Cada vez es más difícil pensar en algún tema que no haya sido abordado en alguno de los muchos documentales que se hacen cada año. ¿Quién iba a esperar hace no tanto que un documental fuese una celebración del éxito de una película por ser horriblemente mala? Pues ya vistéis hace unas semanas cuando os hablé de ‘Best Worst Movie’ que esa laguna ya está perfectamente cubierta. Sin embargo, eso no quiere decir que se dejen de elaborar presuntos documentales que no son más que una forma cutre de promocionar una película (¿Quién no ha visto varios documentales incluídos en lass ediciones en dvd/blu-ray de alguno de sus títulos favoritos que no eran más que una chufla donde se dedicaban a piropearse todos entre sí?), artista, evento, ciudad, etc. Sin duda, esto es algo que quita mucha credibilidad al género, y aunque siempre me ha resultado fácil distinguir unos de otros, eso no ha impedido que me haya tragado tomaduras de pelo como ‘OT, la película’.

No obstante, hay ocasiones en las que un documental (o película) tiene todo en su contra para que pueda interesarte lo más mínimo. Puede ser que odies sobremanera un género cinematográfico (por ejemplo, mi hermana no soporta los westerns), tengas unas convicciones morales muy fuertes (me han llegado a hablar de alguien que sólo disfruta de una película con animales si estos no sufren ningún tipo de maltrato) o simplemente te cigue tanto el desprecio hacia uno de sus principales implicados que seas incapaz de tomarte en serio el proyecto. Eso es lo que me sucedía con ‘Justin Bieber: Never Say Never’, porque mi odio hacia el cantante de esa espanto pegadizo llamado Baby llegaba a unos límites similares a poder decir que me daba alergía su mera existencia, pero eso es algo que este documental ha ayudado a a cambiar.

Es obvio que ‘Justin Bieber: Never Say Never’ nos cuenta la ascensión desde el anonimato de este cantante canadiense, pero lo hace de una forma que no parece una tomadura de pelo como cuando salen biografías de personas que ni siquiera han llegado a la treintena. No, este documental lo que hace es tomar como referencia un concierto, a la postre mítico (recordad que mítico no equivale a bueno) en la carrera de Bieber, para ir explicando su ascensión al estrellato. Desde sus inicios cantarines desde muy joven hasta la gran estrella que es en la actualidad. Obviamente, la importancia de youtube en su carrera es tratada con el peso que requiere, ya que fue haciendo versiones de temas de otros artistas como consiguió llamar la atención de la industria discográfica. Creo que sólo con decir que el vídeo de Baby ha superado ya las 675 millones de visitas en youtube ya es indiscutible que Bieber puede que sea un cantante de talento ausente, pero también una de las personas más importantes sobre la faz de la tierra en la actualidad.

Una de las dificultades a las que se enfrentaba este documental era encontrar un director que no se limitase a hacer una obra propagandística y la elección de John Chu tampoco incitaba a tener grandes expectativas. Y es los principales trabajos de Chu hasta la fecha eran las dos primeras secuelas (el próximo año se estrena la cuarta entrega) de ‘Step up. Bailando’, y eso podía servirle como carta de presentación para hacer un documental con un tema musical, pero también para seguir espantándome. Se ve que no he sido el único sorprendido con el trabajo de Chu, ya que su próxima película es la prometedora ‘G.I. Joe: Retaliation’ (a mí la idea de una película de acción con Dwayne ‘The Rock’ Johnson y Bruce Willis siempre me resultará interesante a priori). Sin embargo, en lo concerniente a ‘Justin Bieber: Never Say Never’ hay que decir que realiza un gran trabajao, ya que esquiva el servilismo a las actuaciones musicales de Bieber (no os voy a mentir, hay unas cuantas, pero eso es inevitable) y realiza un meticuloso análisis de la figura del protagonista. De hecho, no tiene problema en incluso dejar en la película una situación que el propio Bieber comenta si puede quitarla después ya que lo deja en mal lugar. Me arrepiento de no haber visto el montaje extendido del documental, ya que seguramente incluya otros interesantes momentos de reflexión que no le dejaron meter en su versión para cine.

Sobre lo que nos cuenta ‘Justin Bieber: Never Say Never’, es lo que es. Si odias a Bieber, como me pasa a mí, no vas a pasar a adorarlo y convertirte en un fanboy de su música, pero sí un brillante retrato de su carrera. No faltan las declaraciones de amigos y familiares (conmovedora la presencia de su abuelo) y de otros famosos que han sido esenciales en la carrera de Bieber como Usher (esencial en el paso del cantante de estrella de youtube a figura mundial de la música) o Miley Cyrus, que, contra pronóstico, revelan cosas que uno no podría esperar en un producto como éste. Tanto es así que el documental ha conseguido que deje de odiar a Bieber. Es posible que su música sea espantosa, pero ‘Justin Bieber: Never Say Never’ humaniza su figura e incluso consigue emocionar a los que no son fans declaraciones del cantante, ya que se logra crear empatía hacia él por asombroso que pueda parecer.

En definitiva, ‘Justin Bieber: Never Say Never’ es un documental que lo tenía todo para que acabase odiándolo y ya me pareció un milagro que hiciese caso a varias de las críticas positivas (hasta consigue un aprobado en rottentomatoes) y me animase a ver y descubrir esta pequeña joya que está siendo odiada de forma injusta. Sí, el repelente de Justin Bieber es el principal protagonista del documental, pero éste no es un publireportaje como ha sucedido en muchos otros trabajos de este estilo, sino un minucioso análisis de las causas de que tenga una popularidad casi equiparable a la de Jesucristo, pero también de su lado más humano. La gran sorpresa de este 2011 que está a punto de acabar, y no se lleva las cinco estrellas porque sigo sin aguantar su música y ésta, obviamente, tiene mucha importancia en ‘Justin Bieber: Never Say Never’. Ahora vivo con miedo de que hagan un documental sobre Pitbull (para mi gusto está haciendo más por destrozar el panorama musical que Bieber) y pueda gustarme también.

Aquí os traigo los resultados de la última encuesta, centrada en la música de las películas. Por supuesto, hay numerosas bandas sonoras sublimes, canciones memorables y compositores excepcionales, y decidir cuál es mejor no solo sería algo absurdo, también innecesario, yo prefiero verlo como un juego, una excusa para repasar, recordar, opinar y debatir, nada más. Dicho esto, vamos a echar un vistazo a las opciones más votadas:

• ‘Pulp Fiction’ (1994) tiene la mejor banda sonora (soundtrack) del cine. La selección musical del film más famoso de Quentin Tarantino (por el cual ganó la Palma de Oro en Cannes) se llevó el 17% de los votos, un 5% más que la de ‘Amélie’ (‘Le fabuleux destin d´Amélie Poulain’, 2001); la banda sonora de ‘Forrest Gump’ (1994), curiosamente del mismo año que ‘Pulp Fiction’, quedó tercera con el 10%.

• ‘Knockin´ on Heaven´s Door’ es la mejor canción original incluida en una película. El tema de Bob Dylan para ‘Pat Garrett & Billy the Kid’ (1973), uno de los mejores trabajos de Sam Peckinpah (en mi opinión es el mejor), fue votado por el 14% de los lectores, superando a ‘Moon River’ (Johnny Mercer, Henry Mancini, Audrey Hepburn), ‘Ghostbusters’ (Ray Parker, Jr.) y ‘Streets of Philadelphia’ (Bruce Springsteen); curiosamente, las tres canciones quedaron empatadas con un 10% de votos.

• ‘La guerra de las galaxias’ (‘Star Wars’, 1977) tiene el mejor “score” del cine (la música de fondo que acompaña y subraya la imagen). La partitura de John Williams se lleva el triunfo en esta categoría con facilidad, alcanzando el 28% de votos. El 14% de los lectores se decantaron por la música de Nino Rota para ‘El padrino’ (‘The Godfather’, 1972), y el 8% eligió la de Ennio Morricone para ‘La misión’ (‘The Mission’, 1986).

• John Williams es vuestro compositor de cine favorito. El 29% de los lectores votaron por el autor de la música de títulos como ‘Superman’, ‘En busca del arca perdida’ o ‘La lista de Schindler’, entre otras; no os perdáis el vídeo que os dejo abajo, pone la piel de gallina. Ennio Morricone (‘El bueno, el feo y el malo’, ‘Érase una vez en América’, ...) quedó en segundo lugar con el 21% de los votos y Hans Zimmer (‘La roca’, ‘Origen’...) completa el podio con el 18%.

Y eso es todo. ¿Qué os parecen los resultados? Por mi parte, es la primera vez en la que estoy de acuerdo con todo, recalcando una vez más lo dicho en el primer párrafo, que no se trataba de sentar cátedra. No dudo que haya bandas sonoras tan buenas o mejores que la de ‘Pulp Fiction’ ni digo que Williams sea el mejor compositor que ha trabajado en cine, pero sí son las dos opciones que votaría en esta encuesta, ayer, hoy y mañana, porque el CD de la película de Tarantino lo he escuchado miles de veces y Williams firma la música de varias de mis películas favoritas, aquellas que despertaron mi amor por el cine.

PD: Próxima encuesta, ¿terror o comedia?

Con bastante retraso, algo a lo que ya debéis estar acostumbrados aquí, os traigo una nueva encuesta en Blogdecine, la 15ª ya. Aunque sé perfectamente que algunos estáis pidiendo desde hace tiempo cuestionarios centrados en los géneros de terror y de comedia (el próximo estará dedicado a uno de los dos, lo prometo), creo que el tema que he elegido para esta semana os va a interesar a todos: la música de cine. ¿Qué película tiene la mejor banda sonora? ¿Quién es vuestro compositor favorito? ¿Cuál es la mejor canción incluida en una película? Estoy deseando saber vuestra opinión. ¿Qué sería del cine sin música?, preguntó un locutor de Onda Cero a Alberto Abuín el verano pasado, y mi estimado compañero respondió enseguida: “Sería mudo”. O una obra de Michael Haneke, podría haber añadido. Pero es cierto que cuesta imaginar el cine sin música, a mí me resulta raro estar viendo una película en silencio, oyendo todo tipo de ruidos que me despistan de lo que sucede en la pantalla, pero desde luego lo prefiero a estar escuchando una de esas cansinas partituras que lo subrayan todo.

Nunca ha sido fácil confeccionar estas encuestas, pero la que os traigo hoy es, junto a la dedicada a las frases de cine, la que más tiempo me ha llevado. Os daréis cuenta de inmediato, cuando empecéis a mirar las preguntas; ha sido complicado preparar una lista de posibles respuestas, esas sugerencias que siempre os hago tras revisar todo tipo de listas en Internet (os animo a echar un vistazo, un día que estéis de buen humor), dejando fuera tantos títulos y tantos nombres importantes. Duele. Como siempre os aclaro (aunque muchos no hagan ni caso), no tenéis que marcar las respuestas que os propongo, para eso está la opción “otro”, donde podéis escribir lo que queráis (con el único límite lógico de atenerse a la pregunta formulada); tampoco tenéis que contestar a las cuatro cuestiones, solo las que os apetezca. Oh, y los musicales no están incluidos, los dejo para otra encuesta. Nada más, os animo a echar un vistazo al cuestionario y abrir un debate sobre la música en el cine:

PD: He buscado “best soundtracks ever” en youtube, y me ha salido esto:

Aseveraría que el estreno en España —mañana, 10 de septiembre— de ‘The Runaways’ está motivado exclusivamente por la presencia de Dakota Fanning y de Kristen Stewart en su cartel. Fuera de eso, el film, escrito y dirigido por Floria Sigismondi, carece de reclamos pues, para empezar, me temo que escasearán, no ya los fans del grupo en nuestro país, sino simplemente las personas que conociesen su existencia. Para continuar, si bien una historia de rebeldía adolescente con algo de sexo, drogas y rock&roll podría tener tirón independientemente de lo célebres que sean los personajes reflejados, ‘The Runaways’ no engancha, es confusa en cuanto a sus propósitos y se pierde en un marasmo de escenas apáticas y poco pertinentes.

Personajes vacíos

El guión se basa en el libro autobiográfico de Cherie Currie, centrándose así en la época en la que la cantante estuvo en el grupo y dando prioridad a los sucesos que a ella le atañían. Dakota Fanning, que siempre ha interpretado a niñas con una madurez de adulta, en este caso encarna a una mujercita que tiene una actitud muy infantil. De la interpretación de la joven actriz no se puede decir nada negativo. Sin embargo, encontramos muchos problemas en el personaje: sería arduo determinar si es una tipa dura o una ñoña, pero no porque su retrato entrañe contradicciones, sino porque sufre una pobre definición.

La adolescente se comporta por inercia y dejándose llevar ante todas las situaciones. Esto puede ser un reflejo de su comportamiento real, pero ayudaría conocer, al menos, lo que Cherie deseaba o rechazaba en su fuero interno. Al carecer, no sólo de iniciativa, sino incluso de gustos u opiniones, convierte en difícil la empatía con lo que le acontece. Los problemas que le aquejan no se ven sino como caprichos de púber y arrebatos de niñata, pero no porque carezcan por sí mismos de fuerza, sino por la forma en la cual están introducidos en el relato, pues con los mismos sucesos, se podría haber alcanzado un poderoso conflicto.

Aunque tengamos el punto de vista de Currie, el protagonismo está repartido entre ella y Joan Jett, quizá porque ésta es productora de la película. Esto consigue disolver y repartir la cercanía entre una de ellas y el espectador que se habría producido si la predominancia hubiese sido única, así como la fuerza emocional que podrían haber tenido los hechos narrados.

En cuanto al resto de las componentes de las Runaways, resulta ridículo ver cómo se las ningunea. Quizá beneficiaría a Sigismondi aprender que no es necesario que un personaje sea principal para que participe en una película. Lita Ford, que ha tenido una carrera más reconocida que la de Currie, apenas disfruta de una o dos frases durante la película y siempre para apoyar una escena acerca de la cantante. Las otras dos son muebles que tocan instrumentos, pues no se les permite siquiera la única frase que se les concede a algunos figurantes.

En la batalla por el protagonismo, vence el personaje de Jett, aun a pesar de que Kristen Stewart aporte menos como actriz que Fanning. Esto se debe a que está retratado con mayor profundidad y a que en ella sí vemos a una persona decidida, que sabe lo que quiere y que lucha por conseguirlo. Personalmente, habría preferido acercarme a lo que cubre la película de una forma más resumida y pasar rápidamente a la etapa en solitario de la autora de ‘I love Rock ‘n’ Roll’ o ‘Bad Reputation’, cuya música, además, era superior a la del grupo —aunque queda claro que el aspecto musical es el que menos importa a las creadoras—.

Unas jóvenes rebeldes a las que se les da todo hecho

Pero incluso si nos quedásemos con la historia de Joan Jett, el film carecería de gancho debido a su total ausencia de conflicto. A los personajes todo les resulta demasiado fácil, todo se lo dan hecho, todo les llueve del cielo. De esta forma, no se existe la tensión por ver si consiguen lo que desean, que es lo que normalmente nos engancha a una historia. Como suele ocurrir en las biopics, ‘The Runaways’ es un conjunto de momentos que se suceden uno tras otro, pero que no están hilados entre sí ni se dirigen a ningún fin.

El tomar un grupo de otra época podría haber servido a la cineasta para hacer un análisis del momento y, si bien esto está apuntado aquí y allá, la profundización en el tema es poca. En algún momento se atisba una crítica contra la explotación de estas jovencitas, ya que la música era sólo una excusa para ofrecer carne al público. Pero el mensaje no se termina de concretar y se pierde cuando, en realidad, la película peca de lo mismo, pues busca el escándalo y el impacto entre los más fácilmente impresionables, dejando la música en un último término.

Una lección para la juventud

Cuando se acerca al final, ‘The Runaways’ se convierte en una lección para las adolescentes sobre lo malas que son las drogas y, siguiendo ese propósito, termina cayendo en todos los esquemas que hemos visto tantas veces en films sobre artistas acabados y hundidos por sus adicciones. El que Cherie Currie, hoy en día, se dedique a rehabilitar chavalas con su mismo problema me permite aventurar —sólo estoy especulando— cómo puede ser el libro: un manual de autoayuda para superar el enganche a las drogas.

La fotografía es bonita y la ambientación es un acierto —los parecidos con las auténticas músicas son asombrosos—, pero eso hace que la directora se recree demasiado en estos logros e incluya escenas que simplemente se aprecian por su belleza formal.

El respeto que pudiesen merecerme las Runaways por lo que significaron para la historia de la música se desvanece con esta revisión de sus inicios, tan carente de fuerza y de interés. Si las había considerado unas heroínas que rompieron esquemas y dejaron claro que el rock no sólo pertenecía a los hombres, ahora las veo —al menos a Currie porque Jett mantiene una dignidad— como niñas asustadizas que se dejaron llevar por una casposa maniobra de márketing.

Mi puntuación:

Como todos sabéis, ‘Nowhere man’ (el hombre de ninguna parte) es una canción de los Beatles cuyo videoclip se puede ver más arriba. Parafraseando este título, la artista visual Sam Taylor-Wood va a dirigir un biopic de John Lennon que se llamará ‘Nowhere Boy’ (el chico de ninguna parte) y que tendrá guión de Matt Greenhalgh (‘Control’).

‘Nowhere Boy’ se centreará en la infancia de Lennon y en su camino hacia convertirse en un icono popular. Cuando John tenía cinco años, su madre, Julia Stanley, tras divorciarse de su marido, lo dejó al cuidado de su hermana Mimi y del marido de ésta, George Smith. Esto convirtió a Lennon en un adolescente solitario quien, ante una vida tan desamparada, tenía como únicas válvulas de escape la música, el arte y su amistad con Paul McCartney.

“Las mujeres que formaron parte de la vida de John durante sus primeros años dieron forma al hombre en el que se convirtió”, declara Taylor-Wood, quien añade “y las flaquezas y fuerzas de estas relaciones serán la parte central de la película”.

Producido por la rama inglesa de Ecosse Films y coproducido por el U. K. Film Council, el rodaje de ‘Nowhere Boy’, como es lógico, tendrá lugar en Liverpool. Se está llevando a cabo el cásting para el papel de John en estos momentos.

La infancia de Sam Taylor-Wood en algunos aspectos recuerda a la de Lennon, por lo que puede ser éste el motivo que la haya impulsado a dirigir una palícula sobre esa etapa de la vida del líder de The Beatles: los padres de Taylor-Wood se divorciaron cuando ella era una adolescente y Samantha se fue a vivir con su madre y su padrastro a una comuna new-age. Cuando cumplió los dieciséis años, su madre la abandonó, lo que le dificultó la entrada en la Escuela de Arte en la que finalmente pudo ingresar.

Taylor-Wood es una de las más aclamadas artistas británicas del momento, ya que sus fotografías se exhiben en el museo Guggenheim, en la National Portrait Gallery de Londres y en las mejores galerías del mundo. Algunos de sus trabajos incluyen filmaciones de David Beckham durmiendo, Elton John o Pet Shop Boys y la famosa serie la serie de fotografías ‘Crying Men’ (hombres que lloran), veintisiete retratos de conocidos actores masculinos (Laurence Fishburne, Sean Penn, Dustin Hoffman, Paul Newman, Willen Dafoe o Robert Downey Jr.) a los que sometió a la prueba de llorar de un modo sincero ante su cámara. En 1998 fue nominada para el Premio Turner.

Fuente | The Hollywood Reporter.

El grupo madrileño Dover ha pensado en una buena estrategia de márketing con la excusa de buscar a una persona que realice su videoclip de ‘Serenade 07’. Quien desee concursar, tendrá que subir su vídeo a Youtube y apuntar la url para luego rellenar este formulario. Si el videoclip es conforme a las bases, estará disponible para que todos los usuarios de la web de Dover, puedan votarlo y comentarlo. Los 10 videos más votados pasarán a la final y, de todos ellos, el grupo elegirá al ganador, que recibirá 2.000 € en metálico.

La canción ‘Serenade 07’ se incluye en ‘2’, el nuevo álbum doble de Dover que supone un viaje creativo por las grandes canciones del grupo a lo largo de toda su carrera.

El grupo de rock madrileño Dover, formado en 1992, está integrado por Amparo Llanos, guitarra y voz; Cristina Llanos, voz y guitarra; Jesús Antúnez, batería, y Samuel Titos, bajo.

Su andadura se inicia en un pequeño sello con el álbum ‘Sister’. Al año siguiente fichan con la compañía independiente Subterfuge Records y publican en 1997 ‘Devil came to me’, álbum que causa una respuesta excelente con 500.000 copias vendidas, además de abarrotar los conciertos. En 1997 Dover obtiene el premio Ondas al mejor grupo revelación español. Dos años después, Dover se ha convertido en el primer superventas de la independencia española en países tan diversos como Alemania, Francia, Italia, Holanda, Grecia y Portugal.

A finales del verano de 1998 llegan a un acuerdo con Chrysalis y consiguen tener su propio sello “Loli Jackson Records”. Comienzan las giras por Europa y EEUU. En 1999 publican su tercer álbum “Late at Night” que consigue un triple disco de platino en febrero 2000. Su gira, continua en México, donde tocarán con Oasis en la capital, concluyendo con su participación en el Festival de Acapulco. Terminan el 2000 con el Premio Mtve Best Local. “I Was Dead For Seven Weeks In The City Of Angels” es su cuarto álbum que se edita en 2001, consigue el número 1 en la Lista Española de Ventas. En el año 2003 editan “The Flame” grabado España con productor americano y en 2006 se edita el nuevo álbum de Dover, titulado “Follow the city lights”.

Fuente | Página web oficial de Dover