su cabeza y cómo está sufriendo. Es fundamental el modo en el que Bergman sitúa al pastor en el escenario y cómo lo que le rodea (o lo que tiene entre manos) está directamente relacionado con lo que ocurre en su cabeza en ese momento. Thulin tiene un rol más fácil, a priori, más llamativo y de un desarrollo dramático que atrapa fácilmente al espectador, pero no por ello es menos meritoria su composición; su personaje, bondadoso y débil, se entrega por completo a amar al protagonista, considerando que ésa es su misión en es esta vida. La confrontación entre ambos, en el aula del colegio, es muy áspera y violenta, resultando incluso a ratos insoportable, por la humillación a la que somete el pastor a la mujer. Destacar también la magnífica presencia de Max von Sydow, que tiene un papel secundario pero de gran relevancia.

En resumen, ‘Los Comulgantes’ es una propuesta compleja que requiere de una especial atención; de ritmo lento, con una preciosa fotografía de Sven Nykvist, personajes atormentados, y diálogos afilados, cargados de significado, la película se alza majestuosa para reflejar la ansiedad y el sufrimiento del ser humano ante la falta de sentido de la vida. Nacemos y morimos. Y se acabó. Nos apagamos para siempre sin remedio. Y para colmo, Dios no ayuda, no da consejos; no existe. ¿O quizá es que no merece la pena tener fe? ¿Y fe en qué? Bergman no nos entretiene con este título, nos plantea cuestiones dolorosas de difícil respuesta. Por cierto, la película está editada en DVD.

Ya en otras ocasiones habíamos observado la arbitrariedad de la concesión de estos premios. La elección de la persona galardonada se suele basar, antes que en cualquier otro criterio, en si se encontrará presente para recogerlo.

Richard Gere y su mujer, Carey Lowel, acudieron a San Sebastián para presentar ‘La gran estafa’ (‘The Hoax’), de Lasse Hallstrom. Esa noche, el actor recibió el Premio Donostia, en el Kursaal, de manos de la actriz Aitana Sánchez-Gijón. Para completar la velada, presentó la película del escritor y presidente del jurado Paul Auster, ‘La vida interior de Martin Frost’, que se proyectaba fuera de concurso.

Más ídolo de masas que actor de prestigio, Richard Gere tiene una carrera llena de taquillazos poco respetados: ‘Pretty Woman’, ‘American gigoló’, ‘Oficial y caballero’, etc…

Por lo que se cuenta de la rueda de prensa y la llegada del actor, su comportamiento se podría parecer al de Tom Cruise en el programa de Oprah Winfrey, que ya le mereció una parodia en ‘Scary Movie 4’. ¿Seguirá Gere los preceptos de la Cienciología o se habrá contagiado de su personaje en ‘Mr. Jones’? El director del festival, Mikel Olaciregui, declaró que “Me quedé hasta cortado”, por el abrazo con el que le saludó el actor, con quien sólo había hablado por teléfono una vez. También abrazó a una periodista cuya pregunta no había comprendido.

“Llevo mucho tiempo viviendo este tipo de situaciones”, aseguró Gere, de 58 años, “No esperaba esta recepción tan generosa, las caras de la gente tan abiertas, tan alegres, con tanto cariño. ¿Cómo no voy a responder a esto?”. Al principio de su carrera “Quería escaparme, ahora estoy madurando y veo que así es la vida”.

Gere comentó que seguía ” teniendo la actitud de no saber lo que hacer cuando crezca. El premio me llega en un momento raro de mi vida. Siento que ni siquiera he llegado a la mitad de mi carrera. El premio supone un extraordinario aliento para ser y trabajar mejor en el futuro. Me hace sentir humilde y muy agradecido”.

Aunque negó haber pedido el boicot, declaró que “China está viviendo un momento decisivo en su historia, pero puede tomar diferentes caminos. Obviamente, la grandeza económica debe ir acompañada de la grandeza moral y humana. Los Juegos Olímpicos son una oportunidad fantástica, con la llegada de atletas, periodistas y gente del mundo entero, para demostrar su grandeza humana. Me encantaría el éxito de China pero no lo tendrán si siguen abusando de los derechos humanos, de los tibetanos y de otras minorías. Tenemos que asociarnos todos para conseguir la grandeza de China, en beneficio no sólo de los chinos, sino del mundo entero”.

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• Dafoe y Gazzara, ganadores del Premio Donostia

• Max Von Sydow y Matt Dillon, Premio Donostia

Fuente | El País

El actor neoyorquino de 42 años, Matt Dillon, recibió anoche el Premio Donostia en el Festival de Cine de San Sebastián. Una semana antes, Max Von Sydow, de 77, recibía el mismo galardón por una carrera de casi sesenta años. En la foto vemos al norteamericano sosteniendo el trofeo —una réplica en plata de las farolas decimonónicas que jalonan el Paseo de la Concha de San Sebastián—, con un gesto más de asombro que de otra cosa. Su estupefacción quizá se deba a compartir el honor con el gran actor sueco-francés. En palabras de Dillon: “Es un honor para mí recibir el premio y este año junto a Max Von Sydow, con quien trabajé hace años, pero me resulta un poco extraño cuando sólo he llegado al punto medio de mi carrera, así que pensaré que se conceden a una persona que ha estado más años y a otra más joven”.

El intérprete sueco, nacionalizado francés, que recibió el galardón el sábado pasado de manos del actor argentino Leonardo Sbaraglia, en medio de una cerrada ovación; mostró su agradecimiento elogiando la contribución de España a la cinematografía. “España ha sido muy importante para la industria cinematográfica. Siento una gran admiración y respeto por todo lo que han hecho los grandes directores de este país, ahora y en el pasado”, manifestó. Pero Von Sydow no habla por hablar, pues ha rodado en dos ocasiones con realizadores españoles: Juan Carlos Fresnadillo en ‘Intacto’ (2001) y José Antonio de la Loma en ‘Jugando con la muerte’ (1982). Von Sydow recordó sus varios trabajos en nuestro país dentro de producciones extranjeras y aceptó con “mucho placer” una distinción que ya tuvo su precedente el pasado marzo al recibir una similar en el marco del VII Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria.

Con más de un centenar de películas en su haber, dirigidas, entre otros, por Ingmar Bergman, John Huston, Lars Von Trier, Woody Allen y Steven Spielberg, Sydow tiene una carrera internacional de indudable calidad. Rodó con Bergman una docena de filmes hasta 1969, entre ellos, ‘El séptimo sello’ (1957), y partiticó, a las órdenes de John Huston, en ‘La historia más grande jamás contada’ (1965), de George Stevens, que supuso el lanzamiento internacional de una carrera en la que principalmente encarnó a personajes de índole religioso. En este sentido hizo ‘El exorcista’, de William Friedkin, en 1973 y ‘El exorcista II: el hereje’, de John Boorman en 1977. Con motivo de su participación en ‘La carta del Kremlin’, de John Huston, enfiló una fecunda trayectoria que también incluyó grandes producciones como ‘El viaje de los malditos’ (1976), ‘Evasión o victoria’ (1981) y ‘Conan, el bárbaro’ (1982).

El Premio Donostia fue instituido en 1986 con Gregory Peck como primer galardonado,Nombres como Glenn Ford (1987), Vittorio Gassman (1988), Bette Davis (1989), Lauren Bacall (1992), Al Pacino (1996) Anthony Hopkins (1998), Michael Caine (2000), Jessica Lange (2002) y Woody Allen (2004), siguieron a Peck y pasaron a engrosar un galería estelar en la que sólo figuran dos españoles: Fernando Fernán-Gómez (1999) y Francisco Rabal (2001).

Matthew Raymond Dillon, como realmente se llama este intérprete, lo recibió de manos de la actriz española Lucía Jiménez (‘El club de los suicidas’, de Roberto Santiago, y ‘Dos’, de Guillermo Groizard), en presencia del pintor y cineasta Julian Schnabel, director de cine, vecino en Nueva York de Dillon y amigo personal suyo. Schnabel destacó el “talento, corazón y empuje” de su amigo durante una breve ceremonia que despidió el propio galardonado con el tradicional “Eskerrik Asko” (“gracias”, en euskera) que el pasado sábado también pronunció Max Von Sydow.

Dillon acumula una experiencia de más de veinticinco años con un bagaje de cuarenta películas. Comenzó a trabajar de muy joven con nada menos que con Francis Ford Coppola. Participó en ‘Rrebeldes’ con 18 años y en ‘La ley de la calle’ con 19. “Hay muchos jóvenes que no saben qué hacer con su vida hasta que salen de la universidad. Yo no tuve ninguna duda. Creo que eso es una bendición”, dijo y aprovechando que había citado a su mentor añadió que siguen teniendo una relación muy estrecha y que es muy posible que tras tantos años vuelvan a trabajar juntos. “Es una especie de genio. Cuando yo dirigí mi propia película [‘City of ghosts’ (2002)] me dio consejos con los que no estaba completamente de acuerdo, pero eran mucho mejores que los que daban otros”, prosiguió. Sus últimos papeles en ‘Crash’ y ‘Factotum’ son los que le han valido tanto reconocimiento. Aquí se pueden leer más declaraciones que hizo el actor.

El 54º Festival Internacional de Cine de San Sebastián concluirá hoy sábado con la ceremonia de entrega de los premios en sus distintas categorías y la proyección, fuera de todo concurso, de Lonely hearts, de Todd Robinson. La gala de clausura se emitirá por TVE 2 antes de la película ‘Ser o no ser’, de Ernst Lubitsch.

Vía | Gara, El país, Tele5, Plus.es