Me pregunto si os habrán llegado a cansar, como a mí, las películas de buen rollo, es decir, aquellas que siguen el esquema que tan bien reproducía la factoría Ealing para contarnos cómo un grupo de personas sobre las que se ejerce una injusticia consigue liberarse y alcanza la justicia poética a base de un esfuerzo común. El motivo de mi inicial recelo es que están cortadas por un patrón demasiado similar en todos los casos y que su falsedad, si bien es intencionada y forma parte de los elementos que buscan la catarsis, me parece excesiva. A pesar de que ‘El concierto’ (‘Le concert’) sigue sin desviación esta fórmula tan manida, le convengo la capacidad para emocionar, ya que el conjunto que compone es superior a lo que suponen sus elementos por separado.

Esta coproducción paneuropea, que se estrenará el día 12, está dirigida por Radu Mihaileanu e interpretada por Alexei Guskov, Mélanie Laurent, Dimitri Nazarov y Valeri Barinov. Nos cuenta la historia del antiguo Boloshoi, expulsado por cuestiones políticas, cuyos miembros trabajan hoy en día en labores de intendencia. El anterior director de la orquesta se encuentra limpiando el despacho del actual cuando entra el fax que los invita a tocar en París. Junto con sus compañeros músicos, decide que acudirán a la cita, suplantando al auténtico Bolshoi. El director quiere interpretar el Concierto de Chaikovski, que se le había atragantado desde la juventud, y sólo aceptará como solista a una violinista en concreto.

No hay nada en ‘El concierto’ que no pueda imaginarse de antemano, incluso sin ver el largo y excesivamente explicativo tráiler que circula por los cines. En cuanto a componentes, están todos: existen los personajes cómicos, pero emotivos; se incluye una subtrama sentimental que esconde un secreto largamente guardado; convive con ella otra historia con tintes políticos, hay rencillas, se dan venganzas, se producen redenciones… En cuanto a progresión, se responde al esquema más clásico: tras el planteamiento y la decisión de suplantar a la auténtica orquesta, se muestra una larga preparación al estilo carrera de obstáculos, que está salpicada con humor, ya sea costumbrista o algo más inspirado. Y finalmente, llega el también sobreexpandido clímax.

Todo esto podría ser tan malo como bueno, ya que precisamente al no carecer de nada, ‘El concierto’ produce, sin duda, el efecto que busca. Es, en especial, un montaje en paralelo sostenido durante muchos minutos, en los que la explicación se acompaña del Concierto, lo que mejor funciona de todo el film y lo que aporta Mihaileanu —o su montador, Ludovic Troch— como originalidad.

Entre los actores se encuentra la intérprete que nos sedujo con su frialdad en ‘Malditos bastardos’: Mélanie Laurent, quien interpreta con la misma destreza a una violinista intrigada por una historia que le va a cambiar la vida. Del resto de la parte francesa del elenco se podría decir, si acaso, que está desaprovechado, ya que se trata de importantes intérpretes con poco texto y poca presencia: Miou-Miou, a pesar de lo reducido de su papel, está muy acertada; François Berléand, cuenta con un personaje tipo muy canónico, pero que presenta algún destello singular, y Lionel Abelanski, carga con todos los marrones que suele llevarse injustamente el alivio cómico.

En la parte rusa del reparto, el protagonista, Alexei Guskov demuestra ser un actor de gran carisma y elegancia, que sostiene la ilusión por llegar a interpretar su concierto contagiándonos sus aspiraciones sin dificultad. Quien interpreta a su mejor amigo, Dimitri Nazarov, encaja bien en un estereotipo, pero sin llegar a resultar cargante. El resto de la orquesta, responde a los prejuicios que se pueden encontrar en cualquier conversación sobre los rusos, dando pie a la facción más burda del humor de la cinta.

‘El concierto’ es una de estas películas que te hacen pasar un rato muy agradable y que, como extra, te hacen salir del cine con el ánimo subido y la sonrisa en los labios, a pesar de la lagrimita que has restañado unos minutos antes. Nada que objetar, pues no todo lo que llega a las salas tiene la obligación de revolucionar el Séptimo Arte. Poco recomendable, eso sí, para quienes busquen emociones fuertes o estructuras novedosas.

Mi puntuación:

Cuando, en cierta secuencia, al término de ‘Death Proof’, sentimos compasión por un asesino despiadado como Stuntman Mike, interpretado con gran oficio por Kurt Russell, nos sentimos también miserables por experimentar ese sentimiento, mientras asistimos a la implacable venganza de la que es objeto, y por cierto que merecida venganza. Algo similar ocurría en la que posiblemente sea la obra magna del director de Tennessee, Kill Bill, pues en la venganza de La Novia sus enemigos llegaban a adquirir cierta dignidad a la hora de morir.

Ahora, con este ‘Inglourious Basterds’ (no voy a escribir la estúpida traducción española), Tarantino nos entrega, como suele hacer, una fuerte dosis de sí mismo, en su extraño y feroz, brillante y desequilibrado, homenaje y reescritura de las constantes del cine de aventuras y espionaje con el trasfondo de la Segunda Guerra Mundial, y lo hace arrebatándoles la humanidad a la mayoría de los aliados y dándosela algunos nazis, elaborando una fascinante galería de rostros y caracteres, para un violento zarpazo de ingenioso y arrollador cine de autor.

Los personajes, y sus actores, son el motivo de esta película

Dice Tarantino que cuando escribe, puede tener en la cabeza algunas ideas o alguna estructura previa, pero que sus personajes, a los que con tanto mimo ha esbozado, son los que le van dictando qué es lo que va a suceder. También toma a dictado los diálogos, imaginando que les oye hablar. Ha llegado hasta tal punto, en la confianza extrema que tiene a sus hijos de papel y celuloide, que les permite incluso cambiar el rumbo de la historia, en una orgía de sangre final de pasmoso salvajismo. Todo es posible en esta oda desenfrenada al poder subversivo del cine.

Porque amor al cine hay en el cariño de Tarantino no sólo a sus personajes, sino a los actores que les interpretan, todos ellos, como siempre, en estado de gracia, y muchos (sobre todo Pitt y Waltz) como si no fueran ellos, en una transformación física y anímica absoluta, embebidos de sus propias creaciones, pletóricos de felicidad y talento por participar en esta fantasía lúdica, verdadero capricho estético del director que ha de entenderse como tal. En él hay cabida para que una actriz célebre (Kruger, que parece fugada de alguna película clásica de los años treinta) acuda a una misión suicida con un crítico de cine (Fassbender, en una creación estupenda), y termine su labor la dueña de un vetusto cine sediente de sangre nazi.

Pero de todos ellos el personaje más inolvidable de la película es, sin lugar a dudas, el fascinante monstruo alemán interpretado con inusual maestría por el casi desconocido Christoph Waltz, que se inscribe con letras de oro en la larga tradición de sádicos y astutos oficiales nazis de la historia del cine. Hans Landa es un cruce entre el doctor Lecter, Sherlock Holmes y Reinhard Heydrich, y con él Tarantino echa el resto y añade otro complejo y oscuro rostro a su particular universo. Ganador del premio en Cannes, es probable su nominación al Oscar como mejor secundario, pero esto es un filme coral, y su personaje no tiene nada de secundario, de hecho es la pieza catedralicia de la película.

Un relato que se hace corto

Presentada en el Festival de Cannes de este año, dentro de su Sección Oficial a concurso, la séptima realización de Quentin Tarantino fue vista allí con un montaje diferente del que ahora llega a las salas. Como Blogdecine no estuvo presente en Cannes, sólo pueden aventurarse conjeturas acerca de tal montaje, en teoría más corto que el que ahora ha llegado a las salas y a San Sebastián. La película dura 160 minutos, estructurados en cinco grandes bloques o capítulos que abarcan un núcleo central que se va ramificando con total naturalidad.

No existen, por tanto, tres actos definidos y diferenciados. Me comentaba Alberto Abuín que es una película de momentos. Y es cierto, pero hecho a drede. Los cinco bloques están escritos de modo que parece que van, cada uno de ellos, perforando y percutiendo en una idea y un motivo, hasta profundizar en ella y terminar con un gran clímax que salpica el futuro devenir de los acontecimientos. Y todo comienza, y termina con Landa. Primero en el capítulo 1, que a modo de introducción nos presenta a este abyecto y encantador personaje (y que es una de las mejores secuencias jamás dirigidas por Tarantino), y finalmente en el capítulo 5, donde Landa conoce un inesperado desenlace al inesperado giro que él mismo había provocado.

Entre medias, saltos temporales tan del gusto del director, un capítulo dedicado al precioso personaje de Mélanie Laurent, y el fabuloso capítulo de la posada, en el que Tarantino, como venía haciendo durante toda la película, llega lo más lejos posible en la dilatación del tiempo. En ese sentido el relato se hace corto: no sólo porque desearíamos conocer más a fondo a estos personajes, sino porque el objetivo de Tarantino, más que la acción, es el suspense. El tiempo se alarga hasta el paroxismo, para deleite de las mascaradas que supone el lenguaje.

Lenguaje en doble sentido, el visual y el sonoro, este último auténtico motivo y razón de ser del suspense, pues con los diferentes idiomas y acentos, Tarantino desvela su gran pasión por la voz y los juegos de palabras. De hecho, sólo se lanzó a hacer ‘Inglourious Basterds’ con confianza cuando conoció al políglota Waltz. Y todo esto convierte el mero hecho de asistir a verla doblada al español en un disparate sin pies ni cabeza, pues se pierde un nivel importantísimo de esta estupenda película. Una película en la que el tono y el estilo parecen fluctuar con desdén, pero que está filmada con verdadero arrojo, y cuyo montaje final parece algo tosco y acerado, pero eso no hace sino acrecentar su bestialismo y su sequedad visual.

Tarantino se ríe de la Segunda Guerra Mundial, pero también del género. Al mismo tiempo, les riden pleitesía a ambos. No quiere hacer un filme perfecto, quiere grandes momentos, disfrute lúdico, sorprender, hacer reir, de la mano de estos “infames hijoputas”. Y lo consigue con creces. Vaya si lo consigue.

Por fin se presentó lo nuevo de Quentin Tarantino, uno de los cineastas más famosos, polémicos y admirados del planeta. ‘Malditos bastardos’ tuvo su “premiere” en el prestigioso festival de Cannes, donde también se derriten por tener al norteamericano, aunque su película no case con el tipo de cine que allí se suele premiar. En compensación por mantener su palabra (Tarantino prometió hace meses que estrenaría allí su nuevo trabajo) o quizá por demostrar amplitud de miras, su película no se fue de vacío y uno de sus “bastardos” recibió el premio al mejor actor.

No fue ni para Brad Pitt ni, por supuesto, para Eli Roth, los dos rostros más populares del reparto, sino para el alemán Christoph Waltz, que se ha revelado como el mejor intérprete de la nueva obra de Tarantino. Tras cinco carteles centrados en cinco protagonistas, seguro que le dedican uno próximamente, con un espacio reservado para poner el sello de Cannes, estupendo para llamar la atención de cierto público, nada interesado en productos norteamericanos a menos que hayan sido premiados en por algún jurado de soberbia altura.

Aprovechando la presencia del escuadrón de bastardos en el festival, salieron cuatro “film clips” promocionales que desvelan escenas de la película, estando uno de ellos (el de arriba) presentado por el propio director desde Cannes para Yahoo; no os podéis perder las maneras de Tarantino hablando de su película, un show. A pesar de su corta duración, no he querido ver ninguno de los vídeos, porque con el tráiler ya tuve bastante, prefiero no saber nada más.

Abajo del todo también os dejo los últimos tres carteles que vieron la luz en Internet, centrados en Diane Kruger, Melanie Laurent y Til Schweiger. La fecha del estreno de ‘Inglourious Basterds’ en España es el 18 de septiembre, casi un mes más tarde que en Estados Unidos.

Por cierto, se está hablando mucho sobre el metraje que podrá verse en los cines, y lo último que se dice es que Quentin Tarantino quiere recuperar material inédito, nunca visto antes, protagonizado por Maggie Cheung. Personalmente, todo esto me suena un poco a cachondeo, y a anticipo de futuras ediciones diferentes de la película en DVD, una normal, una especial con el metraje de Cannes, una para coleccionistas con metraje inédito, otra para fetichistas con la cara de Tarantino en varios fotogramas… En fin, ya veremos qué se estrena al final, y sobre todo, si la película es buena o no, que es lo más importante.

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PD: Cuenta Eli Roth que estuvo a punto de morir quemado durante el rodaje de una de las escenas. El fuego se descontroló, pero Tarantino no paró la filmación hasta que tuvo lo que quería.

Vía | Impawards y TheMovieBox