Al daros ayer mi opinión sobre ‘Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres’ os comentaba que era muy fan de su director y que, y perdón de nuevo por la expresión, me habían llegado a catalogar como una puta de su cine. Pues bien, eso mismo me pasa también con Christopher Nolan, dándose la casualidad de que creo que quizá David Fincher sea mejor director, pero que las películas de Nolan son las que ganan esta imaginaria partida. Y para complicarlo un poco más, mi película favorita entre las que han hecho ambos es una de Fincher. Un lío, vamos. No obstante, ahora ha llegado el momento de hablaros de ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ (‘The Dark Knight Rises’), la película que cierra la trilogía sobre Batman del director de ‘Memento’, aún hoy el mejor trabajo de Nolan.

La última gran noticia sobre la película es que en varias ciudades de USA se han puesto ya a la venta entradas para pases nocturnos (a las 0:01 de la noche del 19 al 20 de julio) en el día del estreno de la película, y que se han agotado a la velocidad de la luz. Es muy habitual tomar como medida lo recaudado en esos pases para determinar el éxito que pueda alcanzar la película, y lo que ha logrado ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ es poco menos que histórico, ya que no se recuerda un caso así. Eso sí, también es cierto que es muy inusual que una película ponga a la venta con tanta antelación las entradas, pero creo que nadie puede dudar que esta nueva aventura de Batman es posiblemente la película más esperada de 2012.

Sin embargo, a vosotros quizá os interese más saber que en el último número de la revista Entertainment Weekly han aparecido varias imágenes inéditas de ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ que he recopilado aquí para vuestro disfrute. La que más me ha llamado la atención es la imagen que encabeza este texto, la cual me hace fabular con la idea de que Bane y Batman están bailando y no en una pelea a muerte. Sé que es una interpretación un tanto bizarra, pero es lo que me transmite la imagen. El resto de imágenes ya son más normales y sirven para calmar un poco las ansias por ver la película de una vez. Si aún así os sabe a poco, os recuerdo que aquí podéis ver el último tráiler de ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

No sé hasta que punto será necesario hacerlo, pero os recuerdo que la película tiene un reparto impresionante: Christian Bale (en su última aparición como Batman), Tom Hardy (Bane, el villano de la función), Anne Hathaway (la nueva Catwoman), Gary Oldman, Michael Caine, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt y Morgan Freeman son sólo algunos de los más conocidos que podremos ver. En España el estreno está fijado para el 26 de julio de este 2012, aunque yo espero poder verla unos días antes y así dejaros mi opinión por aquí antes de su estreno.

PD: ¿Creéis que Warner intentará rodar más secuelas sin la participación de Nolan u optará por hacer un nuevo reboot dentro de unos años?

Vía | Entertainment Weekly

No me cansaré nunca de repetir que Brian De Palma es uno de los directores contemporáneos más complejos, notables y fascinantes. Tampoco se puede negar que cuando se le va la olla (y esto le ha ocurrido bastantes veces, por desgracia, en su larga trayectoria) da la impresión de ser un cineasta caprichoso, sin rumbo, de decisiones estéticas y narrativas más que cuestionables. No hay término medio con él: o firma una película magistral, o una película absolutamente mediocre y prescindible. Sus títulos interesantes sin más son bastante escasos. Esto, qué duda cabe, acrecienta la vehemencia hacia sus grandes logros, como ‘Vestida para matar’ (‘Dressed to Kill’, 1980), un thriller esencial de los años ochenta que, a día de hoy, parece bastante olvidado y hasta ninguneado por ciertos sectores, y que da muestras palpables de que a un nivel básico de realización de películas (en los movimientos de cámara siempre ejecutados para crear un estado de ánimo muy determinado, en el uso del espacio y el tiempo cinematográficos, en el puro instinto dinámico y cinemático innato en él) hay pocos directores comparables, incluso en las nuevas generaciones.

Pero no solamente eso: su pasión por el suspense (que no debe reducirse, aunque él lo haya propiciado con fuerza, a su admiración sin límites, sobre todo en su juventud, por Alfred Hitchcock), su habitual y luctuosa mezcla de géneros (que le lleva a trasgredir con desvergüenza e ingenio muchas de sus reglas) y su mirada macabra y guiñolesca (que en demasiados realizadores es un divertimento mientras que en De Palma parece una necesidad creativa), han cuajado en un puñadito de obras inolvidables que, a buen seguro, le aseguran una plaza entre lo más interesante del último tercio del siglo XX. Y si su obra maestra definitiva es ‘Atrapado por su pasado’ (‘Carlito’s Way’, 1993), pues en ella depuraba su estilo a la hora de filmar cine negro, en un insuperable equilibrio entre formalismo y drama, quizá la cima de su vertiente más sangrienta y espeluznante sea esta aventura siniestra, de la que deberían aprender todos los que quieran contar una historia de asesinatos y erotismo salvaje, pues el desasosiego y la inquietud que provocan sus imágenes no abandonan al espectador bastante tiempo después de haberlas presenciado.

En cierta forma, no siempre admitida por algunos, ‘Vestida para matar’ anticipa muchos de los thrillers eróticos de los años noventa que tanto dieron que hablar, aunque ninguno se le acerca en salvajismo e intensidad, tan solo la no menos magistral ‘Instinto Básico’ (‘Basic Instinct’, Paul Verhoeven, 1992), que homenajeaba, por cierto, la recordadísima secuencia del ascensor, y a la que se puede considerar una continuación temática y estilística en toda regla. En aquella también se introducían elementos de psicología, del doble como figura mefistofélica y del sexo como puerta a una violencia infernal y a una atmósfera enrarecida. Pero también, a poco que uno se fije, las imágenes de la película de De Palma poseen remiscencias de la zona final de ‘Psicosis’ (‘Psycho’, 1960), de muchas ideas brillantes de ‘De entre los muertos’ (‘Vertigo’, 1958), de los dobles sentidos y la ambigüedad de ‘Sospecha’ (‘Suspicion’, 1941), pero actualizando y pervirtiendo ese mundo “hitchcockiano” para transformarlo en otra cosa, en un mundo plenamente “depalmiano”, que funciona con sus propias normas y leyes, y con una fuerza expresiva que le deja a uno sin aliento.

La retorcida y penetrante mirada de De Palma

A grandes rasgos, la rocambolesca trama de ‘Vestida para matar’ termina por dar bastante igual, siendo una película construida a base de grandes momentos, sin respiro ninguno, destinados a crear una opresión tremenda en la mente del espectador, traducida luego a un malestar físico incontestable. Pero a pesar de eso, creo que es uno de los mejores guiones escritos por Brian De Palma, y puede que el más completo y elaborado de todos ellos. En comparación, puede revisarse ‘En nombre de Caín’ (‘Raising Cain’, 1992), también escrita en solitario (y escribir en solitario es realmente algo mucho más difícil que escribir en compañía, ni que decir tiene filmar guiones ajenos), y el contraste es notorio. Aquí De Palma se siente más libre que nunca y es capaz de poner sobre el papel una historia y una construcción de personajes que le pertenecen en cada línea y en cada gesto, luego sublimados por una puesta en escena realmente inspirada, que lleva mucho más allá lo creado en el guión, y que es capaz de conceder el máximo protagonismo a la imagen como vehículo de las emociones. Un thriller que exprime todos los códigos genéricos y por el que no pasa el tiempo.

Porque nada en ella está sujeto a una moda, sino que es indagación estética en los recovecos más oscuros y retorcidos de la mente humana. Eso sí, nunca de una manera especulativa o racional, siempre furiosamente audiovisual y dinámica. La búsqueda de un psicópata asesino de mujeres que se viste también de mujer y que las corta con una terrorífica navaja de afeitar podría haber derivado, en manos menos refinadas y decadentes que las de De Palma, en un vulgar espectáculo sangriento y morboso. Pero el talento enorme de este realizador lo convierte en un espectáculo amoral, perturbador, casi inimaginable. Con su imaginación visual, es capaz de transformar cada espejo, cada sombra sinuosa, cada profundidad de campo, en una posibilidad infinita para el horror. Pero no el evidente, sino el que cada cual lleva consigo. Por eso es imposible dejar de admirar que De Palma permita que cada uno de nosotros introduzca en la imagen sus demonios particulares, como si los interiores de esta película fueran espacios propicios para el mal absoluto, o como si no hubiese lugar para la piedad y el sosiego.

Y para lograr todo ello De Palma se vale de una música muy sugerente de Pino Donaggio, de una fotografía sobresaliente del fallecido Ralf D. Bode, de un diseño de producción fantástico de Gary Weist, y sobre todo de un grupo de actores en estado de gracia, como una fugaz pero sorprendente Angie Dickinson (alucinante su escena en la ducha), de un joven Keith Gordon, de una guapísima Nancy Allen (una actriz maravillosa que merecía gozar de un recuerdo más cariñoso por parte de los cinéfilos) y sobre todo de un Michael Caine imperial que sabe jugar como nadie a los dobles sentidos y a una contención que esconde mucho más de lo que muestra, apropiándose de cada secuencia y bordando uno de sus papeles más difíciles y resbaladizos, uno de esos que distinguen a los grandes actores de las leyendas del cine. Visto el final de ‘Vestida para matar’, que no desvelaremos, es una gozada volver a verla acto seguido para encontrar un sentido a las enigmáticas frases y los dobles sentidos de un personaje que era muy fácil que cayera en el ridículo o la incoherencia pero que él sabe llevar a lo sublime

Conclusión

Película de obligado visionado tanto por los amantes del cine en general como por los degustadores de lo macabro en particular, que sabrán disfrutar desde la primera hasta la última imagen, de todos los sonidos, de una aventura terrorífica que se va enrevesando hasta la locura y en la que nos dejamos enrevesar tan a gusto, mecidos a placer por la perversa imaginación de un hombre de cine que, cuando quiere, es uno de los mayores narradores del mundo.

Hace poco, hablando de una de las obras maestras de la década de los 90, ‘Un mundo perfecto’ (‘A Perfect World’, Clint Eastwood, 1993), hablaba con un lector sobre los perdedores del cine de John Huston, Eastwood y Sam Peckinpah, entre otros. Por eso resulta idónea la casualidad de rescatar una película como ‘El hombre que pudo reinar’ (‘The Man Who Would Be King’, John Huston, 1975) en esta recuperada sección de Críticas a la carta. En ella el término perdedor alcanza el significado cinematográfico por antonomasia, sobre todo en el cine de su autor, que tras una filmografía ejemplar, con sólo muy pocos tropiezos, encontró el punto más alto de la misma en este trabajo. A partir de ahí, el cine de Huston se debilitó para sorpresa de propios y extraños, recuperándose milagrosamente en su obra póstuma, la magistral ‘Dublineses’ (‘The Dead’, 1987).

Con ‘El hombre que pudo reinar’, Huston sumaba en su filmografía el adaptar al gran Rudyard Kipling, tras adaptar a escritores de la talla de Dashiell Hammet, Tennesse Williams o Herman Melville. Adaptaciones de las que salió airoso gracias a su envidiable capacidad de saber trasladar a la pantalla el espíritu de la obra, alcanzando con el escritor de origen indio la cota más alta de su cine, al menos para quien esto suscribe. Pocas veces en la historia del cine el género de aventuras ha estado tan bien tratado. En una década en la que los apellidos Lucas y Spielberg se alzarían como los máximos responsables de los cambios que sufriría el séptimo arte a partir de entonces, Huston se mantuvo fiel a una mirada más clásica, menos artificiosa, el gran mal de la mayoría de las superproducciones actuales.

John Huston leía a Kipling desde hacía tiempo, y siempre quiso llevar a la pantalla el relato ‘El hombre que sería rey’. Allá por finales de los años 40, la intención del realizador era llevarla a cabo con Humphrey Bogart y Clark Gable dando vida a la pareja protagonista. Una gran elección, sin duda. En la década siguiente, Huston intentó hacerlo con Kirk Douglas y Burt Lancaster, otros dos actores idóneos para los personajes. Y más tarde, Robert Redford y Paul Newman fueron los elegidos del director para protagonizar el film, pero tampoco pudo ser. Fue precisamente Newman quien sugirió los nombres de Sean Connery y Michael Caine, y a pesar de que las parejas nombradas habrían estado impresionantes en los roles —cosa que en realidad nunca sabremos, sólo podemos especular—, no hay duda de que Connery y Caine se hicieron con los papeles de sus vidas. Tanto es así, que cuando a alguno de los dos se le pregunta por la película favorita de sus respectivas filmografías, ambos coinciden al citar ‘El hombre que pudor reinar’.

La película da comienzo en Lahore, India. Allí un periodista inglés —un perfecto Christopher Plummer dando vida al mismísimo Kipling— recibe la inesperada visita de un hombre harapiento que resulta ser Peachy Carnehan, a quien Kipling había conocido hacía dos años. Carnehan le relata los terribles acontecimientos que le llevaron a ese estado. Entonces el espectador se entera de la fantástica y fatídica aventura de Carnehan y Daniel Dravot, dos vividores que acudieron a Kipling para obtener cierta información. Su gran ambición, o locura, era la de atravesar Afganistán con un cargamento de armas para establecerse definitivamente en Kafiristán, donde ayudar a las distintas tribus a defenderse, con la intención de expandirse y por ellos ser coronados reyes del lugar. Sólo por la osadía del proyecto, y las ganas que les meten tanto Carnehan como Dravot, convenientemente ya presentados al espectador, quien se rinde inmediatamente a su magnetismo, seguimos con interés su periplo, pues en saber si consiguen o no su particular misión dota al relato de cierta intriga.

Carnehan y Dravot son dos personajes típicamente hustonianos, quizá los más representativos del cine de su autor. Perdedores natos, antihéroes con un poco de moralidad y un mucho de caraduras, siempre marcados por la fatalidad del destino, pero con un afán inagotable por perseguir aquello que ambicionan. El carácter aventurero del propio Huston queda reflejado en estos dos bribones tan encantadores, a través de los cuales conoceremos el éxito y el fracaso, pero sobre todo lo cerca que una cosa está de la otra. También el desencanto que conlleva todo fracaso, algo que Huston, debido a su animada vida, entendió a la perfección. De ahí el especial cariño que pone en sus personajes, a los que trata sin piedad, también sin establecer dogmatismos, pero comprendiendo en cierto modo su forma de vida. Aquel que les lleva a perder el rumbo cuando la desmesurada ambición les hace desear de más. Así pues, el hombre se creerá un dios con poder inimaginable para cualquier cosa. Dravot, más que Carnehan, sufrirá delirios de grandeza. Y eso será la perdición de ambos. Pues un dios no puede tener ambiciones humanas. El episodio de Dravot deseando una esposa —Shakira Caine, la mujer de Michael Caine en la vida real, en lo que parece un chiste privado— refleja perfectamente lo comentado.

Pocas veces, actores tan inmensos como Sean Connery y Michael Caine estuvieron tan bien, con una más que perfecta química entre ambos. Sus personajes pertenecen por derecho propio a la antología de perdedores del séptimo arte. Huston además realiza un curioso ejercicio con el destino de los mismos. Por un lado rinde tributo a su admirado Kipling, haciendo que Dravot termine igual que en el cuento, pero a Carnehan, que en el mismo muere por insolación, le reserva el papel típicamente hustoniano, el de sufrir en vida las consecuencias de su osadía. De esta forma, Huston incide en uno de los temas recurrentes de su filmografía, que el infortunio y la desdicha pueden traer las mejores enseñanzas. Melancólica hasta la médula, llena de un humor que jamás enturbia la dureza de lo narrado, sino todo lo contrario, un Maurice Jarre que le proporciona algo de épica, y un Huston con los pies en el suelo, que mira de tú a tú a sus personajes viviendo la aventura de sus vidas. Intensa, emocionante, única. Una obra maestra.

Damas y caballeros, pidan su siguiente película para Críticas a la carta, a ver si están tan inspirados como en esta ocasión.

‘I´m Still Here’

Director: Casey Affleck

Intérpretes: Joaquin Phoenix, Antony Langdon, Carey Perloff, Larry McHale, Casey Affleck

Sinopsis: Polémico documental (o mejor dicho, aparente falso documental) que sigue la transformación de Joaquin Phoenix de actor a cantante de hip-hop. Tras “Two Lovers”, el actor declaró estar cansado de actuar, que abandonaba el mundo de la interpretación, y que en el futuro se dedicaría en exclusiva a su faceta de cantante. En sus escasas apariciones en los medios, un casi irreconocible Phoenix mostraba, además, un comportamiento cada vez más extraño y poco sociable, y siempre su cuñado y gran amigo Casey Affleck solía estar cerca con una cámara para rodar lo que pasaba. Dada la naturaleza de algunas imágenes, que incluyen desnudos frontales masculinos, consumo de drogas y Phoenix teniendo sexo oral, todo parecía ser real.

Crítica en Blogdecine:

• ‘I´m Still Here’, el eclipse de Joaquin Phoenix

‘El último bailarín de Mao’

Director: Bruce Beresford

Intérpretes: Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Chi Cao, Alice Parkinsonç

Sinopsis: Basada en una historia real, la película cuenta la vida de Li Cunxin, rescatado a los once años de un pequeño pueblo de China por delegados culturales y enviado a Pekín. Allí comienza un increíble viaje vital que le llevará a pasar años de entrenamiento brutal para convertirse en uno de los mejores bailarines del mundo, aclamado como un héroe de la China comunista y, más tarde, despreciado por traidor.

Crítica en Blogdecine:

• Seminci 2010 | ‘El último bailarín de Mao’ clausura la semana de cine vallisoletana

‘Extraña ilusión’

Director: Edgar G. Ulmer

Intérpretes: Jimmy Lydon, Warren William, Sally Eilers, Regis Toomey, Charles Arnt, George Reed, Jayne Hazard, Jimmy Clark, Mary McLeod

Sinopsis: El joven Paul padece cada noche un extraño y recurrente sueño en el que se entremezcla la imagen de su madre enamorándose de un hombre peligroso con la fantasmagórica visión de la muerte de su padre en accidente de coche. Con la ayuda de un amigo psiquiatra, Paul irá desentrañando el oculto significado de su pesadilla nocturna, solo para descubrir el terrible secreto que se esconde tras la muerte real de su padre. Lo que en principio había sido tomado como desafortunado accidente se torna en terrible y trágico crimen.

Contenido adicional:

• Película: ‘Moon over Harlem’ (1939) de Edgar G. Ulmer
• Presentación de la película a cargo de Bertrand Tavernier (2010).

• Libreto exclusivo con un texto de Christian Aguilera.

‘Harry Brown’

Director: Daniel Barber

Intérpretes: Michael Caine, Emily Mortimer, Charlie Creed-Miles, David Bradley, Iain Glen, Sean Harris, Ben Drew, Jack O´Connell, Jamie Downey

Sinopsis: En un suburbio inglés sumido en el caos, donde las drogas son moneda de cambio y las armas reinan en las calles, Harry Brown, un ex marine retirado, malgasta sus últimos años jugando al ajedrez con su amigo Leonard en un mugriento pub. Pero cuando éste es salvajemente asesinado por una banda, Harry saldrá de su letargo para dar rienda suelta a su personal día de furia.

Crítica en Blogdecine:

• ‘Harry Brown’, Michael Caine cogió su fusil

‘Las dos huérfanas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Dorothy Gish, Joseph Schildkraut, Frank Losee, Katherine Emmet

Sinopsis: Louise Girard es una huérfana aristócrata que fue abandonada a las puertas de un convento después de la muerte de sus padres. Es acogida en casa de Girard, un pobre hombre, y crecerá con Henriette Girard, su hermana adoptiva. Cuando ambas llegan a la edad adulta se dirigen a París en busca de un futuro mejor. Allí Henriette suplanta la personalidad de Louise y se casa con un aristócrata. Louise se casa con el Chevalier de Vaudrey que es el único que cree en ella. Estalla la Revolución francesa y ambas se vuelven a ver unidas por las circunstancias. Presenta a un Danton y un Robespierre totalmente corruptos a los que los que menos les interesa es el bien del pueblo. La desorganización y la injusticia son atribuidas como parte fundamental de esta revolución, totalmente al contrario de la loa que hace él mismo a la Guerra de Secesión.

Buena oportunidad para rescatar una de las joyas del cine mudo, y por ende de toda la historia del cine., aunque sólo sea por su importancia en la misma. Los extras del DVD incluyen ‘Dos en la guillotina’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Las dos tormentas’

Director: D.W. Griffith

Intérpretes: Lillian Gish, Richard Barthelmess, Lowell Sherman, Burr McIntosh, Kate Bruce

Sinopsis: Anna Moore es una joven que va a visitar a Bostón a su acaudalada tía para que ayude a su familia a salir de la pobreza, pero una vez allí un hombre rico la engaña con un matrimonio falso para poder aprovecharse de ella. Cuando Anna se queda embarazada se destapa el engaño y es abandonada a su suerte.

Otra perla del señor Griffith, repitiendo con su actriz fetiche, la mítica Lillian Gish. El DVD trae los extras ‘El poder del hielo’ y ‘D.W. Griffith’.

‘Los ojos de Julia’

Director: Guillem Morales

Intérpretes: Belén Rueda, Lluís Homar, Julia Gutiérrez Caba, Pablo Derqui, Francesc Orella, Daniel Grao

Sinopsis: Belén Rueda da vida a Julia, una joven que padece una enfermedad degenerativa de la vista y que está perdiendo visión progresivamente. Cuando su hermana gemela, Sara, ciega a causa de la misma enfermedad, aparece ahorcada en su casa, Julia se niega a aceptar que se trata de un suicidio y decide investigar por su cuenta lo que ella intuye es un asesinato. Conforme vaya descubriendo la terrible verdad que rodea los últimos días de la vida de su hermana, Julia irá adentrándose cada vez más en un mundo de oscuridad, hasta que una serie de inexplicables muertes y desapariciones se crucen en su camino.

El Blu-ray trae el documental de cómo se hizo la película.

‘Los viajes de Gulliver’

Director: Rob Letterman

Intérpretes: Jack Black, Emily Blunt, Jason Segel, Amanda Peet, Billy Connolly, James Corden

Sinopsis: Lemuel Gulliver (Jack Black), un aspirante a escritor que trabaja como repartidor en un importante periódico de Nueva York, sueña con escribir libros de viajes. Toma entonces la decisión de navegar hacia al Triángulo de las Bermudas, pero una terrible tormenta lo arrastra hasta una isla pérdida que está habitada por personas diminutas, los liliputienses. Después de un comienzo no muy amistoso, el gigante Gulliver se convierte en fuente de inspiración y confianza para sus diminutos amigos. Así, bajo sus órdenes, los liliputienses consiguen una gran victoria sobre sus enemigos de la isla vecina. Sin embargo, Gulliver aún tendrá que saldar cuentas con sus propios defectos para poder salir, por fin, de su limitado mundo.

‘Siempre a mi lado’

Director: Burr Steers

Intérpretes: Zac Efron, Kim Basinger, Dave Franco, Amanda Crew, Donal Logue, Ray Liotta

Sinopsis: Charlie St. Cloud (Zac Efron) es un joven perdido en su pasado. Acosado por una tragedia familiar que le ata a su hogar en un pequeño pueblo costero, ha abandonado todos sus sueños. Pero cuando su antigua compañera de instituto Tess (Amanda Crew) regresa inesperadamente, Charlie se abre a la posibilidad de un nuevo amor. Ahora que Charlie se encuentra en la encrucijada de mantener la promesa que hizo a su hermano o seguir los impulsos de su corazón, ¿tendrá la valentía de dar de lado a su pasado e ir en busca de Tess antes de que sea demasiado tarde?

El Blu-ray tiene en sus contenidos extras un par de documentales sobre Zac Efron, escenas eliminadas y comentarios del director.

Vía | ZONA DVD

Ayer apareció en DVD El 27 de abril saldrá en DVD, sin haber pasado por salas en España, la película ‘Harry Brown’, de Daniel Barber. La cinta está protagonizada por Michael Caine en un papel que lo remonta a los personajes de matones que tan a menudo encarnó durante los años ’60, pero con un matiz derechista, que refleja un cambio de opinión política del propio intérprete: Caine, que había militado históricamente en el laborismo, ha hecho público su apoyo a David Cameron a raíz del rodaje de esta película.

Porque ‘Harry Brown’ es un filme que encaja, de forma canónica, en el género de cine de justicieros —lo que en inglés se denomina con el término «vigilante», pero no con el sentido español— y, como tal, no sólo excusa, sino que glorifica al justiciero y apoya la noción de ejercer la justicia por la propia mano. Seguro que la premisa «han matado a mi mejor amigo y la policía no hace nada» la habéis escuchado más veces.

La película arranca con acierto: una inteligente utilización de cámaras subjetivas nos sumerge de manera ejemplar en el punto de vista de unos delincuentes juveniles que han logrado hacerse con el control de una zona absolutamente degradada. Montados en la moto de esta pandilla de encapuchados, seremos partícipes de sus robos, peleas, trapicheos, extorsiones… De pronto, el punto de vista cambia – de forma igualmente ejemplar – y pasamos a contemplar dichas actividades en plano general, desde el punto de vista del personaje de Harry Brown (Michael Caine).

Con tan solo un primer plano nada histriónico, este excelente actor consigue transmitir toda la rabia, tristeza y, en última instancia, derrota y apatía, que supone el haber conocido tiempos mejores para un barrio que se ha venido abajo.

Un ritmo pausado

El ritmo parsimonioso del que hace gala ‘Harry Brown’ en sus compases iniciales deja bien claro que, dentro del género de justicieros, se adscribe al sector de películas que se disponen a hablar de forma seria sobre el tema – ‘La extraña que hay en ti’ (‘The Brave One’, 2007) sería un buen ejemplo, así como ‘El justiciero de la ciudad’ (‘Death Wish’, 1974) –, frente a las películas que se toman la misión del vigilante como algo casi paródico, que sirve de excusa para todo un ejercicio de cine de acción, por ejemplo, la misma saga ‘Yo soy la justicia’ (‘Death Wish’) a partir, sobre todo, de su tercera entrega.

Las películas de este segundo tipo no solo pueden resultar más entretenidas y trepidantes, sino que, además, son menos peligrosas ideológicamente, ya que existe la capacidad de verlas sin tomárselas en serio. Y es que el tiempo que dedican las de tono trascendente a defender y justificar a su héroe suele ser interminable. Es evidente que existen excepciones dentro de ese grupo que se toma en serio, como es el caso de la compleja personalidad de Travis Bickle en ‘Taxi Driver’, film no glorifica a su protagonista.

Durante los tres cuartos de hora que ‘Harry Brown’ dedica a presentar la situación para justificar que finalmente Brown coja su fusil, la película no ha profundizado ni en el problema social que aborda, ni en la psique de su personaje, ni en las dificultades de la policía para actuar. En su lugar, ha presentado una reiteración innecesaria de secuencias similares entre sí en las que parece que la duración excesiva de sus planos sólo responde a la intención de alejar el film de los tópicos del género.

Un justiciero de setenta años

Cuando, por fin, Harry Brown se pone en marcha, nos encontramos con un tipo de realización muy alejado de la garra del inicio de la película: el realismo ha dejado paso a recursos clásicos del cine de acción, rodados con las limitaciones que implica el tener a un protagonista de más de setenta años. El resultado es un camino intermedio que no logra ser espectacular ni verosímil. La fotografía de la película es un claro ejemplo de esta opción: huye del cromatismo de cierto tipo de cine de acción pero, a la vez, en su feísmo verdoso, ya pasado de moda, es visualmente muy afectada.

El director añade una buena dosis de tremendismo y se recrea en las escenas sin otro propósito que el subrayado. El final llega precipitado por unos mecanismos de guion manidos y antinaturales. Sin embargo, por aquello de la simetría, también debo decir que la imagen elegida para cerrar la película es una metáfora tan limpia y sencilla como eficaz.

En conclusión, nos encontramos con una película que tiene apariencia de buena y trascendente por la forma en la que está tratada, pero que no se aleja del simplismo de algunas cintas de acción que, al menos, entretenían. Clint Eastwood, con una edad similar y tras haber encarnado a uno de los más famosos justicieros, Harry el sucio; demostró en la magnífica ‘Gran Torino’ que se pueden afrontar asuntos como la degradación de un barrio sin este tipo de extremismos maniqueos. ‘Harry Brown’ no está exenta de valores fílmicos positivos y brinda la posibilidad de observar la interpretación de Caine, pero no se encuentra entre los grandes films de su género.

Mi puntuación:

Aquí os traigo más material de ‘Cars 2’, la nueva producción de los estudios Pixar. Tras un primer avance, ya podemos echar un vistazo al primer cartel oficial y un nuevo tráiler de la secuela de ‘Cars’, que estará en los cines de todo el mundo el próximo verano, en salas 2D, 3D e IMAX.

‘Cars 2’ ha sido dirigida por John Lasseter (responsable de la primera entrega) y el debutante Brad Lewis. La sinopsis oficial facilitada por Disney es la siguiente: La estrella de las carreras de coches, Rayo McQueen (Owen Wilson) y la incomparable grúa Mate (Larry The Cable Guy) llevan su amistad a nuevos y emocionantes lugares cuando se dirigen al extranjero para competir en la primera World Grand Prix, que determinará cuál es el coche más rápido del mundo. Pero el camino hacia el campeonato estará lleno de baches, desvíos y sorpresas cuando Mate se vea atrapado en una trama de espionaje internacional al salvar la vida de un agente secreto británico Aston Martin llamado Finn McMissile. Dividido entre ayudar a Rayo McQueen en una carrera de alto perfil y superar con éxito una misión de espionaje de alto secreto, la acción llevará a Mate a un persecución explosiva por las calles de Japón y Europa seguido por sus amigos ante la atenta mirada del mundo entero.

A continuación os he dejado el tráiler de la película, con sus dos montajes diferentes, el primero para Estados Unidos y el segundo para España (supongo que destinado al mercado europeo). No diré cuál es mejor, sólo que oír la voz de Michael Caine en el primer vídeo no tiene precio. Espero vuestro veredicto.

• El tráiler original:

• El tráiler español:

PD: Es curioso cómo en cada artículo relacionado con esta secuela, en todos los sitios que suelo visitar, no tardan en aparecer comentarios pidiendo insistentemente ‘Los increíbles 2’. Seguro que los chicos de Pixar están al tanto.

Vía | Yahoo y ZonaFandom

Si una película ha dado que hablar y comentar por todos los rincones este pasado verano, esa es, sin duda, ‘Origen’. Sus distintas interpretaciones, el sinfin de reflexiones y teorías a las que ha dado lugar son para hacer todo un tratado. Y de todo el film, su conclusión, ese final desconcertantee inquietante, vestido de incógnita es la estrella del debate.

Pues bien, ahora llega Michael Caine y en una reciente entrevista radiofónica a la BBC ha desvelado, con una simple frase, el final de la película. Ni que decir tiene que si alguien todavía no la ha visto debe abstenerse de conocer sus declaraciones y para aquellos que se han devanado los sesos intentando encontrar la solución igual les sabe a poco. En cualquier caso, pongámonos en situación: en los últimos instantes de ‘Origen’ vemos como Cobb, (DiCaprio) deja su tótem girando sobre una mesa. Tras un breve plano parece que el mencionado tótem está a punto de perder el equilibrio y detenerse, pero justo antes de conocer qué acontece con su movimiento (y por tanto desvelaría si el final es un sueño o la realidad) encontramos un fundido a negro.

Bien, pues Michael Caine se ha expresado así:

El tótem cae al final, ahí es cuando entro. Si estoy ahí, entonces es real porque yo nunca estoy en el sueño. Yo soy quien diseñó el sueño.

Y la pregunta surge: ¿esto cambia algo? Parece claro que no. A pesar de que Caine haya sido el único que ha comentado algo públicamente, la película sigue generando preguntas, dudas y entretenimiento. De eso se trataba, pero al menos ahí queda para que muchos descansen tranquilos.

Vía | Screenrant

Y es un genio del cine por siete razones.

1. Ser uno de esos actores de profunda raigambre británica, capaz de hacer más con menos. En otras palabras, un intérprete para el que la contención, la elegancia, el simple saber estar, el alejamiento de todo divismo y de todo histrionismo, son valores máximos e insustituibles. Nacido en Rotherhithe, Londres, el 14 de marzo de 1933, y de verdadero nombre Maurice Joseph Micklewhite, abandonó los estudios a los quince años para alistarse en el ejército y ser llamado para la guerra de Corea, decidiendo ser actor cuando se licenció. Sin embargo, sus comienzos fueron increíblemente duros.

Casado con Patricia Haines, y con un hijo, ambos debieron regresar al hogar materno para sobrevivir, mientras Michael Caine malvivió en Londres y hubo de aceptar un trabajo en una fundición para poder sobrevivir, con su padre gravemente enfermo y sin poder trabajar. Después, se mudó a París y de nuevo sobrevivió como pudo. Pero poco a poco, sin desesperarse, fue consiguiendo pequeños trabajos en teatro y televisión, y comenzó una de las carreras más admiradas de la actualidad, verdadera definición de todo lo que un actor tiene que tragar hasta que por fin logra la oportunidad de demostrar su talento.

2. Ser capaz de construir un personaje que es como el reverso tenebroso (o simplemente cínico) del famoso James Bond. El Harry Palmer de ‘The Ipcress File’ (1965), y de cuatro películas más (todas ellas protagonizadas por Caine), es un agente secreto británico, creado por el escritor Len Deighton, y que no es ni tan seductor ni tan infalible como Bond. De hecho es bastante torpe, miope, y detesta su trabajo, aunque no sabe hacer otra cosa. Creo que son películas muy estimulantes, aunque no sean precisamente famosas ni prestigiosas. Y creo que Caine está increíble en todas ellas.

3. Con ‘Alfie’ (Lewis Gilbert, 1966) Caine llegaba al estrellato. Era un producto no demasiado interesante, pero divertido y con ingenio, en el que Caine daba fe de su versatilidad. A lo largo de las años ha participado en filmes comerciales como ‘Evasión o victoria’ (‘Victory’, John Huston, 1981) o incluso ‘En tierra peligrosa’ (‘On Deadly Ground’, Steven Seagal, 1994), que nada añadían a su carrera y a su leyenda. Pero, por contra, también ha participado en la obra maestra ‘El hombre que pudo reinar’ (‘The Man Who Would be King’, John Huston, 1975), precisamente con Sean ‘James Bond’ Connery, en la estupenda ‘The Italian Job’ (Peter Collinson, 1969).

4. Además de productos comerciales de más o menos entidad, Caine ha sabido compaginar ese trabajo con filmes míticos. Nada menos que ‘La huella’ (‘Sleuth’, Joseph Leo Mankiewicz, 1972), en la que le daba la réplica a un sensacional Lawrence Olivier, y no había diferencias de nivel apreciables. Además, participó en el remake de Brannagh, tomando el rol de Olivier. Y no sólo eso, fue el asesino de la genial y hoy bastante olvidada, ‘Vestida para matar’ (Brian De Palma, 1980). Ambos, filmes de autor, arriesgados y personales, para los que la presencia de un Caine en plena forma fue esencial en su éxito estético final.

5. Ha sabido convertise en actor de reparto sin perder por ello presencia, importancia o prestigio. Sus dos Oscar, ambos como actor de reparto, así lo atestiguan. Fueron por la estupenda ‘Hannah y sus hermanas’ (id., Woody Allen, 1986) o ‘Las normas de la casa de la sidra’ (id., Lasse Hallström, 1999). Pero sin duda Caine ha merecido el Oscar por secundario (y por principal, por supuesto), por media docena de películas más. Tener a Caine como secundario en una película, es garantía de altísima profesionalidad y arrollador carisma.

6. Por muy naif que suene, Michael Caine da en pantalla (como no le conozco en persona, tendré que imaginarme que también es de esa manera) el arquetipo de individuo de gran humanidad, honesto, sensible e inteligente. Creo que es la razón principal de que haya interpretado tantos papeles diferentes y que en todos ellos haya triunfado. Posee una de esas miradas serenas y creíbles con las que todos nos podemos identificar, y aunque ocasionalmente ha interpretado a villanos, como en la penosa película de Steven Seagal, se le perdona porque, mal que nos pese, da la impresión de que es imposible que este hombre no te caiga bien.

7. Lo bien que ha envejecido. Dijo en cierta ocasión: “un día te levantas, te das cuenta de que tienes sesenta años, y te desmayas”. En la pasada década, da vértigo hacer un repaso a sus múltiples y notables papeles. Desde su doctor en la estupenda ‘Quills’ (Philip Kaufman, 2000), pasando por su Thomas Fowler de ‘El americano tranquilo’ (Philip Noyce, 2002), su inolvidable secundario de ‘Hijos de los hombres’ (id., Alfonso Cuarón, 2006), para terminar con sus papeles para Christopher Nolan, que ha confiado en él, no me extraña, para importantes papeles en su díptico del hombre murciélago, en ‘El prestigio’ (id., 2006) o en ‘Origen’ (‘Inception’, 2010), aunque en esta última su papel tenía muy poca importancia.

Yo creo que ya se han dado bastantes razones para considerar a este actor uno de los más grandes de la historia…

De ‘Inception’ (‘Origen’) a ‘Journey 2: The Mysterious Island’; el gran Michael Caine no conoce el término medio. Algunos todavía recordaréis (porque el cerebro suele borrar estas cosas para poder seguir viviendo) que en 2008 se estrenó una película de aventuras en 3D, con esa etiqueta de “para toda la familia”, titulada ‘Viaje al centro de la Tierra’ (‘Journey to the Center of the Earth’), con Brendan Fraser y Anita Briem al frente del reparto. Bueno, pues recaudó más de 240 millones de dólares en todo el mundo, así que ya se está preparando la secuela.

Esta segunda parte, que llevará ese título de ‘Journey 2: The Mysterious Island’, estará protagonizada por Dwayne Johnson (alias La Roca), que dará vida al nuevo novio de la madre de Sean Anderson (Josh Hutcherson), el único personaje que repite en esta entrega. La trama de la película girará en torno a otro viaje fantástico para encontrar a otro familiar perdido; esta vez la misión es encontrar al abuelo de los Anderson (Caine), que antes de desaparecer había descubierto una extraordinaria isla que no aparecía en ningún mapa. El rodaje comenzará en las próximas semanas bajo la dirección de Brad Peyton, y el estreno está previsto para el verano de 2011.

PD: Al parecer, en una de las escenas en las que interviene Caine, los protagonistas son perseguidos por agresivas abejas gigantes. Sí, deben pagar bastante bien.

Vía | ComingSoon

Pues nada, la Warner está empeñada en destriparnos ‘Inception’, ‘Origen’ para los españoles, a poco más de dos meses para el estreno. Aquí os traigo más material promocional de la nueva y esperadísima película de Christopher Nolan, en concreto, un nuevo tráiler, el tercero ya, y otro cartel, el cuarto, específicamente para las salas IMAX, donde el visionado del film debe resultar una experiencia increíble.

Del vídeo os puedo decir que dura más de dos minutos y que por lo tanto desvela bastante de la trama, así que allá cada uno (yo en cuanto he visto medio minuto lo he quitado, pero me ha dado tiempo de ver algunas imágenes impresionantes); parece que se trata ya del tráiler definitivo, aunque nunca se sabe. En cuanto al póster, es parecido a la última imagen de Origen (Inception) que vimos pero con un diseño más llamativo y extraño; he visto que en general está gustando mucho, a mí me parece horrible (algunos rostros no se reconocen y la perspectiva es un desastre), la verdad, me sigo quedando con el teaser del título entre los edificios. Ya me decís.

Protagonizada por Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Cillian Murphy, Ken Watanabe, Marion Cotillard, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy, Tom Berenger y Michael Caine, ‘Origen’ es un thriller de ciencia-ficción situado dentro de la arquitectura de la mente. A mí me sigue bastando con esta sinopsis que fue lo único que quiso adelantar Nolan en su momento, no veo necesario revelar más detalles. La fecha del estreno en nuestro país es el 23 de julio, una semana después que en Estados Unidos.

PD: Ya está confirmada la fecha del estreno de la tercera parte del Batman de Nolan: 20 de julio de 2012.

Vía | Impawards