Mel Gibson vuelve a ser noticia, y afortunadamente, es por su labor en el cine. El actor y director australiano, machacado sin piedad por los hipócritas medios norteamericanos, tiene un nuevo proyecto entre manos, el biopic de Judas Macabeo (Judah Maccabee o Judah the Hammer), un guerrero judío del siglo II antes de Cristo que lideró a su pueblo contra el imperio sirio. Extraño tema para un hombre que ha sido tachado de antisemita, ¿no os parece? Bueno, pues ya han aparecido las primeras voces de protesta.

Por el momento, la información que hay es que Warner Bros. ha apostado por el proyecto, todavía sin título, y que Gibson y Joe Eszterhas (‘Flashdance’, ‘La caja de música’, ‘Instinto básico’) trabajan en el guion. No se asegura que el protagonista de ‘Mad Max’ vaya a encargarse de la puesta en escena, pero todo apunta a que lo hará, está deseando dirigir (la escritura y la dirección es lo que le apasiona desde hace años) y al parecer lleva mucho tiempo queriendo trasladar al cine la historia de este héroe judío. En The Hollywood Reporter se hacen eco de un curioso artículo del escritor Jeffrey Goldberg en el que cuenta que hace años se reunió con Gibson para hablar sobre el tema y lo encontró entusiasmado con las posibilidades cinematográficas del relato: “¡Los ejércitos a los que se enfrentaron tenían elefantes!“.

Es una lástima que todo esto suponga el retraso indefinido de su proyecto vikingo, pero creo que es una gran noticia que Gibson tenga ya en camino su próximo y apasionante trabajo como director, cinco años después de ‘Apocalypto’. Con la Warner de apoyo, y si no estalla otro escándalo relacionado con su vida privada, parece que no nos perderemos su cuento macabeo. Sí, me daré unos latigazos por eso.

PD: No se habla de ello, no se le da como favorito, pero su interpretación en ‘El castor’ (‘The Beaver’) debería tenerse en cuenta para la temporada de premios en Estados Unidos. Otros han sido nominados al Oscar (y lo han ganado) por menos.

Vía | Deadline

Tras recuperar las encuestas, aquí os dejo también una nueva entrega de “frases de cine”, una sección que tenía algo abandonada. Creo que la selección que os he traído merece la pena, ya me diréis. Empiezo con unas declaraciones de Mel Gibson en una de las pocas entrevistas que concedió para promocionar ‘El castor (The Beaver)’, donde por cierto está sensacional.

Yo seguiré viviendo mi vida como lo he hecho siempre, nunca he cometido un solo acto de discriminación contra nadie. Hace un tiempo, en una entrevista televisiva en vivo, alguien me comentó que en una sesión de cine, cuando apareció mi nombre en los títulos, la audiencia se puso a silbar. Yo pregunté si todo el cine había silbado y el tipo me dijo que sí. Entonces le respondí que mi nombre solo aparecía en los créditos finales, y que para poder silbar, la audiencia tendría que haberse quedado durante toda la película. Creo que esta anécdota es elocuente sobre la diferencia entre lo que la gente dice de mí y la realidad.

Después de ‘Thor’ se ha estrenado ‘X-Men: Primera generación’ (‘X-Men: First Class’) y más adelante llegará ‘El Capitán América’ (‘Captain America: The First Avenger’). Han preguntado a Stan Lee por qué tienen tanto éxito las películas de superhéroes y ésta es su respuesta:

Los cuentos de hadas consisten en cosas extraordinarias: gigantes, brujas, trolls, dinosaurios, dragones y toda clase de cosas imaginativas. Entonces te haces un poco mayor y dejas de leer esos cuentos, pero no puedes dejar de amarlos. Las películas de superhéroes son como los cuentos de hadas para la gente mayor.

Ojo a esto. Shia LaBeouf ha hablado sobre ‘Transformers: El lado oscuro de la Luna’ (‘Transformers: Dark of the Moon’) y en concreto sobre la polémica sustitución de Megan Fox por Rosie Huntington-Whiteley:

Michael Bay filma a las mujeres de manera que estimule la sexualidad de los adolescentes. Es verano. Es el estilo de Mike. Y creo que Megan nunca se sintió cómoda. Es una chica a la que se sacó de una completa oscuridad, se la puso en un papel sexual delante de todo el mundo y se dijo que era la mujer más atractiva de Estados Unidos. Y le llevo mucho tiempo aceptarlo. Cuando Mike pide ciertas cosas, no hay tiempo para discusiones. Estamos en marcha. Y si Mike carece de algo es de tacto. No hay tiempo para pedir gentilmente que pongas tu culo en un ángulo de 70 grados. Rosie vino con su experiencia en Victoria´s Secret y se sentía cómoda con todo eso.

Hablando de “Mike”. En un reciente artículo dedicado al uso del 3D en la tercera entrega de ‘Transformers’, titulado “Encuentro de los dos titanes del 3D: Michael Bay y James Cameron” (!!), el popular director de ‘La roca’ (‘The Rock’) suelta esta perla:

Se me ocurrió la secuencia del rascacielos mientras estaba haciendo abdominales en el gimnasio. Es el sitio más raro donde se me haya ocurrido nunca una escena de acción.

Recupero a Gibson para dejaros otra de sus recientes declaraciones, creo que muy interesante:

Estoy escribiendo. Estoy escribiendo tres cosas diferentes. Estoy siempre escribiendo. Siempre hay una historia gestándose en mi cabeza. Me retiré de la interpretación durante ocho años e intenté tomar el rumbo que debí haber tomado cuando tenía 21 años. Pero no dio resultado. Nada cambió. No puedes volver a meter la pasta de dientes en el tubo.

Curioso lo de este actor. Jim Caviezel habló recientemente sobre Gibson y recordó cómo accedió a protagonizar ‘La pasión de Cristo’ (‘The Passion of the Christ’):

Mel Gibson, es un terrible pecador, ¿verdad? No necesita vuestros juicios, necesita vuestras plegarias. Me dijo “Nunca volverás a trabajar en esta ciudad de nuevo”. Y yo le dije: “Todos debemos abrazar nuestras cruces”.

Cambiamos totalmente de lugar y de tono. Atención a esto que cuenta el productor Miguel Ángel Toledo, que se ha pasado a la dirección con el thriller ‘La senda’. Ha costado 2 millones y medio de euros, y el motivo es la Ley del Cine…

Se podría haber rodado con menos dinero, pero no hubiera podido optar a unas subvenciones que se conceden a partir de unos mínimos económicos. [...] La clase media del cine español ha desaparecido por la voracidad de los grandes gastos. Es cierto que las pantallas de cine de este país no pueden soportar la exhibición de trescientas películas nacionales al año, pero se están destruyendo muchos proyectos que son bastante interesantes y que no están en condiciones de llegar a unos mínimos económicos… A partir de ahí, la pregunta está clara: ¿Habrían progresado directores como Almodóvar o Amenábar en las mismas circunstancias?

José Luis Garci, uno de los cinco directores españoles que han ganado un Oscar, repasó recientemente su carrera con cierta amargura:

He hecho 17 películas y me hubiera gustado hacer una buena, buena de verdad. No he sabido o no he podido. Ahora es muy difícil. A lo mejor valoro mal lo que he hecho, porque algunos dicen que les gusta mucho ‘El crack’ o ‘Tiovivo’... Pero a mí me hubiera gustado hacer una película como ‘Plácido’, de Berlanga. O un buen western.

Sobre la polémica piratería en España, Daniel Monzón apuesta por estrenar las películas de manera simultánea en los cines y en Internet:

Hay padres que no pueden ir al cine todo lo que les gustaría por sus obligaciones. Por ese motivo, creo que si ofrecemos los estrenos al mismo tiempo en el cine y en portales legales por la red, aumentaremos el número de espectadores sin duda.

Se habló del festival de Cannes por la visita de Brad Pitt, de Johnny Depp, por la polémica de Von Trier, el estreno mundial de lo último de Malick… Vicente Seva comenta el gran momento del festival de Alicante (es su director):

Concha Velasco cantando la ‘Chica ye-yé’. Esta mañana bromeaba con ella diciéndole que después de arrancarse en el escenario del festival de Alicante a cantar la canción con sus reconocidos 71 años, estaban pensando en cambiar el himno de la ciudad por esa actuación. Ella me respondió que si fuera así, le encantaría. Vino y demostró la gran estrella que es. Lleva cincuenta años siendo una estrella y sabe muy bien lo que hace y aquí nos ganó a todos. Con el trabajo que me costó que viniera, verla allí cantando, no se me olvidará nunca.

Hablando de Cannes. Lars von Trier quiso explicar sus comentarios sobre Hitler en la ya famosa rueda de prensa que le convirtió en “persona non grata” para los organizadores del certamen:

Cuando hablé sobre Hitler, lo que quise decir fue que podía imaginar lo que era para Hitler estar en el búnker, haciendo planes. No que yo haría lo que hizo Hitler. Aunque yo fuera Hitler, y debo ahora dejar constancia de que no soy Hitler, pero incluso si fuera Hitler, y hubiera hecho una gran película, Cannes debería seleccionarla.

Nicolas Winding Refn, elegido mejor director de Cannes 2011 por su intensa ‘Drive’, no quiso dejar pasar la oportunidad de referirse a su compatriota y hurgar en la herida:

Lo que pasa con Lars von Trier es que se está haciendo viejo y sus numeritos ya cansan. En realidad es muy provinciano: un chico del campo atrapado en un juego que le supera.

PD: Extraído del artículo mencionado sobre ‘Transformers: El lado oscuro de la luna’: “En su primer papel como actriz, Huntington-Whiteley aparece con los ojos desorbitados y la boca abierta, con sus carnosos labios perfectamente contorneados”. Cine, sí.

Vía | WorstPreviews, LaRazon, ElDia, DiarioInformacion, LasProvincias, OrlandoSentinel, ElMundo, Hollywood.com, MexicoCNN, WashingtonPost

Me despertaba cierta curiosidad esto de ‘El castor (The Beaver)’, más que por la película en sí, por la asociación entre Jodie Foster y Mel Gibson —que habían trabajado juntos como intérpretes en ‘Maverick‘— y lo parecía percibirse como un intento por parte de la actriz y directora de sacar del fango de las malas actuaciones públicas al también actor y director Mel Gibson, por la amistad que les une. Probablemente, si me hubiesen dicho que la película consistía en que un señor habla a través de un castor y no tuviese detrás estos nombres y estas implicaciones, directamente, habría descartado la idea de verla.

Con todo ello, los primeros minutos del film me atraparon y cautivaron, gracias a grandes interpretaciones, a un humor muy bien llevado y a un planteamiento muy efectivo de la historia. Ese tono del comienzo, que se torna lo más interesante del film, por desgracia se va perdiendo para paulatinamente dejar entrar al componente melodramático. El paso de un tono a otro, que suele ser complicado, no está mal hecho, pues se produce poco a poco y el espectador supongo que en general no tiene problema para saber cómo reaccionar en cada tramo. Pero el hecho en sí de perder la capacidad de ironizar lo que provoca que la película vaya perdiendo fuerza.

Me atrae ese concepto de despegar con un personaje sumamente deprimido para presenciar su recuperación y remontada. Muchas películas han mostrado esa transformación sin siquiera situar este problema psicológico como eje central, sino únicamente para demostrar que la peripecia era tan fantástica que salvaría la vida a cualquiera. En estos casos se suele hacer ver que, si bien las terapias y curaciones habituales no han hecho nada por animar al sujeto, lo que ocurre en el film, aunque nadie pudiese pensar que vaya a ser beneficioso, transforma la vida del personaje. Aquí encuentro todos estos ingredientes, por lo que ‘El castor (The Beaver)’ me satisface en ese sentido. Incluso comulgo con ese castor, que se introduce con dificultad y que en sus primeros segundos camina sobre esa línea tan fina que separa lo que aceptamos de lo que nos resulta ridículo, porque lo entiendo como una «externalización» de lo que está dentro de la mente del protagonista.

¿Cine europeo o americano?

(Posibles spoilers) Sin embargo, un grado de irrealidad, al que se llega por el sobredimensionado de las consecuencias, impide que esa satisfacción sea plena. Podemos creernos, casi como si de una broma se tratase, esa exageración de reflotar la empresa gracias al castor y de que los subordinados no aprovechen esa muestra de locura para desbancarlo y tomar su lugar, de acuerdo. Pero la resolución general a la que se llega, en un momento en el que ya no caben las bromas, es demasiado blanda. El final es tan «americano» —pido disculpas por esta palabra, pero es una expresión, una forma de hablar: sé que en América hay otros países— que malogra todo lo que el film había conseguido hasta ahí.

Es curioso que Foster declarase que había rodado una película muy europea. Supongo que ella, al ver que tenía algo distinto, no ha sabido dónde ubicarlo y se le ha ocurrido esa explicación. O quizá ha sido porque pensaba que en Europa se suelen hacer más films que analizan la psique de los personajes —no habrá visto cine argentino—. La directora parece tratar de justificar, asimismo, los resultados en taquilla, peores de lo esperados, diciendo que se trata de un film raro, distinto, que no es para todo el mundo, con un tono difícil… Si bien acierta en cuanto a la originalidad del tono, me gustaría que tuviese la misma razón al definir el resto de las características de su cinta, pues precisamente su falta de diferenciación con un cine familiar y rancio es que lo que desluce ‘El castor (The Beaver)’.

La subtrama del hijo adolescente (Anton Yelchin) es el peor punto del film. En un primer momento se agradece que haya una historia adicional y parece refrescante que trate sobre jóvenes e incluso que sea el relato de un inadaptado que va consiguiendo contacto humano. Pero más adelante, esta trama se torna aún más exagerada, irreal y melodramática que la de los adultos. Esa «animadora profunda» (Jennifer Lawrence), que necesita expresar la pena por la pérdida de un hermano a través del graffitti es un personaje poco creíble, aparte de cargante, y la forma en la que el chaval la salva —como el castor ha salvado a su padre— también resuena demasiado en lo fantasioso.

Foster y Gibson

Sorprende el papel que Foster se asigna a sí misma, no porque se quede como secundaria, sino por la ínfima importancia que tiene la mujer dentro de la historia. La esposa del hombre es poco más que un cero a la izquierda y, aunque en algún momento protesta por la situación, generalmente la acepta de buen grado de una manera muy poco creíble. Esto parece que se hubiese decidido así para no crear estorbos a la historia, para permitir que el castor ejerza toda su magia. Por lo tanto, la directora se ningunea a ella misma con el propósito de engrandecer la historia que está rodando.

Si Mel Gibson ha interpretado esta película para recuperarse, creo que lo ha logrado, pues todo lo que a él se refiere sí resulta satisfactorio en el film. Es Jodie Foster quien no se ha hecho, a mi parecer, un favor a sí misma. Encarnando al mismo tiempo a Walter y al castor de acento australiano —al cual, por lo visto en los tráilers, no le ha buscado una equivalencia en el doblaje—, cambiando de registro en cuestión de décimas de segundo, demuestra tener una enorme capacidad actoral.

Conclusión

‘El castor (The Beaver)’ es una película bien rodada, en todo lo que se refiere a la cámara, y bien dirigida, en lo que se refiere a actores y forma de orquestar los elementos. Arranca de forma genial y tiene unos momentos muy divertidos en su primera mitad. Kyle Killen, autor del guion, hace un buen trabajo con los diálogos y presentación de la historia y tiene buenas ideas, como las notitas que escribe el hijo para compararse con su padre. Incluso esa voz en off que nos presenta a Walter, recurso que suelo criticar, está resuelta con gracia y provoca un inicio muy poderoso. Y es posible que todo ello ya sea suficiente para que valga la pena verla.

No obstante, según va haciendo acto de presencia el drama, que casi es melodrama, y especialmente cuando llegan las componendas finales tan moralistas y convencionales, se estropea la imagen positiva que había ofrecido hasta entonces. No sé si Foster podría haber llevado la historia por otro camino y haberle dado otro final con el mismo principio, pero al menos tendría que haber explorado la posibilidad.

Otra crítica en Blogdecine | ‘El castor’, Mel Gibson salva un endeble relato, por Juan Luis Caviaro.

Mi puntuación:

‘El castor’

Título original: The beaver. Dirección: Jodie Foster. País: USA. Año: 2011. Duración: 91 min. Género: Drama. Interpretación: Mel Gibson (Walter Black), Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black), Jennifer Lawrence (Norah), Cherry Jones (vicepresidenta), Riley Thomas Stewart (Henry). Guión: Kyle Killen. Producción: Steve Golin, Keith Redmon y Ann Ruark. Música: Marcelo Zarvos. Fotografía: Hagen Bogdanski. Montaje: Lynzee Klingman. Diseño de producción: Mark Friedberg. Vestuario: Susan Lyall. Distribuidora: Aurum.

Sinopsis: Cuenta la historia de un hombre inmerso en un viaje para redescubrir a su familia y reanudar su vida. Acosado por sus propios demonios, Walter Black fue en otro tiempo un ejecutivo de éxito de la industria juguetera y un hombre de familia, que ahora sufre una grave depresión. Intente lo que intente, Walter no parece encontrar nada que le permita retomar el rumbo de su vida, hasta que irrumpe en ella una marioneta con forma de castor.

Crítica en Blogdecine:

• Festival de Cannes 2011: ‘El castor’ (Jodie Foster) y ‘Footnote’ (Joseph Cedar)

‘Brutal Box’

Dirección: Óscar Rojo Martín. País: España. Año: 2011. Duración: 101 min. Género: Drama, thriller. Interpretación: Óscar Rojo (Carlos Martín), Mario de la Rosa (taxista), Rafa Rojas-Díez (Pedro), Leire López del Pueyo (Luci), Esther Gurillo (Carla), Vanesa Escribano (Ana), Eliya Shenhav (Johanna), Layla González-Baidi (Rosa), Ángel Acero (hombre de negocios), Fran Arroyo (el Chano). Guion: Óscar Rojo y Ricardo de Santiago. Producción: Cristina Gallo. Música: Dowty Ebi. Fotografía: José Martín. Montaje: David Gutiérrez de Soto. Dirección artística: Sara Rodríguez. Vestuario: María Solans.

Sinopsis: Las circunstancias y una dramática situación personal llevan a Carlos Martín, un vendedor editorial y padre de familia en paro, a crear una página web de contenidos extremos: Brutal Box. El éxito que esta web alcanza en su primer año de vida despierta el interés de las principales multinacionales del sector. Una de estas compañías, Intercont, entra en el proceso de negociación para la posible compra de la web. Pero en Brutal Box nada es lo que parece.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y cine español es evidente que yo me quedo con el animalejo.

‘Nowhere Boy’

Dirección: Sam Taylor-Wood. País: Reino Unido. Año: 2009. Duración: 98 min. Género: Biopic, drama, musical. Interpretación: Aaron Johnson (John Lenn0n), Kristin Scott Thomas (Mimi Smith), David Threlfall (tío George), Anne-Marie Duff (Julia), Ophelia Lovibond (Marie), Thomas Brodie Sangster (Paul McCartney). Guion: Matt Greenhalgh. Producción: Robert Bernstein, Douglas Rae y Kevin Loader. Música: Alison Goldfrapp y Will Gregory. Fotografía: Seamus McGarvey. Montaje: Lisa Gunning. Diseño de producción: Alice Normington. Vestuario: Julian Day. Distribuidora: Alta Classics.

Sinopsis: ‘Nowhere boy’ nos traslada al Liverpool de 1955, donde nos encontraremos con un quinceañero inteligente y rebelde, sediento de vida. Una familia en la que abundan los secretos, con dos mujeres enfrentadas respecto al futuro de este chico, John Lennon: Mimi, la tía severa que lo ha criado, y Julia, su madre llena de vitalidad. Impulsado por su deseo de tener una familia normal, John se refugia en el nuevo y excitante mundo del rock, donde su genio inmaduro encuentra su alma gemela en el adolescente Paul McCartney. Pero justamente cuando John está a punto de empezar una nueva vida, sufre una trágica pérdida. El joven Lennon, entonces, tendrá que encontrar fuerzas suficientes para seguir adelante, y su voz resonará por todo el mundo dando vida al mito.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y John Lennon es evidente que me quedo con el músico. En este caso hablamos de un biopic que recoge los primeros años de Lennon, y salvo excepciones los biopics me suelen interesar más bien poco.

‘Pequeñas mentiras sin importancia’

Título original: Les petits mouchoirs. Dirección y guion: Guillaume Canet. País: Francia. Año: 2010. Duración: 154 min. Género: Comedia dramática. Interpretación: François Cluzet (Max), Marion Cotillard (Marie), Benoît Magimel (Vincent), Gilles Lellouche (Éric), Jean Dujardin (Ludo), Laurent Lafitte (Antoine). Producción: Alain Attal. Fotografía: Christophe Offenstein. Montaje: Hervé de Luze. Diseño de producción: Philippe Chiffre. Vestuario: Carine Sarfati. Distribuidora: A Contracorriente Films.

Sinopsis: En ‘Pequeñas mentiras sin importancia’ conoceremos a un grupo de amigos que tiene la costumbre de reunirse en sus vacaciones de verano. Este año, deciden no romper esta tradición a pesar de que uno de ellos ha sufrido un accidente en París unos días antes de partir. Ya en la playa, sus contradicciones afloran y su amistad se pone a prueba. Juntos se verán obligados a convivir con esas pequeñas mentiras sin importancia que se dicen cada día.

¿Qué podemos esperar?: Entre un castor de trapo y Marion Cotillard me quedo con la actriz francesa, evidentemente. Lo cierto es que entre muchas cosas del mundo y la Cotillard, me quedo con la actriz… ¿De qué estaba hablando?

Vía | LaButaca.net

‘El castor’, Mel Gibson salva un endeble relato

“Estoy aquí para salvar tu maldita vida”.

El castor (Mel Gibson)

La película más esperada y comentada de la séptima jornada del festival de Cannes 2011 no formaba parte de la sección oficial, y ya fue estrenada en Estados Unidos (de manera limitada, en apenas 20 salas). Pero la dirige Jodie Foster y la protagoniza Mel Gibson, y con eso es más que suficiente. Solo Foster participó en la rueda de prensa (junto al guionista Kyle Killen y el productor Keith Redmon), ya que al parecer la actriz y directora no quería que la presencia de Gibson pudiera dejar la película en un segundo plano, que los periodistas aprovechasen para buscar el lado más polémico de la estrella, protagonista en los medios por escándalos personales, en lugar de por su trabajo en el cine, lo que ha arruinado su reputación en Hollywood. “Estará aquí, pero no hablará”, informó la cineasta. Y eso vinculó aún más la vida del actor con la del personaje que interpreta en ‘El castor’ (‘The Beaver’), una comedia dramática que fue muy aplaudida en el pase de invitados y prensa de las 11 de la mañana (ojalá empezaran a esa hora las proyecciones del día).

El protagonista de ‘El castor’ es Walter (Mel Gibson), un hombre profundamente deprimido. Era un exitoso hombre de negocios y un amado padre de familia, pero ahora es incapaz de hacer nada, ha tocado fondo. Después de que su mujer (Jodie Foster) lo eche de casa, por el bien de sus hijos (Anton Yelchin y Riley Thomas Stewart), Walter se plantea el suicidio, justo antes de ver una luz al final del túnel, en forma de castor. Walter encuentra tirada en la basura una marioneta y empieza a usarla como si tuviese vida propia, hablando a los demás a través de ella. Gracias al castor, el hombre puede volver a exteriorizar todo lo que era incapaz de decir a su familia y sus empleados, puede volver a recuperar su vida, y además convertido en alguien más positivo, cariñoso y seguro. Sin embargo, no tardará en darse cuenta que depende totalmente del castor y que éste lo puede alejar definitivamente de su mujer y sus hijos, que desean una situación de normalidad, como la que conocieron antes de que Walter entrara en crisis. ¿Hasta qué punto se parecen Walter y Gibson? Ni idea, pero el actor está sensacional, solo por su interpretación ya merece la pena ver la película.

El principal problema de la película es que la historia se amolda al esquema convencional del cine norteamericano, con unos giros argumentales que ya se sabe uno de memoria, y un tono demasiado amable, simplista, blando, comercial. Desde luego, Walter lo pasa mal, sufre, pero encuentra al castor y recupera el control de su vida, vuelve a tener éxito y descubre que la familia es lo más importante, buscando la reconciliación con sus seres queridos. Su mujer no se opone a darle una segunda oportunidad (la secuencia de sexo con la marioneta es impagable), y su hijo pequeño está encantado con el castor, pero el mayor no piensa tolerar lo que considera una broma sin gracia. Pero en lugar de centrarse en esto, en la recuperación de su familia y su salud mental, el guion del primerizo Killen, trasladado a la gran pantalla con escasa imaginación por parte de Foster, tiene una subtrama centrada en el personaje de Yelchin que resulta insulsa e inverosímil.

El joven, cuyo mayor deseo es escapar de los defectos de su padre y ser una persona completamente diferente, se enamora de la chica guapa del instituto (cómo no), interpretada por Jennifer Lawrence, que también tiene un conflicto que superar. Gibson es el que más se luce (sobre todo cuando habla con y a través de la marioneta, a la que da voz con un divertido acento) en este inofensivo cóctel de drama familiar, comedia negra y sátira social, pero todo el elenco está en su sitio, comprometidos con sus personajes, o más probablemente, con una cineasta que ha tardado quince años en volver a situarse tras las cámaras (Foster no dirigía nada desde ‘A casa por vacaciones’). No parece que ‘El castor’ vaya a lograr grandes cifras en taquilla, pero con el tiempo puede llegar a convertirse en un título querido, en una vía de escape para personas que atraviesen malas épocas, como Walter. Es un producto correcto que se deja ver, hace reír y tiene su mensaje, pero a mí solo me interesa cuando aparece Gibson, lo demás me resulta aburrido.

‘Footnote’, amarga batalla paternofilial

‘Footnote’ (en español, “Nota a pie de página”) es el cuarto largometraje del israelí nacido en Nueva York Joseph Cedar, y uno de los 20 títulos que aspiran a la Palma de Oro en esta 64ª edición. Cedar, cuyos trabajos han sido éxitos de taquilla en su país, centra la historia de su nuevo film en la familia Shkolnik, y más concretamente en la peculiar relación entre el veterano Eliezer (Shlomo Bar Aba) y su hijo Uriel (Lior Ashkenazi). Los dos son investigadores que han dedicado su vida al estudio de los textos sagrados de los judíos, con diferente enfoque y fortuna; mientras que el padre es un profesor purista y misántropo que ha tenido mala suerte y carece del apoyo de sus colegas, un hombre encerrado en su propio mundo obsesivamente organizado, Uriel es más abierto y simpático, ganando reconocimientos que Eliezer, al ser ignorado durante décadas, no duda en despreciar públicamente. Sin embargo, un día Eliezer recibe una llamada; le ha sido concedido el premio más prestigioso del país en su disciplina, cuando ya lo daba por imposible. Cuando la relación con Uriel parece en su mejor momento, éste descubre que ha habido un error en la decisión del jurado…

La película, basada en una experiencia real vivida por el cineasta, arranca con una importante celebración, una secuencia en la que Uriel da un discurso de agradecimiento tras recibir un premio por su labor de investigación. Mientras habla y se gana al público con una tierna y divertida anécdota sobre su padre (luego descubriremos que fue suavizada para la ocasión), éste es incapaz de sonreír, de disimular su disgusto, y apenas aplaude de forma desganada. El lánguido transcurrir de la trama y la sencilla puesta en escena de Cedar salta en pedazos cuando de forma repentina en la pantalla surgen unas “notas a pie de página” sobre los dos protagonistas, unos espectaculares paréntesis en la historia, muy ingeniosos, que nos permiten conocer mejor y entender el comportamiento de Eliezer y Uriel, así como su tensa y sorprendente rivalidad. Una rivalidad tratada con mucho sentido del humor, sin que ello llegue a diluir el tono serio y amargo del relato. Ácida, irónica, mordaz, ‘Footnote’ (‘Hearat Shulayim’) es una irregular comedia de grandes momentos aislados que consiguen mantener el interés pese a los bajones de ritmo y la excesiva preocupación de Cedar por remarcar las personalidades de sus protagonistas y los conflictos sobre reconocimientos académicos en Israel. No suena como favorita, pero es de lo más divertido que hemos visto aquí hasta ahora.

Juan Luis Caviaro desde Cannes, 17 de mayo de 2011.

PD: En solo cinco horas se proyecta lo último de Lars Von Trier, ‘Melancholia’.

No está mal, han respetado el título original y todo. Aquí os traigo el cartel español de ‘El castor’ (‘The Beaver’), la nueva película dirigida por Jodie Foster. La actriz, ganadora de dos Oscars, también encabeza el reparto de esta comedia dramática junto a Mel Gibson, que interpreta a un hombre deprimido que encuentra la paz en una marioneta. Las dos estrellas vuelven a ser pareja en la gran pantalla 17 años después de ‘Maverick’.

La verdad es que me alegra mucho ver este póster, aunque todavía no hay fecha de estreno para nuestro país. ‘El castor’ debería haberse estrenado el año pasado, pero se vio perjudicada por las conocidas polémicas protagonizadas por Gibson, y han esperado a que todo se calmara un poco; finalmente, la película llegará a los cines de Estados Unidos el próximo 20 de mayo. Escrita por Kyle Killen, gira en torno a Walter Black, quien una vez fue un hombre feliz y triunfador, sin embargo ahora sufre una terrible depresión que solo puede dejar de lado cuando lleva puesta una marioneta con forma de castor. Jennifer Lawrence (nominada al Oscar este año por ‘Winter´s Bone’), Anton Yelchin, Zachary Booth, Michelle Ang, Lorna Pruce y Jeff Corbett completan el reparto. Si no lo visteis en su momento, o queréis recordarlo, podéis encontrar el tráiler en este enlace.

PD: ¿Habéis visto ese capítulo de ‘Cómo conocí a vuestra madre’ con la canción de los castores?

Vía | Impawards

Siempre he dicho que George Miller es un gran talento como director y guionista. Nacido en la bella Queensland, y perteneciente a una generación de directores australianos que posiblemente tarde mucho en repetirse, Miller ha demostrado ese gran talento en proyectos muy diversos: de vibrantes películas de acción y aventuras con la saga de Mad Max, a brillante cine de animación con la emocionante ‘Happy Feet’ (id, 2005), pasando por el drama sin concesiones, como el de ‘El aceite de la vida’ (‘Lorenzo’s Oil’, 1992). También ha filmado alguna que otra cosa prescindible, como la olvidable ‘Las brujas de Eastwick’ (‘The Witches of Eastwick’, 1987). Nadie es perfecto. Pero a sus 65 años, y a punto de estrenar la secuela de ‘Happy Feet’, que le dio el Oscar, puede estar bien orgulloso de ser el máximo responsable de uno de los más grandes iconos del cine apocalíptico de todos los tiempos, que tiene en su segunda película una joya que se mantiene imperturbable, o casi, al paso del tiempo.

Ayer hablábamos de ‘Asalto en la comisaría del distrito 13’ (‘Assault on Precinct 13’, John Carpenter, 1976) como ejemplo de gran cine de acción, y hoy no nos alejamos mucho de sus apasionantes imágenes para hablar de otro gran filme que derrocha épica y salvajismo por todos sus poros y que convierte a mucho supuesto cine de aventuras actual en cine infantiloide y sin el menor interés. Entre Carpenter y Miller construyen dos nuevas formas de entender la aventura y la violencia, dos conceptos degradados y devaluados hoy día (al menos, en el cine de aventuras que más se comercializa) hasta límites vergonzosos. Pero siempre nos quedará ‘Mad Max 2, el guerrero de la carretera’ (‘Mad Max 2’, 1981) como la genuina, la que ha propiciado docenas de copias y hasta un universo que han aprovechado novelas y videojuegos hasta el mismo día de hoy: el del páramo desértico y las carreteras interminables y polvorientas como ambiente perfecto para lo apocalíptico o futurista, en la que peligrosas bandas de motoristas y guerreros de todo pelaje se despedazan entre sí por un tanque de gasolina.

Lo cierto es que la primera película, ‘Mad Max: salvajes de la autopista’ (‘Mad Max’, 1979), nunca me impresionó demasiado, aunque es bastante digna. En cuanto a la tercera película, ‘Max Max, más allá de la cúpula del trueno’ (‘Mad Max Beyond Thunderdome’, 1985) no me parece tan floja como muchos dicen, pues la considero un notable cierre de la trilogía, que creo sería más valorada de no existir la segunda película. Porque ‘Mad Max 2, el guerrero de la carretera’ es una maravilla que funde, como si tal cosa, el western con la sci-fi, y sub-géneros como el apocalíptico, el de carreras bestiales de coches, y en general el pulp y el exploitation más desprejuiciados, increíblemente amoral y desolador, que además une el espíritu de Peckinpah, de Leone y del cómic y el manga más visionarios, ahí es nada. Un cine que ha influenciado, y ellos mismos lo han admitido, a gente tan importante del cine de ahora mismo como David Fincher, James Cameron, Kathryn Bigelow, y no pocos directores europeos y asiáticos, que han procurado seguir la estela post-apocalíptica de Miller y su anti-héroe solitario.

Un recuerdo casi onírico

Todo comienza con la voz en off de un anciano que recuerda: “Mi vida se apaga… mi vista se oscurece… sólo me quedan recuerdos. Yo recuerdo un tiempo de caos, de sueños destruidos, ésta tierra desolada. Pero sobre todo, recuerdo al Guerrero de la Carretera, al hombre al que llamábamos Max.” Luego averiguaremos que el anciano que cuenta la historia es el niño feroz y analfabeto que toma a Max por su héroe en la fortaleza cuasi medieval en la que se refugian. Esas palabras las oímos sobre un viento descorazonador y una imagen muy poderosa: entre ráfagas de polvo y transpariencias de fuego, la figura oscura de Max, a la que nos acercamos con un suave travelling, y con un cielo de rojo crepuscular. A continuación, una serie de imágenes documentales (de archivo todas ellas) que explican el colapso del mundo civilizado, y que se encadenan con otras de la primera película, en las que se sintetiza todo lo que ese primer título ofrecía a modo de prólogo. Cuando cesan las palabras del anciano, llega la primera brutal persecución, que presenta a Max y al que va a ser su némesis, el alocado Wez. No cabe un comienzo más magistral para una película de aventuras, que exprime y aprovecha toda la imaginería de los cómics y las revistas de sci-fi para cristalizarlo en algo absolutamente dinámico y apasionante.

De hecho, por el aspecto del desierto, por la misma dirección artística (responsabilidad de Graham ‘Grace’ Walker, que no en vano fue diseñador de producción de la estimable ‘Pitch Black’ en el año 2000), por su carácter casi bíblico, parecemos asistir a un sueño, o más bien una pesadilla, probablemente embellecida o exagerada por su misma naturaleza de recuerdo o de ensueño, que convierte a los malvados en monstruos casi invencibles y que no sufren dolor, y a los salvadores en míticos héroes de leyenda. Miller, junto a sus coguionistas Terry Hayes y Brian Hannant, es muy consciente de esto, y apea del relato toda complicación o pretendida profundidad psicológica, en favor de una sencillez admirable, de una búsqueda de sobriedad formal que indaga en los bárbaros cimientos de la sociedad humana, en la violencia sobre la que descansa el progreso y el bienestar. Es precisamente la linealidad y sencillez de la historia lo que algunos encuentran como motivos para desdeñar esta película. Pero el director favorece así su condición de relato indómito, furioso, que despierta en el espectador la memoria genética de un tiempo en que todo se reducía a matar o morir.

Me parece impecable el uso de la cámara y el formato: un scope magistral, de aspecto 2.20:1, con dirección fotografía magnífica de Dean Semler, que ahora se aprecia en todo su esplendor gracias a la edición en Blu-ray, pues las copias disponibles eran demasiado oscuras y no le hacían justicia. Una cámara que sabe situarse en el lugar justo para provocar la tensión, primero, y la explosión de adrenalina, después. Max, cruzando los caminos (carreteras) con su caballo (su coche Pursuit Special V8), desesperado por encontrar gasolina, se topará con un genio de la aeronáutica que a su vez le conducirá a un refugio asediado por los siervos de Lord Humungus, un individuo de aspecto temible y rostro oculto tras una máscara de hockey, que no parará hasta obtener las reservas de gasolina que guarda el grupo residente del refugio. Tenemos, por tanto, otra historia de asedio como ‘Asalto en la comisaría del distrito 13’ y tantos otras historias que beben del mito del ‘Beowulf’, pero que en lugar de centrarse, como aquella, en la angustiante sensación de amenaza exterior, busca (y encuentra, bajo mi punto de vista) la formulación de un mito casi homérico, de una saga primigenia.

Creo que Mel Gibson está muy bien como Max Rockatansky, el loco Max, que en la primera película pierde a su familia en una masacre y que al fin se ha convertido en una sombra de hombre. Un cascarón vacío que solo piensa en el ahora, y que aunque es un hombre de palabra y ayuda a los que se cruzan con él, lo hace para conseguir algo a cambie que garantice su supervivencia algunos días más. Era cuestión de tiempo que Gibson se convirtiera en una gran estrella de Hollywood. Aquí, con tan solo veinticinco años, está pletórico, y sus ojos azules transmiten una fuerza de voluntad indescriptible. Pero el reparto entero me parece muy ajustado, con Michael Preston como el perfecto jefe voluble y un poco egomaníaco, con el genial Vernon Wells interpretando al bestial Wez, al que llegamos a odiar y temer con toda nuestra alma, con otros como Bruce Spence, Kjell Nilsson, Max Phipps, Emil Minty o Virginia Hey dando lo mejor de sí mismos. Con una persecución final antológica, que pese a su mal medida duración es una verdadera gozada, y con una música de Brian May (no confundir con el guitarrista de Queen) que acierta en su mezcla de lo medieval y lo futurista. ¿Se puede pedir más?

Legado e imagen favorita

Es imposible elegir una imagen favorita entre las muchas que tanto me perturban de esta película. Una podría ser la que incluyo más abajo, con Humungus sujetando a Wez gracias a una gruesa cadena (algunos hablan de las connotaciones homosexuales de esta película…como se aburre el personal), pero también me gusta la de Max agarrando a la serpiente, la de Max arrastrándose malherido, la de Wez efectuando una pirueta antes de su enésimo asesinato, la del niño mudo lanzando su letal boomerang de afilado acero, la de la cajita de música, la de Max salvando a su perro de ser asesinado a sangre fría, la de Wez arrancándose una flecha del brazo… Imágenes que no se olvidan, y que erigen a ‘Mad Max 2, el guerrero de la carretera’ en una película tremendamente influyente, de referencia ineludible para todos los que se han aventurado en estos territorios, pocos de los cuales han estado a la altura de George Miller.

“Oh, hijo, no ha sido culpa tuya”

-Benjamin Martin (Mel Gibson)

En ocasiones uno se pregunta si algunas películas que vio le parecieron repugnantes en su momento por ciertos prejuicios ideológicos o de cualquier otra clase, y se contesta que seguramente no eran tan deleznables esas películas y que algo bueno, que se te escapa, deben tener, aunque sea escaso. Pero, claro, luego las vuelves a ver y te das cuenta de que hay subproductos que son un compendio de auténticas barbaridades, perpetrado por individuos de encefalograma plano, y que lo que dijo una vez Antonio Gasset Dubois, que es más fácil hacer una buena película que una mala, es completamente cierto, porque hay una casta de directores y actores que se esfuerzan como locos por convertir al cine en un crimen contra el buen gusto y la dignidad artística. No vale la pena ni preguntarse por qué lo hacen, ya que seguramente los motivos sean económicos, pero sí vale la pena preguntarse si puede ser verdad que el director, el guionista, el músico, los productores y los actores protagonistas de ‘El patriota’ (‘The Patriot’, Roland Emmerich, 2000) llegaron a creer que esta patraña podía tragársela alguien a estas alturas de la vida. Lo más preocupante es que algunos, muy pocos, sí se la tragaron.

Y se preguntará el lector, no sin razón, por qué pierdo el tiempo escribiendo y debatiendo sobre esta basura, con tantas cosas (es un decir…) interesantes sobre las que reflexionar. Pues no lo hago, de hecho, por eso que decía Werner Herzog de que merece la pena ver lo peor de lo peor para aprender lo que no hay que hacer. Ni siquiera para valorar todavía más lo verdaderamente valioso. Yo me lo tomo como un ejercicio de entomología, de extrañeza, como si entrase en contacto con algo tan absolutamente inconcebible, que el puro morbo me impidiese apartar la mirada. He vuelto a ver, con los ojos como platos, los ciento sesenta y cinco minutos de metraje (enteritos, Dios mío…) de la película número nueve de Emmerich como director, y el esfuerzo merece dejar por escrito lo que pienso de ella, al menos. Dicen que hay una versión extendida con diez minutos más de tortura. ¿Cuántas inexactitudes históricas más, cuánta manipulación, desvergüenza, pueden caber en diez minutos más?

La cosa es la siguiente, y los que la hayan visto podrán corroborarlo mientras que los que no la conozcan pueden ahorrársela y así vivirán más tiempo (y más felices): un veterano de la Guerra de los Siete Años, Benjamin Martin (en realidad, un sosias del genocida Francis Marion, algo reconocido por el guionista Robert Rodat), vive apaciblemente en su enorme casa, con sus siete hijos preciosos, ganándose la vida con lo que da la tierra, mientras comienzan las primeras escaramuzas de la Revolución Americana. Las imágenes iniciales son absolutamente bucólicas: familia perfecta (parece mentira que la madre muriera no demasiado atrás, qué distinto este hogar al de ‘Sin perdón’), praderas de una belleza alucinante, acordes idílicos de John Williams, una puesta de sol de ensueño… Los siete hijos de Benjamin Martin son tan adorables, tan guapos y tan lindos, que convierten a los ángeles de Miguel Ángel en un verso satánico, y Martin (Gibson, claro) es un padrazo sin mácula, paciente, currante, dulce y antibelicista (luego sabremos por qué). Como es predecible, llegará la guerra y todo se irá al infierno, y averiguaremos por qué el padre no tenía ningún deseo de combatir. Imposible olvidar el momento (alrededor del minuto treinta) en que los pérfidos ingleses asesinan al hijo-ángel de Martin a sangre fría y queman su casa, llevándose al hijo mayor (¿qué hacías aquí, Heath Ledger, alma de cántaro?) para ahorcarlo.

Y es imposible de olvidar porque es uno de los momentos más bochornosos que yo he visto jamás en una pantalla. Viendo que el mundo es un lugar cruel (menos mal que había participado en guerras…), y que los ingleses son una panda de psicópatas, desempolva sus armas, entre ellas una temible hacha cherokee, entrega sendos rifles a sus dos hijos pequeños (que no llegan a los diez años de edad…) y corren a salvar al hermano mayor. Así, en mitad del bosque, emboscan a los ingleses, y los críos demuestran una destreza con armas de fuego (esas incómodas carabinas de metro y medio de largo) que ya quisiera un marine norteamericano (no fallan un solo disparo, ni uno), mientras el propio Benjamin demuestra su maestría absoluta en la guerra de guerrillas, aniquila a una docena de soldados, y remata a los últimos con su hacha, hasta quedar empapado en sangre. Es todo tan cómico, tan increíble, que se te queda cara de incredulidad, porque te están insultando.. Y eso no es todo, el hijo que ha disparado (y asesinado) a por lo menos cuatro “casacas rojas”, ni muestra impresión ni compasión ni nada, y afirma alegrarse de lo que ha hecho.

Pero esto es sólo el principio. Por lo demás, Emmerich cree que una película de época se basa en interiores iluminados con velas o con una luz púrpura transversal, en exteriores fastuosos creados por ordenador (y cómo canta esa infografía…), en pelucas inverosímiles y en batallas dignas de un videojuego. No se puede decir que este director haya hecho la más mínima aportación al cine de aventuras o de ninguna otra clase, y aquí se pone a contar una revolución que no comprende, sobre un guión demencial que confunde el melodrama con la tragedia, y que trata la guerra como una lucha por la libertad cuando todas son por razones económicas. Muy triste. Pero es el vehículo perfecto para Mel Gibson, que de vez en cuando es un buen actor, pero que a veces se le va la olla con su patrioterismo cómico, y no tiene el menor problema en agarrar la bandera americana mientras se enfrenta a decenas de soldados británicos a cámara lenta. Nada de eso le ha servido para que ahora, once años después, su carrera parezca encontrarse en un callejón sin salida, y su prestigio, en su propio país, esté por los suelos. Supongo que él debe pensar que es una gran injusticia, con las diversas odas que ha compuesto en honor a la grandeza de Estados Unidos.

Como ya tienen aprendida la lección, incluyen algunos actores británicos realmente buenos, que aquí desperdician su talento de manera lamentable. Vemos al gran Tom Wilkinson en un papel sin el menor interés para un intérprete como él, y al siempre solvente Jason Isaacs, con esos increíbles y penetrantes ojos azules, especializado en papeles de malvado caído en desgracia (estupendo su Lucius Malfoy), en su vena más cruel. También anda por ahí Chris Cooper, que parece estar en otra película, y otros rostros realmente buenos que no se sabe muy bien en qué clase de película creían que andaban metidos, porque se esfuerzan en hacer creíble lo increíble. Todos ellos eclipsados por Gibson, claro, cuyo personaje es, además, un genio militar que puede dar lecciones a todos los generales de su bando, que cuando no reza aniquila adversarios como un jinete del apocalipsis, y cuya nobleza radica en esos inmensos ojos azules, tan azules como el fondo de las estrellas de la bandera norteamericana.

En realidad, ver a William Wallace ya se agotó en ‘Braveheart’ (id, 1995), y aquí sin falda escocesa y en otra historia nacionalista. Tengo la impresión de que Gibson perdió como nunca el sentido común.

Cuando tenía 19 años, acerté a un tipo en Laos a más de un kilómetro. Un tiro de rifle con viento en contra. Puede que haya ocho o diez personas en el mundo capaces de hacerlo. Es lo único que sse me da bien. Te veré mañana.”

- Martin Riggs

Cuando hace poco, a tenor de otro tema, comenté el bajón de calidad en el cine norteamericano en los años ochenta, después de unos setenta muy estimulantes, algunos lectores dejaron clara su devoción por muchas películas icónicas de esa década. Por supuesto que los ochenta trajeron unas cuantas películas maravillosas del otro lado del Atlántico, pero también conllevaron una degradación de ciertos géneros o formas narrativas, una sumisión al público adolescente, y una simplificación conceptual que ha generado, en gran medida, el aluvión de cine basura comercial de los años noventa y de la pasada década, en una caída libre de imaginación, de ingenio y de artesanía incontestable. Es lo que pasa cuando los estudios se convierten en sucursales bancarias y los productores en traficantes de drogas. Uno de los títulos más famosos de aquellos años es, qué duda cabe, ‘Arma letal’ (‘Lethal Weapon’, Richard Donner, 1987), que durante muchos tiempo ha sido un referente comercial de las “películas de polis”, y que pasaron hace un par de noches (no tuve ocasión de verla una vez más, excepto las últimas escenas) por televisión.

Contemplándola sin innecesarias nostalgias, creo que hoy día se le ven las costuras con mayor facilidad que hace veinte años. Que no se eche las manos a la cabeza el lector: no voy a destrozarla, pero sí creo que va siendo hora de ponerla en su justo lugar, confirmando sus virtudes, que las tiene, pero también sus zonas grises y sus arritmias, que no son pocas. Donner empieza con ella, sin duda, una nueva etapa en su carrera como director, después de filmar pequeñas joyas como ‘Los Goonies’ (‘The Goonies’, 1985), ‘Lady Halcón’ (‘Ladyhawke’, 1985) o la maravillosa ‘Superman’ (id, 1978). Una etapa mucho menos interesante, aunque sin duda llena de éxitos comerciales, con Mel Gibson de estrella en la mayoría de ellas, pues son grandes amigos. Quién sabe las buenas películas que nos hemos perdido de Donner, un estupendo artesano, por el hecho de haber atendido a los cantos de sirena de las sucursales bancarias.

La verdad es que si atendemos a su guión, la trama es bastante simplona, y hasta llega a preguntarse uno cómo es que Shane Black, que ese mismo año tendría un papel bastante importane en ‘Depredador’ (‘Predator’, John McTiernan, 1987), llegó a ser un guionista tan cotizado. A los quince minutos te da exactamente igual la investigación criminal, pues lo más importante es el choque entre dos personalidades bien distintas: la del “pirado-encantador” Martin Riggs, interpretado por un Mel Gibson asalvajado por completo, y la del “maduro-responsable” Roger Murtaugh, al que da vida un estupendo (como casi siempre) Danny Glover. No pueden ser más opuestos, y deberán trabajar juntos en un supuestamente complicado caso, que luego de complicado no tiene nada, con unos mercenarios que se han pasado a traficantes, y que asesinaron a la hija de uno de sus compinches, casualmente colega de Murtaugh en Vietnam. Al final todo eso, a parte de sostenerse bastante mal, es lo de menos, y con lo que más nos quedamos, creo, es con ciertos momentos aislados que elevan un poco una película que avanza como a trompicones.

Tiros y amistad

Más allá de Murtaugh y Riggs, me parece indiscutible que hay poca cosa, y es una suerte que Gibson y Glover hagan una pareja con tanta chispa. Hay tensión, pero también hay humor, y en sus diálogos y desencuentros está lo mejor de la película. En el plano de la acción, lo cierto es que no hay demasiada, salvo un par de secuencias que están bastante bien, como la del intercambio de la hija secuestrada, y el climax final. La pena es que toda historia podría haber dado bastante más de sí, y todo queda muy superficial, muy conservador, cine para adolescentes en fin de semana. El torturado personaje de Riggs, la oscura trama de mercenarios traficantes de heroína, la sombra del Vietnam detrás de todo. Ahí había puro cine negro, una historia realmente dura. Pero hubiera dado mucho menos dinero, seguramente, que un espectacular blockbuster de polis. Lo malo es que viéndola ahora, su acción no impresiona demasiado, y no hay nada en esta película verdaderamente notable.

Era cuestión de tiempo, claro, que Mel Gibson triunfase en Estados Unidos, una vez terminada su trilogía de Mad Max (1979-81-85) y después de haber triunfado con Peter Weir en la estupenda ‘Gallipoli’ (id, 1981). Le sirvieron un bandeja un papel a su medida exacta, y pocas veces se le ha visto tan desatado. Su papel pierde fuelle en algunos momentos, y queda poco creíble cuando pasa de ser un suicida en potencia a un pirado de gatillo fácil. A su desastrosa vida familiar, su mujer murió y vive en una caravana, se opone la confortable de Murtaugh, que vive en una casa enorme (vaya sueldos tienen los policías americanos, ejem…), con una mujer siempre dispuesta a cocinar la cena, y tres hijos estupendos, guapos y sonrientes. El terrible tigre Riggs se convierte en un gatito una vez entra en esa casa, y los violentos encontronazos entre los dos polis desaparecen como por arte de magia, y se convierten en chistes de humor grueso.

Pero lo que más llama la atención es que con ésta película el cine americano cristaliza por fin su querencia de policías que son casi superhéroes, o sin el casi. Luego, claro, llegarían títulos imprescindibles como la sublime serie ‘The Wire’ (id, David Simon, 2002-2008), que se encargarían de mostrarnos a policías de verdad. Pero aquí Riggs, ex-miembro de las fuerzas especiales del ejército, chuleta, melenas, que igual dispara a un helicóptero que se lía a tiros en una carretera atestada de coches, está más cerca de un Chuck Norris que del Glenn Ford de la obra maestra ‘Los sobornados’ (‘The Big Heat’, Fritz Lang, 1953), por nombrar a un personaje que también perdía a su mujer en trágicas circunstancias. Pero durante casi veinte años hemos visto docenas de policiacos, con agentes improbables, y a un paso del fascismo puro. Antológica la frase de Riggs: “esta vez lo haremos a mi manera: a matar, a matar a todos los que podamos”.

El director, Donner, no es un cualquiera, y se nota. A sus cincuenta y siete años, y con una larga experiencia en cine y televisión, estaba ya pertrechado con buenas herramientas de su oficio. Filma con mucha inteligencia y hasta con buen gusto, y en colaboración con el excelente operador Stephen Goldblatt obtenemos una uso dinámico y hábil de la cámara. Por supuesto, está a años luz del McTiernan de ‘Jungla de cristal’ (‘Die Hard’, 1988), en la que el uso de los espacios y del movimiento es algo magistral (y con un guión muchísimo más elaborado, y con un policía muchísimo más creíble…), pero Donner es contenido (en las sucesivas secuelas ya no lo será) y sobrio, y se agradece. También es astuto como pocos, y sabe que con un poco de morbo en la historia criminal (la joven asesinada, sus vídeos eróticos…), y con la música del mítico Eric Clapton y del tristemente fallecido Michael Kamen (que también pondría música para ‘Jungla de cristal’), además de la pareja de protagonistas, tiene ya bastante a su favor.

Conclusión

Ha envejecido bastante, ‘Arma letal’, aunque se ve mucho mejor que sus tres secuelas, aún con más años a sus espaldas. Divierte y crea tensión, pero no es gran cine, bajo mi punto de vista. Tampoco malo, desde luego. Su tercio final está bastante bien, si aceptamos a un poli liquidando a los malos y vanagloriando la violencia como un juego lúdico, pero de vez en cuando tampoco pasa nada. Películas de acción hay cientos muy superiores a esta, y películas de humor para qué decir nada. Pero, para bien o para mal, su visionado es obligado si se quiere entender el devenir de Hollywood en las últimas décadas, y teniendo en cuenta muchos títulos posteriores a ella, hasta parece mejor de lo que es.

“Te lo diré de otra forma. ¿Es posible que no existan las coincidencias?”

(Graham Hess)

Ahora que parece que se han vuelto a poner de moda las historias sobre extraterrestres, he querido echar mano de mi deuvedeteca y rescatar la que para mí es la mejor película que se ha hecho sobre el tema desde ‘Encuentros en la Tercera Fase’ (‘Close Encounters of the Third Kind’, 1977). El estadounidense M. Night Shyamalan (cuyo verdadero nombre es Manoj Nelliyattu Shyamalan) está atravesando el peor momento de su carrera, pero al igual que ocurriera con el mítico Alfred Hitchcock (con el que comparte un extraordinario talento para crear suspense), puede estar seguro que su obra se asentará y cobrará importancia, que el tiempo le pondrá en el lugar que se merece. Coincido con muchos en que el realizador de origen indio atraviesa un bache artístico importante, pero solo desde ‘El incidente’ (‘The Happening’, 2008), y en todo caso no conviene olvidar que pocos cineastas actuales pueden presumir de contar con cinco joyas en su filmografía, además rodadas en un período de apenas diez años.

Con unos 70 millones de presupuesto (una cifra inferior a lo que suele costar un blockbuster de Hollywood, en torno a los 100, 150), una fuerte campaña publicitaria y el por aquel entonces estelar Mel Gibson al frente del reparto, recuerdo que ‘Señales’ (‘Signs’, 2002) se quiso vender como el verdadero regreso del director de ‘El sexto sentido’ (‘The Sixth Sense’, 1999), intentando borrar la huella del fiasco comercial que supuso ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000, para mí su mejor película), cuando en realidad Shyamalan seguía siendo fiel a su estilo, su forma de narrar; el resultado fue un considerable éxito de taquilla y un incremento de detractores del director. Desprovista de sofisticados efectos visuales y complicadas secuencias de acción, pero fuertemente armada con herramientas fundamentales como un sólido guión, una fantástica puesta en escena y unas inspiradas interpretaciones, ‘Señales’ es el triunfo del cine como arte para contar historias.

Una pesadilla realista, una familia auténtica

La idea esencial de la película, originada a raíz del interés de Shyamalan por esas famosas figuras aparecidas en los campos de trigo (relacionadas con temas sobrenaturales), era relatar el inquietante contacto con una raza extraterrestre desde el punto de vista de una familia, en una casa en medio del campo. Como aclara en uno de los reportajes incluidos en el DVD, el cineasta encontró la inspiración para construir su relato en tres películas de terror que le resultan fascinantes: ‘La invasión de los ladrones de cuerpos’ (‘Invasion of the Body Snatchers’, 1956), ‘Los pájaros’ (‘The Birds’, 1963) y ‘La noche de los muertos vivientes’ (‘Night of the Living Dead’, 1968). En las tres, los personajes ven alterado su mundo por completo tras la repentina aparición de siniestros hechos extraordinarios, sin explicación, sin vuelta atrás, y comprenden que lo que parece una inofensiva pesadilla es sin embargo terriblemente real, y tienen que hacerle frente. No cabe duda que a la que más se asemeja ‘Señales’ es a la película de Hitchcock, en especial desde que la acción se centra en la casa.

Si hay otro director con el que claramente Shyalaman comparte algo, es con Steven Spielberg, y esto queda patente si uno compara ‘Señales’ con ‘La guerra de los mundos’ (‘War of the Worlds’), estrenada solo tres años después, pero también si vamos un poquito más lejos y nos fijamos en la ya citada ‘Encuentros en la tercera fase’ o ‘E.T.’ (‘E.T.: The Extra-Terrestrial’, 1982). Shyamalan adora las historias que viene contando Spielberg desde hace décadas, y en concreto le interesa cómo introduce la trama fantástica en un entorno dramático que suele involucrar a una familia, que aporta sus propios conflictos; personajes corrientes con problemas corrientes que cualquiera va a entender y compartir, va a sentir como posibles y reales, lo que va a facilitar una conexión que favorece el disfrute de la película. De ahí que en ‘Señales’ no preste tanta atención al alienígena (al que solo veremos con claridad en una sola secuencia) ni a las naves, que apenas aparecen sugeridas en las imprecisas imágenes de los telediarios o ilustradas en un libro (de dudosa credibilidad); no hay planos para que el espectador se fije en los efectos visuales, pues no es a lo que debe prestar atención.

En otras películas importan los diseños de los extraterrestres y las naves, el enfrentamiento violento y espectacular con los humanos; no en este relato, aquí de lo que debe preocuparse el espectador es de los cuatro miembros que componen la familia protagonista, a los que dan vida unos muy inspirados Mel Gibson, Joaquin Phoenix, Rory Culkin y Abigail Breslin (al igual que Spielberg, Shyamalan es muy hábil dirigiendo niños). La de los Hess es una familia que atraviesa una etapa de crisis, como se sugiere desde el inicio (el grito de la niña provoca una reacción desmedida en el padre, que al incorporarse de la cama cubre con su rostro una foto donde aparece la madre, a la que solo veremos en un flashback), y viven prácticamente aislados del mundo tanto física como emocionalmente, en un casa de estilo victoriano (construida específicamente para el film) junto a unos campos donde se cultiva maíz (porque el tallo es mucho más difícil de doblar que si se tratase de trigo, así es más extraño lo que ocurre), lugar donde van a aparecer las inquietantes señales que dan título a la película.

No es el único sentido. Aparentemente, el reverendo Graham (uno de los más complicados y mejores papeles de Gibson) perdió la fe tras el fallecimiento de su mujer en un desafortunado accidente ocurrido seis meses atrás, pero es pura fachada, en realidad sigue creyendo en la existencia de un ente divino, solo que han cambiado sus sentimientos hacia él, como revela entre susurros durante la tensa secuencia del sótano; no ve señales de su presencia en la Tierra, cree que los ha dejado solos, y por eso le consume el miedo ante la aparición de los alienígenas, está seguro que no hay salvación. A diferencia de su hermano mayor, Merrill (con esa mezcla de ingenuidad, rareza y energía que siempre aporta Phoenix) sí cree que hay “algo” que los protege, cree que todas las cosas pasan por alguna razón, así que tiene esperanza, fe en que todo acabará bien, lo que le mantiene fuerte en los momentos más oscuros. No será hasta el final, y después de que Merrill le haya reprendido (“no quiero volver a ver esos ojos”), cuando Graham logra encajar las piezas y entender el gran mensaje que se escondía en las últimas y superficialmente inconexas palabras de su amada esposa.

Cuenta Shyamalan que en un principio imaginó ‘Señales’ sin música (de hecho, le suele pasar con todas), pero al hablar con su amigo James Newton Howard, y darse cuenta de que éste entendía perfectamente lo que quería llevar a cabo, le pidió su colaboración. Para los que albergan alguna duda sobre qué opción era preferible, en el DVD hay una escena del final con y sin acompañamiento musical, y resulta de lo más evidente lo mucho que ayuda la composición de Howard, se integra (hasta el punto de ser imposible separarlas) y aporta una gran energía a la historia, la hace más emocionante. También contribuye a crear la atmósfera necesaria en los muchos momentos de suspense que tiene el film, gracias a la cuidada puesta en escena del director, que no deja nada al azar (sus guiones y sus storyboards son muy precisos), y a su concepción del terror; prefiere sugerir, que el espectador imagine, antes que mostrar. Creo que su única equivocación importante es haber participado como actor, un cameo habría sido más acertado, pero por lo demás, estamos ante el trabajo intachable de un cineasta impresionante, que ojalá recupere pronto su mejor versión. Una joya de la ciencia-ficción, del terror, y del cine en general.