Si él muere… todo lo que para mí es vida morirá con él.
(Ivy Walker)

Volvemos a hablar en Blogdecine de M. Night Shyamalan (sin duda es uno de los cineastas más importantes del presente) debido a que una de sus películas fue la más solicitada en los comentarios de la anterior “crítica a la carta”. Me llamó la atención, en ese famoso vídeo sobre la rueda de prensa de ‘Airbender: El último guerrero’, que Shyamalan reconociera que ‘El bosque’ (‘The Village’, 2004) es su película favorita de todas las que ha hecho hasta ahora. Esto evidentemente no implica que sea la mejor, si es que tal extremo importa y pudiera dilucidarse, los directores suelen ser muy especiales a la hora de elegir sus trabajos más inspirados. Por ejemplo, no creo que nadie piense en ‘El proceso’ (‘The Trial’, 1962) si sólo hubiera que elegir un título de Orson Welles, pero a él le parecía su película más redonda.

Personalmente, pienso que la obra más perfecta que ha realizado Shyamalan es ‘El protegido’ (‘Unbreakable’, 2000), con una puesta en escena insuperable. Pero ya sabiendo la preferencia del director por ‘El bosque’, al verla de nuevo a causa de vuestra petición, entiendo por qué le gusta tanto. De todos sus trabajos, éste es en el que más claramente se habla del amor; esa cosa mágica, intangible pero poderosa y transformadora, que nos hace ver todo de otro modo, esa conexión que se establece entre dos espíritus que se entregan pura y completamente el uno al otro. Es el gran tema de este director, la búsqueda del amor, y es aquí donde más se ocupa de ello, a través de una fábula en la que también caben reflexiones sobre la sociedad, el sacrificio, la inocencia y el miedo. Y por si fuera poco, entretiene, sorprende, inquieta y emociona, desde el primero hasta el último minuto. Una joya.

El pueblo a salvo de los lobos

Tras los títulos de crédito, acompañados por la arrebatadora partitura musical de James Newton Howard, vemos a un hombre llorar la muerte de su hijo, mientras un grupo de gente lo mira a cierta distancia, con profundo respeto. La tumba marca dos fechas: 1890-1897. Acto seguido, el mismo hombre estrecha afectuosamente la mano del que parece ser el alcalde del lugar, Edward, mientras éste habla a la comunidad de momentos difíciles, confianza, compromiso y seguridad. Todos se quedan congelados cuando entre el viento que azota los árboles se oyen los lejanos y amenazadores aullidos de lo que parecen ser bestias, terribles lobos. Sólo uno de los pueblerinos se ríe y aplaude, como si se burlara de toda aquella seriedad, pero es Noah, un joven con discapacidad mental, y todos aceptan su extraño comportamiento (no saben, ni sabemos aún, lo que él ha visto).

Así arranca ‘The Village’ (originalmente titulada ‘The Woods’), abriendo incógnitas desde sus primeras escenas (todas se irán contestando poco a poco), creando una atmósfera perturbadora y misteriosa, de cuento de hadas, y recordando inevitablemente al primer episodio de la serie más popular y adictiva de los últimos años, ‘Lost’ (cambiando el pueblo por una isla y el sonido de los “monstruos” por el del “humo negro”). Pronto descubrimos que en el pueblo (construido de la nada para la filmación de la película) hay reglas estrictas que nadie puede incumplir. La fundamental es que está prohibido atravesar los bosques, pues es el territorio de unas criaturas terribles, sin nombre, que mantienen una especie de tregua con los seres humanos; no hay peligro mientras nadie cruce los límites establecidos, marcados con señales amarillas, el color protector (se le asocia con la tranquilidad, pero me llama la atención que “amarillo” en inglés significa también “cobarde”). Del mismo modo, hay un color asociado a los monstruos, que todos se empeñan en ocultar, alejar de las casas o de sí mismos; es el rojo, que simboliza peligro, agresividad, y también la sangre derramada.

Siempre me ha parecido curioso echar un vistazo a los nombres que se barajaron para determinados proyectos (me acuerdo de Dustin Hoffman para ‘Blade Runner’), o que fueron reemplazados a última hora, siendo a menudo de lo más sorprendente que se pensara en otros actores tan diferentes de los que aparecen finalmente en la pantalla. Shyamalan escribió el personaje de Lucius pensando en Joaquin Phoenix, si bien el de Ivy era en un principio para Kirsten Dunst, hasta que lo impidió el rodaje de ‘Elizabethtown’ (imagino que se arrepentiría bastante); sin audición previa, el director eligió a Bryce Dallas Howard para sustituirla. Quizá lo más sorprendente es descubrir que Ashton Kutcher pudo dar vida a Noah, pero igualmente tuvo que dejar su sitio por problemas de agenda (Hayden Christensen fue otro de los candidatos). Shyamalan tiene una mano fantástica con los intérpretes, pero sin duda tuvo suerte con el reparto final. Adrien Brody, William Hurt, Sigourney Weaver, Brendan Gleeson, Michael Pitt y Jesse Eisenberg, entre otros, viven cada momento de este poético cuento de amor y terror.

De luces y tinieblas

Porque otras podrían haber cumplido estupendamente en el papel, pero es que Dallas Howard está sencillamente sublime; ella es Ivy. Shyamalan ve en la pelirroja los valores que representa la chica ciega (la inocencia, la vida, la calidez), y consigue que la actriz no sólo dé rienda suelta a su innato talento para la interpretación (poco aprovechado hasta ahora, a excepción de ‘La joven del agua’, también del realizador de origen indio), sino también que desprenda esa extraña mezcla de ingenuidad y madurez que caracteriza a Ivy, más despierta que el resto (a pesar de su ceguera); como llega a decir, ve el mundo de una manera diferente a los demás. No le hace falta el sentido de la vista para comprender nada, no los necesita para ver lo que importa de verdad. Es muy significativa la manera en la que Shyamalan nos presenta a esta chica, abrazada a su hermana, consolándola y reconfortándola, en una habitación cálidamente iluminada por las llamas de las velas.

Tan auténtica como la interpretación de Dallas Howard es la de Joaquin Phoenix, un actor de instinto, de ésos raros individuos que son capaces de vivir y respirar la ficción, hasta hacerla realidad (tanto es así que aún se duda sobre la veracidad de un documental que gira en torno a él, tras su anunciada retirada del cine para dedicarse al rap); puro talento al que también aprovecha hábilmente Shyamalan dejando en sus manos al silencioso Lucius (Ivy no ve, él parece mudo), de mirada curiosa, tímido a su pesar, atrapado entre reglas, un joven valiente (el que más) que sólo se inquieta cuando está cerca de Ivy, y sólo tiene miedo a que ésta sufra algún daño. El progresivo acercamiento entre estos personajes llega a su máximo esplendor en la maravillosa secuencia de la entrada de las criaturas en el pueblo, con Ivy tendiendo la mano, confiando en que su amor llegará a tiempo para salvarla. Puro cine.

El esperado beso, en el porche de Ivy, supone la consumación del amor entre los dos jóvenes, y será también el desencadenante de todo el último tramo del film. Resulta interesante cómo desde ahí pareciera que ambos han tomado lo mejor del otro, compenetrándose y completándose, siendo mejores personas; ella se contagia de la valentía de Lucius, mientras que él adquiere una enérgica vitalidad; estas transformaciones serán esenciales para resistir y superar lo que ocurrirá a continuación. Dos veces intenta Lucius cruzar el bosque (para conseguir medicinas), pero será Ivy quien consiga finalmente la aprobación del consejo de “los mayores”; sólo ella puede emprender la aventura porque lo solicita en el momento adecuado, cuando ha abrazado el amor, ha perdido el miedo y está dispuesta al sacrificio. Sólo así puede adentrarse en la oscuridad que rodea el pueblo (como una caperucita amarilla) con la esperanza de regresar con vida. Puede decirse, por tanto, que el amor es la luz que identifica, dignifica y da sentido al ser humano; es aquéllo por lo que merece la pena vivir, y morir. Los monstruos (los reales y los simbólicos) viven entre tinieblas, incompletos y violentos, inseguros y autodestructivos; ineficaces y realmente ciegos ante esa luz única.

Se le pueden criticar o discutir (con normalidad) a M. Night Shyamalan muchas de las decisiones que ha tomado hasta ahora (que actúe en sus películas o que subraye tanto sus finales), pero es incontestable que se implica al máximo en las historias que cuenta. Es uno de los pocos directores que escriben sus propios relatos y que se atreven a exponerse de una manera tan valiente, casi suicida, ante el público, exprimiendo todo su ser (todo su talento, todo su esfuerzo) en cada trabajo. Por eso resulta tan triste, y al mismo tiempo tan irónico, que esté siendo vapuleado sistemáticamente por la crítica especializada de su país (y de otros que bailan detrás) prácticamente desde el estreno de ‘El protegido’, cuando decepcionó a los que esperaban ‘El séptimo sentido’. Los monstruos se están cebando con él, cada vez con mayor irritación, pero (al menos por ahora) parece que el hombre resiste, fiel a su estilo y su visión única, tanto del cine como de la vida.

El cine, o el arte en general, es una carrera de fondo, dirían muchos. Tal expresión puede aplicarse a la trayectoria ascendente del cineasta alemán Michael Haneke, uno de los directores esenciales del cine europeo de los últimos veinte años, que ahora, cumplidos los 68, ha visto recompensada su labor con la Palma de Oro (en verdad, el premio cinematográfico más codiciado que existe), y con otros premios menos importantes, por su escalofriante ‘La cinta blanca’ (2009), después de más de dos décadas indagando en la violencia y la crueldad que surgen de la hipocresía y la ceguera de la sociedad, un sistema con el que se supone que podemos convivir en relativa paz y armonía, sin sospechar que la miserable condición humana estalla en su naturaleza más primitiva, con todavía mayor virulencia, por el hecho de negarse a sí misma.

Ese podría ser el tema principal de todo el trabajo de Haneke, un hombre de modales suaves y gestos pausados, aspecto ya de anciano benevolente, dueño de una voz serena y culta. Presencia que desmiente su asombrosa capacidad para colocarnos ante los ojos los espejos más nítidos y feroces del cine reciente, espejos que nos devuelven una imagen verdadera y mezquina de nosotros mismos; para analizar nuestra bestial condición de asesinos natos no consumados. Su doblete, polémico y controvertido como pocos, de ‘Funny Games’ (1997 el título austríaco, 2007 el remake estadounidense) es quizá su pieza catedralicia, la que con menos recursos y menos personajes, con mayor sencillez y audacia, consigue hacernos regresar a las cavernas, de la forma más despiadada y, eso sí, elegante posible.

No es Haneke, ni falta que hace (y qué sospechoso cuando ocurre, como en el caso de Clint Eastwood, al que ahora tantos se apresuran en considerar un maestro, cuando no hace demasiado muchos le tildaban de fascista), un director que goce de unanimidades, de consensos. Más bien al contrario. Ni siquiera los que consideren, por ejemplo, a ‘La pianista’ (2001) o a ‘Funny Games’ excelentes muestras de su talento, pues entre estos la mayoría puede (y esto ocurre bastante) detestar el resto de sus propuestas. No son insólitos los comentarios que aseguran que Haneke “se ríe del espectador”, como si esto fuera posible sin la ingenuidad o complicidad (o limitación) del propio espectador. Para colmo, el hecho de haber realizado un remake de un filme propio, hecho diez años antes, con la supuesta intención de “ganar más dinero” (?), y en Estados Unidos, con estrellas americanas, es el colmo según sus detractores. Personalmente, los remakes nunca me molestaron, siempre que se hagan bien, y este puede ser uno de los que tienen más sentido en la historia del cine.

La luz, los actores y un juego macabro

Como la mayoría de nuestros lectores sabrán, el remake de 2007 es idéntico en guión, diálogos y planificación, punto por punto, encuadre por encuadre, al espeluznante título de 1997. Cambian dos cosas: la fotografía, como es lógico y hasta necesario, y los actores, también lógico y necesario. Seguro que algunos lectores se lo esperan, y de entre ellos la mayoría no me cree o se sorprende, pero prefiero, y con mucho, la versión americana. Salvando las distancias, hay una diferencia entre ellas similar a la que supone el Hitchcock del primer y del segundo ‘El hombre que sabía demasiado’ (1934-1956). Es decir, la primera es obra de un cineasta de talento, pero con algún que otro aspecto balbuciente. La segunda es obra de un profesional consumado en el arte de desquiciar al espectador. Pero no sólo eso, hay mucho más, y el hecho de que el guión sea idéntico lo revela con mayor nitidez.

La fotografía de 1997 es de Jürgen Jürges, mientras que la de 2007 es de Darius Khondji. El primero es un operador alemán de renombre, con numerosos reconocimientos en su país e incluso en el extranjero. Su iluminación es deliberadamente tosca en esta película, estilizadamente realista, casi como si estuviéramos viendo un vídeo de gran calidad. Esto es deliberado, claro, pero su fotografía no alcanza las sutilezas y las gradaciones emocionales de las del gran Khondji, que saltó a la fama, con toda justicia, gracias a su fotografía de ‘Seven’ (Fincher, 1995). Con su blanquísima luz, que se complementa a la perfección con el blanco vestuario de los asesinos, Khondji juega al contraste, creando una pesadilla de tonos dorados, sin apenas tonos tenebrosos, que nos golpea con una fuerza mayor porque nos parece en un principio más acogedora, pero se revela mucho más terrorífica, porque en nuestra mente la sangre y el horror no caben en nuestra soleada vida cotidiana

Los actores de la primera parte, a mi juicio, cumplen más que bien. Tanto Ulrich Mühe (ya fallecido, famoso por su papel en ‘La vida de los otros’ (Florian Henckel von Donnersmarck, 2006)) como Susanne Lothar son los perfectos pringados burgueses. Así mismo, Arno Frisch es lo suficientemente cabrón y lo suficientemente odioso. Pero los actores de la versión americana son superiores. Tim Roth borda su papel de marido inútil, Naomi Watts añade su fuerza y su belleza, y Michael Pitt y Brady Corbet logran ser mucho más abyectos, repugnantes, que sus homólogos. Su apariencia angelical, sus maneras suaves, su aspecto de perfectos androides asesinos, provoca una violencia mayor en el espectador, pues es mucho más violento desear matar a golpes a dos chicos tan bien parecidos.

A partir de aquí, los que no han visto ninguna de las dos, deberían dejar de leer, porque voy a comentar algunas cosas de su trama y su final. ¿Por qué tiene todo el sentido que ‘Funny Games’ conozca un remake y, más aún, que posea un guión idéntico al original? El relato nos cuenta las atrocidades, el juego de asesinato, de dos perturbados adolescentes, en el borde de la edad adulta, que aniquilan familia tras familia, hogar tras hogar. Son implacables, y aunque la mujer de la casa agarre el arma de fuego y acabe con el más débil, el líder puede coger el mando a distancia del televisor, rebobinar la secuencia e impedir que tenga lugar su derrota. Sabemos que vienen de hacer justo lo mismo con la familia de la casa de enfrente. Y que al final de la historia harán lo propio con la siguiente familia. La mirada del asesino a la cámara, al espectador exhausto, nos dice: “esto nunca acabará, nunca me cogerán, nunca dejaré de matar”.

Diez años después…simplemente siguen matando. Una historia conecta con otra como si el relato se prolongase y repitiese el mismo patrón de asesinato. Como si los nuevos asesinos fueran discípulos de los otros, narrando un círculo sin fin de violencia por todo el mundo, imparable y aterrador. Por supuesto que además Haneke se beneficia de una distribución americana más amplia (además de la incontrolable indignación de los cinéfilos de pro, siempre dispuestos a promulgar esa indignación), y de un equipo incluso más solvente y no, no necesita reescribir su guión (qué gran crimen…), pero hay algo apasionante, incluso fascinante, en confrontar ambas películas, como si asistiéramos a una clase de cine, en la que con los mismos planos, con el mismo guión, se obtiene una película completamente diferente.

Si la primera película nos revolvía el estómago, la segunda nos pone enfermos, nos hace sentir aún más impotentes. Queremos estrangular, escupir, golpear con saña a ese asesino rubio de angelicales ojos azules. Haneke convoca nuestros instintos más bajos, nos sitúa casi a la altura de los agresores, y hasta nos hace desear que Watts coja el rifle y les vuele los sesos a ambos. No hay el menor aprendizaje, la menor lección, ni rastro de un carácter ilustrativo. Es violencia brutal, punto. Hay que tener las ideas muy claras, las convicciones bien armadas, para crear esta película y luego incluso hacer un remake. Mientras otros directores utilizan la violencia con fines bajos o comerciales, o incluso con motivos estéticos o ideológicos, este cineasta no tiene miedo en repugnar con sus imágenes, en convertir la simple supervivencia en la imagen cinematográfica más pura. Yo empiezo a pensar que lo es.

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• ‘Funny Games’, fotocopiando la tomadura de pelo (por Alberto Abuín)

Michael Haneke es un provocador nato. Se salta a la torera todas las reglas conocidas y por conocer en esto del cine, dejando en manos del espectador la libre interpretación y la aceptación o no del juego que el director propone. En 1997 decidió presentarnos su ya mítica ‘Funny Games’, proponiendo un thriller cuyo punto de partida era terrible, y no me refiero a la calidad, si no a lo difícilmente insoportable de la misma. La tranquilidad de un matrimonio y su hijo pequeño es literalmente violada por dos desconocidos que se escapan a todos los dibujos psicológicos realizados sobre los asesinos en serie. La familia somos en cierto modo nosotros, y en cierto modo esos dos imbéciles repelentes son el director. Brutal e impactante, pero Haneke comete el error a mi juicio de jugar demasiado con el espectador. El hecho de subrayar que todo lo que vemos es ficción se me antoja una decisión de lo más caprichosa, y el film pierde toda su presunta fuerza.

¿Es su remake también un capricho por parte de su director? ¿Estamos ante una operación similar a la que Gus van Sant realizó con su infumable ‘Psicosis’? Pues sí, y también no.

Los hechos acaecidos en ‘Funny Games’, remake made in Usa, son exactamente los mismos que en la versión del 97. Es más, todo es idéntico, exceptuando evidentemente a los actores. Los planos son los mismos, de modo que la duración es la misma, la casa donde tiene lugar los hechos tiene las mismas medidas que la del original. En ese aspecto, Haneke se ha preocupado por reproducir con total fidelidad lo mismo que había realizado poco más de diez años antes. En mi opinión, esto es curiosamente lo más loable de esta cinta. Me explico. Haneke, además de vacilar al público (y esto puede suponer todo lo contrario para aquellos que disfrutan con su forma de hacer cine), decide vacilar a la industria hollywoodiense con un par (sí, un par). Consciente de que si otro dirige su película, harán las cosas de forma muy diferente, decide llevarlo él mismo a puerto, fotocopiando su ya conocida obra. De esta forma, además de ser totalmente fiel a sí mismo (y esto puede ser interpretado como un ejercicio de prepotencia por parte de Haneke que se niega a considerar que su film es mejorable) da a conocer su obra tal y como la parió hace tiempo.

Me hubiera gustado que Haneke, siendo el total y único controlador absoluto de su obra, indagara más en el fondo de su propuesta, incomodando de verdad al espectador. Pero como estamos hablando de una fotocopia pues el film cae en los mismos errores que la de entonces. Esto es, la dichosa y estúpida secuencia del mando a distancia, que rompe con todo lo visto hasta entonces, los continuos desafíos que el personaje al que da vida Michael Pitt realiza a la cámara hablándole directamente al espectador. Es una película, yo ya sé que es ficción, pero si hasta ese momento podía estar pasándolo mal y celebrando un thriller poco común, eso no hace más que apartarme de la historia, la cual ya prosigue por derroteros totalmente aburridos y falto de interés hasta el final en el que todo vuelve a empezar (la maldad no tiene fin).

Pero es que además, y aun a pesar de que el film tiene posibilidades sin recurrir a ese tipo de manipulaciones, éste flaquea en algunas de sus propuestas del mismo modo que en la del 97. Se me antoja difícil de creer que los dos listillos vestidos con indumentaria de jugador de golf no puedan ser reducidos, o el hecho de que parecen no dormir jamás. ¿Realidad? ¿ficción? ¿ambas cosas? ¿o simplemente tirar de cada una según mejor le convenga al director? Muy pretencioso, por no decir que tiene más cara que espalda.

Si hay algo que prefiero en este remake al original serían las interpretaciones, y en concreto las de Naomi Watts y Tim Roth, la primera productora del evento y se le nota estar encantada con el director y la historia. Ambos expresan bastante bien, o mejor que los originales, el dolor de un matrimonio que no comprende nada de lo que le está pasando. Una pena que Haneke, con su rebelde y poco aceptada decisión de repetir su película plano por plano, le haya hecho tropezar de la misma forma en la que lo hizo años ha. Doble tomadura de pelo. La jugada le ha salido perfecta. La manipulación que el propio director reconoce sería lo mismo que decir que un director ha hecho una mierda de película para que todos sepamos cómo es la mierda.

En Blogdecine:

• ‘Funny Games US’, autoremake irrelevante

Desconcertante. Michael Haneke, un ídolo de la legión gafapasta, un pretencioso sin remedio, hace una película en 1997, con presupuesto limitado y una aceptación extensa dentro de sus circunstancias, titulada ‘Funny Games’. Diez años más tarde, contando con una producción un poco más generosa, actores más atractivos y conocidos, Haneke rueda, plano por plano, la misma película. No sólo es la pedantería autocomplaciente del cineasta austriaco el posible germen de este autoremake innecesario, sino la posible llegada a las masas populares de lo que algunos intelectualoides llaman la obra maestra de Haneke. Ahora no son varios actores austriacos los que campan a sus anchas a lo largo del metraje, sino nada menos que Tim Roth, Naomi Watts y Michael Pitt, tres actores de la industria de Hollywood, provistos de talento (cada uno a su manera) y con una filmografía consolidada sobretodo en el caso de los dos primeros.

Como la película es exactamente la misma, resulta difícil reseñar esta película sin limitarse a enumerar las diferencias entre esta película y su predecesora. Aunque, ciertamente, llamar predecesora a la de 1997 sería erróneo, porque ‘Funny Games US’ ni siquiera es una secuela. Es idéntica sólo que con otras caras más famosas, una fotografía menos sombría y más cuidada. En todo lo demás, lo más lógico es redigiros a mi crítica, o la de Alberto, en la que hablamos de ‘Funny Games’ en la misma medida que podríamos haberlo hecho de esta película.

Lo primero que hay que resaltar es que Michael Pitt es mucho mejor actor que Arno Frisch, si los comparamos en el sentido de que ambos, cada uno en su versión, interpretan al mismo personaje: Paul, el joven huésped que se torna en secuestrador y educado extorsionador psicológico. El carisma de Pitt le permite combinar su cara de niño bueno con su mirada malévola e inquietante, y constituye un psicópata sólido y memorable, al contrario que Brady Corbet, que sale perdiendo con respecto a su homólogo austriaco Frank Giering, interpretando a Peter, el cómplice de Paul.

Nuevamente encontramos que las actuaciones de Tim Roth y Naomi Watts están totalmente desaprovechadas. No obstante, en los primeros veinticinco minutos, los que considero realmente decentes de la película (tanto en la versión europea como en la norteamericana), hay que reconocer que Watts está fantástica, sorprendemente natural, y hace ganar puntos a este remake. Una pena lo de Tim Roth, mientras tanto, ya que se dedica a poner cara de sufrimiento con el mayor conformismo.

El verdadero problema de ‘Funny Games US’ no es que sea un remake exageradamente fiel a lo anterior, sino que es un producto totalmente destinado a la comercialidad de una película que ya dio que hablar dentro de su estátus de película de culto europea de los 90. Parece que por salir Tim Roth y Naomi Watts, por lanzarse dentro del panorama del mercado americano, el público de a pie va a aceptar mejor la película o va a opinar de otra forma. Craso error. Sobretodo porque Haneke, dentro de su burbuja, no se da cuenta de que esto podría haberle servido para subsanar fallos de la anterior. Y no sólo hablo de fallos técnicos (que los había en la de 1997 y los sigue habiendo aquí), sino fallos argumentales, de coherencia de la historia. El aura de desagrado, sadismo y la imposibilidad de una explicación plausible de la trama se mantienen intactas. Esos eternos planos fijos que tanto le gustan a Haneke no se han cambiado en absoluto, cuando podría haber matizado su película con un montaje más ágil y efectivo.

La situación de ‘Funny Games US’ es similar a cuando el músico inglés Mike Oldfield lanzó el disco ‘Tubular Bells 2003’, una revisión del inolvidable álbum que le hizo famoso en 1973. Treinta años después, Oldfield se limitó a limpiar el sonido y hacer más comercial un disco que ya de por sí es un referente en el rock del siglo XX. Nada de arreglar fallos, ni reconocer limitaciones. El ego de Haneke, como el de Oldfield, provoca que lo que podría ser la gran oportunidad para reparar todo lo imperfecto, sea simplemente una capa de barniz que alimente aún más su exagerado nivel de autoestima.

Deplorable. Tramposa. ‘Funny Games US’ es una película que nunca debería haberse hecho, teniendo en cuenta que la película a la que copia con indignante minuciosidad tampoco era una maravilla, sino una forzada provocación obscena se queda a medias en su intento de reflexión sobre la violencia en los medios de comunicación. Si apreciais vuestro dinero, vuestro tiempo, y más aún vuestra dignidad, impedid que alguien os empuje a ver una película que no tiene ningún sentido ni trascendencia. Es un fraude con todas sus letras.

En Blogdecine:

• ‘Funny Games’, los psicópatas y el absurdo
• ‘Funny Games’, nada divertida

‘Seda’ está protagonizada por la ultrafamosa Keira Knightley, es la adaptación de la novela homónima de Alessandro Baricco, es una historia de amor, con un diseño de producción más que excelente, y un guión que condensa bastante bien todos sus elementos en menos de dos horas, cerrándolo todo de forma muy elegante, y bañando el conjunto con una de las mejores bandas sonoras compuestas recientemente, obra de Ryuichi Sakamoto, quien ganó un Oscar por la multipremiada ‘El Último Emperador’, pero todos le recordamos por su maravilloso trabajo para ‘Feliz Navidad, Mr. Lawrence’.

Y sin embargo, ‘Seda’ ha sido un fracaso tanto a nivel taquillero, en el que muy probablemente ha tenido mucho que ver su más que limitada distribución en todas partes del mundo (en España se estrenó hace casi dos meses, y muchos no se enteraron), y también que ha tenido críticas poco más que desastrosas. Cuando una película tiene esa carta de presentación, lo más probable es que esté condenada al olvido. Y sinceramente, creo que en este caso es totalmente injusto. ‘Seda’ no es ninguna maravilla, pero desde luego contiene cosas interesantes y buenas.

SPOILERS

‘Seda’ está ambientada en la segunda mitad del siglo XIX, en un pequeño pueblo francés, en el que un comerciante llamado Boldabiou, descubre que la mejor seda se encuentra en Japón. Hasta allí enviará a un joven militar, y buen amigo, con el fin de traer consigo los preciados huevos de gusano con los que fabricarán más seda y el pueblo prosperará como nunca lo ha hecho. Dicho viaje supone separar a su joven amigo de su encantadora esposa. Ambos se han jurado amor eterno. O no.

‘Seda’ supone el regreso a la dirección, tras nueve años de inactividad, de François Girard, de quien su último trabajo, ‘El Violín Rojo’, destacaba su impresionante banda sonora (ganadora del Oscars), en la que Joshua Bell interpretaba la majestuosa partitura de John Corigliano, con su típica sensibilidad. Todo lo demás se perdía en una narración bastante irregular e imprecisa. Parece que el paso del tiempo le ha hecho mejorar en ese aspecto, porque de lo que puede presumir ‘Seda’ es de contener una narración limpia y clara. Puede que en su parte central, cuando nuestro protagonista está en tierras japonesas, el ritmo decaiga un poco. Y es que el encuentro amoroso del occidental con su futuro amor japonés no está mostrado con la fuerza necesaria. Aparte de previsible en su trama, cuando éste sucede no nos interesan demasiado sus consecuencias. Así pues, la posterior relevancia de su relación con su esposa, cobra una importancia exagerada, y termina por obviar lo que ya sabíamos, por reforzarlo un poco inútilmente. Eso sí, todo adornado con una fastuosa puesta en escena, un trabajo de fotografía, obra de Alain Dostie, realmente soberbio, imponentes paisajes, nada recargados, y un trabajo actoral secundario que compensa el flojo trabajo de la pareja protagonista.

Keira Knightley parece que se encuentra mejor en películas de época, tal y como lo demuestran sus dos trabajos a las órdenes de Joe Wright, pero aquí vuelve a deleitarnos con su habitual inexpresividad, y no poseer ni la más mínima química con Michael Pitt, quien tampoco hace demasiado con su personaje, sólo llevar más maquillaje encima según van pasando los años. Afortunadamente tenemos a unos actores secundándoles, que realizan un buen trabajo. Son ellos los que dan más intensidad a la historia. Así pues, en la parte oriental destacan Kôji Yakusho, dando vida al cornudo marido, que con sólo estar callado transmite más que con el más acertado de los diálogos; y Miki Nakatani, dando vida a la dueña de un burdel, amiga y consejera de nuestro protagonista, y que se reserva una sorpresa final que provoca una situación final que empareja la película con esa obra maestra de Martin Scorsese, ‘La Edad de la Inocencia’, salvando las distancias por supuesto. Y en el lado occidental tenemos a un muy acertado Alfred Molina, con un personaje lleno de carisma, origen de prácticamente todo, y cuya pequeña historia con el billar forma parte de lo mejor del film.

‘Seda’ es una correcta película, no exenta de interés. Aunque su trama abarca muchos años, realmente no hay mucho de lo qué hablar, y la progresión de los personajes no parece de lo más acertado, por no hablar de que la diferencia cultural entre occidentales y orientales está tratada muy a la ligera. Aún así, se disfruta en su justa medida y sin complejos, y hasta se respira cierto aire clásico en alguno de sus tramos. Menos da una piedra.

Más información | Imdb

Aquí tenemos dos posters más de ‘Funny Games’, el remake, calcadito al original, plano por plano, que ha rodado el prestigioso Michael Haneke. La tomadura de pelo está protagonizada por Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet y Devon Gearhart. La fecha de estreno, por si no viste la película de 1997 y quieres pasar un mal rato en el cine, es el 15 de febrero en Estados Unidos y el 4 de julio en España.

Vía | Impawards

Éste es el segundo y estupendo póster del remake de ‘Funny Games’ (o como la titulan en Imdb, ‘Funny Games U.S.’). Como sabéis, Michael Haneke ha rodado de nuevo la misma (y nada extraordinaria) película, según parece, repitiendo todos y cada uno de los planos. Y ahora viene la pregunta retórica: ¿tiene esto algún sentido? Ya sé, ya sé, fans del director, seguro que vosotros tenéis la respuesta (Haneke os debe agradecer que contestéis por él este tipo de cuestiones). En cualquier caso, público, tened en cuenta que existe un film exactamente igual que data de 1997 y que está protagonizado, entre otros, por Ulrich Muhe, el protagonista de la estupenda ‘La Vida de los Otros’, tristemente fallecido hace poco. Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt son los protagonistas de un timo cinematográfico que se estrena en España el próximo 19 de marzo.

Vía | Ktarsis

En 1997, el director Michael Haneke (triunfador en Cannes con la misteriosa ‘Caché’) estrenó ‘Funny Games’, una macabra historia en la que dos jóvenes secuestran y torturan a una familia. Diez años después, el propio Haneke rueda una versión de su mismo film, en Estados Unidos, para la Warner. Pero este señor es, desde luego, muy inteligente; ha rodado el remake exactamente con los mismos planos que el original. Así se asegura que su anterior obra quede siempre por encima. Abajo tenéis el trailer, para confirmar todo.

La nueva ‘Funny Games’ está protagonizada por Naomi Watts, Tim Roth, Michael Pitt, Brady Corbet y Devon Gearhart. Se estrenará el 15 de febrero del año que viene (en tierras norteamericanas). Por mi parte, una que me ahorro, la película no aportará nada, y ya tuve suficiente pasándolo mal una vez.

‘Funny Games’ | Ver Trailer

Aquí tenemos el azucarado póster de la última película de la huesitos Keira Knightley, titulada ‘Silk’, o ‘Soie’, o ‘Seda’ en castellano, a menos que en nuestro país los listos de siempre decidan ponerle un título “original” (como ‘Un romance apasionado’ o ‘Vaya par de amantes’). La película ha sido dirigida por François Girard y cuenta la historia de un hombre (Michael Pitt) que decide ir a China para conseguir la mejor tela, aunque lo que encontrará será a una chinita (Sei Ashina) muy guapa que le robará el corazón; lo cual supone un pequeño problema ya que el joven estaba casado. Es lo que pasa en el apasionante mundo de las telas. ‘Silk’, basada en la famosa novela de Alejandro Baricco, se estrena el próximo 14 de diciembre en España.

Vía | Tierra de Cinéfagos

Sí, ya lo sé, ‘Last Days’ no es una reproducción exacta de lo que le pasó a Kurt Cobain en sus últimas horas de vida. Según palabras del propio Gus Van Sant, la película está simplemente inspirada en esos momentos, o sea, es la interpretación del director de ese fatídico hecho, y que evidentemente no puede reproducir porque no estaba allí. Hay quién dice que Courtney Love podría aclararnos mucho al respecto, pero me temo que nunca lo sabremos. No obstante la intención de Van Sant es alejarse totalmente de lo que podría parecer un biopic, y tomar la figura del querido músico, simplemente como referencia, cambiando el nombre al protagonista y todo. Sin embargo, mientras uno ve la película no se deja de tener presente a Cobain, por lo que todas las excusas al respecto me parecen palabrería, y de hecho, si las horas reflejadas en el film fueran las últimas de la vida del cantante de Nirvana, no me sorprende ni lo más mínimo que Cobain se terminase volando la tapa de los sesos. Pero no estamos aquí para determinar eso, sino para hablar de una película en la que Van Sant vuelve a superarse a sí mismo. Después de sufrir ‘Gerry’ pensaba que el director no podía hacerlo peor. Pues sí, lo ha logrado.

El argumento es el de siempre en los últimos films de este caradura. Un tío caminado, aquí en vez de ser un desierto o un campus universitario, es un bosque. Una caminata interminable en armonía con la naturaleza, las hojas de los árboles y los animalitos del bosque. Luego se pira para su casa, en la que simplemente deambula mientras hace cualquier cosa, ya sea antender a un representante de las páginas amarillas, o jugar con una escopeta, o tocar la guitarra interminablemente. No voy a negar que en los primeros minutos, los del bosque, pueda existir cierto desasosiego, cierta atmósfera que va tomando forma, hasta que Van Sant decide situar la acción en el interior de la casa. Ahí ya se acabó todo, ahí ya no hay nada que contar, y al espectador sólo le queda sufrir, pero no porque Van Sant logre transmitir lo que quiere contar, sino porque la forma elegida por este señor es una auténtica tomadura de pelo, capaz de acabar con la paciencia de una piedra.

Después de todo, Van Sant ya había logrado transmitir absolutamente todo en esos primeros minutos, en los que el personaje central deambula por un bosque. La soledad e incomunicación de la que habla mi compañera Teresa en su crítica, ya está perfectamente retratada en esos instantes, y es que Van Sant usas unas metáforas o unos símiles demasiado evidentes, demasiado claros, hasta un niño de cinco años lo entendería. La sutileza hubiera sido un camino más interesante y prometedor. Pero no, Van sant opta por cansar literalmente al público con planos interminables, que no dicen nada de nada, mientras la cámara se aleja, para volver a repetir exactamente lo mismo minutos después. Si las intenciones ya están claras en su inicio, si todo está ya logrado ¿para que repetirse hasta el infinito y más allá?.

Y ya no hablemos de la dichosa manía de Van Sant de contarnos la misma secuencia desde distintos puntos de vista, o habría que decir ángulos. Y no es malo en sí, pero está penosamente realizado, con un montaje de lo más cutre, que para colmo no dinamiza nada la película, haciéndola todavía más pesada y vacía, porque si hay algo que caracteriza a ‘Last Days’ es el hecho de ser un ejercicio de una vacuidad alarmante, respaldado en la figura de un director al que muchos respaldarán únicamente por ser él, aunque filme bodrios. Una vacuidad que se hace patente en el hecho de no querer desarrollar lo expuesto al principio, de no darle vida, por así decirlo, y cayendo en resoluciones formales y argumentales de lo más discutible. De hecho, los planos contenidos tanto tiempo no importan qué enfocan, por lo que es un tanto incomprensible. SPOILER. Y el hecho de que cierta figura al final abandonde su cuerpo y “ascienda” no sólo es pretencioso, sino que prácticamente está fuera de lugar y hasta es risible. FIN SPOILER.

El trabajo actoral simplemente no existe. Tanto a Michael Pitt, como Asia Argento (te lo perdono toda, Asia), como Lukas Haas, como el resto de actores principales, les debieron suministrar algún tipo de sustancia, les filmaron y vía. Además, el hecho de que el grupo de integrantes en la casa, excepto Pitt, se llamen igual que en la vida real, es un dato que se me escapa en intenciones. Acostumbro a ver las películas sereno, y me temo que ésta no es para verla en esas condiciones.

Habrá quien diga que este film es una obra maestra. Para mí es un bodrio en toda condición, en el que a los diez minutos estoy deseando partirle la cara a alguien. Quizá esa sea la intención, la de provocar, pero para eso no le hacía falta a Van Sant rodar un suplicio de hora y media, que se hubiera grabado a sí mismo y nos hubiese insultado directamente. Habría sido más sincero, y nos habría ahorrado la tortura. Pero no, tenemos que tragarnos a un tipo solitario caminando y haciendo el tonto, para que veamos lo solo e incomunicado que se siente y quiere estar, algo que también podría haberse transmitido filmado a una cucaracha caminado sola por la inmensidad de una alcantarilla, apartándose de los demás bichitos, para ascender a la superficie donde será aplastada por el cruel zapato de una persona.