‘Martha Marcy May Marlene’, horror cotidiano

Continúo con el repaso a las películas que pude ver en el festival de Cannes 2011; éste es ya el penúltimo artículo. No competía en la sección oficial, pero la estadounidense ‘Martha Marcy May Marlene’ era para mí una de las imprescindibles del certamen. Me cautivó el tráiler, la historia parecía tener mucho potencial, el debutante Sean Durkin había ganado el premio a la mejor dirección en Sundance, donde se destacó la gran interpretación de la también primeriza Elizabeth Olsen, y uno de los protagonistas es John Hawkes, recientemente nominado al Oscar por la película independiente mejor valorada de 2010, ‘Winter´s Bone’. Y me llevé un chasco. No obstante, entiendo perfectamente qué le vieron en Sundance, como también que se convierta en uno de los títulos más defendidos del año, y posible candidata a varios Oscars; Durkin se defiende muy bien con el reparto, que está estupendo, y el guion (también suyo) está construido con cierta habilidad, desvelando poco a poco las pistas justas que permiten resolver el enigma con el que arranca la película, personificado en la chica del título.

Cuenta Sean Durkin en las notas de producción que recibimos diariamente todos los acreditados en Cannes (y que algunos nos empeñamos en conservar, no sé bien por qué, hasta acumular kilos de papel), que cuando buscaba material para su primer largometraje encontró un relato verdadero que le inspiró para empezar a escribir. Leyó que una chica había escapado de una secta para volver con su familia, saliendo el líder del grupo a buscarla; cuando la encontró, lejos de amenazarla u obligarla a volver, le devolvió todo su dinero y le deseó suerte. Este curioso acontecimiento interesó al cineasta porque ofrecía una visión diferente de la que la mayoría tenemos de las sectas, a causa de exagerados retratos cinematográficos basados en arquetipos, pero también le hizo preguntarse cómo sería el regreso para aquella muchacha, tras haber estado viviendo de una manera totalmente diferente a la que consideramos normal. A partir de ahí nació ‘Martha Marcy May Marlene’, un drama con tintes de thriller sobre una joven que intenta recomponer la relación con su hermana mayor, que la acoge en su casa después de perder el contacto durante años; a través de flashbacks que logran transmitir la confusa barrera entre pasado y presente, descubrimos de dónde viene la protagonista y por qué actúa de manera tan extraña, aterrada ante la posibilidad de que alguien la haya seguido.

El mayor problema de la película es que hay muy poca cosa que ocultar, de ahí que Durkin necesite construir un puzle, en lugar de mantener una progresión lineal que dejaría en evidencia el sencillo entramado narrativo que ha creado. Algo que queda en evidencia cuando empiezan a pasar los minutos y apenas ha sido modificada la situación inicial; Martha (Elizabeth Olsen) no puede evitar repasar los intensos momentos que ha vivido en una extraña comunidad machista liderada por un carismático “pater familias” (John Hawkes), mientras Lucy (Sarah Paulson) intenta comprender a su hermana, para desesperación de su marido (Hugh Dancy), que se harta pronto de las excentricidades de la joven. Una vez que se muestran los dos o tres hechos más relevantes, y que tardan en aparecer porque sencillamente no hay nada más, excepto constantes subrayados y alargadas escenas cotidianas, ya tienes todo lo necesario para resolver el supuesto gran misterio que esconde ‘Martha Marcy May Marlene’, descifrable desde mucho antes de lo que deseaba su director. Aun así, se queda uno con la conseguida atmósfera inquietante de las escenas en el granero y con unos actores muy convincentes, sobresaliendo la labor de Olsen y Hawkes.

‘Hanezu’, poesía de baratillo

Ayer destacaba la francesa ‘Hors Satan’ como una de las peores películas que vi en Cannes, un relato hueco lleno de caminatas y silencios, animado solamente por unos golpes de fantasía. El nuevo trabajo de la japonesa Naomi Kawase (que puede presumir de ser la más joven en ganar la Cámara D´Or, premio al mejor debut en Cannes, en 1997 por ‘Moe no suzaku’) encajaría en una definición similar pero me gustó aún menos. Incluida en la sección oficial (había dos títulos japoneses en competición, éste y ‘Hara-Kiri: Death of a Samurai’, decepcionantes ambos), llegué a temer que ‘Hanezu’ pudiera seguir los pasos de ‘Uncle Boonmee recuerda sus vidas pasadas’ (‘Loong Boonmee raleuk chat’, 2010) y fuera galardonada con la preciada Palma de Oro, pero por fortuna el jurado de esta 64ª edición no se dejó engañar por las imágenes supuestamente poéticas y profundas filmadas por Kawase, de esos autores que, quizá por haber sido premiados prematuramente, parecen empeñados en hacer películas con ideas vagas, rellenando metraje con situaciones cotidianas y anodinas, dando forma a productos “artísticos” que deben resultar difíciles, pesados, indescriptibles, para todo aquel que intente buscarles la lógica. Dicho de una manera mucho más simple, ellos pueden presentar un garabato en un museo, que habrá entendidos que lo llamen arte, porque han visto a Dios en ese trozo de papel.

Mientras en el cine norteamericano organizan pases con público antes del estreno para comprobar que se entiende la película (aunque haya diversidad de opiniones sobre su calidad), uno tiene la sensación que cineastas como la japonesa los realizan para justo lo contrario, para asegurarse que la mayoría se ha aburrido y no sabe exactamente qué ha visto. En realidad todo es mucho más simple de lo que parece, cuando uno se olvida de entender todo lo que ocurre de una manera concreta, de acuerdo a las convenciones narrativas, pues Naomi Kawase, como otros muchos artistas, no desean desarrollar una trama o comunicar nada concreto, sino ideas, sensaciones, fantasías, sueños, temores… Basada en la novela de Masako Bando, ‘Hanezu’ habla de influencias ancestrales que se resisten a desaparecer, conviviendo con el presente. La acción tiene lugar en la región japonesa de Asuka, la cuna de la cultura japonesa, donde se están desenterrando las ruinas de una vieja ciudad; mientras las rocas del pasado salen a la superficie, una voz en off nos lee un poema sobre tres montes que antiguamente se pensaba que estaban habitados por dioses, dos de ellos enfrentados por el amor de la tercera.

La amargura y la melancolía de esos deseos afectan eternamente a los habitantes del lugar, y en concreto a una mujer (Hako Oshima) casada que se enamora de otro hombre. El marido (Tetsuya Akikawa) vive de acuerdo con los veloces tiempos actuales, tiene un empleo que le obliga a viajar mucho, compra comida envasada y tiene un pajarillo enjaulado; el amante (Tohta Komizu) mantiene una estrecha relación con la naturaleza, construye cosas con sus manos, cocina su propia comida y deja entrar a los pájaros del exterior, que anidan en el techo de su casa. A lo largo de unos 90 minutos que se hacen eternos, Kawase no hace otra cosa que reincidir en el tema principal, mostrando repetidamente lo que he contado antes, además de incluir numerosas escenas silenciosas centradas en los rostros de los actores, quizá para intentar meternos en sus cabezas; pero lo peor no es que no ocurra nada relevante, o que la directora subraye cansinamente la teoría del poema, sino que se hace incómodo seguir la película por una puesta en escena torpe e irritante, abusando de la cámara en mano y los planos cerrados, pegados a la cara de los intérpretes (el protagonista preparando una ensalada y la cámara fija en la mitad de su cara, una genialidad) o a detalles de los escenarios. No veo mérito en hacer una película como ésta, lo mismo que tampoco se lo veo al cine de Michael Bay.

El festival de San Sebastián ha encontrado en la jornada de ayer suficiente calidad en un título como para congratularse y dejar satisfechos a todos. Un largometraje español, además, ha sido el que ha cosechado el aplauso unánime y ha animado las apuestas por la Concha de Oro 2010.

La película en cuestión es ‘Pa negre’ (‘Pan negro’) firmada por Agustí Villaronga y se trata de un drama contando con rigor, seriedad y con trabajos del reparto que conmueven. Parece que el realizador mallorquín ha dado en el clavo con este trabajo mayúsculo que acumula los calificativos más positivos hasta el momento. Eso sí, para los que suelen acusar al cine español de acudir a los tópicos con ‘Pa negre’ tendrán un nuevo objetivo. Aunque más allá de ello, parece que este relato ambientado en los años negros de la posguerra civil española en una zona rural de Cataluña ha logrado conmover.

La película está basada en la novela homónima de Emili Teixidor pero enriquecida con tramas y personajes que Villaronga ha incorporado, parece que con buen tino, para mejorar la base literaria. Así lo explica el propio Villaronga, hasta ahora un director que se movía en el cine experimental y ha debutado con buen pie en el lado comercial:

La novela me pareció muy contemplativa e interiorizada y por ello le tuvimos que añadir más elementos dramáticos para llevarla a la gran pantalla.

Otro título destacado de la pasada jornada en la japonesa ‘Genpin’ de Naomi Kawase, aunque si bien es cierto que ha cosechado críticas opuestas. Nada nuevo sobre el cielo. Por un lado algunos la tachan de desmerecedora de la sección oficial y otros, por contra, la ensalzan por su sutileza, delicadeza y lirismo que pide a gritos la Concha de Oro. Eso sí, el documental trata sobre un parto, aunque parece que con enorme primor y dulzura, capaz de conmover. Sin duda, parece que mucho más arriesgada y no para todos los estómagos cinéfilos.

Y para terminar, no podemos olvidarnos de otro nombre que ha levantado mucha expectación en San Sebastián. Aunque el misterio que lo rodea también tiene buena parte de culpa. Se trata del documental ‘Exit Throught the Gift Shop’ del popular grafitero conocido como Banksy. Este artista callejero escurridizo, que siempre oculta su identidad y su físico en las escasas apariciones, parece que ha logrado satisfacer con su cinta, que pronto llegará a las salas (se estrena el próximo día 8 de octubre). Resulta una reflexión apasionada sobre cómo el talento para la transgresión es el camino hacia el mérito artístico.

Sitio oficial | San Sebastián Festival

Desde que se inauguró, el día 17, el festival de Cine de San Sebastián, Zinemaldia 2010, una de las conmociones mayores la ha producido la película coreana ‘I Saw the Devil’, sobre la que pudisteis ver un tráiler y leer las opiniones de los críticos.

También ha levantado un tremendo revuelo la presencia de Julia Roberts, que ha recibido el galardón honorífico Premio Donostia. Lo cierto es que, si la actriz ha venido a nuestro país no ha sido con otra intención que la de promocionar, junto con Javier Bardem, la película ‘Come, reza, ama’, de Ryan Murphy. Pero todos los informativos televisivos han picado y se han dedicado a hacerle especiales con montajes de sus films más célebres. Con lo bien que funcionan aquí las estrategias de márketing, por burdas que sean, y que no seamos capaces de utilizarlas para nuestras propias películas.

No me atrae especialmente ‘Come, reza, ama’, ya que su argumento parece aburrido y el espíritu con el que se afrontan los problemas no va nada conmigo. Vamos que, de las tres actividades que sugieren, sólo dos me parecen apetecibles. A pesar de ello, confío en Ryan Murphy, quien ha demostrado ser capaz de introducir elementos originales y puntos de vista novedosos en las series para televisión ‘Glee’ y ‘Nip/Tuck’ —con ‘Popular’, por el contrario, no pude—. Además, me he sorprendido al encontrar en los trailers de ‘Come, reza, ama’ que la película tiene humor, cosa que no me esperaba y que redimiría toda la cursilería que aparenta tener el film.

Otras proyecciones

Se presentó a concurso ‘El gran Vázquez’ que, por lo que se cuenta, no convenció a la crítica. A pesar de ello, sigo pendiente de este film pues, como ya comenté, me da la impresión de que va a estar muy bien. ‘Platillos volantes’, de Óscar Aibar, aunque no era perfecta, tenía grandes hallazgos, un tono muy original y una dirección de actores perfecta.

La esperada ‘Buried (enterrado)’ (‘Buried’), de Rodrigo Cortés, sí ha satisfecho a los asistentes. Ya adelanté, a raíz del rodaje de esta película, que encontrarse enterrado en vida siempre me ha parecido el peor de los destinos. Por ello, cualquier historia al respecto me atrae mucho. Ha habido varias producciones audiovisuales muy buenas con este planteamiento, desde un corto de ‘Alfred Hitchcock presenta’ a los capítulos de CSI que dirigió Tarantino o el mejor de la serie ‘Bones’. Con todo, mi mayor curiosidad con respecto a ‘Buried (enterrado)’ radica en descubrir cómo han mantenido la tensión durante todo el metraje. Promete.

Además, Peter Mullan ha presentado ‘Neds’, mientras Bent Hamer nos ha traído su ‘Home for Christmas’. ‘Elisa K’, de Judith Colell y Jordi Cadena, se presenta hoy a competición en el Festival de cine de Donostia. Desde ahora y hasta el día 25, se podrán ver a concurso ‘Genpin’, de Naomi Kawase (‘El bosque de luto’); ‘Pa negre’, de Agustí Villaronga; ‘Amigo’, de John Sayles, y ‘Addicted to Love’, de Liu Hao, entre muchas otras.

Otros Premios Donostia en Blogdecine | Willem Dafoe y Ben Gazzara (2005), Max Von Sydow y Matt Dillon (2006), Richard Gere (2007), Meryl Streep (2008) e Ian McKellen (2009).

Vía | Página web oficial

La directora proviene del documental, y ése es un enfoque que se nota en toda su filmografía, desde decisiones más evidentes como contar con operadores de cámara que también provienen del documental y el empleo de actores no profesionales, hasta otras mucho más sutiles que tienen que ver con la puesta en escena o el fuera de campo.

‘El bosque de luto’ es una espléndida forma de adentrarse en el más que interesante cine de Naomi Kawase. La película nos narra, con toda la parsimonia que eso requiere, la historia de Machiko, una joven enfermera en un asilo, y la de Shigeki, uno de los ancianos que allí son atendidos. Ambos personajes viven sumidos en una profunda tristeza por la pérdida de un ser querido: su hijo, en el caso de Machiko, y su mujer en el caso de Shigeki.

En vez de cargar las tintas dramáticas, Naomi Kawase apuesta por la sutileza y la sobriedad: la angustia de estos dos personajes es muy contenida y se manifiesta de forma ejemplar en la frase que Shigeki le hace al monje budista que visita al asilo: “¿Cómo sé si estoy vivo?”. El monje le responde con una doble pregunta: para saber si estás vivo hay que saber dos cosas. La primera, y muy fácil, es si comes arroz y condimentos. La segunda, más difícil, es saber si experimentas sensaciones.

A partir de ahí, el destino de Machiko quedará unido al de Shigeki: un día, durante un viaje en coche, el anciano escapará hacia el bosque en busca de la tumba de su mujer, y Machiko lo perseguirá. Comienza un viaje de dos días en el que los personajes tendrán que sentir, que recuperar sus vidas anuladas por el dolor.

La sutileza con la que Kawase filma su relación es magnífica: todo son actos cotidianos que esconden un poderoso subtexto. Todo son elegantes metáforas, como la del río que se desborda mientras el anciano intenta cruzarlo. Machiko le implora, llorando, que no cruce, que el peligro es muy grande. Una vez Shikegi desiste, abraza a una desconsolada Machiko mientras le dice “el río nunca volverá a su fuente”. Una metáfora tan sencilla como eficaz sobre la aceptación de la muerte.

El estilo visual de Kawase es, asimismo, muy acertado. Una peculiaridad de esta directora es su trabajo con el fuera de campo: todos los sonidos comienzan antes de que podamos descifrar cuál es su fuente; los personajes reaccionan ante cosas que no hemos visto. Es la cámara en mano, con su inquietud de documental (aunque para nada mareante) la que nos va descubriendo la realidad que nos rodea. Y me parece la mejor opción para una película que nos quiere contar el redescubrir la vida, y que alcanza la excelencia en su emotiva – e igualmente sutil – escena final.

Si Imamura, en ‘La balada de Narayama’, nos contaba el estoico peregrinar de unas gentes hacia el aceptar su propia muerte, Naomi Kawase, en ‘El bosque de luto’ nos cuenta el peregrinaje hacia volver a descubrir la vida. Una sobria, elegante y emotiva película que incluso dentro de sus lentitud transmite tantas sensaciones que merece la pena.

En Blogdecine | Tráiler y póster de ‘El bosque de luto’, Gran Premio del Jurado en Cannes.

Esta preciosidad de cartel pertenece a ‘El bosque de luto’ (‘Mogari no mori’), de Naomi Kawase, película japonesa que ganó el Gran Premio del Jurado en Cannes y que se estrenará en España el 21 de diciembre.

‘El bosque de luto’ nos cuenta la historia de Shigeki, que vive en una pequeña residencia para jubilados. Se siente cómodo y feliz con los otros residentes y la amable y cariñosa plantilla de la residencia. Machiko, una de las empleadas de la residencia, le presta una atención más especial. Sin embargo ella está secretamente conmocionada por la pérdida de su hijo. Después de celebrar el cumpleaños de Shigeki, Machico decide llevarle a un paseo por el campo. Conducen a lo largo de pintorescas carreteras secundarias pero el coche se queda averiado en una cuneta y deciden abandonarlo y emprender un viaje de descubrimiento juntos. Shigeki está decidido a adentrarse en el bosque, Machiko no puede hacer más que seguirle.

Aquí se puede ver un tráiler:

Fuente | Página web oficial de ‘El bosque de luto’.

Quedan poco más de dos horas para conocer quién será el ganador de la Palma de Oro de Cannes 2007, pero antes falta comentar las dos películas que se presentaron ayer a competición: Mogari no mori de Naomi Kawase y Promise Me This del dos veces galardonado con la Palma de Oro, Emir Kusturica.

Naomi Kawase se llevó la Cámara de Oro hace 10 años con el film Moe No Suzaku y ya había competido en la Sección Oficial con Shara en el 2003. Con “Mogari no mori” narra una historia basada en el duelo, en la que un madre que ha perdido a su hijo ayuda a un anciano a buscar la tumba de su esposa.

En Comme au Cinéma podéis ver un extracto del film, que al parecer gustó bastante pero sin llegar a entusiasmar.

En cambio sobre Promise Me This circulan en la red las opiniones más opuestas, para algunos puso ayer el broche de oro final, mientras que para otros defraudó completamente.

El film, como su título indica, trata de las tres promesas que un nieto hace a su abuelo antes de morir. La primera atravesar las tres colinas que les separan de la ciudad más cercana para vender su vaca Cvetka en el mercado, la segunda comprar un icono y un souvenir con el dinero ganado y la tercera, y más complicada, encontrar una esposa.

En AlloCiné podéis ver también un extracto de “Promise Me This” .

Y ahora si empieza la cuenta atrás ¿Quién creéis que se llevará la Palma de Oro? A mí me da que Auf der anderen Seite (Del otro lado) de Fatih Akin, aunque si acierto será la primera vez…