El año pasado, ganó tanto el Globo de Oro como el Oscar por su brillante interpretación en ‘Cisne negro’. Este año, se ha tomado algo de tiempo para tener un bebé. En consecuencia, no ha sido ha nominada a nada. Realmente patético.

Parece que Natalie Portman ha estado pensando en la broma que hizo Ricky Gervais durante la pasada entrega de los Globos de Oro. Tras el paréntesis obligado en su carrera a causa de su maternidad, la actriz vuelve al trabajo y ya ha elegido al cineasta con el que desea colaborar: el enigmático, reflexivo, espiritual, controvertido, prestigioso Terrence Malick, ganador de la Palma de Oro y nominado al Oscar por ‘El árbol de la vida’. Lo más llamativo es que Portman se ha comprometido con Malick por partida doble, intervendrá en sus dos próximas películas, tituladas ‘Knight of Cups’ y ‘Lawless’. Veremos si le sirve para volver a optar a esos premios que todos decimos que no nos importan.

El primer rodaje será el de ‘Knight of Cups’, donde Portman compartirá escenas con Christian Bale, Cate Blanchett e Isabel Lucas (‘Daybreakers’, Immortals’). De momento no hay más información sobre el proyecto aparte de los actores mencionados y de que comienza a filmarse en verano. Nada más terminar el trabajo en esa producción, dará comienzo el rodaje de la siguiente, ‘Lawless’. En el reparto de ésta figuran Ryan Gosling, Rooney Mara, Haley Bennett, Bale, Blanchett y Portman. Tampoco se han dado detalles sobre la historia de este segundo proyecto, del que, curiosamente, ya hemos visto fotos (e incluso un vídeo) de lo que podrían ser ensayos. Se cree que está centrada en el mundo de una importante figura musical, pero de momento son solo rumores, no hay nada oficial.

PD: En teoría, la intérprete repite su (hueco) personaje de Jane Foster en ‘Thor 2’, que según Tom Hiddleston se filma también en verano. ¿Trabajará Portman en dos películas al mismo tiempo?

Vía | EW

Sé que habrá quien no esté conforme, pero Star Wars seguramente sea la saga de películas más importante de la historia. Ojo, no estoy diciendo que sea la mejor, ya que ni tan siquiera creo que alguna de ellas llegue a ser una obra maestra (aunque como tal no considero ni a 40 películas de las aproximadamente 5.000 que habré visto), pero negar o simplemente restar importancia a su impacto en el cine comercial me parece propio de necios. Ya únicamente por el impacto que dio al merchandising en el cine merecería ocupar un lugar de honor, pero su importancia en el tema de convertir a su estreno en un gran evento, su desproporcionado impacto en la cultura popular y los millonarios dividendos que ha generado para George Lucas creo que ya son suficiente argumento. Sin embargo, el dinero es algo que ciega a muchos, y Lucas no podía dejar de pasar la moda actual del 3D para sacar un poco más de dinero a sus fanboys, y todo lo que sea retocar sus películas es algo que parece gustarle sobremanera al director de ‘American Graffiti’.

Mi compañero Juan Luis ya os informó hace más de un año de forma más detallada de los planes de Lucas, pero el día del reestreno de ‘La guerra de las galaxias. Episodio 1: La amenaza fantasma’ ya está a la vuelta de la esquina y la maquinaria de promoción no iba a andarse quieta. Y es que si hay una cosa que hacía especialmente bien la saga de Star Wars eran los carteles que se utilizaban para promocionar sus películas, algo a lo que ayudó mucho la participación de Drew Struzan. Y este punto es el que ahora sirve para recordarnos que el próximo 10 de febrero llega a los cines la versión en 3D la primera de las seis películas que conforman la saga.

Galería de fotos

(Haz click en una imagen para ampliarla)

No tengo problemas en confesaros que mi interés por ver ‘La guerra de las galaxias. Episodio 1: La amenaza fantasma’ en 3D roza lo inexistente, pero los carteles que se han hecho públicos recientemente sí que me han gustado, en especial el que he utilizado para encabezar el artículo. Eso sí, están lejos del nivel de genialidad que alcanzó Drew Struzan. A estas alturas no creo que tenga mucho sentido recordaros el argumento de la película, ni tampoco que la película tiene como protagonistas a, entre otros, Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd (¿Qué sería de este chaval? Porque su carrera como actor no fue muy longeva), Ian McDiarmid, Pernilla August, Terence Stamp y Ray Park, aunque sí a lo tonto ya he hecho lo segundo. ¿os acercaréis vosotros al cine a ver esta nueva versión en 3D?

PD: ¿Se dejará algún día de tonterías Lucas y venderá en dvd (ya sé que hay una edición en este formato que las incluye, pero es demasiado mejorable como para no quejarme) y/o blu-ray la primera versión cinematográfica de las películas en condiciones? Que él es muy amigo de los cambios, pero yo no.

Vía | Coming Soon

Tras haberos anunciado quiénes han sido los ganadores en las categorías de mejor actriz, mejor actor, mejor película española y mejor cinta de animación, llega el momento de comunicaros a quién han elegido vuestros conlectores como el mejor director de 2011.

Se ha alzado como vencedor Darren Aronofsky, con 572 de los 2362 votos. La cinta por la que se le preseleccionaba era ‘Cisne negro’, protagonizada por Natalie Portman, que también ha sido elegida como mejor actriz por los visitantes de Blogdecine. Aunque no todas las películas de Aronofsky son de mi devoción, en este caso sí estoy bastante de acuerdo con los lectores, ya que este film me ha parecido uno de los mejores del año, como ya indiqué. ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’, 2010), que también protagonizan Vincent Cassel, Barbara Hershey y Mila Kunis, nos habla de una bailarina que desea obtener el papel principal en ‘El lago de los cisnes’. Su coreógrafo, mientras está de acuerdo en que es perfecta para interpretar al cisne blanco, no la ve para el papel negativo del cisne transformado, y le pide que busque en su interior esa maldad. De lo que no se da cuenta el maestro es de que sus indicaciones están desatando un monstruo. A partir de ahí, se desencadena una locura que Aronofsky muestra con una percepción enajenada, que siempre se ubica en el punto de vista de la atormentada bailarina.

El siguiente director que ha recibido más votos de los lectores es Terrence Malick por su película ‘El árbol de la vida’, quien ha obtenido 413, es decir, un 17%. Tras él, con un 13%, está Steven Spielberg y su ‘Las aventuras de Tintín: el secreto del unicornio’, que sí ha sido ganadora en otra categoría: la de mejor película animada. Más abajo podéis contrastar los porcentajes y números de votos obtenidos por cada director y comprobar si opináis que ha hecho justicia o si, por el contrario, estáis en desacuerdo con las elecciones porque vuestro director favorito ha quedado sin representación.

Sigue pendiente de los resultados de las votaciones y, si aún no has participado, recuerda que la balanza se puede inclinar por un solo voto, que esto no son las Elecciones Generales. Todavía quedan por desvelar cuáles elegís como peor película de 2011 y como mejor film del año. ¿Coincidirá este último con el que habéis votado como mejor director?

Pido disculpas por no haber incluido estos gráficos y porcentajes en el post de la mejor película de animación, pero es que, en aquella ocasión, el Google Doc me presentó un problema y el recuento se tuvo que hacer de forma casi manual.

Seguimos con el repaso a lo más destacado del cine de 2011, en opinión de los lectores de Blogdecine. Tras descubrir la identidad del mejor actor del año pasado, el título de la mejor película española y el de la mejor película animada, vamos ahora con los resultados de la encuesta a la mejor actriz de 2011.

Y no podía ser otra que Natalie Portman, la gran favorita gracias a su intenso papel en ‘Cisne negro’ (‘Black Swan’), un trabajo premiado con un Oscar que también dio origen a una amarga polémica cuando se supo que ella no participaba en todas las escenas del film, siendo sustituida por una bailarina profesional en algunas escenas de danza. Pero el controvertido largometraje de Darren Aronofsky es solo uno de los cinco que se estrenaron en España durante 2011 con Portman en el cartel. Los otros fueron ‘El amor y otras cosas imposibles’ (‘The Other Woman’), ‘Sin compromiso’ (‘No Strings Attached’), ‘Thor’ y ‘Caballeros, princesas y otras bestias’ (‘Your Highness’), trabajos donde la intérprete ofrece su versión más plana y desganada.

Pero vayamos ya con los datos y las otras actrices que integran vuestro “top 5” de 2011. Portman triunfa claramente con el 39% de los votos (1296 de 3336); Emma Stone queda en segundo lugar con el 13% por sus papeles en ‘Crazy, Stupid, Love’ y ‘Criadas y señoras (The Help)’; tercera es Jessica Chastain gracias al 11% de los lectores, que la votaron por su trabajo en ‘La deuda’ (‘The Debt’), ‘El árbol de la vida’ (‘The Tree of Life’) y ‘Criadas y señoras (The Help)’; con el voto del 8%, Kirsten Dunst queda en cuarto lugar por su interpretación en ‘Melancolía’ (‘Melancholia’); y quinta con el 7% de los votos ha sido la jovencísima Elle Fanning, a la que hemos podido ver en ‘Super 8’, ‘Somewhere’ y ‘El Cascanueces 3D’ (‘The Nutcracker in 3D’). ¿Qué os parecen estos resultados?

PD: El siguiente post desvelará el nombre del mejor director de 2011. Todavía podéis votar tanto en esa encuesta como en las de peor película y mejor película.

Lógicamente, los problemas de la película están en el tercer acto. Es decir: resolver de una manera convencional las razones por las cuales un personaje femenino, inteligente y fuerte no quiere mantener una relación monógama con el personaje de Ashton Kutcher y llegar al punto, consabido y tópico, en el que el chico ha conocido a la chica, la ha perdido y, claro, la ha recuperado. El esquema es sencillo y las protestas en este caso se deben a la escasa lógica del personaje de Portman. Pero hubo ya allí gags que llamaron mi atención, grandes bromas y un interés poco habitual en deslocalizar el centro de la inmadurez de él a ella. Por otra parte, la película me sorprendió en su primer acto.

Lejos de ser dos chicos de satisfactoria clase media que prosperan, la película dibujaba a dos personajes realmente disfuncionales. Kutcher encajaba muy bien en el rol de Adam Franklin, el hijo anulado de una estrella de cine (Kevin Kline) reticente a su edad y con una relación muy confusa con su jefa (Jennifer Irwin, gloriosa). Y Portman encarna a una doctora llamada Emma cuyo primer contacto con Adam es pedir que vayan al funeral de su padre y cuyo encuentro breve, con ambos con otras parejas, me resulta interesantísimo porque retrata la extrañeza con la que dos personas, entre las que pudo haber algo y no hubo nada, pueden reencontarse y verse cambiados y crecidos e incluso finalmente interesantes. Es un momento pequeño de una película que no se satura de clichés, pero tampoco prescinde ellos, y, sin embargo, es un momento agradecido. Como también el encuentro que detonará su relación sexual: Adam es abandonado por su novia y, borracho, se dedica a llamar a todos sus contactos de móvil. Finalmente, despierta desnudo, tras un espectáculo ebrio y lamentable, en el sofá.

Pero ha sido ‘New Girl’ (2010-) la serie en la que los talentos de Meriwether han brillado. Para empezar, ha dado al secundario de su vehículo romántico para Kutcher y Portman un papel de enjundia: Jake Johnson encarna a Nick, lo opuesto a un galán romántico e incluso a un tipo apriorísticamente aceptable. Mientras que el peso de la serie recae sobre una encantadora Zooey Deschanel, el gran descubrimiento de sus episodios, además de un endiablado ritmo narrativo capaz de contar tres actos en veinte minutos y tener tiempo para un encadenado de bromas brillantes, es como Meriwether se confirma como cronista costumbrista de una masculinidad ya sin miedo o sin remedios o sin remilgos para ser abiertamente patética.

Contrasta esta serie con, por ejemplo, la estupenda ‘Mad Men’ (2008-), que digamos que revive un período, los años sesenta, en el que el Macho y su expresión quintaesencial, el traje y la potencia sexual, permanecían indiscutibles. La serie de Weiner es tan brillante que incluso su héroe, Don Draper, termina cuestionado en su cuarta temporada, pero eso es otra historia. El secreto de la serie son sus tres personajes masculinos, además de Nick, tenemos a Schmidt (Adam Greenfield) y Winston (Lamorne Morris), ambos perfectos ejemplos de como las actitudes presuntamente viriles traen más de un problema (social, psicológico) notable.

Hay un episodio desternillante en el que Winston es incapaz de descifrar las referencias a la cultura pop de su jefa, porque ha pasado todo su tiempo jugando a baloncesto en Europa del Este, y se dedica a estudiar detenidamente todo lo que ha ocurrido en el mundo reciente. En otro, Schmidt tiene problemas con su jefa porque le obliga a vestirse de Santa Claus sexy y en otro compite con una comapñera con el ascenso para ver quien es más divertido y fiestero. Lo sorprendente de Meriwether y de su equipo de guionistas es el escaso interés en dibujar personajes respetables y que resulten simpáticos más allá del personaje de Deschanel, tal vez alter ego de la propia Meriwether y si no fuera por el registro interpretativo de la actriz, es muy posible que resultara una neurótica insoportable. Es admirable, pues, que se empiece a escribir una comedia llena de flato, llena de miseria y llena fracasos y cambios, también desde una perspectiva femenina, más allá del registro importante fundado por Judd Appatow. La historia sentimental del siglo XXI no es otra cosa que la revelación de estos elementos, antes convenientemente disfrazados.

Continuamos con el repaso a lo más destacado que nos ha dejado el cine de 2011, en opinión de los lectores de Blogdecine. Tras las encuestas de mejor película, mejor director y mejor actor, os traigo ahora la de mejor actriz. Así que, ¿quién ha sido la mejor intérprete del año?

Nunca es fácil elegir lo mejor de todo un año cinematográfico, pero creo que con las interpretaciones es todavía más complicado. Yo sé cuál ha sido la película que más me ha entusiasmado (y por tanto, el mejor director), pero no tengo claro a quién votar en mejor actor o mejor actriz. Hay tantos intérpretes que han bordado sus papeles… Y eso que solo vamos a tener en cuenta los estrenos en España durante 2011; no es posible votar en esta encuesta, por tanto, a las protagonistas de ‘My Week with Marilyn’, ‘Albert Nobbs’ o ‘La dama de hierro’ (‘The Iron Lady’), que están en todas las quinielas al Oscar de este año en la categoría de mejor actriz.

Como en otras ocasiones, quiero aclarar que las diez propuestas que aparecen en el cuestionario que tenéis más abajo no son las únicas opciones disponibles, son solo sugerencias que he incluido después de consultar a mis compañeros editores y a los lectores que han participado en el correspondiente post de Respuestas. Recordad que tenéis el botón “otro” para escribir el nombre de vuestra actriz favorita si no aparece en la lista. Y sin más, os animo a dar vuestra opinión.

PD: El siguiente cuestionario estará centrado en la mejor película española de 2011.

Marvel Studios ya ha elegido al nuevo director que se debe hacer cargo de ‘Thor 2’. A mediados de octubre, se anunció que Patty Jenkins (‘Monster’) dirigiría la secuela, pero la semana pasada la realizadora abandonó el proyecto por diferencias creativas con el estudio. Desde entonces se han barajado dos nombres, Daniel Minahan y Alan Taylor, siendo este último el favorito de los ejecutivos de Marvel. Al parecer, su fichaje es cuestión de tiempo.

Taylor se ha ocupado de la puesta en escena de tres largometrajes y ha trabajado mucho en televisión, destacando su firma en capítulos de exitosas series como ‘Mad Men’, ‘Boardwalk Empire’ y ‘Juego de tronos’ (‘Game Of Thrones’). Cabe señalar que a la llegada del realizador estadounidense se sumará la contratación de otro guionista todavía por concretar que deberá reescribir el guion actual, obra de Don Payne; los candidatos que se barajan son John Collee, Robert Rodat, Sheldon Turner y Robert Avary. Sin director y con el guion por corregir, parece complicado que puedan cumplir con la fecha previsto para el estreno, el 15 de noviembre de 2013, teniendo en cuenta el largo proceso de post-producción que suelen requerir estas películas.

Está confirmada la participación de Chris Hemsworth, Natalie Portman y Tom Hiddleston, y se supone que Anthony Hopkins, Ray Stevenson, Joshua Dallas, Jaimie Alexander y Tadanobu Asano también volverán al reparto de la secuela, de momento no se ha dicho lo contrario y tampoco se habla de rostros nuevos. ¿Esperáis con interés ‘Thor 2’ o ya tuvisteis suficiente con la primera?

PD: ‘Thor’ recaudó cerca de 450 millones de dólares en todo el mundo.

Vía | Comicbookmovie

Se podría decir que la filmografía de Luc Besson es irregular. Antes afirmaría que nos encontramos ante un director al que le gusta probar cosas diferentes y aproximarse a géneros o intenciones muy diversas y al que algunas cosas le salen y otras, no tanto. Aunque en Francia pueda tratarse del cineasta y del productor más norteamericano, no solo porque ha trabajado con idea de estrenar su cine en EE. UU., sino también por el tipo de películas que escoge; a pesar de ello, decía, se aprecia en su modo de realizar un espíritu sumamente francés, que se ve en los tempos detenidos y en la elección de planos o encuadres, pero también en la caricaturización de los personajes, en el diseño de producción, etc… y en una valentía en los temas de fondo que podría considerarse más europea. Podríamos decir que en su cine, Francia se cruza con EE. UU. y en la película que nos ocupa, ‘El profesional (Léon)’ (‘Léon’, 1994) ocurre más que nunca.

Jean Reno, Natalie Portman, Gary Oldman y Danny Aiello interpretan a los personajes de una historia de violencia que, tras presentarnos de forma llamativa —no nos muestra su cara hasta que supone un auténtico peligro— al primero en su oficio de “limpia”, nos muestra cómo los padres y hermanos de la segunda han sido asesinados por el tercero y sus secuaces. Reno, como Léon, no tiene más remedio que acoger a Portman, como Mathilda, en su seno y se resigna a enseñarle a utilizar las armas, a pesar de su corta edad. Pero ella lo que quiere es una venganza en toda regla contra los que mataron a su hermanito de cuatro años. El silencioso y solitario Léon no accede a esa petición y le recomienda que ella misma no la lleve a cabo.

Besson, también guionista de la cinta, escoge una estética cercana a la del cómic, alejada por completo del realismo, presentando a los personajes, especialmente a los antagonistas, de forma muy caricaturesca y acercándonos las acciones con una realización nada transparente. A las interpretaciones algo pasadas de tono –la de Oldman sobre todo—y el vestuario payasesco, se les unen los planos notorios, que dejan ver la mano del cineasta: mucho gran angular, encuadres cenitales, primerísimos primeros planos de angulación no habitual… Besson marca su película de acción como el ganadero sus reses para traspasar la frontera del encargo y dejar claro que tras el entretenimiento hay un autor. La elección de músicas es asimismo muy francesa, con temas pop no siempre adecuados al humor del momento, mezclados con un volumen que los hace muy presentes.

Si ‘El profesional (Léon)’ tuviese todo lo dicho, nos encontraríamos ante una película que habría despuntado sin duda y que en su año –hoy en día puede ser más habitual— llamaría la atención por la tranquilidad con la que se retrata la violencia e incluso la crueldad. Sin embargo, no es nada de eso lo que la hace tan especial o quizá única, sino la inclusión de un tema peliagudo, como es la relación entre los dos protagonistas, que, si bien nunca pasará de una atracción mutua, plantea la cuestión de la pederastia sin medias tintas. Una Natalie Portman de doce años que, a pesar de tener ya entonces un rostro bastante adulto, aún mostraba un cuerpecito infantil, juega a la inocencia y, sin mediar cambio, es capaz de conversaciones adultas y de picarescas provocativas, ante las que el protagonista solo tiene la opción de resistir. Provocaciones que, obviamente, se trasladan al espectador quizá para infundirle la misma duda o solo para dotar al film de un atractivo mayor.

Besson está haciendo equilibrios sobre una línea muy fina en lo que se refiere a las cuestiones morales y no solo por la pugna recién mencionada. Además de eso, presenta en el bando de los buenos a personajes cuyo oficio es matar y que no se arredran al liquidar a inocentes agentes que solo cumplen órdenes y en armar baños de sangre que diezman la población de Nueva York. Con la estrategia ya clásica de que el malo es aún peor como persona y más reprobable en cuanto a su comportamiento, el tema parece resuelto. (Spoiler) Salvo que consideremos que fueron los estadounidenses los que le sugirieron ese final en el que se demuestra la famosa frase de “el crimen siempre se paga” y en el que ella parece reformarse o, al menos, tratar de encaminar sus pasos en una dirección decente (fin del spoiler).

Los montajes

No soy de las que defienden los “director’s cuts” o las versiones extendidas como dogma, ya que en muchas ocasiones considero que la reducción de una película puede beneficiar el conjunto por mucho que se pierdan elementos sueltos de valor –en realidad, habría que ir viendo cada caso para dar una opinión, pero no defendería las opciones de los directores por sistema—. Sin embargo, en el caso de ‘El profesional (Léon)’, nos encontramos ante un remontaje confeccionado, no para dar mayor brío o progresión a una película lenta, sino para limar asperezas en el tema de la pedofilia y, como tal, es un montaje hecho de cualquier manera y, en definitiva, una chapuza.

La duración de dos horas y diez para una cinta de acción, con una trama tan lineal y sencilla, puede resultar excesiva –no sería la primera vez que le ocurre al director que escribió sobre el póster de ‘El gran azul’: “no vaya a verla, dura tres horas” –. No obstante, la intención de aligerarla se podría haber conseguido, si acaso, llevando a cabo una depuración concienzuda de cada una de las secuencias, que son bastante extensas de forma individual. En lugar de esto, el montaje de la versión estrenada elimina bloques enteros en los que Léon y Mathilda ensayan sus golpes y los repiten en diferentes edificios con diferentes víctimas, así como conversaciones entre ellos dos de tono ligeramente subido.

Al eliminar estos largos tramos, la película no se aligera, pero sí se desequilibra y, algo más grave: se pierden varios de eso que en jerga de guion se llaman “plantings” –como la anilla de la granada o el diálogo sobre dormir con un ojo abierto—y, tras eliminar esos “sembrados”, no se elimina su cosecha, por lo que los momentos subsiguientes se aprecian extraños. Al mismo tiempo, el conocimiento entre ellos dos y la progresiva cercanía que va deviniendo en cariño, así como el convencimiento de él de la necesidad de ayudarla, resultan atropellados y precipitados en un montaje que nos ha privado de casi todos los momentos de intimidad.

La versión que se estrenó en cines adolece de un problema grave de montaje. La parte de entrenamiento dentro del hotel, en la que ella aprende el manejo de las armas, limpia los cristales y enseña a Léon a leer y escribir se hace larga. En un montaje en total más extenso esta secuencia habría tenido una duración más cabal en proporción, incluso durando lo mismo de forma absoluta. Pero el montaje “theatrical” queda muy descompensado. La interpretación de Reno, que casi consiste en sorprender con su mera presencia en la versión de cines, en la extendida es mucho más completa y es solo en ella donde se le dan auténticas oportunidades de dejar entrever sentimientos o emociones.

El bloque no es largo únicamente en cuanto a su metraje, sino que también se supone que diegéticamente –es decir, para los personajes—ha transcurrido un tiempo considerable, pues no solo el “limpia” ya sabe leer, sino que le ha dado tiempo a perder unos cuantos encargos. Calcularía que han transcurrido algunos meses. Sin embargo, tras todo ello, Mathilda se acerca a su antigua casa y, no solo la policía sigue vigilante ante una escena del crimen que parece de ayer, sino que el criminal que, como todos sabemos, siempre regresa al lugar de autos, hace acto de presencia tal cual si todo hubiese ocurrido dos días antes. Trampa, torpeza o descuido, no lo sé y lo cierto es que, cuando vi esta película de joven en el momento de su estreno, no caí en ello. Puede ser algo en lo que ni Besson ni su montadora, Sylvie Landra, hayan parado mientes, pensando que ningún espectador repararía en ello y, de hacerlo, no le daría importancia.

En conclusión

‘El profesional (Léon)’ es una película de acción muy bien rodada, aunque de un modo muy particular, considerablemente violenta y entretenida hasta cierto punto. Tiene un ligero toque de humor y se basa en el carisma de sus intérpretes, más como impacto visual que como interpretaciones completas. Pero el elemento que la hace destacar es la inclusión de esa niña ya adolescente, que pasa de ser inocente a moverse como una auténtica Lolita provocando en el personaje del adulto y en el espectador sentimientos que sabe que debe rechazar. Esa valentía a la hora de vivir en la frontera en lo moral, no solo por esta cuestión sexual, sino también por el ejercicio despreocupado de la criminalidad por parte de unos supuestos “buenos”. Si se puede elegir el visionado, recomiendo encarecidamente el de la versión extendida que, aunque pueda hacerse algo largo, tiene un sentido que en el capado –o, podríamos decir, sin alejarnos mucho de la realidad, “censurado”—se pierde casi por completo. Tras todos estos años, la película sigue viéndose muy bien y probablemente sigue siendo la más disfrutable de Besson.

Ahora os toca a vosotros elegir cuál será la próxima película tratada en las “Críticas a la carta”. Dejad vuestras votaciones en comentarios. Gracias.

Mi puntuación:

Sabéis que están en marcha tres producciones sobre Blancanieves: ‘The Brothers Grimm: Snow White’, de la que se está encargando Tarsem (Singh) para Relativity, y que estará protagonizada por Lily Collins; la de Rupert Sanders para Universal, ‘Snow White and the Huntsman’, con Kristen Stewart y Chris Hemsworth, y ‘Blancanieves’, de Pablo Berger, con Maribel Verdú en el papel de la madrastra, acompañada por Ángela Molina, Daniel Giménez Cacho, Pere Ponce, Josep María Pou y dos jóvenes actrices que interpretarán a la protagonista.

Pues, por si fuera poco, la Disney también quiere resucitar a su bella envenenada para contar una historia muy diferente a la que ya nos entregaron en 1937. Esta nueva visión minimizaría la parte familiar de cuento de hadas de los hermanos Grimm para convertirse en una aventura épica de acción con el título ‘The Order of the Seven’ (“la orden de los siete”).

‘Order of Seven’ tendrá lugar en el siglo XIX y nos mostrará siete ronin de distintas nacionalidades y con diferentes técnicas de lucha, que pertenecen a una orden milenaria, pero acabada. Estos guerreros se encuentran en China con una mujer inglesa que es víctima de una maldición ancestral. Esto supondrá para ellos una ocasión para recuperar su gloria pasada y hallar la redención.

Esta versión la dirigirá Michael Gracey, premiado realizador de spots publicitarios y especialista en efectos especiales (‘Happy Feet’). La reescritura de guion más reciente la firma Michael Arndt, responsable de ‘Toy Story 3’.

Gracey comenzará los diseños de los personajes y los storyboards en cuanto firme el contrato. La producción principal de la película podría comenzar el año que viene y el estreno llegaría, como muy pronto, en 2013.

En todos sus aspectos, ‘The Order of the Seven’ me recuerda más a un manga o un anime que a la historia europea que originariamente es. Pero ya sabemos el enorme éxito que tienen las largas épicas japonesas y la influencia que están ejerciendo sobre Occidente, especialmente en animación, por lo que esta mezcla me sorprende bien poco y me atrae bastante. Por otra parte, siete ronin… siete samuráis… Puede que el número sea solo una coincidencia y la idea no vaya por ahí, pero esta historia tantas veces adaptada no deja de ser atrayente para los creadores, así que no sería raro que también quedase algo de eso. En cualquier caso, darle un giro tan gigantesco a un cuento que tenemos tan asimilado, me suena muy valiente y, además, la trama, tal como ha la narran en las sinopsis, tiene visos de poder dar un resultado apasionante y espectacular.

‘Snow and the Seven’

El proyecto lleva fraguándose en la casa Disney desde 2002 con el título ‘Snow and the Seven’. En febrero, se anunció que la dirigiría Francis Lawrence (‘Agua para elefantes’, ‘Soy leyenda’), y se llegó incluso a especular que Natalie Portman podría estar en conversaciones para interpretar el papel de la hechizada, pero estos rumores no se llegaron a confirmar.

El guion, que vivió versiones escritas por Michael Chabon y Jayson Rothwell, entre otros; por entonces, se decía que nos mostraría a una mujer inglesa que se trasladaba a Hong Kong para heredar la fortuna de su padre fallecido y sufría un intento de asesinato por parte de su madrastra, por lo que pedía protección a siete guerreros.

Los cambios que se han introducido ahora tienen la intención de distanciar el proyecto de las tres películas sobre ‘Blancanieves’ que se están llevando a cabo. O, al menos, de las dos que ellos conocen, que son las angloparladas.

Vía | The Hollywood Reporter.

Todo parece estar claro en el gran plan urdido por la Marvel como productora cinematográfica. Cuando Ang Lee lo arriesgó todo ofreciendo una visión muy personal de Hulk —para el que suscribe una de las mejores películas de superhéroes que se han hecho—, muchos no supieron a qué atenerse. A pesar de que la película no fue ningún fracaso, el público en general no quedó demasiado contento con el resultado, quizá porque tenían que esforzarse en pensar, ejercicio menospreciado hoy día. A partir de la correcta ‘Iron Man’ (id, Jon Favreau, 2008), en la millonaria compañía se decidió tener el control absoluto sobre las futuras adpataciones de cualquiera de sus personajes. Así, con las miradas puestas en la próxima ‘The Avengers’ (Joss Whedon, 2012), todas las películas previas a ese megaproyecto están cortadas por el mismo patrón.

Se intentó rehacer en cierto modo a Hulk —a pesar de Edward Norton, un film muy aburrido obra del impersonal Louis Leterrier—, se repitió esquema en la segunda aventura de Tony Stark, con resultados prácticamente idénticos al primer film. Ahora con el Dios del trueno se ha hecho otro tanto de lo mismo, aun contando detrás de las cámaras con alguien de la talla de Kenneth Branagh, experto en Shakespeare, y director de grandes obras como ‘Mucho ruido y pocas nueces’ (‘Much Ado About Nothing’, 1993), ‘En lo más crudo del crudo invierno’ (‘In the Bleak Midwinter’, 1995) o ‘Trabajos de amor perdidos’ (‘Lover´s Labour´s Lost’, 2000), entre otras. Con la taquilla dándole la espalda desde la impresionante ‘Frankenstein’ (id, 1994), Branagh era sin duda el director adecuado para la adaptación sobre Thor. El resultado es otro producto made in Marvel en el que el director ha tenido que plegarse a las necesidades de la productora, aunque en algunos momentos ha logrado conservar algo de lo que le ha caracterizado como autor.

Para la trama de ‘Thor’ se han necesitado nada menos que cinco guionistas, dos de ellos —J. Michael Straczynski y Mark Protosevich—, autores de la historia, y los otros tres —Ashley Miller, Zack Stentz y Don Payne— del guión definitivo. Demasiadas mentes y manos para algo que después de visto no cubre las expectativas, resultando lo más flojo de la película. Evidentemente, estamos hablando de superhéroes, y la Marvel parece tener muy claro que en sus adaptaciones cinematográficas no habrá una profundidad que despiste al personal. Por la contra, tampoco hablamos de un film que trate al espectador como si fuera tonto, y ahí los productores han hecho muy bien al elegir a Kenneth Branagh como director, pues su sobrada valía detrás de la cámara le permiten llevar el barco a buen puerto, a uno en el que no hay que ser demasiado exigentes. Que todos esperábamos más por ser Branagh el director, por supuesto, pero si pensamos en la rentabilidad del producto, tal vez eso logre por fin brindarle a su realizador futuros proyectos en los que exponer sus inquietudes. Sólo nos queda saber si será como artesano fiel y eficiente, o como el pasional cineasta que ha demostrado ser.

Esa pasión se encuentra a ráfagas en esta amable ‘Thor’. Si acaso lo encontramos en sus primeros trepidantes veinte minutos, situados en Asgard, en los que da la sensación de que vamos a ver algo muy grande; en una secuencia entre Jane Foster (Natalie Portman) y Thor (Chris Hemsworth), aquella en la que el dios del trueno le explica a su nueva amiga mortal lo que parece un cuento de niños sobre constelaciones y reinos planetarios con total convicción —en ese instante justo, ella se enamora de él—, y sobre todo en un final que es puro Branagh, aquel en el que se vislumbra lo que esta película pudo haber sido. En ese pequeño y poderoso instante —para el que suscribe, uno de los mejore finales del cine reciente— Branagh respira libre, alentado quizá por ese sentimiento tan típicamente Shakesperiano, motor de todo su cine: el amor. El resto no posee la misma calidad que lo citado, y sin llegar a extremos bochornosos, reflejan a un gran director al que le han cortado las alas. Supeditado como nunca a los efectos digitales que todo parecen absorberlo, Branagh nos regala un Thor efectivo, entretenido, pero con muy pocas dosis de emoción, algo impensable en un director de su talla.

Que estamos ante la peor película de un cineasta con muy mala suerte es un hecho, a la vista está. Uno no termina de entender algunas de las decisiones de puesta en escena por parte de Branagh, a no ser, y me encantaría que hubiese sido así, que lo hiciese adrede, demostrando de esta forma que puede amoldarse a la industria y hacer un perfecto blockbuster del agrado de todo el mundo. Por supuesto esto tiene su precio, y hay que soportar entre otras cosas, que Branagh tuerza la cámara, presentando cada dos por tres planos inclinados de dudoso gusto, indignos de un director capaz de hacer auténticas maravillas con la cámara. Curiosamente, la acción situada en la Tierra parece distanciarse en forma y fondo a lo narrado en Asgard, que indudablemente posee más fuerza. Dos partes bien diferenciadas, una casi soporífera —ese humor chabacano y absurdo—, la otra más vibrante e interesante. Llaman la atención los decorados de Asgard, y sobre todo esa estridente fotografía de Haris Zambarloukos, que tal y como dice Diego Salgado en su análisis de la película, recuerda sospechosamente a ‘Flash Gordon’ (id, Mike Hodges, 1980), y también a la segunda trilogía de Star Wars, por los colorines.

Lo que sí me ha agradado es que Branagh haya sido capaz de convertir a Chris Hemsworth en un actor, pues su Thor posee el suficiente carisma y encanto como para no considerarlo uno de esos personajes planos que tanto abundan en este tipo de cine. Hemsworth pasa con nota el haber dado vida al dios del trueno —papel que repetirá en la citada ‘The Avengers‘—, y a su lado, sorprendentemente se empequeñecen intérpretes del calibre de Anthony Hopkins —una elección extraña, todo hay que decirlo—, René Russo —de adorno—, Stellan Skarsgård —algo desanimado—, y Natalie Portman, que increíblemente carga con un personaje casi innecesario, y cuya química con Hemsworth no es la necesaria. Ni siquiera la morbosa Kat Dennings anima la función, y sólo nos quedan los cameos de Samuel L Jackson —visto después de los largos títulos de crédito finales, cuando el 95% de los espectadores han abandonado la sala— y Jeremy Renner, que adelanta su participación en el film de Whedon. Un casi irreconocible Idris Elba, Clark Gregg, Colm Feore y Tom Hiddleston, en el papel del sustancioso Loki, parecen insuflar más vida a sus personajes que el resto de sus compañeros con la excepción de Hemsworth. De ese cuarteto de amiguetes de Thor prefiero no hablar, porque ahí la película sí que alcanza niveles ridículos, tanto en el diseño de roles como en las interpretaciones.

Menos mal que en su conjunto ‘Thor’ es una película aceptable. Podríamos haber pedido más, mucho más, pero también podríamos haber obtenido menos, muchísimo menos. Todo parece un aperitivo, disfrutable en su justa medida, antes de llegar al gran plato ya comentado, y sobre el que las expectativas están muy altas. El error ha sido enviar a Branagh a encargarse de un aperitivo que ya estaba precocinado en los despachos de la Marvel. Un autor de su impronta merecía más.

Otra crítica en Blogdecine:

• ‘Thor’, la impotencia creadora de Kenneth Branagh