El cine California, de Madrid, ha sido renovado y convertido en la Sala Berlanga, que programa cine de reestreno en versión original. El otro día me acerqué para conocerla y ver por fin ‘La cinta blanca’ (‘Das Weiße Band’) que me había perdido en su día y de la que tantas cosas buenas se habían dicho. Aunque en la Berlanga ya no la ponen, quienes estéis en Madrid podréis verla esta noche en un cine de verano y seguro que algún otro día cae en las pantallas al aire libre de otras ciudades, además de que ya ha aparecido en DVD y Blu-ray.

Tratándose de Michael Haneke, había imaginado una película dura, aburrida y, sobre todo, muy expositiva de sus ideas y observaciones. Me sorprendí contemplando un relato de apariencia cotidiano, cargado de diversos personajes, que engancha y entretiene desde su inicio como si la narración de esas anécdotas fuesen la motivación única del autor. Con cada acontecimiento nefasto presentado, temía que el drama fuese a aumentar y que fuesen a cargarse las tintas sobre algún aspecto, sin embargo, el guión quedaba comedido en lo que ya había presentado sin ir más allá para impresionar o provocar de forma gratuita. Como si fuesen gotitas que, por sí solas no parecen demasiado nocivas, pero que van empapando un trapo, los hechos van calando en el espectador hasta que se pega el golpe definitivo con el paño mojado.

‘La cinta blanca’ está rodada con gran habilidad, tanto en lo que se refiere a la fotografía en ese precioso blanco y negro que tanto se ha comentado, como en la austeridad de la puesta en escena: con poca variedad de planos, encuadres clásicos y utilización del fuera de campo en un sentido literal y también en otro más extenso, es decir: que se nos dan a conocer los hechos por referencia sin incluirlos casi nunca en las escenas.

No sólo la época parece perfectamente recreada en la ambientación, sino que hasta diríamos que contemplamos un film rodado hace unas décadas o, como mínimo, de aspecto difícilmente ubicable en el tiempo. Los intérpretes realizan un magnífico trabajo, capaz de helar la sangre en muchos momentos. El realismo de la dirección de actores es total, en la medida en la que puede juzgarlo alguien que desconoce el idioma, casi un siglo después y desde un país cuyas religión y cultura son hoy, por fortuna, muy diferentes.

(Limito el comentario sobre el aspecto externo y narrativo de la película a estas escuetas palabras porque mis compañeros ya se han extendido sobre ello en las cuatro críticas que enlazo al final y quiero minimizar la reiteración).

La ideología

Si bien no se esclarece el nazismo con nada de lo reflejado en la película, me refiero al nazismo como ideología, como pensamiento político que supone a unos seres superiores a otros; lo que sí parece que se podría explicar con el comportamiento mostrado en ‘La cinta blanca’ es algo para lo que, a lo largo de todas estas décadas, nos ha resultado mucho más difícil hallar explicación: la facilidad con la que se llega a la crueldad extrema.

Cuando echamos la vista atrás y pensamos en las atrocidades de la Segunda Guerra Mundial, podemos entender sin demasiado problema que Hitler fuese un psicópata y que la tremenda crisis económica llevase a un odio exacerbado hacia quienes sí tenían dinero, incluso que las ansias de poder y gloria provocasen una masacre. A lo que nos cuesta mucho más responder es a cómo las personas teóricamente normales cometían actos de tremenda crueldad —los guardias de los campos de concentración, por ejemplo— con la única excusa de la obediencia. Comprender cómo no había una piedad, un atisbo de humanidad que les impidiese seguir las órdenes. Y es esta ausencia de sentimientos en contra del acto violento, esa frialdad o incluso ese disfrute, lo que parece tratar de estudiar Haneke.

Sin embargo, no sabría decir hasta qué punto la relación es tan directa como se ha señalado. Se ha comentado que Haneke quería mostrar que la educación férrea y la excesiva disciplina engendran este tipo de comportamientos. Entendiendo que fuesen ésas las intenciones del alemán, las tacharía de simplistas y hasta de equivocadas, ya que ese tipo de aleccionamiento hacia la infancia se ha dado en muchas culturas en distintos momentos de la historia y no siempre con idénticos resultados. Pero me parece adivinar que Haneke no se queda en un 2+2 tan sencillo, sino que expresa que (spoiler) los niños, al ver a sus padres tornados en verdugos, pensaron que ellos también podrían serlo.

Y ya que estoy hablando de la infancia y desvelando el final, añadiré que esa concepción sobre los menores que les presupone bondad e inocencia —representadas por la consabida cinta blanca— no podría ser más desacertada: como sabrá cualquiera que haya ido a un colegio, la crueldad es una de las características que mejor definen la niñez, una crueldad que no se acaba, pero que las buenas maneras nos permiten disimular en la edad adulta. Con lo cual no sé si estoy dándole la razón a Haneke o todo lo contrario, restándole peso a la revelación final de su película (fin del spoiler).

Pero incluso tras declarar que entresaco estas intenciones de Haneke en ‘La cinta blanca’, prefiero no quedarme con ellas como idea principal, ya que seguiría percibiendo el mensaje como exagerado y obvio, y quizá cuestionable; sino contemplar la cinta como una historia de ficción. O, si no, como una historia de terror que, sirviéndose de la hipérbole, quiere mostrar la maldad de la que es capaz el corazón humano. La elevada puntuación que le doy a continuación se debe, por lo tanto, a que he podido disfrutar del relato como de cualquier otra historia que me haya gustado ver en la gran pantalla, antes que al supuesto valor analítico que se le atribuye a su autor.

Mi puntuación:

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El cine, o el arte en general, es una carrera de fondo, dirían muchos. Tal expresión puede aplicarse a la trayectoria ascendente del cineasta alemán Michael Haneke, uno de los directores esenciales del cine europeo de los últimos veinte años, que ahora, cumplidos los 68, ha visto recompensada su labor con la Palma de Oro (en verdad, el premio cinematográfico más codiciado que existe), y con otros premios menos importantes, por su escalofriante ‘La cinta blanca’ (2009), después de más de dos décadas indagando en la violencia y la crueldad que surgen de la hipocresía y la ceguera de la sociedad, un sistema con el que se supone que podemos convivir en relativa paz y armonía, sin sospechar que la miserable condición humana estalla en su naturaleza más primitiva, con todavía mayor virulencia, por el hecho de negarse a sí misma.

Ese podría ser el tema principal de todo el trabajo de Haneke, un hombre de modales suaves y gestos pausados, aspecto ya de anciano benevolente, dueño de una voz serena y culta. Presencia que desmiente su asombrosa capacidad para colocarnos ante los ojos los espejos más nítidos y feroces del cine reciente, espejos que nos devuelven una imagen verdadera y mezquina de nosotros mismos; para analizar nuestra bestial condición de asesinos natos no consumados. Su doblete, polémico y controvertido como pocos, de ‘Funny Games’ (1997 el título austríaco, 2007 el remake estadounidense) es quizá su pieza catedralicia, la que con menos recursos y menos personajes, con mayor sencillez y audacia, consigue hacernos regresar a las cavernas, de la forma más despiadada y, eso sí, elegante posible.

No es Haneke, ni falta que hace (y qué sospechoso cuando ocurre, como en el caso de Clint Eastwood, al que ahora tantos se apresuran en considerar un maestro, cuando no hace demasiado muchos le tildaban de fascista), un director que goce de unanimidades, de consensos. Más bien al contrario. Ni siquiera los que consideren, por ejemplo, a ‘La pianista’ (2001) o a ‘Funny Games’ excelentes muestras de su talento, pues entre estos la mayoría puede (y esto ocurre bastante) detestar el resto de sus propuestas. No son insólitos los comentarios que aseguran que Haneke “se ríe del espectador”, como si esto fuera posible sin la ingenuidad o complicidad (o limitación) del propio espectador. Para colmo, el hecho de haber realizado un remake de un filme propio, hecho diez años antes, con la supuesta intención de “ganar más dinero” (?), y en Estados Unidos, con estrellas americanas, es el colmo según sus detractores. Personalmente, los remakes nunca me molestaron, siempre que se hagan bien, y este puede ser uno de los que tienen más sentido en la historia del cine.

La luz, los actores y un juego macabro

Como la mayoría de nuestros lectores sabrán, el remake de 2007 es idéntico en guión, diálogos y planificación, punto por punto, encuadre por encuadre, al espeluznante título de 1997. Cambian dos cosas: la fotografía, como es lógico y hasta necesario, y los actores, también lógico y necesario. Seguro que algunos lectores se lo esperan, y de entre ellos la mayoría no me cree o se sorprende, pero prefiero, y con mucho, la versión americana. Salvando las distancias, hay una diferencia entre ellas similar a la que supone el Hitchcock del primer y del segundo ‘El hombre que sabía demasiado’ (1934-1956). Es decir, la primera es obra de un cineasta de talento, pero con algún que otro aspecto balbuciente. La segunda es obra de un profesional consumado en el arte de desquiciar al espectador. Pero no sólo eso, hay mucho más, y el hecho de que el guión sea idéntico lo revela con mayor nitidez.

La fotografía de 1997 es de Jürgen Jürges, mientras que la de 2007 es de Darius Khondji. El primero es un operador alemán de renombre, con numerosos reconocimientos en su país e incluso en el extranjero. Su iluminación es deliberadamente tosca en esta película, estilizadamente realista, casi como si estuviéramos viendo un vídeo de gran calidad. Esto es deliberado, claro, pero su fotografía no alcanza las sutilezas y las gradaciones emocionales de las del gran Khondji, que saltó a la fama, con toda justicia, gracias a su fotografía de ‘Seven’ (Fincher, 1995). Con su blanquísima luz, que se complementa a la perfección con el blanco vestuario de los asesinos, Khondji juega al contraste, creando una pesadilla de tonos dorados, sin apenas tonos tenebrosos, que nos golpea con una fuerza mayor porque nos parece en un principio más acogedora, pero se revela mucho más terrorífica, porque en nuestra mente la sangre y el horror no caben en nuestra soleada vida cotidiana

Los actores de la primera parte, a mi juicio, cumplen más que bien. Tanto Ulrich Mühe (ya fallecido, famoso por su papel en ‘La vida de los otros’ (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)) como Susanne Lothar son los perfectos pringados burgueses. Así mismo, Arno Frisch es lo suficientemente cabrón y lo suficientemente odioso. Pero los actores de la versión americana son superiores. Tim Roth borda su papel de marido inútil, Naomi Watts añade su fuerza y su belleza, y Michael Pitt y Brady Corbet logran ser mucho más abyectos, repugnantes, que sus homólogos. Su apariencia angelical, sus maneras suaves, su aspecto de perfectos androides asesinos, provoca una violencia mayor en el espectador, pues es mucho más violento desear matar a golpes a dos chicos tan bien parecidos.

A partir de aquí, los que no han visto ninguna de las dos, deberían dejar de leer, porque voy a comentar algunas cosas de su trama y su final. ¿Por qué tiene todo el sentido que ‘Funny Games’ conozca un remake y, más aún, que posea un guión idéntico al original? El relato nos cuenta las atrocidades, el juego de asesinato, de dos perturbados adolescentes, en el borde de la edad adulta, que aniquilan familia tras familia, hogar tras hogar. Son implacables, y aunque la mujer de la casa agarre el arma de fuego y acabe con el más débil, el líder puede coger el mando a distancia del televisor, rebobinar la secuencia e impedir que tenga lugar su derrota. Sabemos que vienen de hacer justo lo mismo con la familia de la casa de enfrente. Y que al final de la historia harán lo propio con la siguiente familia. La mirada del asesino a la cámara, al espectador exhausto, nos dice: “esto nunca acabará, nunca me cogerán, nunca dejaré de matar”.

Diez años después…simplemente siguen matando. Una historia conecta con otra como si el relato se prolongase y repitiese el mismo patrón de asesinato. Como si los nuevos asesinos fueran discípulos de los otros, narrando un círculo sin fin de violencia por todo el mundo, imparable y aterrador. Por supuesto que además Haneke se beneficia de una distribución americana más amplia (además de la incontrolable indignación de los cinéfilos de pro, siempre dispuestos a promulgar esa indignación), y de un equipo incluso más solvente y no, no necesita reescribir su guión (qué gran crimen…), pero hay algo apasionante, incluso fascinante, en confrontar ambas películas, como si asistiéramos a una clase de cine, en la que con los mismos planos, con el mismo guión, se obtiene una película completamente diferente.

Si la primera película nos revolvía el estómago, la segunda nos pone enfermos, nos hace sentir aún más impotentes. Queremos estrangular, escupir, golpear con saña a ese asesino rubio de angelicales ojos azules. Haneke convoca nuestros instintos más bajos, nos sitúa casi a la altura de los agresores, y hasta nos hace desear que Watts coja el rifle y les vuele los sesos a ambos. No hay el menor aprendizaje, la menor lección, ni rastro de un carácter ilustrativo. Es violencia brutal, punto. Hay que tener las ideas muy claras, las convicciones bien armadas, para crear esta película y luego incluso hacer un remake. Mientras otros directores utilizan la violencia con fines bajos o comerciales, o incluso con motivos estéticos o ideológicos, este cineasta no tiene miedo en repugnar con sus imágenes, en convertir la simple supervivencia en la imagen cinematográfica más pura. Yo empiezo a pensar que lo es.

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Un mes después de su estreno, todavía puede encontrarse en algunas salas la última película del realizador alemán Michael Haneke, la aclamada ‘La cinta blanca’, ganadora de la Palma de Oro en Cannes, elegida mejor película del año pasado por la Academia de Cine Europeo, ganadora del premio Fipresci, del Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y clara favorita para llevarse el Oscar en la misma categoría. Con la crítica rendida a sus pies, y tantos galardones, parece complicado buscar una razón para no ir a ver esta película. Es decir, ¿puede uno quejarse de las malas películas que se hacen hoy en día, y al mismo tiempo no ir a ver la película mejor valorada del 2009?

Y la respuesta es que sí, por supuesto. No tengo datos concretos, ni falta que hace, pero sé que muchos de vosotros no habéis ido a ver ‘La cinta blanca’. Nótese que no he dicho que os debe gustar o una tontería similar. Cada uno verá la película a su modo y dará su veredicto (sin ir más lejos, en este mismo blog, Jesús la catalogó de brillante, Adrián de fascinante y Alberto de aburrida), no me refiero a eso. Hablo de salir de tu casa y en lugar de ir a ver otra cursilada con motivo de San Valentín o la nueva y fracasada versión del hombre lobo, optar por la magistral película de Haneke. Para echaros una mano, que sé que a veces cuesta atreverse a dar este tipo de pasos, aquí os dejo mi valoración de ‘La cinta blanca’, uno de los títulos imprescindibles de la década.

Un relato precioso y brutal

‘La cinta blanca’, o ‘Das Weiss Band: Eine Deutsche Kindergeschichte’ (el subtítulo significa ‘Una historia infantil alemana’), que antes de película iba a ser una miniserie, nos traslada a la Alemania de principios del siglo XX, poco antes del inicio de la I Guerra Mundial. Una voz en off nos aclara, desde el principio, que lo que vamos a ver sucedió en el pueblo donde ejercía de profesor cuando era más joven. Adelanta que se trata de una serie de misteriosos y terribles sucesos que, por supuesto, sorprendieron a todos, y que a día de hoy siguen sin tener una explicación. Con la intención de aclararlos, por si tuviera utilidad, este hombre nos contará lo que él vio, oyó y pensó. Así que desde el mismo inicio (y también desde el título completo original) se nos aclara algo importante, que no entiendo cómo hay quien lo olvida: vamos a asistir a un relato inconcluso, o al menos, sin respuestas concretas que aclaren lo ocurrido.

Claro que esto es algo que los que ya hemos visto otras películas de Michael Haneke podíamos adelantar. Las películas de este peculiar cineasta no suelen tener principios ni finales convencionales, sino que lo que nos muestra es algo así como un trozo de la realidad completa que él quiere mostrar. Tampoco le gusta usar música (lo que se conoce como música extradiegética), por lo que me sorprende (y me divierte) mucho que algunos, que evidentemente no se habían enfrentado antes a una obra de este cineasta, hayan creído que en ‘La cinta blanca’ no la había para subrayar la dureza del retrato. No, él dice que en la vida no hay música, salvo cuando alguien enciende una radio o toca un instrumento, así que en sus películas también funciona así (al principio de ‘Funny Games’ rompe esta norma, pero es que la película entera es un juego, más o menos divertido). Más o menos discutible, pero es su forma de hacer cine.

En cuanto al (precioso) blanco y negro, que por cierto tuvo que arreglarse durante la post-producción (la película se rodó en color), aclara el director que tomó esta decisión no sólo porque le encanta sino porque son los colores que asociamos a la época en la que transcurre la película, por las imágenes que nos han llegado. A Haneke le preocupaba situar al público en 1914, de tal forma que no dudara nunca que lo que se le está narrando es un trozo del pasado, recuperado para ser visto hoy, desde nuestras butacas, de una forma seca y clara; un relato de desnuda verdad. En este sentido, el director logra su propósito, y como en anteriores trabajos, no vemos actores sino personas, no asistimos a melodramas adornados sino a acontecimientos cercanos e implacables. Los personajes cobran vida y sus vivencias traspasan la pantalla.

Me resulta difícilmente comprensible que haya quien diga que ‘La cinta blanca’ es una película fría o que deja indiferente. A mí me parece imposible no dejarse llevar por las imágenes de este brutal cuento de horror cotidiano. ¿Es posible asistir con indiferencia al trato del sacerdote con sus hijos? ¿O al del médico con su amante (he visto dos veces la película y soy incapaz de mirar la pantalla en la escena cumbre)? ¿O no sentirse indignado ante los numerosos actos de injusticia llevados a cabo por los “padres de familia”? Es una película violenta (realmente violenta, no como las que van de ello pero sólo ofrecen trucos de gore barato) y agobiante, asfixiante. Haneke nos sumerge en la vida de un pueblo que asiste con sorpresa a una serie de hechos aislados que parecen actos de terrorismo, “endemoniados crímenes” fruto de una mente perturbada. Pero en realidad, y nosotros que estamos fuera lo vemos clara e inmediatamente, el verdadero terror no reside en esos “ataques” aparentemente sin sentido, sino en la forma de vida del propio pueblo. Las gentes de aquel lugar están dominadas por el miedo (ojo a la escena de Eva cuando su novio le habla de hacer un picnic en el bosque), lo llevan en la sangre y de una u otra forma, tarde o temprano, eso va a explotar.

Terror contra terror

Ante este dominio del miedo, apoyado en la religión, la nobleza y el machismo, se levanta(n) un(os) rebelde(s) y protesta con un golpe doloroso e imprevisto a lo establecido. Terror contra terror. El cable que casi mata al médico, el incendio del granero, las agresiones a dos de los niños (los dos que los demás chicos no aceptan). Estas tres acciones son las que impactan al pueblo y las que carecen de explicación para sus gentes, si bien (para nosotros) es fácil encontrar a los culpables. Haneke no da explicaciones concretas, porque quiere un público pensante, pero deja claras las respuestas; por ejemplo, hay que estar muy poco atento para no descubrir quién quitó el cable, y por tanto, quién lo puso ahí.

Pero no son los únicos actos de terrorismo que suceden en la película. Un bebé casi muere de frío porque la ventana de su cuarto estaba inexplicablemente abierta. Una mujer muere porque se la pone a trabajar en un lugar inapropiado, en ruinas; su marido no hace nada, porque teme la reacción del barón, pero su hijo sí, destrozando la cosecha del noble. El médico insulta y desprecia a su amante, y la sustituye por su hija, ¿es casual que al final (tras una amenaza de la mujer) desaparezca sin dejar rastro?

Mucho menos llamativo y poderoso es el acto de rebeldía de otro de los niños, porque todavía es demasiado pequeño para concebir y hacer algo más grande. Pero lo suyo es muy significativo. El hijo pequeño del médico interroga a su hermana en la cocina sobre la muerte. Cuando descubre que ella y todos los demás adultos le han mentido, siendo muy posible que lo sigan haciendo (teme que su padre también haya muerto), el chico se enfada y lanza su plato contra el suelo. Para él, tirar la comida y romper el plato es una respuesta vengativa suficientemente dura. Con unos años más, y ante otro acto de los adultos que no acepte (por ejemplo, atarle a la cama por si se le ocurre tocarse), ¿creéis que no hará algo más contundente?

Es igualmente simbólico que el otro niño de su edad, también demasiado pequeño para unirse a los otros chavales, sea el único de toda la película que parece bondadoso. Recoge un pájaro herido y pide permiso a sus padres para cuidarlo; lo hace y en lugar de quedárselo, se lo regala a su padre porque lo ve triste. No recibe las gracias, ni un trato especial por ello, y a él le da igual. Todavía es muy joven.

Es irónico que haya quien acuse a Haneke de plantear interrogantes y no dar respuestas, o quien se moleste porque le hablaron de germen del nazismo y aquí no hay esvásticas, cuando su película es la mayor, la más firme y lúcida, respuesta a muchos de los problemas y “misteriosos” crímenes que vienen manchando nuestra Historia desde el siglo pasado. No se puede pretender que todo nos lo den mascadito. Todavía vivimos en una sociedad incapaz de reflexionar, de debatir y encontrar soluciones verdaderas, de darse cuenta de los cuervos que está creando, y que se sorprende de las atrocidades que se cometen a diario en todas las partes del mundo, cuando no es más que el fruto de lo sembrado. Todos los días hay alguna muerte impactante no muy lejos de donde vivimos. Y mañana habrá otra. No pararán. Por no hablar de las humillaciones o las palizas. Por no hablar de la pobreza (económica y cultural), la represión y el fundamentalismo.

Como parece señalar la película al final, hasta que no haya otro gran enfrentamiento entre naciones y nos matemos los unos a los otros como perros sin correa, por la bandera o alguna estupidez similar, no nos daremos cuenta de la gravedad de la situación, de que el agua está hirviendo y estamos dentro de la olla. ¿Seguiremos diciendo que no lo vimos venir, que no sabemos la causa? No queremos mirar, y estamos demasiados cómodos como para cambiar las cosas. Desgraciadamente, hasta que no nos toque a nosotros, directamente, no abriremos los ojos. Por eso me parece tan grave que se limite ‘La cinta blanca’ comparándola con ‘El pueblo de los malditos’ (1960) o con un título más culto como ‘El cuervo’ (1943), cuando tienen tanto que ver con ella como ‘Los comulgantes’ (1963). Vale como broma, como parte de un charla informal, pero dicho en serio revela una torpeza escandalosa. Eso es quedarse en la superficie, no saber ver más allá. Y con Haneke hay que ir más allá.

Me pregunto quiénes son los iluminados que ascienden a alguien como Michael Haneke a los altares, seguro que son la misma gente que protesta por el hecho de que ‘Avatar’ gane Globos de oro echando pestes contra los premios en general, y luego alaban los concedidos a Haneke y su última película, ‘La cinta blanca’ (‘Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte’, 2009). Lo cierto es que estamos ante una de las mejores películas de tan curioso cineasta, al menos es en la que menos imbécil me he sentido pues siempre he tenido la sensación de que este tío se ríe del público. Su cine no plantea ninguna respuesta, sólo preguntas, su obsesión por el mal y los orígenes, por el ser humano y sus intrincados sentimientos de culpabilidad y remordimiento, siguen siendo sus temas predilectos. Y no digo yo que no sean de gran importancia, lo son, pero en manos de Haneke se me antojan pueriles e insatisfactorios.

Mis compañeros Juan Luis Caviaro, Jesús León y Adrián Massanet, o lo que es lo mismo, el raro, el soso y el toca cojones, estarán absolutamente emocionados con el más que cantado Oscar para esta cinta —si gana Campanella doy una fiesta—, pues la tratan como una obra maestra, en la que éste vuestro humilde servidor, más cazurro y borrego de lo que parece, ha sido incapaz de entrar. Realmente creo que el cine de Haneke es vacío por culpa de sus formulismos, esta vez el fondo —de una envergadura dramática realmente estremecedora— queda anulado por una puesta en escena que, aún tirando a clásica se pierde al sustituir la sutileza en pos de una incapacidad narrativa hasta insultante.

El argumento de ‘La cinta blanca’ está situado entre los años 1913-1914 en un pequeño pueblo protestante del norte de Alemania. Allí poco a poco van sucediéndose extraños acontecimientos cada vez más peligrosos, accidentes de carácter mortal, incendios, y nadie encuentra ni una razón ni un culpable para ello. Ahondar más sobre esta premisa sería totalmente inútil, pero ahí tenemos a don Michael Haneke, armado de todo el valor del mundo, pretendiendo explicar los orígenes de la maldad del ser humano contextualizando la historia antes de la Primera Guerra Mundial para que yo como espectador me haga una paja mental pensado en el origen del nazismo. Haneke desconoce el verdadero significado de la palabra sutileza, y con el pretexto de dejar en manos del público el completar su propuesta, nos planta un ladrillo de dos horas y media. Tal vez Haneke debió realizar lo que tenía pensado en un principio, una miniserie de televisión dividida en tres partes.

De nada me vale que todo su reparto esté perfecto. Sus personajes no tienen alma —ahora alguien gritará que eso es precisamente lo que busca Haneke—, no siento simpatía por ninguno, entendiendo por ello que me parezcan fascinantes o mínimamente atractivos. Ni siquiera por el narrador —cuando le conviene a Haneke que sea el narrador gracias a una voz en off, porque cambia de punto de vista cada dos por tres—, un joven profesor que descubre por arte de magia, repito, por arte de magia —ahora algunos me explicarán cierta escena en la que descubre a unos niños hurgando en una ventana— a los posibles culpables de los dramáticos acontecimientos que bañan el film. Como tampoco me impresionan esos niños que parecen salidos de ‘El pueblo de los malditos’ (‘Village of the Damned’, Wolf Rilla, 1960), film sobre el que John Carpenter volvería con un olvidable remake en los 90, y que en cierto modo guarda paralelismos con ‘La cinta blanca’. Y así con el resto de personajes.

La fría cámara de Haneke me impide ese acercamiento, y las posteriores reflexiones —ésas que a veces se tienen transcurridos días tras un visionado— carecen totalmente de interés para mí. No necesito acciones fuera de campo alargadas hasta la extenuación, lo mismo que infinidad de planos fijos que en lugar de inquietarme provocan en mí un enorme y largo bostezo. Lo que sí me llego a preguntar es por qué demonios los padres de Michael Haneke no le inculcaron a ser otra cosa que no fuera director de cine, y así me hubiera ahorrado algunas memeces de muy señor mío. Indagaré sobre ello, me comeré el coco una y otra vez, tal vez sea ésa la verdadera intención de este director con ínfulas de autor, que descubramos qué narices hace año tras año atormentándonos.

No puedo decir qué debe ser el cine —realmente nadie puede—, pero sí puedo decir que es éste para mí o qué espero de él, porque al fin y al cabo en el fondo de todo, sólo se trata de eso, de lo que cada uno espera de este arte tan maravilloso en el que todos coincidimos en una única cosa: nuestro amor por él. Y por Dios, que nadie me salga ahora rasgándose las vestiduras hablando de que no he sabido apreciar el duro golpe que Haneke pega a la educación férrea y religiosa que más tarde deriva en el mal, o que no he entendido —y por lo tanto no he sentido— algunas de las oscuras historias innombrables que encierran los personajes que pululan por ‘La cinta blanca’, como si el entender una película fuese sinónimo de calidad. Entiendo perfectamente el cine de Michael Bay y también me parece deplorable, eso sí, al menos Bay no engaña a nadie. Precisamente lo peor de Haneke es que su discurso resulta muy obvio.

Ay, si Dreyer resucitase, la de collejas que le daría al alemán éste, o Henri-Georges Clouzot que ya contó algo parecido y mucho mejor en la excelente ‘El cuervo’ (‘Le Corbeau’, 1943).

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• Sevilla Festival de Cine Europeo 09: ‘La cinta blanca’, el mejor Haneke

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Christopher Nolan ha hablado por fin sobre su nuevo y esperadísimo film, ‘Inception’ (‘Origen’, en español), que estará en los cines el próximo verano:

Crecí viendo las películas de James Bond, amando ese tipo de películas de espías que recorrían el mundo… Hemos hecho eso, no sólo geográficamente sino también en el tiempo y en las dimensiones de la realidad. Así llegamos a una película que puede decirse que se expande en cuatro dimensiones. [...] Es el mayor reto de mi carrera hasta el momento. Es lo más lejos a donde he llegado.

Con ‘Sherlock Holmes’ ya en las pantallas españolas, vamos a echar un vistazo a lo que ha dicho su protagonista, la estrella resucitada, Robert Downey Jr.:

No es perfecta, pero la hicimos con el corazón. Teníamos algunos elementos exteriores marcados por el estudio que nos condicionaron, porque la sola idea de resucitar a Holmes para el cine era muy arriesgada. Cuando nos pusimos a hacer la película, estaba cargada de esteroides. Y cuando la terminamos estábamos seguros de que iba a haber secuelas y ya era una película muy grande.

El gran estreno del fin de semana en España es lo nuevo del director Michael Haneke. Aquí nos explica el tema central de ‘La cinta blanca’ (en mi opinión, una de las veinte mejores películas de la década):

Si se considera un principio o un ideal como algo absoluto, sea político o religioso, se convierte en inhumano y lleva al terrorismo. La película no habla sólo del fascismo, sino de ideales pervertidos.

Aunque el cámara parece enfermo de parkinson y el montaje sea un caos, lo cierto es que ‘In the Loop’ es una de las comedias más divertidas de los últimos años. Su director, Armando Iannucci, confirma que mucho de lo que se ve en el film es cierto:

Muchos políticos han visto después la película y públicamente no la apoyan, pero en privado vienen y me dicen: ‘¿Quién te ha contado eso? Es así al cien por cien’.

Atención. Una de las joyas de la semana. La organización ‘Comunistas de San Petersburgo’ ha exigido el arresto de James Cameron, al que acusan de haber robado ideas de la ciencia ficción soviética para incluirlas en su película ‘Avatar’. Pero la cosa no acaba ahí...

Los adolescentes se asustan al ver esas caras azules, fruto de la imaginación enfermiza de Cameron, no pueden dormir por las noches, no descansan y en consecuencia ponen nerviosos a sus padres. El arte debería aportar belleza y no un horror azul e imágenes de la disección de personas en las mesas de operaciones de los OTAN-fascistas. Cameron debe estar entre rejas y no en la ceremonia de los Oscar.

Otra joya. Ésta la he descubierto buceando en Imdb, no es reciente, pero creo que merece la pena. Habla Robert Pattinson:

‘Crepúsculo’ es una metáfora sobre las virtudes de la castidad, pero ha provocado el efecto contrario. Recibo cartas que dicen: ‘Me voy a suicidar si no ves conmigo High School Musical 2’. Es un poco enfermizo.

Penélope Cruz es una de las protagonistas de ‘Nine’, de próximo estreno en España. La mujer va de un lado para otro promocionando el film y parece que ya se le han cruzado un poco los cables:

Esta película es un subidón de adrenalina, es como ir a un parque de atracciones, te sientes colocado, pero de una manera positiva. Pasarán dos horas sonriendo y saldrán del cine sonriendo.

Stephen Frears ha estado en España presentando su película ‘Chéri’ (¡2007!), que se estrena en los cines españoles en un par de semanas:

Yo sólo ruedo lo que necesito para la película. Pero ahora ruedan con 5 cámaras, así que cada cámara está un poco mal, no hay una cámara exactamente en el lugar adecuado, sino un poco a la izquierda o un poco a la derecha. [...] Estoy pasado de moda.

Quentin Tarantino, uno de los posibles triunfadores de los Oscars de este año (por esa bobada graciosa de ‘Malditos bastardos’), defendió en la sede de la Academia Británica de Cine y Televisión que la violencia es la mejor forma de conectar con el público:

La violencia es genial, sabes que estás viendo una película porque hay violencia y ésta afecta al público de una forma tremenda. [...] Cuando pegan un tiro en el estómago a un tipo, sangra como un cerdo y es eso lo que quiero ver, no una pequeña mancha roja en mitad de la tripa.

Y para terminar, la mayor chorrada, el derrame cerebral de la semana. La ganadora es la actriz Jessica Alba:

Estar embarazada fue la experiencia más increíble que he tenido nunca. Acepto las estrías, el pecho caído y esa celulitis de la que nunca me libraré.

Vía | 20Minutos, LATimes, Aporrea, Lavanguardia, Elpaís, Telecinco, Nortedecastilla

Michael Haneke lleva más de dos décadas indagando, sin descanso, en el mismo tema: las raíces del fascismo. Para algunos analistas investiga sobre la violencia, pero en realidad su búsqueda es más compleja, más nítida y más apasionante que esa que, en cierto modo, buscan todos los artistas, pues investigar sobre la violencia (que en sí misma no es dañina), es investigar sobre la miserable condición humana. Pero Haneke ya da por sentada esa condición, y lo que quiere es que nos preguntemos, como él mismo, de donde proviene tanta crueldad, tanta ignorancia, tanta barbarie.

Esa es la razón de su quehacer como cineasta, que desde la fundacional ‘Funny Games’, es un quehacer admirado por todos los espectadores que no se contentan con la representación de los resortes del horror predigeridos provenientes del otro lado del charco, si no que están dispuestos a que les provoquen una despiadada lucha consigo mismos, desprovistos ya de héroes, de finales felices, de lugares comunes, de asideros morales y de redenciones que no pueden aportar nada a quien las contemple, más allá de una evasión de este mundo (que es, casi siempre, el peor imaginable), y una mentira perpetuada por cineastas bien pagados, que cumplen su función de títeres, de urdidores de falsedades confortables. Sin embargo, existen cineastas de un coraje ilimitado, que aprecian al espectador lo bastante como para ponerles un espejo en la cara y mostrar así los abismos de la perversidad. Michael Haneke es uno de ellos.

Magistral relato, muy intrincado, pero resuelto con precisión y contención formal apabullantes, ganador con todos los merecimientos, en el último Festival de Cannes (parece un chiste de mal gusto que se estrene nada menos que siete meses después) de la Palma de Oro y del premio FIPRESCI, y, hace pocas semanas, del premio a la Mejor Película Europea. Haneke alcanza su cumbre con este filme, después del coherente y escalonado discurso que ha ido elaborando en la pasada década con, sucesivamente, ‘Código desconocido’, ‘La pianista’, ‘El tiempo del lobo’ (la menos interesante, pero no por ello desdeñable, de todas), ‘Caché’ y el remake americano de ‘Funny Games’, y que le ha convertido en el eminente cineasta que ahora es.

La puerta trasera del horror

En un idílico pueblo protestante del norte de Alemania tendrá lugar una serie de acontecimientos misteriosos y brutales, narrados por una voz en off perteneciente al maestro del lugar, un anciano que cuenta la historia “parcialmente, de oídas”, y que en la época en que se sitúa la acción cuenta con treinta y muy pocos años. En parte, investigará los sucesos, de modo que el personaje funciona al mismo tiempo como narrador y como artífice del parcial desvelamiento de los misterios (palizas, incendios, accidentes incomprensibles) que sacuden la conciencia de todo el pueblo y amenazan con minar la autoridad de los poderes establecidos. Haneke irá tensando la cuerda lenta pero implacablemente, haciendo malabares una vez más con nuestras expectativas y dejándonos desamparados y exhaustos en la conclusión.

Porque de tensar la cuerda se trata. Su condición de inmenso flash-back y la formalización que Haneke lleva a cabo de los conflictos y peripecias de un grupo de más de veinte personajes entrelazados con virtuosismo, distanciada y aparentemente gélida, se ve contradecida por un magma subterráneo de mentiras, atrocidades y secretos a voces, cargas de profundidad invisibles pero cuya hedionda verdad termina por traspasar los poros de la cotidianeidad, para instalarse por siempre en la retina y en la memoria del espectador, que desprevenido por la apariencia de normalidad baja la guardia y se ve atrapado por las redes de Haneke. Un ejercicio de geométrica exactitud que primero se toma su tiempo para establecer situaciones, relaciones y réplicas, para terminar en un crescendo de barbarie desoladora.

Se ha emparentado esta película con ‘Escenas de caza en la Baja Baviera’ (Fleischman, 1969) y el parentesco no es lejano, pero por su riguroso y formidable blanco y negro, obra de Christian Berger, por la hondura y exactitud de sus imágenes, por la cercanía geográfica y cultural, no me parece descabellado asumir su paralelismo con la obra maestra de Dreyer ‘Ordet’, aunque si bien en aquella se trataba de la búsqueda y confirmación del mundo espiritual, en un diálogo insuperable con Dios, en esta se trata de la búsqueda y confirmación de la maldad en estado puro, de los brotes de lo que luego será la cantera de criminales más despiadados de la historia, en un diálogo insuperable con el Diablo, que dejó el huevo de la serpiente en todos nosotros.

Es fascinante el modo, completamente creíble, en que Haneke establece un efecto mariposa capaz de unir, como si fueran vasos comunicantes irremediables, los hechos del pequeño pueblo apartado del mundo con el asesinato del archiduque en Serbia, que propiciaría la I Guerra Mundial. Para Haneke, que como todos los grandes artistas sabe que todos estamos interconectados, más que casualidad, hay una dinámica causa-efecto que algunos llaman predestinación y que no son si no el inefable destino del ser humano, en el que si algo puede ir mal, irá peor.

Zarandeados por este vendaval de gran cine no queda si no rendirnos a la evidencia. Es la mejor, la más valiente, arriesgada y notable película de 2009.

En Blogdecine:

Sevilla Festival de Cine Europeo 09: ‘La cinta blanca’, el mejor Haneke

Y en la ciudad alemana hubo un vencedor: Michael Haneke. El realizador que partía entre los favoritos con la que puede ser su mejor película, la aplaudida y sobrecogedora ‘La cinta blanca’. Tenía como principal rival otra película vitoreada durante este año como era ‘Un profeta’ del francés Jacques Audiard. Pero, Haneke se terminó imponiendo y llevándose a casa los premios a la mejor película, mejor dirección y mejor guión.

La demoledora historia ambientada en una pequeña población protestante alemana en los albores de la Primera Guerra Mundial, resulta un ejercicio sublime de lo mejor de Haneke y parece que así se lo han querido reconocer, después de haber ganado también este año la Palma de Oro en Cannes. Por cierto, ya tiene fecha de estreno es España, será el 15 de enero.

Del resto de galardones cabe destacar el logrado por Kate Winslet, sin duda, un gran año para la británica y que asombró con su trabajo en ‘El lector’ de Stephen Daldry (y con el que también ganara este año el Oscar). Mientras que el mejor actor ha sido Tahar Rahim protagonista de ‘Un profeta’.

El premio Carlo di Palma a la mejor fotografía recayó en Anthony Dod Mantle, por ‘Slumdog Millionaire’ (también nombrada película del año por votación popular) y ‘Anticristo’, el mejor compositor fue nuestro compatriota Alberto Iglesias por ‘Los abrazos rotos’ (único galardón para el trabajo de Almodóvar, que optaba a algunos más). El veterano Andrzej Wajda fue distinguido con el premio FIPRESCI por ‘Tatarak’ y fueron homenajeados Ken Loach y la actriz Isabelle Huppert.

Vía | EFA y La Vanguardia

Las películas de Michael Haneke suelen incomodar al espectador en su asiento. Es un realizador al que gusta remover conciencias y, quizás por ello, tiene muchos detractores. Pero su cine, o su forma de concebirlo, precisamente intenta que reflexionemos, hacer que el espectador no asista impasivo a una historia y se olvide de ella justo al terminar. Y, con ‘La cinta blanca’, Haneke precisamente consigue este propósito. Fiel a su estilo, pero con un madurado y más inspirado resultado, hace un ejercicio inteligente de narración poderosa, para sumergirnos en el gérmen de la violencia. Tema recurrente, por otra parte, en sus películas.

‘La cinta blanca’ (‘The White Ribbon’) es un viaje a las entrañas del infierno humano, al menos, al gérmen de los peores aspectos de nuestro comportamiento. Haneke, para ello, nos sitúa en el ambiente opresivo y férreo de una pequeña población germana en los albores de la Primera Guerra Mundial. Una localidad protestante, con severas normas sociales y de comportamiento (educación, religión, familia…), que sirve de escenario para unos extraños sucesos, donde los niños tienen el protagonismo, y asisten a estos hechos y sus consecuencias.

Haneke pone la voz narrativa en un hombre mayor que recuerda los sucesos cuando era joven y era el maestro de la comunidad del pueblo. Allí y entonces, las imposiciones de unas reglas severas toman más énfasis con los convulsos episodios que van sucediendo y que rompen el frío discurrir de la cotidianeidad. Una sociedad regida por la religión, por el respeto por los nobles y donde, la educación de los niños, resulta prioritaria.

El realizador de ‘Funny Games’ hace gala de su habitual mirada distante, gélida, pero a la par contundente, sin cede ni un ápice a concesiones ni a pistas acerca de los episodios, cuya intriga va en aumento, pero genera en todo momento desconcierto absoluto. Apoyado en una austera pero brillantísima fotografía en blanco y negro, con ausencia total de partituras en la banda sonora, logra reflejar con rotundidad la asfixiante atmósfera del relato. No resulta un antojo estilístico, sino una forma de articular el lenguaje completamente apropiado a la historia, lo que evoca y que aumenta, si cabe, el aire misterioso que sobrevuela en todo momento.

Una historia la de ‘La cinta blanca’ que conforme avanza va clavando sus dardos envenenados con la verdadera intención. La de hacer al espectador reflexionar sobre el nacimiento del nazismo, que no es sino un ejemplo para comprender de dónde viene la violencia del comportamiento de los adultos. Una exploración a una infancia represiva que germina en todo lo opuesto a lo que se ha intentado, erróneamente, inculcar.

Muy acertado resulta el uso de la mirada de los niños, como paradigma de la inocencia y la pureza (como la cinta blanca a la que alude el título), para transmitir un mensaje, magistralmente articulado y apoyado en unas imágenes subyugantes, austeras, frías pero no exentas de una fuerza brutal, que justifica el ejercicio de estilo.

‘La cinta blanca’ no se digiere pronto. De hecho, su mensaje permanece en la memoria cuando termina le película y cada uno se lleva su conclusión, reflexión al salir de la sala. Porque la historia concluye, pero su esencia perdura. El mejor Haneke, sin duda.

Los directores son una raza de personas que forman una extraña comunidad, siendo como es el cine un arte tan imperfecto, amorfo y decadente. Pero grandes artistas hay. Por supuesto que dejo sin nombrar varios grandes directores, algunos de los cuales quizá merecerían estar en esta lista antes que otros, pero los he elegido no solo por su incuestionable talento, también por su resonancia social (para bien o para mal), por su personalidad y su universo personal. Lean, lean:

Roman Polanski

El polaco de 76 años ha dirigido dieciocho largometrajes (incluyendo el que ahora está en su fase final de producción) en un apasionante carrera en la que hay lugar para cuatro obras sublimes: ‘Chinatown’, ‘La semilla del diablo’, ‘Tess’ y ‘El pianista’, y varias piezas muy notables. Como dije hace poco, sólo cabe soñar lo que hubiera sido de su carrera si no hubiera emigrado por dos veces de Estados Unidos, pero aún así es lo suficientemente importante como para abrir esta lista, que además no va en orden de preferencia.

Zhang Yimou

El cineasta chino más importante de la llamada Quinta Generación de cineastas de su país, y el más internacional, puede que filme el más exquisito cine que se hace hoy día, a pesar de que su prestigio ha decaído, muy injustamente, con su anhelada trilogia wuxia, conformada por las bellísimas ‘Héroe’ y ‘La casa de las dagas voladoras’, y por la más que interesante ‘La maldición de la flor dorada’. Pero sus obras maestras son numerosas: ‘Ni uno menos’, ‘El camino a casa’, ‘Keep Cool’, ‘La linterna roja’. Casi nada.

Francis Ford Coppola

A pocos sorprenderá que le incluya, cuando le he dedicado más de medio año en un extenso estudio que espero esté a la altura de lo estudiado. Es cierto que su carrera es tremendamente irregular (como la de casi todos), pero resulta imposible no incluirle entre los más grandes vivos, si tenemos en cuenta los más grandes hitos de su carrera.

Terrence Malick

Actualmente, me estoy dejando la piel para completar un análisis de la carrera de este misterioso hombre de cine, que hasta la fecha ha filmado tan solo cinco películas (la última aún no la ha visto nadie), pero que quizá sea el más grande artista cinematográfico vivo. Incomprendido y amado a un tiempo, este realizadorse aleja del espectador, precisamente, para ofrecerle algo con lo que el espectador pueda conmocionarse.

James Cameron

He dicho muchas veces que es el más grande director de ficción científica de la historia. Lo es, pero además es un escritor formidable (y muy modesto), y es el creador de un icono como el Terminator, y es el mejor creador de secuencias de acción que existe, y aunque tenga equivocaciones como ‘True Lies’, es el mejor técnico que existe. Sus historias son sencillas y conmovedoras, además de frenéticas. ¿Alguien da más?

David Lynch

Lynch pasa por ser uno de los directores más incomprendidos de la actualidad por ciertos sectores de cinéfilos, pues los que necesitan clasificar lo inclasificable encuentran en él la horma de su zapato. Es un cineasta que ha hecho casi de todo: ciencia ficción, cine negro, cine de terror, melodrama, suspense, y ha sabido impregnar a todas esas historias de su mirada personalísima y radical. Director genial, visionario y fuera de toda norma, imprescindible para conocer el cine de las últimas tres décadas.

Víctor Erice

El gran drama de este hombre (con el que me cruzo alguna que otra vez por la calle, cerca de mi casa) es haber nacido en un país tan necio, ignorante y cruel como España, que no es precisamente un paraíso para los artistas más sensibles, íntimos y profundos. Tres largometrajes (uno de ellos, quizás el más importante, inacabado) en una carrera plagada de problemas con los productores. Aún así, pertenece a este grupo por derecho propio, pues es el director español más importante vivo. Nadie ha igualado aún, el retrato de la infancia de ‘El espíritu de la colmena’ o la búsqueda de la figura paterna de ‘El sur’.

Bertrand Tavernier

Tavernier es un hombre tremendamente comprometido, tremendamente pasional, y tremendamente radical. Estas tres características le han granjeado no pocos enemigos, pero también son la razón de que su obra sea tan comprometida, tan apasionante, y tan visceral. Siempre en el filo de caer en el ridículo, pero sin rozarlo jamás, es el director de esa obra de arte titulada ‘Hoy empieza todo’. Para qué seguir hablando.

Michael Haneke

La última, y al parecer merecidísima Palma de Oro, es la culminación de una personalidad cinematográfica sin parangón en el cine europeo actual, que escarba sin piedad en las miserias morales del ser humano, futuro, presente y pasado. Para muchos, es el más complejo y grande director vivo.

Alfonso Cuarón

El mexicano puede sorprender a algunos por estar en esta lista, pero en mi opinión es de los que más se lo merece. Ha demostrado su maestría absoluta en drama, fantasía y ciencia ficción, y dada su juventud, se pueden esperar grandísimas cosas de él. Los grandes maestros no son sólo aquellos que cuentan con setenta años de edad.

Martin Scorsese

Es cierto que su personalidad se ha ido diluyendo de manera preocupante en la presente década, pero ¿qué importa cuando es el director de joyas imperecederas como ‘Raging Bull’, ‘Taxi Driver’ o ‘Uno de los nuestros’, esta última verdadera pieza catedralicia del universo Scorsese? Aunque creo que su obra maestra es la trilogía conformada por ‘La edad de la inocencia’, ‘Casino’ y ‘Kundun’. ¿Volverá a filmar algo parecido? Sólo el tiempo lo dirá.

Lars Von Trier

Ya, ya lo sé, ahora mismo muchos le desprecian, o simplemente le consideran un tarado, por su ‘AntiChrist’, pero no hay que olvidar que este hombre filmó un manifiesto de libertad incomparable llamado ‘Los idiotas’, y un drama radical e inolvidable con ‘Rompiendo las olas’, y un musical atípico y bellísmo con ‘Dancer in the dark’. Además, puede contar una historia convincente sin elementos escénicos. En fin.

...y M. Night Shyamalan

Shyamalan es otro director esencial del cine actual, y más aún, es uno de los pocos con universo propio e intransferible, mal que le pese a algunos. Y el más joven de todo el grupo. No sólo es autor de una carrera asombrosa, sino que sigue sorprendiendo y arrisgando como nadie en cada película. Un verdadero director, un autor irredento. Un motivo para creer en el cine.

Rodada en austero blanco y negro, Haneke nos traslada a un pueblo protestante del norte de Alemania justo antes de estallar la I Guerra Mundial. Allí conocemos a los niños y jóvenes que forman un coro, dirigido por el profesor de la escuela. Se suceden accidentes muy extraños que van sucediéndose de forma gradual y que parecen una especie de castigo ritual.

Una atmósfera opresiva, intrigante y que seguro removerá las conciencias de los espectadores, mostrando el lado menos agradable de la sociedad, como es habitual del realizador. Su llegada a nuestras salas se prevé a largo plazo, y no parece que sea este mismo año. Una pena, porque a pesar de que pueda gustar más o menos el cine de Haneke, lo cierto es que una cinta ganadora en Cannes se merece una distribución más acorde con su prestigioso galardón. Algunas críticas valoraron su mirada profunda, y la sutileza e inteligencia con la que propone una aproximación a la semilla del nazismo.

Vía | Cinencuentro