‘Mamma Mia!: La película’ es la adaptación al cine de un exitoso musical que toma las canciones del famoso grupo sueco ABBA para crear una comedia romántica en torno a dos mujeres, Donna y Sophie, madre e hija. La joven quiere casarse pero no sin antes descubrir quién es su padre, algo que ni su propia madre, encantada con su vida, sin un hombre a su lado, sabe con certeza. Hay tres candidatos y a los tres escribe la chica, sin decirles la verdad, sólo que están invitados a la boda. El conflicto está servido.

No lo voy a negar. Ver a Pierce Brosnan, Colin Firth y Stellan Skarsgård riendo, bailando y cantando, y a Meryl Streep, Julie Walters y Christine Baranski viviendo y disfrutando cada canción de ABBA es un alegre espectáculo que tiene un gran valor. Quieras o no, se contagia, ese buen humor traspasa la pantalla y le llega al público. Eso sí, hay que matizar. Estoy seguro que habrá más gente a la que le habrá pasado como a mí, que asiste al film con una mezcla de indiferencia y desconexión. Y eso no significa que: 1) seamos unos amargados; 2) no nos gusten los musicales. Es otra cuestión. Es que ‘Mamma Mia!’ no es un gran musical ni tampoco una buena película.

Pero como digo, aun cuando la película empieza mal, ñoña, tontorrona, vacía, es difícil que la sonrisa no aparezca más tarde o más temprano, y que, ya sea consciente o inconscientemente, uno empiece a mover la cabeza, los pies y los dedos de las manos al son de la música. ‘Mamma Mia!’ es, en este sentido, una buena opción para ir al cine como cuando se va a un bar o una cafetería a tomar un refresco. Un simple y efectivo producto que en ese momento puede ser justo lo que uno necesita. También hay que tener en cuenta que esta película es ideal para cierto tipo de público, el que tiene, más o menos, la edad de los protagonistas (Streep, Brosnan y compañía), a los que cada vez tienen menos en cuenta, prefiriéndose los proyectos destinados a los más jóvenes.

Y dicho esto, vamos a ponernos un poco serios. Un poco, sí, que tampoco viene mal, a fin de cuentas los que han hecho la película también se han puesto serios en muchos momentos, ¿o es que no hicieron la película para ganar mucho dinero? Para pensar eso puedes reírte, pero prepararlo requiere mucho tiempo y seriedad. Planes. Contratar a gente. La adecuada. A tenor de los resultados de taquilla, las decisiones fueron correctas, y a pesar de tener que competir con la devastadora ‘El Caballero Oscuro’, el público no dio la espalda a la película de las canciones de ABBA.

Sin embargo, los resultados de taquilla no dicen nada sobre la calidad del producto. Dicen mucho sobre el acierto de los productores y sobre los gustos del público, pero nada sobre la calidad del trabajo del director, de los actores y de los demás profesionales que han participado en el film. ‘Mamma Mia!’ no es ni mucho menos un gran musical. Es injusto, y erróneo, comparar esta película con los grandes musicales clásicos de Hollywood, pero es cuando tenemos en cuenta títulos recientes, como ‘Moulin Rouge!’, ‘Chicago’ o incluso ‘Hairspray’, tampoco resiste la comparación. Otra cuestión es lo que han pretendido, o lo que podemos suponer que han pretendido. No hay más que ver los decorados o los limitados números musicales para darnos cuenta que no se quería realizar un musical a lo grande. Es, salvando las distancias, como la española ‘El otro lado de la cama’, para que os hagáis una idea. Nada de espectacularidad. Más bien parece un producto televisivo.

Es posible que para convencer a los actores para que hicieran el ridículo gastaron demasiado y no pudieron filmar todas las escenas en las localizaciones donde supuestamente ocurre todo. No habría estado mal. Como tampoco contar con otra persona más talentosa al frente de la producción. Y es que la inexperta visión de la directora Phyllida Lloyd, que debuta en el cine con este trabajo, disminuye la calidad de la obra. Lloyd será una maravillosa profesional en los escenarios de Broadway, pero en cine está un poco verde, no maneja adecuadamente todos los recursos que tiene a su disposición. Imagino que con el tiempo, si hace más películas, lo irá resolviendo. Porque otras facetas, como la dirección de actores, seguro que las domina.

El carisma y la simpatía que desprenden los actores le salvan la película. Brevemente, señalar que Pierce Brosnan lo intenta pero no lo consigue, y cuidado con sus canciones, es posible que salgáis del cine con los oídos malheridos. Colin Firth tiene un personaje bastante tontorrón y no se le ve implicado, pero su presencia es suficiente para cumplir con el trámite. De los tres posibles padres, el que mejor lo hace es Stellan Skarsgård, que hace lo justo para interpretar a su personaje y lo demás es simplemente pasarlo bien, lo que se nota mucho; también que es el mejor actor de los tres. El último “chico” de la función es Dominic Cooper, que tiene el papel del novio de la joven protagonista. Un actor de pacotilla que por el momento sólo se preocupa en mostrar su físico. Supongo que a las niñas que vayan al cine les parecerá un acierto que no lleve camiseta en muchas de sus escenas.

Por parte de las “chicas”, destacar por supuesto a Meryl Streep, la gran estrella de la película. Increíble lo de esta mujer, parece que la edad no pasa por ella, tiene una facilidad pasmosa para meterse al público en el bolsillo. También bordan sus personajes, secundarios pero jugosos, las actrices Christine Baranski y Julie Walters, las amigas de toda la vida de Donna. Por el contrario, la nota negativa, femenina, la pone la hija de Streep en la ficción, Amanda Seyfried. Insoportable de principio a fin, cursi y macriada, es la responsable de las peores escenas de la película, especialmente cuando comparte escenario con sus dos vacías amigas o con su llorica noviete. Menos mal que empiezan a sonar las canciones y poco a poco uno va recuperando la sonrisa.

Comedia musical de corto vuelo, con una historia simplona que es estirada sin demasiado talento, pero con una muy estimable capacidad para contagiar alegría y buen humor. Con divertidas actuaciones, ‘Mamma Mia!’ no deja de ser un entretenimiento correcto, especialmente destinada a los amantes de los musicales, a los fans del grupo ABBA y a los que no piden demasiado cuando van al cine, sólo pasar el rato sin aburrirse. Por cierto, no os vayáis tan rápido de la sala, hay sorpresita en los créditos.

• En Blogdecine:

‘Mamma Mía!’, chiquitita alegría (crítica de Alberto Abuín)

La ganadora ha sido la cinta turca ‘La caja de Pandora’ de la realizadora Yesim Ustaoglu, con una historia emotiva de una campesina con demencia senil de la que se tiene que hacer cargo su familia, hasta ahora disgregada. Según la crítica, no es que haya sido una sorpresa muy notable, pero no estaba situada entre las máximas favoritas a ganar la Concha de Oro. Sus principales valores residen en la narración dura, llena de verismo, sin caer en el efectismo y que consigue emocionar. También ha logrado su protagonista femenina, la actriz nonagenaria Tsilla Chelton, la Concha de Plata (compartida) a la mejor actriz.

El único título español que ha logrado pescar algo ha sido la polémica ‘Tiro en la cabeza’ de Jaime Rosales, que sin gustar al público, sí parece que ha convencido a gran parte de la crítica y se alza con el premio Fipresci. Por su parte, la independiente ‘Frozen River’, muy aplaudida y una de las máximas favoritas, al menos no se fue con las manos vacías y su protagonista, Melissa Leo, compartió la Concha de Plata a la mejor actriz (me cuesta comprender la abundancia de premios ex aequo en los festivales).

Otra sorpresa fue el Premio Especial del Jurado a la iraní ‘El caballo de dos patas’ de Samira Makhmalbaf, no sin cierta controversia, por ser un título bastante discreto, según algunos críticos con reputado criterio.

Michael Winterbottom ha logrado el Premio al Mejor Director por su trabajo ‘Genova’ y el actor argentino Óscar Martínez como mejor actor por ‘Nido Vacío’ de Daniel Burman, que también logra el de Mejor Fotografía. En cuanto al premio al Mejor Guión ha recaído en la francesa ‘Louise-Michel’.

Todo esto es lo que ha deliberado el Jurado presidido por Jonatham Demme, porque por parte del público los títulos más celebrados han sido la producción de los Coen ‘Quemar después de leer’ y la alemana ‘Los limoneros’ (‘Etz limon’) de Eran Riklis.

En definitiva, y tras otorgarle a Meryl Streep el Premio Donostia, con mucha menos repercusión mediática que Banderas (a pesar de ser calificada por la organización como la mejor actriz de la actualidad). En cualquier caso, merecido el premio y más este año que ha vuelto a brillar con su trabajo en ‘Mamma Mía!’. También se entregó el premio Fipresci de la crítica internacional a la mejor película del año al realizador Paul Thomas Anderson, que estuvo ausente, por la excelente ‘Pozos de ambición’.

Entre los olvidos más destacados, la cinta japonesa ‘Aruitemo, aruitemo’, de Hirokazu Kore-eda, y la española ‘Camino’ de Javier Fesser no lograron méritos para el Jurado, lo que no quita que sean dos títulos que han gustado y mucho en esta edición.

Como conclusión, y según los cronistas desplazados, no ha sido una brillante edición, con pocos títulos sobresalientes, y que siguiendo la estela de otros festivales prestigiosos, el Jurado se ha mostrado dispar en sus opiniones con respecto a la crítica y al público. Esperemos, al menos, que algunas de las premiadas, al menos logren distribución en nuestro país y no nos quedemos sin ver ‘Frozen River’ o el trabajo de Kore-eda, algunas de las que más interés me han despertado.

A continuación el palmarés detallado de la 56ª edición del Festival de Cine de San Sebastián:

Concha de Oro a la Mejor Película: ‘La caja de Pandora’ de Yesim Ustaoglu (Turquía-Francia-Alemania-Bélgica).

Premio Especial del Jurado: ‘El Caballo de dos piernas’ de Samira Makhmalbaf (Irán-Francia).

Concha de Plata al Mejor Director: Michael Winterbottom por ‘Genova’ (Gran Bretaña).

Concha de Plata a la Mejor Actriz: Melissa Leo por ‘Frozen River’ (EEUU) y Tsilla Chelton por ‘La Caja de Pandora’.

Concha de Plata al Mejor Actor: Óscar Martínez por ‘El Nido Vacío’ (Argentina-España).

Premio del Jurado a la Mejor Fotografía: Hugo Colace por ‘El Nido Vacío’.

Premio del Jurado al Mejor Guión: Benoît Delépine y Gustave Kevern por ‘Louise-Michel’ (Francia).

Premio Altadis Nuevos Directores: ‘The Equation of Love and Death’ de Cao Baoping (China-Hong Kong).

Premio Horizontes: ‘Gasolina’ de Julio Hernández Cordón (Guatemala).

Menciones especiales: ‘Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo’ de Yulene Olaizola (México) y ‘Parque Vía’ de Enrique Rivero (México).

Premio TCM del Público: ‘Quemar después de leer’ de los hermanos Coen (EEUU).

Premio a la mejor película europea: ‘Los limoneros’ (‘Etz limon’), de Eran Riklis (Israel-Francia-Alemania).

Premio de la Juventud: ‘Amorosa Soledad’ de Martín Carranza y Victoria Galardi (Argentina).

Premios Cine en Construcción: ‘Norteando’ de Rigoberto Perezcano (México). Este film también ha sido premiado por TVE, consistente en la adquisición de sus derechos de emisión, y por la Casa de América que está dotado con 10.000 euros para poder completar su posproducción.

Premios Cine en Movimiento: ‘Le Temps des camarades’ de Mohamed Chrif-Tribak (Marruecos), ‘Chou Sar?’ de De Gaulle Eid (Líbano-Palestina-Francia) y ‘Pomegranates and Myrrh’ de Najwa Najjar (Palestina).

Premios Paralelos

Premio Fipresci: ‘Tiro en la Cabeza’ de Jaime Rosales (España).

Premio TVE Otra Mirada: ‘Frozen River’ de Courtney Hunt (Estados Unidos).

Premio Signis: ‘Frozen River’ de Courtney Hunt. Mención especial: ‘Still Walking’ de Hirokazu Kore-Eda (Japón).

Premio del Círculo de Escritores Cinematográficos: ‘Still Walking’ de Hirokazu Kore-Eda.

Premio de la Asociación de Donantes de Sangre de Gipuzkoa, a la Solidaridad: ‘El Patio de mi Cárcel’ de Belén Macías (España).

Premio San Sebastián 2008: ‘Vicky Cristina Barcelona’ de Woody Allen (España-Estados Unidos).

Vía | Alta Definición | El País | El Mundo

En Blogdecine:

• Festival de San Sebastián 2008: Allen, un pijama y algún payaso
• Festival de San Sebastián 2008: de tiros en la cabeza, patios de cárcel y trucos de mancos

Vaya pareja de actores que tenemos aquí. Philip Seymour Hoffman y Meryl Streep. Nada más y nada menos. Ellos son, junto a Amy Adams, los protagonistas de ‘Doubt’, de la que os traigo el póster y el trailer.

Os recomiendo ver el avance, porque aunque empieza un poco flojo, va aumentando en interés e intensidad hasta el final. Quizá es demasiado largo, podría cortarse mucho antes, pero de aquí a que se estrene la película en nuestro país (no hay fecha por el momento) es poco probable que nos acordemos de nada del trailer, salvo el gusto que nos dejó al verlo. El 12 de diciembre estará en los cines norteamericanos.

‘Doubt’ (‘Duda’) nos sitúa en 1964 y gira en torno a una acusación de pedofilia que se produce en el seno de un colegio católico del Bronx. Se trata de la adaptación al cine de una obra premiada con el Pulitzer, escrita y dirigida por John Patrick Shanley, tanto para teatro como para cine. ¿Creéis que la película huele a Oscar?

• Posdata: ¿Es Philip Seymour Hoffman el mejor actor del planeta (y del resto del universo conocido)?

Vía | ActualidadCine

El género musical no está viviendo una nueva época de esplendor, sobre todo si lo comparamos con los grandes musicales salidos de esa gran factoría para todo que es Hollywood. Pero sí goza del favor del público (y en algunos casos de la crítica), los cuales acuden en masa a ver películas como ‘Moulin Rouge’ o ‘Hairspray’, sobre todo porque están llenas de caras conocidas, y la mayoría de los casos de actores y actrices que rara vez han protagonizado un musical y el hecho de verles interpretando canciones es algo que nadie quiere perderse. Pero hay de todo en la viña del Señor; en la presente década ha habido excelentes muestras de lo que debe ser un gran musical (‘Trabajos de amor perdidos’ o ‘Chicago’) y también todo lo contrario (‘Across the Universe’). ‘Mamma Mia!’ se posiciona a medio camino, aunque todo en ella huele a horterada profunda. Afortunadamente, todos son (y somos, porque el que no lo vea que se lo haga mirar) conscientes de ello.

‘Mamma Mia!’ es la adaptación cinematográfica del musical de idéntico título, representado por primera vez en 1999 en Londres, y luego en varios lugares como Broadway, donde fue dirigido por la directora del film, Phyllida Lloyd. Su argumento es más simple que un crucigrama de El País: Sophie vive felizmente con su madre en una isla de Grecia, conde ambas regentan un acogedor hostal costero. Sophie pronto se casará con su joven amante, y como nunca ha conocido a su padre, decide, a espaldas de su madre, invitarle a la boda. Sólo existe un problema: son tres los posibles candidatos a ser el padre de la chiquilla, dado que el año de su gestación su madre estuvo liada con tres hombres. Así que Sophie invita a los tres, quienes sorprendidos por la invitación, se presentan en la isla, y el lío está servido.

Lo del lío es un decir, pues la película camina por los derroteros más previsibles, conocidos y sobados que se recuerdan en el género de la comedia de situación. Pero ‘Mamma Mía!’ no pretende en ningún momento ser la quintaesencia de la comedia o del musical. Su esquemática historia ha sido escrita al servicio absoluto de las canciones del mítico grupo ABBA (con sólo nombrarlos los de mi generación retroceden en el tiempo unos 30 años), por lo que el visionado de la película se reduce a ir comprobando cómo los guionistas, y la directora, se las ingenian para ir introduciendo casi todas las conocidas canciones del grupo sueco. Y cuando no pueden, pues nada, a amenizar los títulos de crédito finales con un par de actuaciones de los actores del film, interpretando a viva voz algunos temas, que por evidentes razones, no pegaban ni con cola en la trama.

Es precisamente el hecho de que sus artífices son conscientes de que están realizando una parodia (¿las canciones de ABBA dan para hacer algo serio?), riéndose de todos, sobre todo de sí mismos, lo mejor de un film al que hay que asistir con una total falta de prejuicios, probablemente la cosa más difícil de hacer cuando se asiste al cine (salvo que vayas a comer palomitas, hacer ruido con la bolsa de patatas fritas, o sorprenderte de que los actores canten en el film, porque no sabías lo que ibas a ver). Las canciones, las cuales forman parte de la memoria colectiva y eso es una ventaja, se suceden una tras otra, y a veces sin motivo aparente. Unas están bien introducidas en la historia (si se le puede llamar así), y otras necesitan de un calzador bien grande. Pero todas y cada una de ellas están interpretadas con ganas y mucho sentido del humor, y por si los actores no se llegan, apoyan por detrás un montón de gente (casi siempre los habitantes del pueblo) haciendo gansadas de todo tipo (sirva como ejemplo los “bailarines” con aletas, desternillante).

El reparto, lleno de actores conocidos, se olvida de todo lo realizado anteriormente y se desmelena sin ningún tipo de rubor. Meryl Streep se sale por todos los lados y se convierte en el alma máter de la película, poniendo toda la carne en el asador y rejuveneciendo unos cuantos años, y es que con su vitalidad desprende una contagiosa alegría que al salir del cine a uno le dan ganas de volverse a casa cantando y bailando y haciendo el tonto sin sentido del ridículo. A su lado, creo que merecen especial mención Julie Walters, quien sabe aprovechar su simple personaje y se lo pasa en grande tres cuartos de los mismo que sucede con Christine Baranski. En cuanto al terceto de veteranos actores, Pierce Brosnan lo intenta pero no lo consigue; Colin Firth pone la nota políticamente correcta, y Stellan Skarsgård es el mejor parado de los tres.

No hay más, no lo busquéis. ‘Mamma Mia!’ sólo pretende refrescar, y de paso, salpicar un poco de esa alegría que sus artífices demuestran tener riéndose de todos. Y todo ello sin quisiera irse a Grecia a rodarla (sólo la escena de la procesión de la boda está realizada allí), pues la mayoría fue filmada en los Estudios Pinewood (Pierce Brosnan reconoció estar incómodo por si se encontraba a Daniel Craig por allí). Phyllida Lloyd no aprueba como directora de cine musical, por mucho que provenga de dirigir óperas, y el film se construye gracias la desvergonzada actuación de su reparto, y como no, de las propias canciones. Juntos logran este ejercicio camp, sin ningún tipo de pretensión.

El caballero oscuro

‘The Dark Knight’, 2008. Dirección: Christopher Nolan. Intérpretes: Gary Oldman, Michael Caine, Heath Ledger, Christian Bale. Género: Aventuras, acción. Duración: 2 horas 32 minutos. Sinopsis: Con la ayuda del teniente Jim Gordon y el fiscal de distrito Harvey Dent, Batman se propone desmantelar las organizaciones criminales que infestan las calles de Gotham una vez para siempre . El triunvirato demuestra ser efectivo, pero pronto se verán atrapados por una mente criminal en auge conocida como El Joker. El reino de caos y anarquía que desata El Joker obliga al Caballero oscuro a decidir entre ser héroe o ser vigilante.

¿Qué podemos esperar?: En taquilla, la película del año. Casi todo el mundo hipnotizado y maravillado ante el espectáculo. Yo, sin embargo, me pregunto si será para tanto, si corresponde a la expectación que se ha levantado, y si es verdad que estamos ante una de las obras cumbre del año. Por ahora, Luisfer ya ha dado su punto de vista, Juan Luis Caviero y Jesús León también han opinado y dejado sus críticas.

Mamma Mia!

‘Mamma Mia!’, 2008. Dirección: Phyllida Lloyd. Intérpretes: Meryl Streep, Pierce Brosnan, Amanda Seyfried, Colin Firth. Género: Musical. Duración: 1 hora 48 minutos. Sinopsis: Donna, una madre independiente y soltera, dueña de un pequeño hotel en una idílica isla griega, está a punto de dejar que se marche Sophie, la hija a la que ha criado sola. Donna ha invitado a sus dos mejores amigas a la boda de su hija, Rosie, una mujer práctica y lógica, y Tanya, rica y multidivorciada. Las dos son ex miembros de su antigua banda, Donna and the Dynamos. Por su parte, Sophie también ha hecho tres invitaciones muy especiales. Decidida a encontrar un padre para que la lleve al altar, invita a tres hombres que visitaron la paradisíaca isla hace 20 años, y entre los que podría estar su padre. Durante las siguientes caóticas y mágicas 24 horas, florecerán nuevos amores y se reavivarán viejos romances en la isla.

¿Qué podemos esperar?: Como sucede con todo musical de éxito, se lleva a la pantalla en cuanto alguien está dispuesto a ello, por hacer más caja. Reparto de campanillas para recuperar la nostalgia de los grandes éxitos del grupo sueco y para quienes que no les interesa las andanzas del murciélago. Ver trailer.

Vampir-Cuadecuc

‘Vampir-Cuadecuc’, 1970. Dirección: Pere Portabella. Intérpretes: Christopher Lee, Herbert Lom, Soledad Miranda, Jack Taylor. Género: Musical. Duración: 1 hora 15 minutos. Sinopsis: Filme clave para entender la transición que se produce en el campo cinematográfico español desde el período de los “nuevos cines” (permitidos por la administración franquista) hacia las practicas clandestinas, ilegales o abiertamente de oposición antifranquista. Filmación del rodaje de filme comercial, El Conde Drácula, de Jesús Franco, donde Portabella elimina totalmente el color y sustituye la banda sonora por un paisaje de colisiones imagen-sonido a cargo de Carles Santos.

¿Qué podemos esperar?: Experimento de Pere Portabella, en una época en que ciertos directores españoles intentaban hacer otro tipo de películas. Toda una curiosidad.

California dreamin’

‘California dreamin’ (Nesfarsit)’, 2007. Dirección: Cristian Nemescu. Intérpretes: Armand Assante, Jamie Elman, Razvan Vasilescu, Maria Dinulescu. Género: Drama. Duración: 2 horas 35 minutos. Sinopsis: A principios del verano del 99 la guerra de Kosovo vive sus últimos episodios. A bordo de un tren que transporta equipamiento de la OTAN y personal del ejército a través de Rumania camino de la frontera Serbia, viaja el capitán del ejército estadounidense Doug Jones, quién está a cargo de la operación, junto con el sargento David McLean, su fiel mano derecha. Una de sus paradas ha de realizarse en una aparentemente insignificante estación, ni siquiera digna de tener ese nombre, de una pequeña aldea de Rumania, en la que el jefe de estación Doiaru – odiado por los aldeanos por su comportamiento corrupto- muestra su desacuerdo.

¿Qué podemos esperar?: Película rumana con reparto internacional y obra póstuma del director Cristian Nemescu, muerto el año pasado en un accidente de tráfico, y donde representa en una estación de tren un microcosmos donde se pueden mascar las tensiones de la región. Merece una oportunidad, más con la calidad del reciente y sorprendente cine rumano.

Vía | Linkara

Hablando con mi buen amigo Jeremy Fox (el único y verdadero culpable de que yo escriba en Blogdecine), sobre la triste desaparición de Sydney Pollack, mientras repasábamos su filmografía coincidíamos en las que son sus cinco mejores películas (teniendo en cuenta, en mi caso, el no haber visto ni su ópera prima ni ‘Una Vida, un Instante’). Pollack fue uno de esos directores que un servidor, y muchos de los de mi generación, descubrió en la televisión, con los pases sobre todo de sus films de los años 70, los cuales dejaron una impronta huella en mí por varias y diversas razones.

Aunque como actor, su carrera fue incluso más prolífica, sobre todo en los últimos años de su vida, dando vida muchas veces a personajes ambiguos y de toques sombríos (‘Eyes Wide Shut’, sustituyendo al inicialmente previsto Harvey Keitel), fueron sus trabajos como director los que dejaron para la posteridad algunos muy buenos momentos, haciendo siempre gala de una sobriedad narrativa, tirando al clasicismo, que últimamente chocaba bastante con lo que se suele hacer en el Hollywood actual.

A continuación, en orden cronológico, las cinco mejores películas de Pollack:

• ‘Las Aventuras de Jeremiah Johnson’

La segunda de las siete colaboraciones con su buen amigo Robert Redford, y el primero de los que yo vi de Pollack. A pesar de cierta monotonía, todo un canto a la naturaleza, y una crítica hacia los peligros de la civilización. En su momento fue un éxito arrollador, y hoy día es vista como película de culto. Basada en polémicos y emotivos hechos reales, Redford contribuyó a la fama de la misma con su simple presencia, ya que por aquel entonces era uno de los actores más admirados y comprometidos del momento.

• ‘Yakuza’

Para un servidor el mejor film de su director, todo un prodigio de ritmo e historia. El guión, escrito a cuatro manos por Paul Scharder y Robert Towne, basándose en una historia de Leonard Shrader, fue el más caro de la historia en su momento. Al principio era un proyecto para Scorsese, y también para Robert Aldrich quien a punto estuvo de hacerla con Lee Marvin al frente. Cuando entró en escena Robert Mitchum (en la que es una de sus interpretaciones más celebradas) forzó la situación para echar a Aldrich, y entró en juego Pollack, quien quería a Robert Redford para el personaje central. Menos mal que las cosas quedaron así (aunque imaginar lo que podría haber hecho Scorsese con semejante material es uno de esos pensamientos que te hacen sentir a gusto), y dio como resultado un film sombrío, de extrema violencia, y con unas interpretaciones soberbias. Ken Takakura repetiría similar operación años más tarde en la sospechosamente parecida ‘Black Rain’ de Ridley Scott. Tarantino también se encargó de coger algo para su celebrada ‘Kill Bill’. Inolvidable lo del dedo meñique.

• ‘Los Tres Días del Cóndor’

Un clásico de los 70 del cine de espionaje. De nuevo Redford colaborando con su amigo Pollack, y encabezando un suculento reparto, es una trepidante historia sobre un hombre injustamente perseguido y metido en asuntos de la CIA y peligros varios. El extraordinario montaje, obra de Fredric Steinkamp y Don Guidice, fue nominado al Oscar (aunque se lo arrebató Verna Files por ‘Tiburón’) y es toda una lección de ritmo. El film, hoy algo olvidado por cierto sector, permanece como uno de los más influyentes en los cineastas que se lanzan a contar historia similares.

• ‘Tootsie’

Nominada a diez Oscars, consiguiendo la primera estatuilla para Jessica Lange, fue uno de los éxitos más abrumadores de su director. La historia de un hombre que para poder conseguir trabajo se disfraza de mujer, caló muy hondo en las audiencias de aquel año. Es probablemente la única comedia pura de Pollack, y aunque tal vez sea un pelín larga, está llena de situaciones muy divertidas, y sobre todo contiene una de las mejores interpretaciones de Dustin Hoffman, que por aquel entonces estaba en lo más alto de su carrera.

• ‘Memorias de África’

El reconocimiento de la Academia de Hollywood, aunque para ello tuvieran que ningunear la magistral ‘El Color Púrpura’, y otro de los grandes éxitos de Pollack (ya nunca volvería a alcanzar uno así). Una de esas historias de amor que tanto gustan en Hollywood, entre una mujer danesa y un cazador en la preciosa Kenia. El papel de Meryl Streep fue ofrecido a Audrey Hepburn (este tipo de cosas a veces creo que era mejor no saberlas), y como siempre la actriz ofrece una de sus entregadas interpretaciones dominando acentos, aunque también como siempre tirando hacia el histrionismo. De todos modos, la compenetración con Robert Redford es perfecta. Y John Barry musicándolo todo con uno de sus trabajos más recordados, aunque recuerde en demasía a su score para ‘Nacida Libre’ (algo que repitió descaradamente para su también oscarizada ‘Bailando con Lobos’). Inolvidable el momento en el que ella es invitada a tomar una copa en el club para caballeros en el que nunca dejaban entrar a mujeres.

Hay dos secuencias de entre todas las películas de Sydney Pollack que me reconfortan, principalmente por lo que transmiten, y aunque piense que más que el director, sea culpa de las otras personas que intervienen en ellas. Seguramente para mí son mágicas por la música. Dos declaraciones de amor sin besos, y sin declaración valga la redundancia. El final de ‘Tal como éramos’, con la música de The Way We Were de fondo. La secuencia del avión volando sobre África con la banda sonora de John Barry en ‘Memorias de África’. Las dos inmortales a su manera.

Cierto que Sydney Pollack comentó en más de una ocasión que su película es, tras el marco de una historia de amor, una fuerte crítica a la época del senador McCarthy, al desencanto que vivió una generación castigada por la represión política que instauró este senador. Y así debería entender estar película, pero me pasa como a los fans americanos de la misma, me quedo con la historia de amor, sobre todo por cómo se cierra la misma. El final de ‘Tal como éramos’ parece algo más que un reencuentro y una despedida de los personajes. Es la respuesta a un amor imposible. Se ve y se sabe que los dos se quieren, por lo que se dicen, por cómo se lo dicen, las miradas, las pausas, el nerviosimo del encuentro inesperado tras años sin verse. Tanto Barbra Streisand como Robert Redford transmiten todo eso en apenas dos minutos, e incluso uno podría imaginar lo que ha podido pasar entre ellos sin haber visto la película. La sensación de dos personas que se aman, pero no pueden estar juntos porque serían infelices. El amor imposible por vivir fiel a unos ideales. Porque saben que es así y nada se puede hacer, cerrado por The Way We Were.

Seguramente es John Barry el que con su música crea la magia de esta secuencia. Otra declaración de amor sin palabras. Alguien que quiere compartir con la persona que quiere sus momentos íntimos, su secreto, descubriéndole algunos de los rincones de África. Podría pensar uno que estamos ante postales, imágenes que se verían en cualquier documental sobre este continente, pero al momento nos vemos tarareando la banda sonora de Memorias de África. Es una pausa. Un momento íntimo que el cineasta quería compartir con nosotros, cerrado con esa mano de Meryl Streep agradeciendo a Robert Redford lo que acababa de mostrarle.

Ambas secuencias las vería cientos de veces y no me cansarían. Y es probable que no tenga que ver por cómo las rodaron. Va más allá. Afecta a mi memoria selectiva, a los recuerdos escondidos en las esquinas de mi mente, como dice la canción de Barbra Streisand. Me emocionan y me hacen sentir débil, como en el Oh capitán, mi capitán de ‘El club de los poetas muertos’. El cine son sentimientos, y a diferencia del entretenimiento, el primero se guarda como un regalo. De ahí la magia. Por eso algunos llegan a amar al séptimo arte.

En blogdecine | Barbra Streisand y algunas de sus canciones
En blogdecine | Sydney Pollack nos ha dejado
En blogdecine | Mis secuencias mágicas de cine

Hace poco os ofrecimos un trailer de ‘Mamma Mia!’ y hoy le toca el turno al póster oficial. No sé vosotros, pero yo, según se va acercando la fecha de estreno, concretamente el 5 de Septiembre, le voy teniendo más y más miedo a esta película, otra que intenta resucitar el género del musical, algo que ya está siendo una realidad, dada la cantidad de películas que se han hecho al respecto en los últimos años, y se continúan haciendo.

Ya sabéis, ‘Mamma Mía!’ coge las canciones del grupo ABBA, las mete en un contexto de comedia romántica, y con actores y actrices como Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth o Julie Walters saltando, cantando, brincando y bailando al son de las canciones. Esperemos que no sea algo parecido a la reciente operación de Julie Taymor en la bochornosa ‘Across the Universe’.

Vía | Worstpreviews

El 5 de Septiembre se estrena entre nosotros ‘Mamma Mia!’, musical basado en canciones del mítico grupo sueco ABBA (preguntadles a vuestros padres por si el nombre no os suena), y veremos como actores y actrices del talante de Meryl Streep, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgård y Julie Walters, entre otros, se ponen a cantar y bailar al ritmo de algunas de las canciones más conocidas del grupo.

Aquí tenéis el nada esperanzador trailer de la película, en la que se narra cómo una chica a punto de casarse quiere saber quién fue su padre y para averiguarlo decide invitar a la boda a antiguos amantes de su madre. La película ha sido dirigida por Phyllida Lloyd, que debuta en el cine con este trabajo.

‘Mamma Mia!’ (trailer internacional, Flash)

Vía | The Movie Box

Cuando mi compañera Beatriz hizo su crítica de ‘El Atardecer’ (‘Evening’, 2007), la comparó con ‘Los Puentes de Madison’ (película que por cierto no gusta a algunas mujeres porque tal vez las retrata mejor de lo que les gustaría). Creo que yo ahora mismo encontraría más similitudes entre un bocadillo de mortadela y la vida sexual de las cucarachas en África del Sur que entre esas dos películas. No, miento, en las dos sale Meryl Streep, por lo que entonces también podemos decir que ‘El Atardecer’ se parece a ‘La Decisión de Sophie’ o a ‘Leones por Corderos’. Porque si vamos a hablar de la diferencia generacional entre padres e hijos, o que los hijos descubren cosas sobre su padre o madre cuando éstos eran jóvenes, entonces la segunda película de Lajos Koltai se parece a otros muchos títulos que hay desde que el cine es cine.

‘El Atardecer’ cuenta la historia de una mujer moribunda que en los últimos instantes de su vida recuerda a su gran amor, al que nadie parece conocer. Sus hijas hacen frente a esta situación, que además les sirve para enfrentarse a sus propios problemas personales. Un argumento muy televisivo, que en manos de Koltai logra adaptarse al medio cinematográfico única y exclusivamente por su espectacular fotografía.

La película no tiene un mal comienzo, con Vanessa Redgrave adueñándose enseguida de la función, y haciéndonos ver que muy probablemente su personaje será el que más nos fascine de toda la historia, pues la entrega de la actriz en todas aquellas escenas en las que aparece es total y absoluta, logrando algún que otro momento bastante emotivo. El problema empieza cuando la película viaja al pasado y empezamos a enterarnos de todo lo que le ocurre al personaje de Redgrave cuando era joven. Tanta historia guardada, tanto secreto importante, tanta emoción en los recuerdos, que el espectador tiene la sensación, y esperanza, de que la historia pasada es por lo menos la más grandes historia jamás contada. Es lamentable cuando descubrimos que la mencionada historia no llega ni a rumor de barrio, que aquello que pasó hace años no es tan importante como intentan hacérnoslo ver, y así se produce un desequilibrio entre la importancia de los recuerdos de la Redgrave, y lo que vivió este personaje cuando era joven, siendo interpretada en esos instantes por una no demasiado molesta Claire Danes.

También hay demasiadas historia entrelazadas de los distintos personajes que pululan por el film, y ninguna en absoluto queda completamente cerrada, además de que apenas resultan interesantes, sino más bien todo lo contrario, son corrientes e incluso anodinas. El problema está en que uno de sus guionista es Michael Cunningham, de quien ya hemos visto sus desastroso trabajo en ‘Una Casa en el Fin del Mundo’, y que en esta película, ayudado por la propia autora del libro en el que se basa, recuerda demasiado a una de sus obras, ‘Las Horas’, que conoció una estupenda adaptación. Si allí los saltos en el tiempo funcionaban bastante bien, aquí están realizados sin ton ni son y de forma totalmente aleatoria sin que afecte demasiado al orden de la narración, y careciendo por completo de ritmo. Vamos de adelante para atrás al antojo del guionista y porque sí, y mientras tanto vamos abriendo la boca por el aburrimiento que hace mella en nosotros.

Ni siquiera su espectacular reparto logra llamar nuestra atención. Dejando a un lado a Redgrave, el resto se pasean por el film con más y menos fortuna, pero sin deslumbrarnos ni lo más mínimo. Glenn Close y Meryl Streep salen bastante poco, y mientras la primera hace gala de su molesto histrionismo, la segunda intenta emocionar con su serenidad, sin conseguirlo demasiado. Toni Collette y Natasha Richardson dan vida a las hijas de la moribunda con unos personajes bastante tópicos y mal perfilados, y que contienen además diálogos bastante ridículos. De Hugh Dancy podríamos decir que es de los mejores, aunque su personaje nunca termina de obtener la supuesta importancia que parece tener en un principio. Y de Mamie Gummer que es igualita a su madre.

El reparto se la pega completamente con Patrick Wilson, en uno de los errores de cásting más escandalosos y evidentes de cuantos se hayan visto. El actor da vida a alguien muy importante en la vida de uno de los personajes centrales, o mejor dicho, de varios. Pero entre que el actor está totalmente inexpresivo, y su rol no está del todo desarrollado, nos es imposible creernos que su paso por esta vida haya dejado una huella tan profunda en determinadas personas. Es el aspecto más increíble y forzado de toda la película, con lo cual su gran baza se desmorona por completo.

Lajos Koltai no tiene ni la más mínima personalidad dirigiendo, su puesta en escena está basada solamente en una extraordinaria fotografía, aspecto éste que Koltai ha cuidado mucho en sus dos películas como director (de la otra os hablé hace poco), dado que durante muchos años se encargó del trabajo de fotografía de muchas películas. Así pues, la labor de Gyula Pados es ejemplar, componiendo en ciertos momentos planos que son auténticos cuadros, y devorando completamente la historia, dada la enorme debilidad que ésta posee.

Un film aburridísimo y falto de interés, donde ni siquiera la música del excelente Jan A.P. Kaczmarek llega a los niveles deseados, recordando en algunos instantes a la que compuso para la maja ‘Descubriendo Nunca Jamás’. No creo que dure mucho en cartelera, los empleados de los cines no estarán por la labor de despertar a los clientes al término de la función.

Con una película como ‘El atardecer’ (‘Evening’) no sería necesario ni escribir una crítica, sólo con decir las actrices que aparecen en ella, seguro que mueve a una gran parte del público a la taquilla. Aquí va la retahíla por orden alfabético: Glenn Close, Toni Collette, Claire Danes, Vanessa Redgrave, Natasha Richardson y Meryl Streep. Además de ellas, están Patrick Wilson, Hugh Dancy, Mamie Gummer y Eillen Atkins.

Se trata de uno de esos films grandiosos en los que, además del espectacular y oscarizable reparto, todo se mueve en mansiones de lujo y lugares idílicos, la fotografía es bonita y los sentimientos que experimentan los personajes son intensos y convierten cada momento en el más crucial de sus vidas. Es uno de esos dramas norteamericanos que casi siempre aparentan ser cine de una calidad mayor que la que realmente poseen. Una de esas películas con tanta fachada que parece difícil penetrar en ellos y más aún despiezarlos o criticarlos. Deslumbrante, podría ser la palabra, pero no por lo brillante, sino por el efecto cegador de su aparato estético.

Con ello, la película trata de explorar la idea de las oportunidades perdidas, los errores vitales y la renuncia a la felicidad. Estos conceptos son interesantes, aunque la forma en la que se abordan, además de ser excesivamente obvia, no es todo lo profunda que podría ser. Ya que tenemos a varias mujeres que se preguntan si han tomado las decisiones correctas en su vida —pues la hija pequeña de Ann (Toni Collette) también tiene dudas—, se podría haber hecho que alguna de ellas sí hubiese luchado por lo que amaba, incluso aunque hubiese tenido que renunciar en última instancia. Pero al ver que nadie se esfuerza por lograr su objetivo, el que no lo alcancen no se puede comprender como un fracaso.

Aparte de esto, el mensaje final de la película es tremendamente conservador, ya que se concluye que no hay por qué perseguir la felicidad, sino conformarse, o que para una mujer tener hijos debería ser lo más satisfactorio de su vida. Esta idea queda más que sentenciada en la frase “no existen los errores”, que se enuncia más de una vez. La decisión del personaje de Collette también recalca esta moraleja.

Lo narrado a través de flashbacks se limita a dos o tres días y lo que ocurre en el tiempo presente es igual de breve. Para que comprendiésemos mejor el arrepentimiento por el que pasa Ann, tendríamos que ver otros momentos de su juventud. Contemplamos el momento en el que conoce a Harris, se enamora de él, pero no vemos cuándo lo deja. Eso sí, sabemos que lo deja desde el principio, pues sus hijas no lo conocen. Aunque la película se quiere centrar en esa equivocación, lo que vemos en el recuerdo no es esa decisión, sino algo muy anterior. Y quien realmente es protagonista de estos flashbacks, mucho más que Harris, es Buddy, el hermano de la joven que se va a casar. Quizá el motivo por el que no se transmite bien la sensación que se quiere dar sea que lo que se cuenta del pasado se centra más en Buddy, con el que Ann tiene una especial amistad, que en Harris. El arrepentimiento de Ann tendría que referirse a la figura de Buddy. Y, a pesar de todo lo que ocurrió aquellos días, la Ann del presente no siente ningún remordimiento sobre ese aspecto.

Sin ser el protagonista que ‘El atardecer’ quiere tener, Buddy, es el elemento más interesante de todo el film. Su personaje sostiene la película y gracias a él tenemos suficientes momentos de buen cine, profundización psicológica y conflicto, como para que ver ‘Evening’ no sea una pérdida de tiempo completa. El actor que le da vida, Hugh Dancy (en la foto de más arriba), hace un trabajo excelente, quizá gracias a que sobre guión es el único que tiene un personaje con aristas, con debilidades, pero que dice la verdad cuando es necesario y que trata de encontrar esa felicidad a la que todos han renunciado ya desde tan pronto.

Sin embargo, no es intención de los autores que Buddy sea el protagonista. Sus personajes principales son las mujeres, pero ellas carecen de personalidades bien definidas y consiguen una empatía muy escasa. Las actrices están muy correctas en sus papeles, siendo Claire Danes la que más destaca, pero desde guión sus formas de ser no quedan nada claras.

Harris, personaje del que se enamoran todos los seres vivientes que hay por la película, está interpretado por Patrick Wilson (en la fotografía de la izquierda). Esto puede ser únicamente mi apreciación, pero me da la sensación de que es un error de cásting, pues no es ni mucho menos, un hombre del que todo el mundo se pueda enamorar a simple vista. Sin ser tampoco feo, carece de encanto, de carisma, tiene tanto aspecto de estirado como el marido con el que Lila se casa por despecho. Así que, esta deficiencia en el reparto hace que sea muy difícil comprender la forma de actuar de las protagonistas. Claro que no sólo el actor es anodino, como personaje tampoco tiene el más mínimo matiz que lo convierta en interesante.

Resumiendo: ‘El atardecer’ es una película que deslumbrará por su elenco y su elegante realización, pero a la que en seguida se le pueden encontrar fallos si se profundiza un poco. Con un protagonismo equivocado, el guión se empeña en dar una conclusión que ni siquiera ha sabido plantear y que tiene que introducirla con frases obvias.

Hasta hace tan sólo unos días no había visto ‘Los Puentes de Madison’, una de las películas más famosas del gran Clint Eastwood. Alberto, fan declarado de la película (aunque no la puso entre sus favoritas el muy coruñés), ya me amenazó en su momento con no permitirme volver a pisar su estupendo local hasta que no hubiera contemplado ese triste y emotivo final bajo la lluvia. Y es que, en ocasiones, sin razón aparente, hay títulos de este calibre que vas dejando para más adelante, como si nunca fuera el mejor momento para sentarse y enfrentarse al visionado; eso sí, entre tanto te has ido tragando un mar de productos penosos. Es lo gracioso del asunto.

En fin, a lo que iba. Hace poco compré la película en cuestión, a muy buen precio, y me decidí a verla antes que acabara el año. Deliciosamente acompañado, me encontré tras ver ‘Los Puentes de Madison’ con una sensación ligeramente agridulce. El film tiene partes gloriosas pero también otras lamentables. El resultado global es muy poderoso, desde luego, pero no deja de ser una pena que tenga esos bajones puntuales tan extraños.

El guión de ‘Los Puentes de Madison’ (‘The Bridges of Madison County’, 1995), escrito por Richard LaGravenese, está basado en la novela homónima de Robert James Waller. Se nos sitúa en 1965 y se nos narra la historia de Francesca, una solitaria ama de casa, de origen italiano, residente en Iowa. Mientras su esposo y sus dos hijos se encuentran de viaje, Francesca conoce a un fotógrafo que ha llegado al Condado de Madison para realizar una serie de fotografías sobre los puentes cubiertos de la zona; ambos se enamoran. Los cuatro días que pasan juntos suponen para ella un giro fundamental en su vida. Una historia que reflejará en un diario dividido en cuatro partes que sus hijos descubren después de su muerte.

La película parte de la muerte de la protagonista, Francesca, para, a través de su diario, leído por sus dos hijos, contarnos la corta pero intensa historia de amor extramatrimonial que vivió con Robert, el fotógrafo del National Geographic que, casualmente, se paró junto a su casa. Eastwood hace gala de esa impresionante mezcla de sensibilidad y fuerza que caracteriza su cine. Increíble lo de este genio, lo fácil que puede lograr, en tantas películas, que se te ponga la piel de gallina. El amor que sienten los dos protagonistas se respira, se siente, se intuye, pero casi nunca se ve, apenas se nos revela de forma notoria. Es imposible no acordarse de esa maravilla titulada ‘Breve Encuentro’ (David Lean) mientras se ve ‘Los Puentes de Madison’. No sólo por la historia, por su desarrollo y desenlace, sino también por la nostálgica y dulce voz en off femenina que nos relata la experiencia, o por esa escena casi calcada en la que una ruidosa amiga de la protagonista interrumpe la inocente intimidad de los amantes. De todas formas, que no se me malinterprete, son películas muy diferentes y que la sinopsis tenga similitudes es de lo más corriente. También podríamos incluir aquí a ‘Deseando Amar’ y cerrar un fascinante triángulo cinematográfico sobre el adulterio.

El reparto de ‘Los Puentes de Madison’ podría dividirse en dos apartados, o dos parejas, muy diferentes. Por un lado, tenemos a los dos personajes que protagonizan la parte del presente, papeles de Victor Slezak y Annie Corley, y, por otro, a los dos amantes sobre los que gira la historia central, encarnados por Meryl Streep (nominada al Oscar por este trabajo) y Clint Eastwood. Es en la primera pareja de personajes donde está lo peor de la película. Me resulta incomprensible que Eastwood permitiera semejantes actuaciones, lamentables, por parte de Slezak y Corley, aparte de que sus diálogos sean también flojísimos y en ocasiones absurdos. Lo de Corley es de juzgado de guardia, hay momentos en que incluso parece que imita al Chandler de ‘Friends’. No te llegan a estropear la película, ni muchísimo menos, pero cada vez que salen es que dan ganas de darle al botón de avanzar; a excepción, eso sí, de uno de los momentos finales, en el puente, que es bellísimo.

Todo lo contrario ocurre con los protagonistas, con Meryl Streep y Clint Eastwood. Ambos están sensacionales, inmejorables, formando una pareja memorable. Streep, sin duda una de las actrices de mayor talento que ha dado Hollywood, aparece sensual, fascinante, encarnando a la perfección a una mujer que, por unos días, encuentra una vía para esa dar rienda a la pasión que dormía olvidada en su interior. Atención al sutil acento que adorna su impresionante actuación o a esos graciosos gestos nerviosos que hace con las menos. En cuanto a Eastwood, me resultaría rarísimo que no hubiera estado también nominado al Oscar por esta película, si no fuera porque su faceta como actor siempre ha sido muy infravalorada. La leyenda viva nos ofrece todo un recital interpretativo y nos regala algunos momentos poderosísimos, como cuando se le saltan las lágrimas o el ya mencionado desenlace bajo la lluvia.

Por tanto, no incluiría ‘Los Puentes de Madison’ entre las cinco mejores películas de Eastwood como director, pero sí estaría entre las dos o tres primeras si me tocara defender la calidad de Eastwood como actor; algo que se ha venido discutiendo desde que casi no moviera un músculo para Sergio Leone. A Streep no hay que defenderla, pero si llegara el caso, aquí también realiza un trabajo extraordinario.

Como conclusión, nos encontramos ante un drama romántico de factura elegante y sencilla, de aire nostálgico, de emociones contenidas, con un final precioso que te mantiene sin respiración. Un título que debe estar en vuestra estantería favorita.

Las ideas políticas de Robert Redford ya nos las conocemos todos, y dejando a un lado si comulgamos o no con ellas, a mí lo que siempre me ha interesado de este señor es su trabajo a ambos lados de la cámara, dejando para charlas de bar los asuntos políticos. Sin embargo, hablar sobre un film como ‘Leones por Corderos’ lleva implícito el hecho de que tengamos que hacerlo, aunque sea suavemente. Me he cansado de leer por ahí las malas críticas que Redford está recibiendo por su film, críticas que casi siempre obvian el trabajo artístico del director o los actores, y se centran en algo que les parece hacer daño personalmente como personas.

‘Leones por Corderos’ se sitúa en tres lugares alejados pero relacionados entre sí, el despacho de un senador republicano, el despacho de un profesor, y el frente de batalla en un lugar perdido en Afganistán. Tres historias que pretenden mostrarnos lo absurdo de la guerra, la manipulación de los medios y los políticos, y lo estúpido que resulta sentarse a mirar la televisión sin hacer nada productivo.

Que una película nos haga reflexionar sobre nuestro papel en la vida que nos ha tocado vivir, y más concretamente en lo que respecta a la Guerra de Irak y la intervención americana en cualquier conflicto demostrando su superioridad, es algo loable por parte de Redford. Lamentablemente tendrá un montón de enemigos, así lo demuestran sus pobres resultados en taquilla, que lo tachen de maniqueista y promulguen a los cuatro vientos que el film es un panfleto proizquierdista. Evidentemente, Redford se posiciona, y el no hacerlo en algo tan terrible como una intervención militar en un país, producida por las mentiras de un gobierno, sería algo realmente preocupante. Sin meternos demasiado en camisas de once varas, ya que aquí hablamos de cine, yo sólo subrayo lo siguiente: seas de derechas, de izquierdas, de arriba, de abajo, del centro, de antes o de después, el pensar que una Guerra (con todo lo que eso conlleva) es la solución al terrorismo, es algo simple y llanamente inconcebible y terrible, visto desde el punto de vista de un ser humano.

Redford va directo al grano, ya que el film apenas dura hora y media, y es algo que se le agradece, a que la mayor parte del mismo son largos e intensos diálogos de rabiosa actualidad, aderezados con un efectivo montaje que combina a la perfección las tres historias. Los actores cumplen todos con su cometido, y en el caso de Tom Cruise creo que está por encima del resto, al componer de muy buena forma la figura de un senador, casi convenciéndote de que lo que dice es verdad, y en ciertos momentos sería hasta justo darle la razón (“¿quiere acabar con el terrorismo, sí o no? ¿sí o no?”). Cruise mantiene un tour de force con Meryl Streep, como esa periodista vendida, y que hace tiempo olvidó sus ideales. Es este personaje el que probablemente recibe la mayor ración de palos por parte de Redford, ya que en sus motivaciones y reflexiones se encuentra uno de los puntos más interesantes del film: la manipulación de los medios de comunicación, tan culpables como los mismos políticos de mentir al pueblo.

Robert Redford está como siempre como actor, o sea, bien, demostrando una vez más que lo de actuar le sale con total naturalidad. Quien sorprende es el actor que hace de alumno, Andrew Garfield, como ese pupilo descarrilado que representa a todos los jóvenes prometedores capaces de pensar por sí mismos, pero que en cierto momento de sus vidas se encuentran perdidos, o cansados. Como también los representan Derek Luke y Michael Peña, como esos dos alumnos que deciden alistarse para obtener algo de reconocimiento y al volver poder hacer algo. Intenso cierto momento final con estos dos actores, probablemente el mejor y más significativo del film.

Un film que a pesar de su eficacia, a ratos resulta algo teatral, y los actores parece moverse un poco mecánicamente. También le falta algo de fuerza a la película, parece como si Redford no haya querido ir directo a la yugular, o tal vez pensó que con su evidente posicionamiento llegaba. En cualquier caso una buena película y como comenta mi compañero Juan Luis en su crítica, hasta un film necesario en los tiempos que corren. Yo también prefiero otras películas de su director, de hecho prefiero cualquier otra película como director de Redford, y es que dirigiendo es demasiado bueno. ¿Oscars? lo dudo mucho, aunque una nominación para Cruise como secundario sería de lo más acertado.

Esta semana las dos películas que encabezaban el top ten la semana pasada no se han dejado vencer por ningún nuevo estreno, y simplemente han cambiado su puesto diferenciándose por poco en su recaudación de fin de semana. Así pues ‘American Gangster’ y ‘Bee Movie’ continúan sus excelentes carreras comerciales que no han hecho más que empezar.

‘El Hermano Capullo de Santa Claus’ reúne a Vince Vaughn y Paul Giamatti en una comedia navideña con modestos resultados, pero que la crítica no ha salvado. Por cierto, menudo titulito le han puesto en nuestro país.

‘Leones por Corderos’ es la nueva película de Robert Redford, que ha tenido una acogida más que tibia a pesar de su excelente reparto, el propio Redford, más Tom Cruise y Meryl Streep. La crítica tampoco ha quedado satisfecha con la película, cosa que no me extraña porque pone a los americanos en su sitio, criticando la guerra de Irak y denunciando como se venden los medios a la hora de informar. Un film pequeño, pero necesario, del que os hablaré próximamente.

‘P2’ es la tercera novedad de la semana, un film de terror ambientado en un párking que no ha recaudado grandes cifras, aunque a tenor de su posible presupuesto, seguro que los productores recuperan lo invertido e incluso ganan dinero. Eso sí, los críticos no han tenido piedad.

Vía | Imdb

Gracias al jubilao que a veces me deja unos regalitos estupendos en los comentarios, he podido disfrutar (varias veces) de este vídeo que hoy quiero compartir con vosotros.

Un cautivador repaso por algunas de las mujeres más importantes de la historia del cine, del que cuesta muchísimo apartar la vista. Es tan bonito que hasta le perdono la ausencia de Scarlett Johansson, y de unas cuantas más de mis actrices favoritas.

A continuación el listado completo de participantes:

Mary Pickford, Lillian Gish, Gloria Swanson, Marlene Dietrich, Norma Shearer, Ruth Chatterton, Jean Harlow, Katharine Hepburn, Carole Lombard, Bette Davis, Greta Garbo, Barbara Stanwyck, Vivien Leigh, Greer Garson, Hedy Lamarr, Rita Hayworth, Gene Tierney, Olivia de Havilland, Ingrid Bergman, Joan Crawford, Ginger Rogers, Loretta Young, Deborah Kerr, Judy Garland, Anne Baxter, Lauren Bacall, Susan Hayward, Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Audrey Hepburn, Dorothy Dandridge, Shirley MacLaine, Natalie Wood, Rita Moreno, Janet Leigh, Brigitte Bardot, Sophia Loren, Ann Margret, Julie Andrews, Raquel Welch, Tuesday Weld, Jane Fonda, Julie Christie, Faye Dunaway, Catherine Deneuve, Jacqueline Bisset, Candice Bergen, Isabella Rossellini, Diane Keaton, Goldie Hawn, Meryl Streep, Susan Sarandon, Jessica Lange, Michelle Pfeiffer, Sigourney Weaver, Kathleen Turner, Holly Hunter, Jodie Foster, Angela Bassett, Demi Moore, Sharon Stone, Meg Ryan, Julia Roberts, Salma Hayek, Sandra Bullock, Julianne Moore, Diane Lane, Nicole Kidman, Catherine Zeta-Jones, Angelina Jolie, Charlize Theron, Reese Witherspoon, Halle Berry.

Mas información | MySpace del autor (Philip)

Aquí tenéis un póster de una de las películas más llamativas en lo que queda de año, por otro lado, un bastante decepcionante 2007, que mucho tiene que mejorar para que al final quede algo decente. ‘Leones por Corderos’ podría ayudar a ello. En cuanto al póster, recurrir a las caras de los protagonistas principales es algo demasiado manido, aunque en este caso lo justifica totalmente. Es más, yo hubiera eliminado los nombres de los actores, porque a estas alturas esos tres son más que conocidos por todos. ¿O no?

Una película que servirá para demostrar el buen ojo que tiene el señor Tom Cruise para elegir películas y para codearse con los mejores, y si no, echad un vistazo a su filmografía desde 1985 y os podés quedar asombrados de todos los nombres que han acompañado a este actor en su carrera. Cuidado, porque este tío, ahora que ha comprado United Artists, es capaz de ganar un Oscar, o por ésta, o por ‘Valkyrie’. Tiempo al tiempo.

Vía | Worstpreviews

Aquí tenemos la primera foto oficial de una de las películas más curiosas que están por venir, ‘Mamma Mía!’, un musical que narra como una chica a punto de casarse quiere saber quién es su verdadero padre para poder celebrar la boda como Dios manda (¿o es la Iglesia?). Asi que no se le ocurre otra cosa que invitar a la boda a los pasados amantes de su madre. Evidentemente el enredo está servido. La película está siendo dirigida por Phyllida Lloyd, y el libreto es obra de Catherine Johnson.

Su espectacular reparto nos ofrece a Pierce Brosnan, Meryl Streep, Colin Firth, Stellan Skarsgård, Julie Walters y Amanda Seyfried. Todos ellos cantarán canciones de ABBA, y nosotros estaremos allí para verlo. ¿Pierce Brosnan cantando en un musical? Sí, señoras y señores, y no hay nada que temer, si Richard Gere pudo hacerlo, cualquier otro también. La película se estrena dentro de un año y un día en nuestro país.

Vía | Worstpreviews

Cuidado con esta película, ‘Leones por Corderos’, porque ahora que Tom Cruise ha comprado la United Artists, y se está poniendo las pilas como nunca y que de tonto no tiene ni un sólo pelo, podríamos estar habalndo de la próxima triunfadora de los Oscars. Todos los números desde luego los tiene. Director prestigioso, y ya poseedor de un Oscar (pero hace tiempo, en 1980, por la magnífica ‘Gente Corriente’), hablamos, cómo no, de Robert Redford, quien también interviene en el film como actor. Por si eso fuera poco, tenemos a Meryl Streep dando la réplica femenina; a Peter Berg, secundario más que eficiente (e interesantísimo realizador) y a uno de esos actores de moda, Michael Peña.

El plato está servido, señores, y con el tema a tratar seguro que viene con algo de polémica. ‘Leones por Corderos’ (por cierto, excepcional título) se estrena entre nosotros el próximo 16 de Noviembre, y no hay duda de que será uno de los films más importantes de finales de año.

‘Leones por Corderos’ (trailer, Quicktime)

Vía | The Movie Box

Pues ya está aquí el primer trailer (gracias a TierradeCinéfagos) de una película cuyo estreno esperamos casi todos, ‘Lions of Lambs’, lo nuevo como director de Robert Redford. Eso sí, el trailer no es nada del otro mundo (la música no pega para nada con las imágenes) y se parece a ese otro vídeo que os puse hace poco. Habrá que esperar a otro avance.

Recordemos que ‘Lions of Lambs’ está protagonizada por Tom Cruise, Meryl Streep, Michael Peña, Derek Luke, Peter Berg, Andrew Garfield y el propio Redford. La trama de la película, un drama crítico sobre la política exterior norteamericana, está dividida en tres partes, cada una protagonizada por un congresista (y una periodista), un profesor y un soldado en Irak. Se estrena en Estados Unidos el próximo 9 de noviembre. En España, el día 30.

Vía Ktarsis podéis descargaros el trailer, haciendo click aquí.

Gracias al aviso de un lector (gracias, Dan) tenemos aquí las primeras imágenes (casi un pequeño trailer) de una película que, sin duda, vamos a desear ver muy pronto. Se trata de ‘Lions for Lambs’, el nuevo film como director de Robert Redford, que cuenta con un reparto encabezado por el madridista Tom Cruise, Meryl Streep, Derek Luke y el propio Redford.

El guión de ‘Lions for Lambs’ lo ha escrito Matthew Michael Carnahan y gira en torno a varias historias interconectadas; Cruise es un congresista senador que interactúa con una periodista (Streep), Redford es un catedrático idealista que trata de inspirar a sus privilegiados alumnos. La tercera historia versará sobre un par de soldados americanos heridos en territorio enemigo, uno de los cuales (Luke) es un antiguo alumno de Redford. En España se estrena el próximo 30 de noviembre.