“Denos la libertad”

- Joseph Cinque

Muchos esperaban con expectación el nuevo drama de Steven Spielberg, cuatro años después de su gran ‘La lista de Schindler’, y teniendo en cuenta que de la flojísima ‘El mundo perdido’ se esperaba exactamente eso, que fuera flojísima. Pero la famosa historia que rodeó a la goleta Amistad parecía, a priori, perfecta para que Spielberg volviera a demostrar que puede hacer cine importante. Lo malo es que este hombre parece dispuesto a dar una de cal y otra de arena (o dos de arena), y le fallaron las fuerzas, o simplemente la convicción, a la hora de narrar este importantísimo evento histórico, que queda muy por debajo de su otro gran relato sobre el racismo norteamericano, la estupenda ‘El color púrpura’.

‘Amistad’, por tanto, la decimosexta película de su realizador, es cine histórico de alto contenido dramático, que Spielberg convierte, erróneamente a mi parecer, en melodramático, y que debió haberse incrustado en el ramillete de joyas de su director si este hubiera estado a la altura, pero películas como esta dan más la razón a los que cuestionan severamente su altura como artista y no precisamente a los que le defienden a muerte como uno de los más grandes directores de la historia, algo que a juicio de este cinéfilo sólo es, o hubiera sido, si no se hubiera metido en jardines como este y le hubiera salido tantas veces el tiro por la culata.

Un comienzo muy prometedor

Las cosas como son, el arranque es brillante y da lugar a un prometedor primer bloque. Pero pronto todo se derrumba por una asombrosa falta de nervio narrativo y por un factor aún más importante que ahora comentaré. La primera secuencia es impresionante, con Djimon Hounsou (un actor realmente bueno) liderando la rebelión en altamar (y liderando también, desde un plano moral, toda la película), y con unos claroscuros propiciados por la feroz tormenta nocturna que da lugar a un momento muy estilizado y vibrante. Luego quedan claras las intenciones de Spielberg: desarrollar un gran fresco histórico (con el trasfondo social, legal y político de la época) y emocionarnos con la épica lucha de estos hombres africanos por su libertad.

Huelga decir que la película tiene una factura poco menos que impecable (aunque siempre me sacan de la película los blanquísimos dientes de los esclavos…), con una fotografía de Kaminski bastante más humilde y menos espectacular que otras veces, pero igualmente elegante y eficaz, y una recreación histórica digna de mención, responsabilidad de un equipo técnico soberbio, comandado por el diseñador de producción Rick Carter, que se ha vuelto un colaborador bastante asiduo de Spielberg. Ahora bien, tanto la partitura musical de Williams como el montaje de Michael Kahn, se muestran, al igual que la dirección de Spielberg, dubitativos y poco inspirados en esta ocasión, como si les viniera grande el asunto, o como si no supieran qué hacer con lo que tienen entre manos.

El factor importante del que hablaba es que (y él seguramente diría lo contrario) que Spielberg no se cree o no le interesa realmente lo que está contando, por mucho que sus esfuerzos indiquen que sí. Y lo que es más grave, la postura que toma frente a los hechos es alarmantemente conservadora (una visión idílica, casi de cuento de hadas, de los entresijos del poder estadounidense de mediados del siglo XIX) y su óptica infantil. Es como un niño describiendo acontecimientos históricos, y ese punto de vista daña de forma irremediable la película. Esta vez, las blandenguerías estilísticas de Spielberg llegan un peldaño más allá: el de no comprender lo que está contando, dándole un aspecto de categoría a través de la enfatización, de la ampulosidad y el exceso.

Como resultado obtenemos una película bien hecha, pero que no accede en ningún momento a la verdad, o a una verdad, sino que se queda en la superficie de todo lo que observa. Los buenos son muy buenos y sabemos que tienen razón, y los malos son malísimos y les odiamos. Parece indigno de un hombre capaz de filmar ‘La lista de Schindler’ (al menos, los numerosos buenísimos momentos de aquella), y más digno de un director del montón. Además, el ritmo y la fuerza habitual de Spielberg lucen por su ausencia, así como su ingenio en la narración.

Queda un grupo de actores formidable pero de desigual aportación, porque sus roles carecen de la más mínima sustancia o coherencia. De entre todos ellos sobresale, por mérito propio, el genial Anthony Hopkins, que eclipsa con gran facilidad a sus compañeros. Y de ellos el peor, con diferencia, es el anodino Matthew McConaughey, un intérprete que comenzó como si fuera un actor de gran talento y futuro, pero que se ha quedado en nada. Hounsou y Hopkins se reparte el, insustancial, pastel, y los grandes Morgan Freeman, Nigel Hawthorne, Pete Postlethwaite apenas tienen nada con lo que trabajar, y Spielberg los trata como meros figurantes con frase.

Otra oportunidad desaprovechada, que obtuvo su justo castigo en las taquillas y en las reacciones de la crítica a su estreno, y de la que no merece la pena ni siquiera hacer mención de sus rasgos estilísticos como hacemos con otras buenas películas de su realizador, porque no existen. Lo único bueno es que ya se sabía que Spielberg estaba embarcado en su primera película eminentemente bélica, y las expectativas empezaban a ser altas a pesar de este tropiezo.

Por fin tenemos aquí el tráiler de la que será una de las películas sobre la que más se hablará a principios del año que viene —se estrena en nuestras salas el 29 de enero, más de un mes después de su estreno en los cines estadounidenses—, ‘Invictus’, dirigida por el gran Clint Eastwood —de quien muy pronto recuperaremos el especial que habíamos dejado por la mitad aquí, en esta misma página—. Nelson Mandela, rugby, Morgan Freeman, derechos humanos, relaciones humanas y Eastwood son elementos más que suficientes para pensar que podríamos estar de nuevo ante otra muestra del inmenso talento de un hombre que nos lleva ofreciendo gran cine desde hace cuatro décadas.

El avance no muestra demasiado, pero se respira en él la sobriedad típica de la puesta en escena de Eastwood, al que muchos consideran erróneamente el último cineasta clásico —neoclásico sería mucho más acertado, pero no voy a entrar a polemizar sobre obviedades, que siempre es una pérdida de tiempo—, y también respira nominaciones a los Oscar por los cuatro costados. Pensándolo bien, Eastwood ya no necesita demostrar nada a nadie —realmente nunca lo ha hecho—, y aspirar a dicho premio es algo que ya no debería importarle. Aún así, es más que probable que el próximo febrero oigamos su nombre a la hora de las nominaciones. Mientras tanto, disfrutemos del tráiler, con el que algunos ya babeamos.

Vía | Trailer Addict

El 29 de enero del 2010 llegará a nuestras pantallas ‘Invictus’, la penúltima película dirigida —recordemos que ya se encuentra filmando otra, ‘Hereafter‘— por Clint Eastwood. Basada en la obra de John Carlin, ‘El factor humano’ —en un principio la película iba a titularse exactamente igual que el libro—, narra la vida de Nelson Mandela tras la caída del apartheid, y de cómo mediante la celebración de la Copa del Mundo de Rugby en Sudáfrica, intentó terminar de una vez para siempre con las diferencias raciales entre la gente de su país. Un tema candente que en manos de Eastwood puede dar excelentes resultados, y no sería de extrañar ver el film entre los finalistas al Oscar en la próxima ceremonia de la dorada estatuilla.

Morgan Freeman, de asombroso parecido con Mandela, encabeza el reparto, en el que también nos encontraremos con Matt Damon o Scott Eastwood, evidentemente, el hijo del director, y al que recientemente pudimos ver en un pequeño papel en ‘Gran Torino’ —era el mierda irlandés incapaz de defender a una chica—. El cartel entra de lleno en el estilo en el que suelen moverse los carteles realizados para los films de Eastwood: personaje principal casi de espaldas y poco más. Sutil y efectivo.

“Su gente necesitaba un líder, él les dio un campeón” es la excelente frase de promoción. Nosotros necesitamos buenas películas, Él nos podría dar otra obra maestra.

Vía | Impawards

Mientras repaso la carrera de Clint Eastwood en Blogdecine, y que recuperaré en breve (al igual que las de Sam Peckinpah, Stanley Kubrick y alguno más que os anunciaré pronto), nos van llegando las primeras imágenes de una película que para el que suscribe, es la más esperada de todas: ‘Invictus’. Tomando como base el libro de John Carlin, que yo no he leído pero del que hablan maravillas, el film se centra en el final del campeonato mundial de rugby celebrado en Sudáfrica en 1995, justo después del final del apartheid, con el que Nelson Mandela quiso terminar de una vez con las diferencias entre los habitantes del país.

En la foto podemos ver a Morgan Freeman, en la piel de Mandela, y Matt Damon, que da vida al capitán de la selección sudafricana de rugby, Francois Pienaar. El título de la película hace referencia a un poema que Mandela recitaba mucho. ‘Invictus’ está ya en fase de postproducción, su estreno en los USA es en diciembre y aquí en enero. A tiempo para los Oscars, donde no dudo tendrá un buen número de nominaciones (¿nos apostamos algo a que Freeman recoge su segundo Oscar por este film?).

Vía | Cineast.ch

Ya se le está preguntando a Quentin Tarantino sobre cuál será su próximo trabajo, aun cuando el último, ‘Malditos bastardos’ (‘Inglourious Basterds’), no se ha estrenado todavía en salas comerciales y este realizador no es precisamente de los que hacen una película al año.

A Tarantino nunca le ha importado alimentar rumores sobre sus próximos proyectos (recientemente se dijo que podría encargarse de una nueva versión de ‘Millenium 1: Los hombres que no amaban a las mujeres’) y cuando le han vuelto a preguntar sobre su futuro, el cineasta ha respondido que hace tiempo que quiere hacer un western, que aún no lo ha hecho y que le gustaría. Una vez dicho eso, también ha asegurado que no va a empezar nada en los próximos diez meses, así que es pronto para hablar con cierto grado de seguridad.

De hecho, todavía cabe la posibilidad de que lo que próximo que ruede sea una secuela o una precuela de ‘Malditos bastardos’, si la película logra un excelente resultado en taquilla, cosa que parece probable; según parece, el director sigue interesado en contar historias que no pudo incluir en el guión definitivo de su último trabajo. Ya veremos qué pasa finalmente, pero creo que no soy el único en pensar que efectivamente Tarantino debería rodar un western. Sería como volver a ver una de Sergio Leone, con homenajes de todo tipo y sus clásicos diálogos llenos de tacos y de referencias culturales.

El verano pasado os contábamos que el cómic ‘Red’, escrito por Warren Ellis y dibujado por Cully Hamner, también iba a dar el salto al cine. El proyecto está bastante avanzado y ya sabemos quién será el director y los protagonistas.

En su momento se dijo que el protagonista perfecto sería Michael Chiklis, pero no creo que nadie proteste al saber a quién han fichado finalmente. Nada más y nada menos que Bruce Willis va a encabezar el reparto de esta adaptación, y estará acompañado, entre otros, por Morgan Freeman. Ya tenemos dos razones para no perdernos la película, que estará dirigida por Robert Schwentke, responsable de ‘Plan de vuelo: Desaparecida’ (correcto thriller donde Jodie Foster busca a su hija desaparecida en pleno vuelo) y ‘The Time Traveler´s Wife’ (Eric Bana es un viajero en el tiempo que se enamora de Rachel McAdams), pendiente de estreno.

La historia de ‘Red’ gira en torno a un antiguo agente de la CIA que vive una vida tranquila hasta que un día alguien intenta acabar con él. Con su identidad secreta comprometida y su amada en peligro, el protagonista debe reunir a su viejo equipo para descubrir quién ha intentado asesinarle. La película debería estar lista para el estreno en 2010.

Electronic Arts ha informado que la adaptación cinematográfica del popular videojuego ‘Dead Space’ ya tiene director. El elegido es D.J. Caruso, responsable de ‘Disturbia’ y ‘La conspiración del pánico’, ambas protagonizadas por Shia LaBeouf; durante un tiempo, Caruso estuvo vinculado a la adaptación del cómic ‘Y: El último hombre’, de nuevo con LaBeouf al frente del reparto, pero parece que el proyecto se ha estancado tras la marcha de la joven estrella, que decía que ya estaba harto de hacer los mismos papeles.

‘Dead Space’ es un “survival horror” en tercera persona que tiene lugar en naves espaciales, donde el jugador debe luchar contra los necromorfos, una especie alienígena que se apodera de los cadáveres de los seres humanos para desarrollarse. La adaptación cinematográfica, que se espera que esté lista para 2011, estará producida por Marty Bowen y Wyck Godfrey, quienes también están detrás del proyecto de hacer una película sobre ‘Gears of War’.

PD: Todavía falta por ver una buena película basada en un videojuego. ¿Por qué parece tan complicado?

Vía | Atomix, Empire, FirstShowing

Aquí tenemos una fotografía de la pinta de Morgan Freeman haciendo de Nelson Mandela en ‘Invictus’, la película que Clint Eastwood ha dirigido sobre la mítica figura (habría que decir excepcional ser humano), centrándose en el campeonato de rugby celebrado en Sudáfrica en 1995, coincidiendo con el final del Apartheid. Como podemos observar, Freeman ha nacido para dar vida a Mandela, al que incluso se le parece físicamente. ¿Alguien duda que estará entre los cinco finalistas al Oscar al mejor actor en la próxima ceremonia de la dorada estauilla?

‘Invictus’ se titulaba en un principio ‘The Human Factor’, igual que la novela de John Carlin en la que se basa. Desconozco las razones del cambio, tal vez haya sido porque ya existe un film con idéntico título, curiosamente una de las últimas obras de Otto Preminger, y también una de las peores. No obstante, me gusta mucho más el título que tiene ahora la película, Invictus es un poema de William Ernest Henley, que el propio Mandela recitó varias veces. En él se habla de la supervivencia contra toda adversidad, algo de lo que Mandela podría dar lecciones.

A Freeman le acompañan Matt Damon, Scott Eastwood (hijo del realizador, visto en ‘Gran Torino’), Langley Kirkwood y Bonnie Henna. ‘Invictus’ se estrena en diciembre ne los USA, y en nuestro país el 29 de enero del 2010.

Ésta es la nueva imagen de Sam Worthington en ‘Clash of the Titans’, remake de ‘Furia de titanes’, fallido film de Desmond Davis que supuso el último trabajo del gran Ray Harryhausen en el campo de los efectos visuales. Lo cierto es que dejando a un lado el trabajo de Harryhausen, el film poco más tenía, así que superarlo no debería ser tarea difícil. El problema está en que el encargado del remake es Louis Leterrier, conocido por su impersonal forma de hacer cine, tal y como nos ha demostrado en las tres películas que ha realizado con anterioridad. Si a eso sumamos que el film tendrá el look visual de ‘300’, con lo que toda posibilidad de repetir algo del estilo de Harryhausen queda eliminada.

No hay duda de que ‘Clash of the Titans’ será un taquillazo cuando se estrene, y ayudará a asentar la carrera del joven Sam Worthington, del que pronto nos llegarán bastantes películas protagonizadas por él, entre otras la esperadísima ‘Avatar’ de James Cameron. De momento le hemos visto en ese bodrio infumable (para mí, evidentemente) que es ‘Terminator Salvation’ y n ose hablar mucho de él, pero ya se hablará, ya. En ‘Clash of the Titans’ está acompañado por Liam Neeson, Ralph Fiennes, Alexa Davalos, Danny Huston y Pete Postlethwaite.

Nuestro querido Javier Bardem prosigue su conquista en suelo estadounidense, a pesar de haber rechazado trabajar con Spielberg, Coppola y Rob Marshall. Hace días se confirmó su participación en ‘Eat, Prey, Love’, la nueva película de Ryan Murphy, creador de la serie ‘Nip/Tuck’ y director de ‘Recortes de mi vida’. El film está basado en un libro biográfico de Elizabeth Gilbert, en el que narra como superó el final de su matrimonio con un viaje en el que se descubrió a sí misma.

Bardem dará vida a Felipe, un hombre que se encuentra con Gilbert y del que ella se enamora. Julia Roberts dará vida al personaje central. Al reparto también se ha sumado el siempre magnífico Richard Jenkins. ‘Eat, Prey, Love’ se estrenará en algún momento del 2011, y será realmente curioso ver en pantalla a una pareja como Bardem y Roberts. ¿Habrá química?

‘Quarantine’ es el remake de ‘[Rec]’, uno de los taquillazos recientes del cine español, del que precisamente sus responsables, Paco Plaza y Jaume Balagueró, están en estos momentos ultimando una lógica secuela. A pesar de que el film estadounidense no ha hecho mucho ruido, ahora anuncian que la película tendrá también su secuela. Está claro que en esto del cine, el que no corre, vuela.

Lo curioso del asunto, y también una buena noticia, es que el guión será una historia totalmente original, que no tendrá nada que ver con el argumento de la secuela española. Algo es algo. Primero han servido un plato, que era una copia exacta, punto por punto, plano por plano (con pequeñas variaciones) de nuestro film, y ahora que ya tienen la premisa, se atreven a ir por otros derroteros. Ya me imagino a todo el mundo que vea ambas películas, comparándolas en detrimento de una de las dos.

Hagan sus apuestas, damas y caballeros. ¿Serán los americanos capaces de continuar mejor la historia que los españoles?

Vía | In Contention.com, Bloody Disgusting.com, Variety (gracias a Dan por el aviso) y Worstpreviews

Con casi 79 años, Clint Eastwood, lo más cercano a un cineasta clásico que hay en la actualidad (en realidad es neoclásico), no para de trabajar. Tras dejarnos dos joyas del calibre de ‘El intercambio’ y ‘Gran Torino’ (la crítica vertida en la revista Cahiers o la de mi compañero Gabriel, son de lo más sensato que he leído al respecto de ella), ya se encuentra en pleno rodaje de su nuevo trabajo: ‘The Human Factor’ (nada tiene que ver con la película de Otto Preminger de idéntico título), con vistas a estrenarlo el próximo mes de diciembre. Basada en la obra de John Carlin, narra la celebración de la Copa del Mundo de Rugby en Sudáfrica, tras la caída del Apartheid, en la que Nelson Mandela intentó acabar de una vez por todas con las diferencias entre blancos y negros.

Morgan Freeman, en su tercera colaboración con Eastwood da vida a Mandela; y Matt Damon interpreta a François Pienaar, el capitán de la selección de rugby de Sudáfrica, lugar en el que se está filmando la película. Freeman dando vida a Mandela… ¿alguien ha dicho Oscar? Con el reivindicativo y polémico tema del film, no me extrañaría que estuviéramos ante una de las claras favoritas de la ceremonia del año que viene. Pero ya habrá tiempo para reflexionar sobre ello, de momento la pregunta que me hago es: ¿Qué pensará ahora Spike Lee de Eastwood?

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

Vía | Worstpreviews

El viernes, 6 de marzo, se estrena ‘The Code’, film que también se ha titulado ‘Thick as Thieves’ y que tiene como gancho para la taquilla a Morgan Freeman y Antonio Banderas. Junto a ellos, aparecen Radha Mitchell, Robert Forster y Rade Serbedzija. Está dirigido por Mimi Leder sobre un guión de Ted Humphrey.

Ripley es un veterano ladrón de joyas que observa a Gabriel Martínez mientras éste comete un atraco en el metro con la intención de proponerle un golpe: robar unos huevos de Fabergé que un museo ruso esconde en su caja fuerte. Martínez conoce a la ahijada de Ripley, Alesandra, con la que no tardará en comenzar una relación romántica. Un teniente de policía lleva años tras la pista de Ripley y la única vez que lo consiguió atrapar, el ladrón salió libre gracias a sus abogados. Ahora, el teniente Weber sabe que, sólo si pilla in fraganti a los cacos, los podrá enviar a prisión.

‘The Code’ arranca con una trepidante escena de acción en el metro, que Leder rueda con total solvencia y que se disfruta mucho. Cuando el film ya ha despegado y los ladrones penetran en el museo, volemos a deleitarnos con secuencias bien planificadas de guión y bien ejecutadas de realización y montaje. El subgénero de robos suele dar pie a divertidos momentos en los que se burlan los sistemas de seguridad y se idean ingeniosas formas de entrar o salir de los lugares sellados. El film que nos ocupa cumple estos propósitos y puede gustar a quienes aprecien el género.

Sin embargo, todas las escenas que no son de acción dejan salir a la luz un guión previsible, confuso, simple y lleno de diálogos ramplones. Han pasado muchos años desde que las tramas de thriller tan poco originales y tan fáciles de prever nos satisfacían. Hoy en día, cualquier capítulo de serie policiaca sorprende más que ‘The Code’. Bueno, no cualquiera; quizá los que ha escrito Humphrey, no.

Estas escenas donde no hay acción no sólo son más flojas de partida que las movidas, es que además están realizadas con mucha menos habilidad, ¿quizá porque Leder debería quedarse en directora de segunda unidad para rodar persecuciones y atracos? De todos los momentos en los que se puede decir que la película permanece muerta, los que presentan a Alexandra y a Gabriel juntos son los más vacíos y aburridos con diferencia.

Se puede salvar el humor o el tono distendido como aspecto positivo. Muy curioso el guiño a ‘Cadena perpetua’ (‘The Shawsank Redemption’) que hace Freeman al colocar un póster para tapar el butrón.

El planteamiento –es decir, la proposición de Ripley a Martínez y las insinuaciones entre éste y Alexandra— se produce de manera muy forzada y artificial, o sea: se nota mucho que tiene que pasar todo eso porque el guión lo requiere. Esto ayuda a que, ya desde el primer momento, nos imaginemos cómo pueden acabar las cosas.

Aunque los nombres de los actores puedan ser un atractivo para acudir a ver ‘The Code’, las interpretaciones no hacen que valga la pena pagar el precio de la entrada. Freeman probablemente está pensando en cobrar otro cheque más y Banderas hace lo que puede, con ese bochornoso acento que para los estadounidenses probablemente es su seña de identidad. Ni siquiera le han dado un papel en el que lucirse con gestos sarcásticos o seductores, que es de lo poco que el malagueño de oro puede aportar a una película. Por otro lado, se puede adivinar que el personaje estaría pensado para alguien más joven. Forster, actor al que rescató Tarantino después de que hubiese participado, entre otras, en películas de Jesús Franco, y al que ahora estamos viendo en ‘Héroes’; no convence en absoluto por su interpretación, aunque hay que añadir que la culpa no es suya, pues su personaje es lo que desencadena las peores facetas del guión. Mitchell está muy esforzada para resultar sexy y misteriosa, pero tampoco salva la película.

Para resumir diría que sólo recomendaría ‘The Code’ a quien tenga mucho mono de ver secuencias de acción y que sea acérrimo del género de los robos y los engaños. A modo de entretenimiento sólo visual, podrá encontrar escenas que le satisfagan, pero lo que no encontrará es una trama interesante.

Más información en Blogdecine sobre ‘The Code’.

Mi puntuación:

‘The Code’, también conocida como ‘Thick as Thieves’, se estrenará en nuestras pantallas el próximo 13 de Febrero (uno de los meses más interesantes del 2009 en cuanto a estrenos). En los USA ha sufrido varios retrasos (incluso se llegó a barajar la posibilidad de editarla directamente en DVD), siendo su fecha a mediados del próximo Abril, dos meses después de que caiga por estas tierras. En ella se reúnen Antonio Banderas y Morgan Freeman, más Radha Mitchell y Robert Foster. Dirigida por Mimi Leder, narra la historia de un veterano ladrón de guante blanco que recluta a un joven ayudante para que le ayude a dar un definitivo golpe con el que poder saldar una deuda que tiene con la mafia rusa.

Aquí os traemos su póster español, típico y tópico hasta decir basta. Los únicos atractivos de la cinta son nuestro internacional Banderas (actor a ratos carismático, a ratos insoportable), y cómo no, Freeman (actor carismático aún interviniendo en pestiños de toda clase). ¿Será ‘The Code’ un éxito? Permitidme dudarlo.

Vía | Impawards

Pasar de arruinar, casi por completo y para muchos aficionados, una de las sagas más importantes de la ficción científica, a dirigir uno de los thrillers más importantes y recordados de los años 90, tiene que ver con varias cosas, y posiblemente la menos importante de ellas sea el propio David Fincher, quien entre ‘Alien 3’ y ésta no parece haber cambiado o reformulado sus ideas sobre su oficio. Da qué pensar si este hubiera sido el primer título en la filmografía del director, con ese aura mítica que otorgamos siempre a las óperas primas deslumbrantes. Como en ‘Citizen Kane’ (Welles, 1941), que recogía todos los avances técnicos y tramáticos de su época, para cristalizarlos en un todo, en mucha menor medida ‘Seven’ aglutina, condensa y reformula todas las constantes y afinidades plásticas del thriller y el drama policiaco para crear algo más allá, mil veces imitado desde entonces. ¿El neo-thriller?

El thriller, más que un género, es un tono siniestro en el que se desarrollan los relatos de asesinos sanguinarios, de crímenes atroces, pero también de personajes superlativos que escapan a las leyes de la naturaleza y de la razón. En el thriller el objetivo es provocar la tensión máxima en el espectador, ya que to thrill significa emocionar, entusiasmar, y el nombre thrill significa estremecimiento. No hay duda de que ‘Se7en’ cumple con ésta definición en grado superlativo, pues es el thriller más espeluznante de la década, y no sólo eso, además un discurso apocalíptico que desmenuza sin compasión los clichés del cine policiaco y a una sociedad moribunda, desquiciada, estéril.

No sólo el cine policiaco, sino las películas de las parejas imposibles de polis (cuya moda empezó en la década anterior), la investigación hiperbólica de asesinatos (que alcanzó el cénit la década posterior con la serie de televisión ‘C.S.I’), el cine negro oriental estilizado y sonámbulo, incluso el cómic noir de vena más salvajista, se dan de la mano en ‘Se7en’. En aquel momento no se podía ir más lejos, y hasta los títulos de crédito finales, que pasan en dirección contraria a los habituales, significan una voluntad de reinvención. Cuatro años después de la extraordinaria ‘El silencio de los corderos’ (Jonathan Demme), ‘Seven’ va lo más lejos posible sin caer en la parodia, con un psicópata que es más un ángel exterminador cumpliendo una misión divina, que un loco de morbosas compulsiones insatisfechas.

Además, ‘Seven’ propone una revolucionaria y no siempre valorada en su mérito, forma de entender la postproducción. Lo entenderá bien el que haya visto los extras de su magnífica edición en DVD. Por supuesto que antes de ella las técnicas de digitalización del negativo ya habían empezado a dar sus frutos, pero esta película significa un gran logro plástico (entornos, cinematografía, decolorados, re-encuadres…y un largo etc), integrado en una narrativa muy personal, que se ha convertido en un clásico del género. De ahí la importancia de la transformación de la imagen de esta película (ese final en un terreno ocre, que fue filmado en un ambiente verde y lleno de vida, esos interiores influenciados por ‘Klute’ (Pakula, 1971)) en algo que adquiere rango estético por la integración absoluta de las decisiones de la fotografía y el diseño de producción en el estado anímico y el viaje emocional de sus personajes.

En esto gran parte de la responsabilidad recae en el genial operador Darius Khondji, que encuentra una complicidad total con el director a la hora de estilizar hasta la abstracción esta historia en los límites de la sordidez y lo siniestro. Los objetivos Primos de su cámara proporcionan una textura muy realista y urbana a este largometraje, además de otorgar a sus secuencias de acción un aspecto muy inmediato y vibrante. Así mismo fue muy inteligente el uso, por parte del operador y el director, del formato Super35 mm (con una cámara Aaton para los planos cámara en mano tremendamente expresiva), con un ancho de negativo mucho mayor que permite reinterpretar en postproducción la planificación. Khondji llevó aquí al máximo, en el trabajo que le hizo estrella, el empleo de impresión technicolor conocido como ENR, que retiene las partículas de plata del negativo, proporcionando una imagen de gran contraste con negros muy intensos. Ahí están esos negros, en los planos cortos de la película, como quizá nunca se habían visto hasta entonces en una pantalla de cine.

Fueron programadas 12 ó 13 semanas de rodaje, con jornadas de 18 a 20 horas…Entornos de trabajo de filmación siempre lluviosos (que hacían que L.A. pareciese New York o Filadelfia, convirtiéndose en una ciudad sin nombre), interiores con humos eternos que provocaron una tos crónica en los miembros del rodaje…Todo eso se palpa en la pantalla. Se huele la influencia de la película de Pakula y de ‘French Connection’ (Friedkin, 1971). Este guión demencial de Andrew Kevin Walker exigía quizá una experiencia en rodaje tan agotadora y claustrofóbica como los sentimientos que desean provocarse en el espectador. Muchos se quedarán con la lógica retorcida y finalmente incoherente de esta trama enrevesada y apasionante que nos conduce sin pausa y sin piedad por un pesadillesco túnel dentro de siete asesinatos basados en los pecados capitales. Otros podemos relativizar el alcance de su historia y adentrarnos más en la riqueza de sus personajes y en la insuperable puesta en escena que los acompaña.

Es gratificante observar el mimo de Fincher en cuidar a David Mills (solidísimo Brad Pitt) y William Somerset (espléndido, como acostumbra, el gran Morgan Freeman), dos personajes elaborados que resultan antagónicos, como dos caras de una misma moneda. Baste observar sus primeras secuencias por separado. Comenzamos con Somerset, que es un detective hastiado y casi sin energía vital, en su pulcritud, poniéndose su chaqueta (de la que recoge un pelo…), respetando el escenario de un crimen pasional. Al quedarse dormido (empleando para ello un metrónomo) comienzan los famosos títulos de crédito (una soberbia pieza de video arte que anticipa el tono, el aspecto visual y la oscuridad del relato), que bien podrían ser una pesadilla premonitoria del propio Somerset…o una pesadilla del propio Mills, pues al terminar los créditos, se despierta el personaje de Pitt.

David Mills se despierta. Toma café, no como Somerset, que lo tiró al fregadero en su secuencia inicial (y luego lo desdeña cuando se lo lleva al escenario del primer crimen que comparten), elige su corbata de entre varias arrugadas (al contrario que la de Somerset). Una vez se conocen, comienzan a hablar en la calle. Somerset camina tranquilo entre la riada de gente que anda en dirección contraria a ellos, mientras que Mills tiene que ir esquivándolos y termina chocando con alguno. Somerset mantiene la calma, pero a Mills se le ve tenso. ¿Qué expresa Fincher con esta puesta en escena? La comodidad de Somerset en ese ambiente opresivo y el hecho de que Mills no está preparado aún para soportarlo. Esto es una puesta en escena brillante, y la presentación y confrontación previa de ambos personajes en su intimidad es una presentación excelente de personajes.

Este dúo protagonista, y las motivaciones derivadas de su personalidad, son el motor verdadero de una historia que podría haber resultado mucho más predecible y monótona con unos actores menos entregados, y un director no tan pendiente de sus rostros. La aparición final de Kevin Speacy como ese ángel de la muerte indestructible, es una creación escalofriante de un intérprete singularísimo, guiado con astucia por Fincher, que le empuja a un gran esfuerzo en el clímax final. En él la sorpresa tiene el valor de la catarsis, la transformación del policía en asesino y del psicópata en mártir (un iluminado, casi, dispuesto a limpiar con su talento creativo y carnicero, a la Tierra de los ‘impuros’, los inmerecedores) arrancando del espectador las últimas gotas de seguridad que podían quedarle.

La conclusión deja un sabor amargo en el paladar, como una cumbre emocional que no es la esperada pero que aún así se agradece por el descanso ante tanto horror. El montaje, magistral, de Richard Francis-Bruce; la música, vanguardista y fuera de parámetros, de Howard Shore, se han encargado de despojarnos de toda esperanza, nos han sometido a la prueba más dura. El cine recobra su capacidad para convertir los terrores de la sociedad del presente en una ficción, que es una parábola de la inseguridad ciudadana, de la imposibilidad de las fuerzas del orden para sofocar el lado siniestro de la humanidad. El ‘mal’ y el ‘bien’ se funden en un instante, indisociables. Ya no hay luz ni tinieblas, sino todo lo contrario.

Fincher se redime con una película que es todo lo contrario a ‘Alien 3’: sólida, bien escrita, sugerente. Por fin puede dar rienda suelta a su personalidad, abarrocando con sobriedad inusitada los recovecos truculentos de una trama imposible, planificando a lo Welles, a lo Ray, dando un salto de gigante en una filmografía que se adivinaba mediocre, prescindible. Quizá ‘Se7en’ no sea la obra maestra (qué expresión tan manida, anhelada y desaprovechada) que muchos pretenden que sea (otros no), pero no importa. Su intensidad, su expresividad netamente cinematográfica queda ahí, como uno de los ejemplos de género más auténticos y sorprendentes en muchos años de cine. Fincher se había hecho autor a base de detallismo y pasión.

Convertido en director estrella, sus próximos movimientos serían más dificultosos y resbaladizos de lo que quizá él mismo hubiera imaginado. Pero la vida artística nunca fue un camino de rosas para Fincher, aunque muchos puedan creer equivocadamente que sí...

En Blogdecine:

• David Fincher: Mundo de Tinieblas

• David Fincher: ‘Alien 3’