Lo que yo daría por escribir un guión como el que escribió hace ya muchos años Jim Harrison, un novelista y poeta de raza, y que se titulo ‘Wolf’ en Estados Unidos y ‘Lobo’ en España (en uno de esos raros casos en que los distribuidores respetan el título original. Harrison es un autor de historias muy masculinas y muy potentes, que además siempre está en contacto con la naturaleza a través de sus historias, y que con su poesía y su trabajo literario en general ha sido reconocido con el debido prestigio.

En los créditos de la película comparte autoría con Wesley Strick, escritor mucho más flojo que él (basta ver su trayectoria), y que en realidad sólo fue responsable de algunos retoques, pues Harrison escribió el guión en solitario, fundamentalmente. Mucho más grave fue que el proyecto cayera en manos del anodino Mike Nichols, que en ningún momento estuvo a la altura del libreto que tenía entre manos. A veces no basta con un guión maravilloso para que todo llegue a buen puerto, lo que echa por tierra esa teoría de los puristas de que la clave de una buena película es guión, guión y guión.

Cuenta, Harrison, que mientras escribía el guión sentía que el pelo le crecía por lugares insospechados, y que los sentidos se le agudizaban. No es para menos. Su trabajo posee el ingenio y el talento de los maestros del cine fantástico, y es plausible que, metiéndose de cabeza en esta historia tan fascinante, comenzara a auto sugestionarse y a sentir que lo que escribía era posible y probable. Desde luego, mientras se ve la película, si uno se olvida un poco de cómo está formalizada por Nichols, se tiene la sensación de que el autor del guión ha logrado esa rara alquimia consistente en suspender toda incredulidad y hacerte creer que cualquier cosa puede ocurrir.

Un proyecto lleno de posibilidades…

Will Randall, editor jefe de una casa editorial, ve cómo su gris existencia sufre un cambio repentino y asombroso cuando un lobo le muerde en mitad de una carretera nevada. A partir de entonces le acompañaremos en una historia que, por un lado, es una fábula romántica y oscura de gran calado y, por otro, una exacta metáfora del feroz (nunca mejor dicho) mundo empresarial norteamericano, en el que hay que morder antes de ser mordido, y que exige marcar bien el territorio con tu meada sino quieres que te devoren por la espalda. Es admirable de qué modo Harrison estructura ambas ramificaciones de su historia, sin perder jamás el hilo ni desatender a ninguna de ellas.

Además, a esto hay que añadir unos diálogos magníficos, que dejan bien claro que su autor es escritor de gran calibre, y una mitología, unas reglas internas, muy trabajadas. Como en mi escena preferida, aquella en la que Will acude a ver a un místico que le explica algunas cosas sobre su nueva condición. Este momento, para mí, es el corazón auténtico de la película, su razón de ser y su centro vital, por su bello diálogo y el sorpresivo final de una secuencia que se merecía mucho más de lo que finalmente ha quedado en pantalla.

Y un director equivocado

Nichols filma este momento trascendental, crucial, como si fuera un telefilme de sobremesa, o peor, como si no le importara en absoluto lo que está contando, lo que es muy grave. A él el la fantasía y la imaginación le dan lo mismo, nada excita su corazón. Y su torpeza es tal que este encuentro parece casi una comedia, porque el tono se le va completamente en la elección del actor que da vida al místico, y su modo de dirigirlo. Y no es el único momento en que Nichols parece no saber que el cine ha evolucionado, que estamos muy lejos de aquellos años (mal llamados del cine clásico) en que el director se limitaba a encuadrar más o menos bien a sus actores.

Cuando Laura Alden (interpretado por una muy atractiva Michelle Pffeifer, y muy bien su papel además) descubre que todo lo que le ha contado Will es cierto, a pesar de que no mucho antes no creía una palabra sobre hombres-lobo, y se asusta al encontrarse de nuevo con Will (que ya sabe que ella sabe…), y en ese momento el guionista, con una delicadeza y una sensibilidad abrumadoras, escribe ese bello momento: “...quizá haya finales felices incluso para los que no creen en ellos”, Nichols filma un momento que tendría que haber sido conmovedor, mítico, con una falta de tensión, de ritmo y de fuerza recalcitrantes. ¿Por qué eligieron a este grandísimo director de actores, que debutó de manera tan sensacional con ‘El graduado’ para luego dormirse en los laureles del divismo?

Y lo de grandísimo director de actores es tan cierto que al final es el único aliciente de todas sus películas. Aquí consigue, salvo algunos errores como el ya comentado, aunar a sus actores de manera ejemplar, sacando lo mejor de ellos sin manierismos ni trucos raros. Y el reparto responde muy bien (sobre todo los fenomenales secundarios, James Spader, Kate Nelligan, Richard Jenkins). Sin embargo Nichols se ve incapaz de imprimir energía y ritmo a su historia, de hacernos vivirla a tope, de dar una atmósfera, de ofrecer buenos momentos técnicos (la caza del antílope da grima).

Cuando se tiene a un reparto tan bueno, cuando la música es del genio Morricone (muy bella en sí misma, pero desgajada de la película), cuando el operador es un tipo tan maravilloso y de trayectoria tan fascinante como Giuseppe Rotunno, y sobre todo cuando se tiene un guión tan genial, y aún así la película no enamora, sólo puede ser culpa del dire. Una lástima. No es una mala película, ni mucho menos. Un poco sí que nos crece el pelo a todos. Pero tendríamos que haber salido aullando por la ventana en ese final.

‘The Other Man’ es una película que ya tiene un año, y su estreno se ha visto relegado a ser vista en algún festival, mientras que su pase por los cines estadounidenses aún se producirá en septiembre, y de forma limitada. Aquí os traemos un cartel del film que está interpretado por Liam Neeson (¿para cuando un Oscar para este actor, tal vez ‘Lincoln’ de Spielberg?), Antonio Banderas (cuya filmografía en suelo americano empieza a estar llena de despropósitos) y Laura Linney (una extraordinaria actriz a la que también tendría que caerle una estatuilla un año de estos).

La película narra la historia de un hombre que descubre que su difunta esposa tuvo un amante durante años, por lo que viajará por distintos países europeos en busca de ese hombre para conocer la verdad. ‘The Other Man’ ha sido dirigida por Richard Eyre, director de películas como la floja ‘Iris’ o la correcta ‘Diario de un escándalo’.

Como casi siempre, no se sabe la fecha de estreno en nuestro país, pero no me extrañaría nada verla una día editada en DVD, como le pasa, y seguirá pasando a algunas películas que extrañamente no consiguen estreno en nuestras salas comerciales. No creo que exista una razón de peso al respecto. Las distribuidoras jamás han dado ni la más mínima explicación, y así seguirán.

‘Cheri’ es una película que al menos tiene fecha de estreno, no como la anterior que corre el riesgo de dormir el sueño de los justos. Eso sí, será bastante tarde, el 9 de noviembre, y teniendo en cuenta que este mes se estrena en los USA, y que ya ha pasado por el festival de Berlín, el retraso es incomprensible, como siempre (que nadie me venga con las temporadas veraniegas, navideñas, prenavideñas, Semana Santa, previernes festivos, y demás vainas, por favor). Stephen Frears, Michelle Pfeiffer y Christopher Hampton han vuelto a reunirse tras ‘Las amistades peligrosas’ que tan buen sabor de boca dejó.

La película narra una historia ambientada en el París de 1920, en el que un joven es obligado a dar por finalizada su relación con una mujer mucho mayor que él, y que le ha instruido en el arte del amor. Este personaje está interpretado por Rupert Friend, que le da la réplica a la maravillosa Michelle Pfeiffer. Kathy Bates también se deja ver por el film. Ya veremos si Frears sigue en la misma forma que en su anterior trabajo cinematográfico, la estupenda ‘The Queen’.

‘Crossing Over’ tiene a Harrison Ford en su reparto y aún así nada se sabe de la fecha de estreno en nuestro país y eso que en suelo estadounidense se edita en DVD este mismo mes(en serio, esto es una epidemia). Se trata de la nueva película de Wayne Kramer, el mismo responsable de la excelente ‘The Cooler’ y la fallida ‘La prueba del crimen’, y su trama nos recuerda sobremanera a ‘Crash’ (ya sabéis, la magnífica cinta de Paul Haggis que le robó literalmente el Oscar a la mejor película a ‘Brokeback Mountain’). El film versa sobre los problemas de la inmigración en Estados Unidos, con las distintas historias de varios personajes que en algún momento se cruzarán.

A Harrison Ford le acompañan Ray Liotta, Ashley Judd, Jim Sturguess, Cliff Curtis y Alice Braga, y como sigan retrasando su estreno, me temo que muchos la verán por vías alternativas en muy buena calidad, además. Luego las distribuidoras y nuestra iluminada ministra de cultura hablarán sin ton ni son de las bajadas de la red, del top manta y de los mejillones en escabeche, que para el caso es lo mismo. Ya sabéis mi opinión al respecto. Y ojo, no defiendo la piratería, pero la veo muy lógica.

Vía | Impawards

‘Chéri’, de la que aquí os traemos su trailer, es la nueva colaboración entre Stephen Frears, Michelle Pfieffer y Christopher Hampton tras la estupenda ‘Las amistades peligrosas’ hace poco más de 20 años. Cheri es un joven, hijo de una cortesana retirada en el París de 1920, donde es obligado a terminar su relación con una mujer mayor que él, y que le ha instruido en el arte del amor. Premisa muy a la medida de Frears y Hampton, en una película que no fue demasiado bien recibida en el pasado Festival de Berlín.

A Michelle Pfeiffer, que a sus casi 51 años sigue siendo preciosa, le acompañan Rupert Friend, dando vida a Cheri, y Kathy Bates. Esperemos que Frears esté más cerca de trabajos como el mencionado, ‘Héroe por accidente’ o ‘Alta fidelidad’, que de pestiños como ‘Mary Reilly’. De momento, su estreno en los USA será el 19 de Junio, mientras que por estos lares aún no hay fecha para ello. ¿A alguien le sorprende?

Vía | Trailer Addict

Hace un par de meses, hablábamos aquí de películas de Sci-Fi, intentado recopilar los mejores títulos al respecto. Surgió la eterna discusión (en el sentido positivo de la palabra) de las diferencias entre Sci-Fi y fantasía, que evidentemente no son lo mismo. Ahora, me permito el lujo de jugar de nuevo a realizar una de esas listas que tanto nos gustan a todos, aunque luego no valgan para nada.

Aún a sabiendas de que películas de fantasía que merezcan realmente la pena, hay pocas en el cine, me ha sido bastante difícil elegir las diez finalistas. He dejado fuera aquellas que pueden significar una mezcla de géneros, como por ejemplo, films de la Hammer (sobre todo algunos firmados por Terence Fisher), o incluso las de Indiana Jones, en las que hay elementos fantásticos. No obstante, para completar el listado, ya estáis vosotros con vuestra aportaciones.

Damas y caballeros, bienvenidos a un mundo de fantasía. Pasen y disfruten:

• ‘Los nibelungos’ (‘Die Nibelungen: Siegfried’ – ‘Die Nibelungen: Kriemhilds Rache’, Firtz Lang, 1924)

Cualquier película de Fritz Lang tiene un interés por pequeño que sea, pero ésta en concreto son palabras mayores. Inspirada en leyendas noruegas, y en una leyenda teutona, ‘Das Nibelungenlied’, una producción muy ambiciosa para la época en la que fue rodada, y que Lang llevó a buen puerto a pesar de los inconvenientes. Estrenada en dos partes, permanece como uno de las muestras más grandes de lo que es el séptimo arte, así, sin paliativos. Inolvidables sus decorados, su ambientación y el expresionismo de Lang.

• ‘King Kong’ (Merian C. Cooper y Ernest B. Shoedsack, 1933)

Sin lugar a dudas, la mejor versión del famoso gorila. Una aproximación al mito de la bella y la bestia, servido con suma inteligencia. Además de proponer un espectáculo de primera clase, consigue una de las atmósferas más irreales jamás vistas. Impagables todos los momentos en los que sale Kong, y por supuesto Fay Wray. Fue objeto de varia secuelas, y de remakes. En ellos Jessica Lange, e incluso Linda Hamilton, intentan hacernos olvidar a Wray. Naomie Watts prácticamente lo consigue en la risible versión de Peter Jackson.

• ‘La bella y la bestia’ (‘La Belle et la Bête’, Jean Cocteau, 1946)

El inmortal cuento infantil tuvo muchas versiones, siendo la más famosa la realizada por Disney allá por 1992, y que sin duda es magistral. Pero el film de Cocteau va mucho más allá del cuento en sí. Conservando todo el espíritu del mismo, es un viaje onírico sin retorno en el que cobran una importancia vital los decorados y el maquillaje, los cuales sirvieron de inspiración en años venideros.

• ‘El fantasma y la Sra. Muir’ (‘The Ghost and Mrs. Muir’, Joseph L. Mankiewicz, 1947)

Hablando de atmósferas irreales u oníricas, el film del gran Mankiewicz es una muestra excelente. Esta historia de amor atemporal queda como un canto a la fantasía, y como uno de los mejores trabajos de su polifacético director. Un relación imposible, en términos reales, entre una viuda y el fantasma de un viejo marinero, que alcanza cotas insuperables, mezclando con estilo, humor y drama. Impresionante su parte final.

• ‘Jennie’ (‘Portrait of Jennie’, William Dieterle, 1948)

Dalí decía que era la única película que merecía la pena. Lo cierto es que es una de las pocas que poseen un extraño poder de fascinación, al que es absolutamente imposible no rendirse. Es una historia de amor entre un hombre normal y corriente, pintor de profesión, y una chica, cuya existencia se pone en duda durante toda la proyección. Los actores están todos increíbles, incluida la horrorosa Jennifer Jones, que tuvo el papel principal por razones más que evidentes (señora de O. Selznick). La mejor película del injustamente olvidado William Dieterle.

• ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back’, Irvin Kershner, 1980)

Con el tiempo se convirtió en la mejor de toda la saga galáctica, creada por el visionario George Lucas. Esta vez dejó tareas de dirección en el eficaz artesano Kershner, y los resultados a la vista están. Una lección de cómo debe ser una secuela en condiciones, ampliando el universo de la primera entrega, con la introducción de nuevos personajes, y terminado el perfil de los ya existentes. Una completa gozada de principio a fin, y con un clímax final que no hace falta que señale.

• ‘Excalibur’ (John Boorman, 1981)

Muchas versiones se han realizado sobre el mito del Rey Arturo, pero ésta es indudablemente la mejor. Boorman filma su mejor trabajo, toda un proeza vista desde cualquier punto. Los actores, todos excelentes; el uso de los exteriores, increíble; la banda sonora, inolvidable. Se acentúa el lado mágico de la historia, y se mezcla con un realismo inusitado. Atención a una imponente Helen Mirren en sus años mozos.

• ‘Lady Halcón’ (‘Ladyhawke’, Richard Donner, 1985)

Para el que esto suscribe, se trata de la mejor película de Richard Donner, director capaz de lo mejor y también de lo peor. Aventuras de capa y espada, dotadas de elementos fantásticos en la historia de amor central. Casi sin efectos visuales se logra hacer creíble algo increíble. Extraordinaria compenetración entre los tres actores principales, Matthew Broderick, Rutger Hauer y una preciosa Michelle Pfeiffer. Hasta pega bien la anacrónica música de Andrew Powell (The Alan Parsons Project).

• ‘Legend’ (Ridley Scott, 1985)

Una película totalmente incomprendida en su época, y en la de ahora y en las venideras. Una pena, porque se trata de un cuento, con una evidente carga de inocencia (como todos los cuentos) y onírica, deudora directa del film de Cocteau antes comentado. Son muchas sus virtudes, pero es imposible no acordarse de un inmenso Tim Curry dando vida a un ser temible; o de la portentosa banda sonora de Jerry Goldsmith (sustituido por Tangerine Dream cuando el film se editó en vídeo); o el trabajo de Rob Bottin en el maquillaje, en el que por cierto se inspiró Peter Jackson para su famosa trilogía. Fue recortada en media hora en el momento de su estreno, estando disponible la versión íntegra en dvd en los USA. Tenía que ser la película que lanzara la carrera de Tom Cruise, pero debido a su fracaso éste tuvo que esperar a que el hermano de Ridley Scott hiciese la infumable ‘Top Gun’.

• ‘Eduardo manostijeras’ (‘Edward Scissorhands’,1990)

La obra cumbre de Tim Burton, que sorprendió en el momento de su estreno, ya que nadie se esperaba una película de estas características. Un cuento de hadas total y absoluto, con todos los ingredientes de los cuentos. Historia de amor, castillo, villano, maldición, científico, etc. Todo ello bajo la batuta de un director que sabía perfectamente lo que hacía. Inolvidable la aparición de Vincent Price, y la banda sonora de Danny Elfman.

Al Pacino está ahora mismo en nuestras carteleras gracias a su nueva reunión con Robert de Niro, en el thriller policiaco ‘Asesinato Justo’. Mucho se ha hablado del bajón de calidad de las últimas películas que ha protagonizado De Niro, pero no tanto de las de Pacino, cuando lo cierto es que él también lleva años en que parece muy poco preocupado por los papeles que interpreta, siempre y cuando haya muchos ceros en el cheque a recibir. ¿De verdad necesitaba hacer cosas como ‘La prueba’ o ‘Apostando al límite’?

Según parece, la estrella, aún uno de los actores más respetados y admirados de todos los tiempos, se ha interesado por el papel protagonista en un biopic sobre Tommy Lasorda que está desarrollando Miramax, con la intención de empezar a rodar próximamente. Curiosamente, Michelle Pfeiffer también podría estar en el film, encarnando a la esposa de Lasorda, por lo que se repetiría la pareja de ‘El precio del poder’ o ‘Frankie & Johnny’. El guión del biopic, aún sin título, es obra de Deborah Amelon. No hay director contratado por el momento.

Toda una leyenda del béisbol norteamericano, Tommy Lasorda, famoso por su carácter irascible, fue primero jugador (Brooklyn Dodgers y Kansas City Athletics) y luego manager, durante 20 años, de los Dodgers de Los Angeles, con los que ganó varios títulos antes de su retirada en los 90, debido a un ataque al corazón.

Vía | Variety

La salida en DVD esta semana del pack Jacques Demy, que incluye Las señoritas de Rochefort, me ha traído a la memoria muchas de las fantásticas escenas musicales protagonizadas por Catherine Deneuve y su hermana Françoise Dorleác (ver un ejemplo), y me ha hecho pensar en que afortunadamente, en la actualidad, a pesar de no contar con todos los papeles femeninos interesantes que nos gustaría, si podemos disfrutar de buenas actrices, que además de destacar por su físico (aspecto que estamos mucho más habituados a comentar), también saben cantar.

En el cine clásico habían muchas más (la voz de mi compañero Alberto a veces me persigue como la de Pepito Grillo), pero más que una lista de talentos me apetecía hacer una recopilación de vídeos para vuestro uso y disfrute, con algunas de estas improvisadas o experimentadas cantantes, dentro o fuera de la gran pantalla.

A continuación, sin orden ni concierto, pasen y vean:

• Michelle Pfeiffer ha prestado su voz al cine en numerosas ocasiones, la más reciente Hairspray, pero nada supera sus actuaciones en los Fabulosos Baker Boys. ¡Sublime!

• Najwa Nimri ha participado en algunas de las bandas sonoras de las películas en las que aparece, pero finalmente cantar le ha supuesto una carrera paralela al cine repleta de éxitos pegadizos como este.

• Una veterana en musicales Catherine Zeta-Jones y una novata vocal como Renée Zellweger formaron un tándem perfecto en Chicago como artistas del crimen.

• Nicole Kidman sorprendió en Moulin Rouge (película de la que no he conseguido encontrar un sólo vídeo decente), e incluso se atrevió a grabar este clásico de Frank Sinatra junto a Robbie Williams.

• Otra actriz española que casi triunfa más cantando que actuando es Leonor Watling, con su grupo Marlango.

• Julie Delpy también tiene su carrera musical separada del cine, pero en pantalla nos ha regalado canciones como la que viene a continuación, en (para mí) una de las escenas más románticas de la historia del cine (¡Toma ya!). La película, Antes del Atardecer.

• Mientras esperamos el disco de Scarlett Johansson versionando a Tom Waits, en este vídeo podemos escucharla interpretando un sensual Summertime con imágenes de Lost in Translation.

• Aunque Almodóvar la hizo cantar en falso playback, Penélope Cruz ya demostró su vena más coplera en La Niña de tus Ojos, en alemán o como hiciera falta, que para eso es una artista.

• Es posible enamorarse todavía más de Maria de Madeiros, sí, sí, de verdad, basta con ver esta actuación.

• Victoria Abril aporta su chispa a todas sus facetas, llegó incluso a sacar un disco (creo), pero a mí me gusta verla cantando en Sin noticias de Dios. Lo mejor del film.

• En 8 Mujeres fueron muchas las que se lanzaron a cantar, pero si tengo que escoger sólo una me quedo con los susurros de la siempre adorable Fanny Ardant.

Podría citar a muchas más, como Juliette Lewis que abandonó el cine por un grupo de rock, o Jennifer López que dejó de hacer buenas películas tras su primer éxito musical, pero creo que ya ha llegado la hora de pasaros el relevo…

¿A quién pondrías vosotros en esta lista?

Desde que Peter Jackson nos sorprendiese a todos con su extraordinaria adaptación de ‘El Señor de los Anillos’, todos han querido explotar a la gallina de los huevos de oro, y todo libro de fantasía conocido, o cómic, o lo que sea que tenga que ver con historias semejantes a las que Tolkien escribía, están siendo, y serán, adaptados, dado que la mayoría consiguen excelente recaudaciones en taquilla, debido a la demanda del público de este tipo de historias.

‘Stardust’ es una de ellas, y cogiendo como base la historia de Neil Gaiman, el film nos narra las aventuras y desventuras de una estrella caída, a la búsqueda de la cual ha ido el protagonista de nuestra historia para probar el amor que siente por su amada, quien le aceptará en matrimonio si consigue la mencionada estrella. Nuestro héroe, que guarda un secreto importante sobre su procedencia, vivirá un sinfín de aventuras acompañado por la bella estrella.

‘Stardust’ no engaña a nadie, y precisamente por eso, más su falta total de pretensiones, se trata de un producto más que digno, lleno de ritmo y entretenimiento. Podríamos decir que estamos ante un cuento de hadas puro y duro. Tenemos el príncipe, tenemos a la princesa, a los padres, a la bruja, al malvado bonachón, un reino, un trono que ocupar y un maquiavélico plan. La historia es sencilla, sin demasiadas complicaciones y de una claridad absoluta. En la película todos los elementos están servidos con eficacia, esmerándose lo suficiente como para no tratar al espectador como si fuera tonto, y abarcando muy bien al público al que va dirigida la película. Puede ser disfrutada en igual medida tanto por un adulto como por un niño, equilibrio que no consiguen otros films del mismo estilo.

La puesta en escena de su director, Matthew Vaughn, es lo suficientemente espectacular como para resultar llamativa, sin caer en ningún tipo de efectismo visual, aunque por momentos termine siendo algo impersonal. Todo en ella está aprovechado al máximo, desde los excelentes paisajes abiertos, hasta el interior de una posada o de un tenebroso castillo. Evidentemente estamos ante una película llena de efectos especiales, pero éstos no se comen la trama en ningún momento, llegando a estar siempre al servicio de la historia. Una historia bastante bien condensada, aunque tanto el prólogo como el epílogo sean bastante apresurados, y sobre todo en el segundo haya alguna que otra incongruencia.

‘Stardust’ está repleta de actores conocidos a los dos lados del bien y del mal. Los más conocidos, sin duda unos cachondos y entregados Robert De Niro y Michelle Pfeiffer, siendo ésta la verdadera reina de la función, con un personaje encantador que cobra fuerza al ser interpretado por la excelente actriz, que no se corta ni lo más mínimo a hacer lo que sea, ya sea aparecer terriblemente guapa, como horrorosamente fea y decrépita. Espero sinceramente que el nuevo renacer de la Pfeiffer dure mucho tiempo. De Niro se atreve con un personaje si cabe más facilón, el de un pirata con dos caras, y no digo más. Sólo mencionar que dicho personaje parece una respuesta al de Johnny Depp en ya sabéis qué saga, y que incluso se atreve a llegar donde aquél no fue capaz. Puede que a algunos se les caiga la cara de vergüenza con ciertos matices del pirata de De Niro, pero yo me lo pasé en grande. Aún así, dicho personaje daba para mucho más, y al final se tiene la sensación de que ha sido bastante desaprovechado.

Claire Danes y Charlie Cox son la pareja protagonista, y a pesar de que hay cierta química entre ellos, lo cierto es que son los peores del reparto, tal vez porque él, que no sé porqué me recordó durante toda la película a Robert Sean Leonard, sea un poco inexpresivo, y porque ella simplemente porque no suele resultar demasiado creíble en sus papeles, aunque curiosamente en este film la credibilidad es una de sus cualidades. Nada en ella nos resulta fuera de lugar o forzado, nos la tragamos y creemos enterita. Sienna Miller es otro prodigio de inexpresividad, y Peter O´Toole y Rupert Everett salen lo suficientemente poco como para no ser disfrutados. Al respecto de éste último decir que muchas de las intervenciones de los actores son en situaciones cómicas, que tal vez haya demasiadas a lo largo y ancho del film, algunas están bien planteadas, como las de ciertos fantasmas, y otras no lo están tanto e incluso chirrían, como por ejemplo, las que se plantean alrededor de la pareja protagonista.

Lo que sí se disfruta, y sin ningún tipo de prejuicio es toda la película, la cual logra que durante dos horas nos olvidemos del mundo real, y consigue trasladarnos al otro lado del muro, un sitio donde los sueños pueden hacerse realidad, donde puedes hablar con las estrellas o subirte al barco pirata de un ladrón de rayos, y todo ellos aderezado con una excelente banda sonora de Ilan Eshkeri, que llena todo el film, consiguiendo momentos de gran fuerza, de esas bandas sonoras que cuando sales del cine te compras el disco.

Un buena película, en definitiva, y que lamentablemente no ha tenido el éxito que se esperaban sus productores, y por supuesto el que se merecía. Películas como ésta necesitamos que se hagan más. No son la octava maravilla del mundo, pero cumplen perfectamente su cometido con cierta inteligencia, haciéndonoslo pasar bien.

En Blogdecine:

• ‘Stardust’, fantasía sin garra

El pasado 26 de octubre llegó a nuestros cines (cuyo final, dicen, está cerca) la esperada ‘Stardust’, una fantástica historia romántica dirigida por Matthew Vaughn (‘Thor’ pasará por sus manos). A partir de una obra del popular Neil Gaiman, la película resulta muy llamativa en su aspecto visual (aunque la mano de ordenador canta a veces bastante) y apoyada en una preciosa banda sonora de Ilan Eshkeri, así como en un reparto acertado en su mayoría, consigue que el rato que estamos en la sala se pase volando y salgamos de la misma con una sonrisa en los labios. Vaughn se arriesga muy poco, abusando de una factura de videoclip, y la historia es demasiado “bonita”, algo cursi y para todos los públicos, como para poder hablar de un título que dejará marca, pero sí para catalogarla de una propuesta refrescante y divertida.

‘Stardust’ (no se han atrevido a traducirlo esta vez) comienza en el pequeño pueblo de Muro, cuyo nombre viene de la imperfecta muralla de piedra que mantiene a sus habitantes alejados de las amenazas del universo paralelo y sobreantural que está al otro lado, poblado por todo tipo de seres fantásticos. Sin embargo, el joven Tristan Thorne hace una promesa a su amada Victoria para lograr que ella se comprometa con él: le traerá una estrella caída del cielo. Para cumplir esto, el joven deberá traspasar la frontera de piedra…

La película es un cuento de hadas, cosa que queda manifiesta desde el principio, con la narración de la susurrante voz en off (Ian McKellen en el original), permitiendo que nos acomodemos en la butaca como si volviéramos a nuestra infancia y nuestro abuelo se dispusiera a leernos una historia antes de dormir. En este sentido, sorprende la gran cantidad de elementos fantásticos que aparecen en ‘Stardust’. Hay de todo. Hay brujas, príncipes, animales que se transforman en personas (y viceversa), una estrella con forma de mujer, piratas, amuletos mágicos, y hasta un (tonto) unicornio. Igualmente, los escenarios en los que transcurre la historia son variadísimos y por supuesto no faltan los ya típicos planos aéreos que asociamos a la trilogía del anillo. En este sentido, donde Peter Jackson triunfaba, dirigiendo de forma inmejorable todo un universo para contar una historia, Vaughn se queda algo corto, quizá por presiones del estudio (hay un par de fallos de montaje que me chocaron bastante) o quizá por, sencillamente, este tipo no ha dado la talla. Menos mareo de cámara y más imaginación a la hora de componer los planos le habrían venido fenomenal a esta película.

El cartel de ‘Stardust’ está compuesto por caras conocidísimas, si bien no son estrellas que precisamente estén en su momento más radiante. El caso más representativo es el de Robert De Niro, actor que ha pasado de intocable a ser muy discutido. Su presencia en “cosas” como ‘Showtime’ o ‘El Escondite’, por no hablar de las lamentables secuelas de ‘Una Terapia Peligrosa’ o ‘Los Padres de Ella’, han provocado que ya no sintamos, ni de lejos, el mismo interés cuando su nombre acompaña al título de un film determinado. A años luz de su trabajo en ‘Taxi Driver’ o la más reciente ‘Heat’, De Niro parece totalmente perdido. Supongo que os puede resultar divertido, o algo similar, pero a mí me produjo verdadera vergüenza ajena contemplar hasta dónde ha llegado este hombre en ‘Stardust’. No me ha causado pesadillas, menos mal, pero no creo que olvide nunca la imagen de un De Niro maquillado y vestido de mujer, bailando como una loca frente a un espejo, en una de las escenas del film que nos ocupa. Ojalá se tomara un descanso y se replanteara su carrera.

De forma totalmente opuesta, Michelle Pfeiffer consigue recuperar no sólo la mirada fascinada del público sino también su (debilitado) prestigio. Si ya logró un trabajo más que notable en la divertida ‘Hairspray’, en ‘Stardust’ sigue por esa senda y nos regala una interpretación jugosísima; el suyo es uno de los mejores personajes del film. Gracias a unos efectos especiales resultones que necesita para hacer creíble la transformación de su rol, la Pfeiffer está preciosa y divertidísima como la mala de la historia, una bruja que busca a la estrella caída para recuperar su juventud. Genial el momento en que se mira el culo en el espejo y nos dedica un gesto coqueto.

También destacan las intervenciones de Mark Strong (uno de los nombres del futuro, es un gran actor), Rupert Everett, Peter O´Toole y Ricky Gervais (que sale poco, pero lo suficiente como para hacer reír, su gran especialidad), pero el protagonismo de ‘Stardust’ recae especialmente en el desconocido Charlie Cox y, en menor medida, Claire Danes, la estrella que cae del cielo, convirtiéndose en el objetivo de casi todos los personajes de la historia. Mientras que Cox hay veces que está sencillamente inaguantable, Danes es, junto a Pfeiffer, uno de los mayores aciertos del casting. La joven aparece tan radiante como lo exige su personaje y protagoniza algunos de los mejores momentos del film (hacia el final hay uno, en el castillo de la bruja, que me parece antológico). El problema de Cox, muy soso, es quizá problema de la forma en que se ha enfocado a su personaje, pero creo que otro actor le habría sacado mucho más jugo a ese papel de muchacho soñador, enamorado y muy torpe, que busca la forma de conseguir el amor de la más guapa del pueblo; rol de Sienna Miller, por cierto, también estupenda. Es inevitable, al menos para mí, pensar en Orlando Bloom al ver a Cox en la segunda parte de la historia, incluyendo melenita al viento, miradita de estrella pop y pose con la espada. Ni uno ni otro estropean el conjunto, pero siempre queda la sensación de que otro en su puesto lo habría mejorado.

‘Stardust’ no pasará a la Historia como uno de los mejores ejemplos del género fantástico, a pesar de que tenía madera para ello, pero sin duda su visionado resultará muy entretenido. Le falta garra, una puesta en escena más imaginativa y algo de mala uva, pero le sobra encanto, belleza y diversión. Por cierto, sé muy bien que el cine está caro, pero en pantalla grande es como mejor se puede disfrutar de un título como éste. Y si encontráis la banda sonora en alguna tienda, dadme un toque, no consigo dar con ella.

A dios pongo por testigo, que no volveré a ver Pink Flamingos ni que me paguen por ello, por muy de culto que sea, pero me gusta John Waters, sobretodo desde que con películas como Hairspray empezó a mostrar su lado más amable.

Podría nombrarse también como su lado más comercial, pero ahí esta la nueva versión del musical dirigida por Adam Shankman para demostrar que el cine comercial es otra cosa, y que cualquier película, por gamberra que sea, es susceptible de convertirse en “para todos los públicos”.

A pesar de que me resulta algo (bastante) exagerado, pensar que Nikki Blonsky, protagonista de Hairspray (2007) se merece una nominación al Oscar, coincido con mis compañeros Chico Viejo y Red Stovall en que la película resulta agradable, entretenida, divertida y consigue contagiar el espíritu del baile.

En general no está mal, pero no aporta nada (excepto quizá la simplona pero efectiva banda sonora compuesta Marc Shaiman) que no tuviera la original. En cualquier caso, le resta.

Por que entre una auténtica Divine y un John Travolta revestido de falsa carne, hay una diferencia tan grande, como la de la estridencia de los peinados y los vestidos entre una versión y otra. Porque, entre otras muchas cosas, nos han dejado sin los besos con lengua, los granos de pus, y las sesiones de electroshock para curar la pasión interracial.

En este nuevo film no hay lugar para el caos, la irreverencia ni el esperpento cuando se supone que, como todo el cine de Waters, debería reivindicar lo diferente.

Michelle Pfeiffer está estupenda (que alegría volver a verla) pero ¿cómo comparar su sexy maligno personaje con el demonio sin temor al ridículo al que da vida Deborah Harry? Y así con todo.

En definitiva, me dio la sensación de estar comiendo la misma sopa, pero sin sal. Con plato y cuchara de lujo eso sí, pero al fin y al cabo, el sabor es lo que importa.

Me quedó la duda de por qué esta vez nadie se había rasgado las vestiduras ante el nuevo Hairspray, esgrimiendo la (archiconocida) frase que se usa siempre en estos casos, de que estábamos ante un remake innecesario.

Quizá por que tal y como está el patio, más vale un Waters desparasitado, que otra cosa…

Como bien dice mi compañero Chico Viejo en su crítica de la película, cuando ves ‘Hairspray’ te entran unas ganas locas de ponerte a cantar y a bailar en la mismísima sala de cine, y es que a veces el Cine proporciona una de esas sorpresas que demuestran que el séptimo arte puede ser un feliz punto de encuentro para todos, donde el divertimento prima sobre todo lo demás, y en este caso es incluso un soplo de aire fresco, ya no sólo dentro del mal llamado cine comercial, sino como bálsamo a otro tipo de cine más “profundo” y que suele estar sujeto a divagaciones varias por parte del espectador.

‘Hairspray’, dirigida por el nada personal Adam Shankman es la adaptación cinematográfica del musical de Broadway, que es a su vez una adaptación de la película de John Waters de idéntico título, probablemente uno de sus films más digeribles por todo el mundo, por decirlo de alguna manera. La historia es simple: una chica con ciertos problemas de peso intentará por todos los medios presentarse a un concurso de Miss (Laca para ser exactos) en el programa musical de máxima audiencia en la televisión de la ciudad. Por el camino encontrará no pocos problemas, pero el baile y la canción son medicinas que todo lo curan.

Lo sorprendente de esta película es que su director, realizador entre otras “maravillas”, de ‘Planes de Boda’ o ‘Se Armó la Gorda’, haya resuelto la papeleta con inusitada solvencia, y es que este tío no ha sido sólo director, sino también coreógrafo durante muchos años, algo que ha sabido aplicar a la película perfectamente, pues todos los números musicales, que son bastantes, son excelentes. Tal vez la puesta en escena sea lo más endeble del film, y es que Shankman, a pesar de lucirse musicalmente, no es capaz de inferirle personalidad al conjunto. Evidentemente, esto no impide que estemos ante un disfrute de película sensacional, y que la alegría que ésta desprende nos contagie por completo.

A ello ayuda un elenco de actores, todos en estado de gracia, y es que una vez más ocurre lo de siempre: cualquier actor, sea bueno o malo, cuando interpreta un musical se sale por los cuatros costados y encima canta de miedo. No es cuestión ahora de hacer diferencias en esta película sobre si éste es bueno o el otro malo, porque todos sin excepción merecen un aplauso. Desde John Travolta, que está divertidísimo en su papel, sobre todo cuando se pone a bailar, algo que el espectador espera con entusiasmo a que suceda; Christopher Walken, que se marca un baile con el anterior para el recuerdo; James Marsden, que sin duda se lo pasa en grande como presentador del programa de televisión, siempre sonriendo sin parar; Amanda Bynes, que define a su personaje con un simple chupachup; Queen Latifah, que evidentemente se encuentra como pez en el agua, y quien se atreva a competir con su voz va listo; y una felizmente recuperada Michelle Pfeiffer, como la villana de la función.

Pero quien merece una mención aparte es Nikki Blonsky, la verdadera estrella de la película, absolutamente radiante y llena de vida, capaz de eclipsar a sus compañeros de reparto y traspasar la pantalla como pocas veces se ha visto en el cine reciente, y opino exactamente igual que mi compañero Chico Viejo al afirmar que esta tía se merece una nominación al Oscar.

Probablemente la película sea demasiado evidente en su mensaje a favor de la integración (no se nos olvide que la historia se desarrolla durante los años 60), y que todos somos iguales, dejando a un lado nuestra raza, nuestra belleza o nuestro peso. Aún así, hay algunas frases con dobles sentidos que no tienen desperdicio, sobre todo en las letras de las canciones, obra y gracia de Marc Shaiman y Scott Wittman, y que son todas inolvidables. El film está lleno de ellas, y lo cierto es que la película no cansa en ningún momento, teniendo una parte final absolutamente gloriosa, donde sinceramente, hay que ser un sosainas y un aburrido de mucho cuidado para no estar moviéndote en la butaca al ritmo de la música.

Una buena película, que en cierta medida recuerda a la maravillosa (y que bien podría meterse en una lista de películas infravaloradas), ‘La Pequeña Tienda de los Horrores’ de Frank Oz, por tratarse de la misma operación. Como detalle anecdótico, John Waters sale en la película haciendo un cameo muy acorde con su personalidad, aunque no habría estado nada mal que tuviese su numerito musical.